5 Teater dan Gedung Opera Paling Terkenal di Roma – Roma adalah salah satu kota di dunia dengan sejumlah besar teater dan gedung opera yang indah. Ibu kota Italia ini juga populer dengan tarian musim panas kelas dunia dan konser opera yang diadakan di Baths of Caracalla.

5 Teater dan Gedung Opera Paling Terkenal di Roma

toscanaspettacolo – Berikut adalah teater dan gedung opera paling terkenal yang dapat Anda temukan di Roma.

1. Teatro dell’Opera di Roma

Teatro dell’Opera di Roma terletak di pusat bersejarah Roma. Itu sebelumnya dikenal sebagai Teatro Costanzi. Teater ini dibangun pada akhir 1800-an oleh kontraktor Domenico Costanzi. Sejak itu, teater telah mengalami beberapa kali renovasi.

Theatro dell’Opera di Rome terkenal dengan pertunjukan balet, tari, dan operanya. Di antara penampil paling terkenal di seluruh dunia yang telah menggelar pertunjukan di Theatro dell’Opera di Roma adalah Pavarotti, Domingo, Gigli, Caruso, Tito Gobbu, Del Monaco, Maria Callas, Renata Tebaldi dan Marylin Horne.

Di musim panas, teater ini mementaskan pertunjukan opera terbuka yang diadakan di reruntuhan dramatis Pemandian Caracalla. Ini adalah acara yang sangat menyenangkan yang dilakukan di bawah sinar bulan dan bintang yang cerah.

Alamat
Piazza Beniamino Gigli, 7
00184 Roma, Italia

Baca Juga : Teater Marcellus di Italia

2. Teatro Olimpico

Teatro Olimpico awalnya dibangun untuk tujuan melestarikan tempat budaya di Roma. Terletak di Vicenza, bagian utara Italia. Teater ini dibangun pada tahun 1580 hingga 1585 dan diresmikan pada 3 Maret 1585. Pada tahun 2010 identitas kuno teater selesai. Apa yang membuat teater ini hidup dan menarik adalah tradisinya – sistem musik, seni, dan hiburan yang ditawarkannya.

Teatro Olimpico dianggap sebagai warisan besar yang masuk dalam daftar UNESCO sejak tahun 1994. Ini adalah salah satu dari tiga teater Renaisans kuno yang masih ada hingga generasi ini. Teater ini masih mengadakan pertunjukan dua musim. Pertunjukan ini termasuk festival musim semi Il Suono dell’Olimpico dan drama klasik musim gugur. Namun, karena alasan konservasi, teater ini hanya menampung tidak lebih dari 400 penonton per pertunjukan.

Alamat
Piazza Gentile da Fabriano 17
Roma, Italia

3. Teatro Valle

Teatro Valle dulunya adalah gedung opera. Hari ini dikenal sebagai salah satu teater terkenal di Roma. Pembangunan Teatro Valle ditugaskan oleh keluarga Capranica. Dibangun pada tahun 1726 dengan Tommaso Morelli sebagai arsiteknya. Peresmian teater dilakukan dengan pementasan tragedi “Matilde” karya Simon Falconio Pratoli.

Alamat
Via del Teatro Valle
23a, Roma, Italia

4. Teatro Sistina

Teatro Sistina adalah salah satu teater Italia paling berharga di Roma. Pembangunan gedung dimulai pada tahun 1946. Dirancang oleh Marcello Piacentini. Teater ini awalnya diresmikan sebagai bioskop pada tanggal 28 Desember 1949. Namun, gedung tersebut akhirnya digunakan untuk kabaret dan pertunjukan teater. Di antara bintang perdana di Teatro Sistina termasuk Aggiungi un posto a tavola, Attanasio cavallo canesio, Rugantino dan banyak lagi.

Alamat
Via Sistina, 129
00187 Roma, Italia

5. Teatro Argentina

Teatro Argentina adalah teater yang harus dikunjungi di Roma. Ini bukan hanya teater tradisional tetapi juga salah satu teater sejarah paling kuno di Roma. Terletak di jantung kota Roma dan diresmikan pada tanggal 31 Januari 1732. Teater ini awalnya didirikan di atas bagian dari bagian kuria Teater Pompey. Teater kuno ini terpelihara dengan baik dan masih berfungsi meskipun sudah tua.

Teater ini mementaskan persembahan musik selama 1919 hingga 1944. Mereka juga telah mementaskan berbagai pertunjukan dramatis. Selama musim dingin tahun 1944 hingga 1945, teater ini menggelar serangkaian pertunjukan opera yang terutama didedikasikan untuk pasukan Inggris dan Amerika. Itu juga selama waktu ini ketika teater menjadi rumah Teatro Stabile Company. Teatro Stabile Company menyajikan berbagai program termasuk produksi skala besar seperti drama. Saat ini disutradarai oleh Mario Martone.

Alamat
Largo Argentina
52, Roma, Italia

Teater Marcellus di Italia – Teater Marcellus adalah salah satu pemandangan paling spektakuler di Roma yang menggambarkan masa lalu yang kaya dari dua ribu tahun sejarah Romawi. Setiap tahun ribuan pelancong dari seluruh penjuru negeri berkumpul di sini untuk menikmati keindahan yang menggairahkan dari salah satu tempat wisata paling utama di Roma.

Teater Marcellus di Italia

toscanaspettacolo – Teater Marcellus juga disebut Teatro di Marcello. Kaisar Romawi Julius Caesar membersihkan ruang untuk struktur besar pada 13 SM. Namun, dia dibunuh bahkan sebelum pembangunan dimulai. Augustus, Kaisar Romawi pertama yang bangga mengklaim bahwa ia telah menemukan Roma di tanah liat, tetapi meninggalkannya dalam kemegahan marmer, menyelesaikan pembangunan teater.

Baca Juga : Banyak Dana Publik Bukanlah Jawaban untuk Masalah Teater Italia

Setelah menyelesaikan pembangunan teater ini, Augustus mendedikasikannya untuk keponakan kesayangannya Marcellus, tetapi sayangnya Marcellus meninggal di usia muda, dan merupakan orang pertama yang ditempatkan di makam Augustus. Lambat laun, ketika hari-hari roti dan sirkus akhirnya digantikan oleh hari-hari perampokan dan pemecatan, bangunan indah di tepi sungai menjadi sangat menonjol karena posisinya yang strategis. Teatro di Marcello dikomandoi oleh keluarga Fabi yang membangun benteng di atas lengkungan, tetapi kemudian teater menjadi milik keluarga Savelli dan Orsini. Baru pada abad keenam belas teater diubah menjadi palazzo.

Saat ini, jika Anda menatap Teater Marcellus, Anda akan menemukan lengkungan tinggi teater kuno, dinding benteng abad pertengahan dan tambahan yang lebih berkelas dari arsitek dan pelukis Italia Baldassare Peruzzi, yang bertanggung jawab untuk mengubah teater menjadi palazzo Renaisans.

Dalam waktu dekat palazzo kembali dirombak menjadi apartemen mewah sehingga praktis tidak mungkin untuk masuk ke dalam gedung kecuali Anda mengenal salah satu penghuni gedung tersebut. Tapi tidak ada yang perlu dikecilkan karena area arkeologi di sekitar pangkalan biasanya tetap buka pada siang hari. Para pengunjung juga dapat berkeliaran di sekitar lengkungan besar yang tetap tersebar di sekitar sisa-sisa arkeologi dan selama musim panas resital piano diadakan di sini.

Fakta tentang Teater Marcellus

Awalnya, dengan diameter 111 m, Teatro di Marcello menjadi teater terbesar dan sangat penting di Roma Kuno.Awalnya, teater memiliki kapasitas tempat duduk 11.000 hingga 20.000 penonton.
Di mana Teater Marcellus berada?
Teater ini terletak di Via del Teatro di Marcello menuruni bukit dari Capitol menuju Mulut Kebenaran. Letaknya sekitar 15 km dari Bandara Ciampino. Colosseo dan Circo Massimo (jalur B) adalah stasiun metro terdekat.

Waktu Terbaik Untuk Mengunjungi Teater Marcellus

Musim semi adalah waktu terbaik untuk mengunjungi Teater Marcellus di Roma.

Tiket Teater Marcellus

Karena teater dilihat dari pinggir jalan, tidak ada tiket masuk ke Teater Marcellus.

Lebih lanjut tentang Teater Marcellus

Atraksi Terdekat: Piazza del Campidoglio, Ghetto Yahudi, Pulau Tiberina, Foro Boario, dan Fontana delle Tartarughe.

Jangan lewatkan atraksi utama Italia: Menara Miring Pisa , Pantai Amalfi , Venesia , Colosseum , Roma , Portofino , Galeri Uffizi , Pompeii .

Banyak Dana Publik Bukanlah Jawaban untuk Masalah Teater Italia – Teater opera Italia berada dalam masalah besar: seperti yang dilaporkan Wall Street Journal baru-baru ini , penghematan pemerintah telah mengurangi anggaran mereka, dan pada akhir tahun rumah-rumah yang neraca keuangannya tidak teratur tidak akan dapat mengajukan permohonan pendanaan publik. sama sekali.

Banyak Dana Publik Bukanlah Jawaban untuk Masalah Teater Italia

toscanaspettacolo – Opera di Italia sangat bergantung pada dukungan negara: kontribusi publik diperkirakan mencapai 41% dari anggaran di La Scala yang terkenal, dan itulah gedung opera Italia yang paling tidak bergantung pada dana publik. Di beberapa ” enti lirici ” (yayasan opera), seperti yang diketahui dari 14 gedung opera Italia yang terkenal, pendanaan publik menyediakan hingga 88% dari total.

Teater opera Italia semakin kurang mengandalkan dana publik karena pemotongan sejak resesi, tetapi dana swasta gagal mengisi kesenjangan. Dari tahun 2001 hingga 2010, investasi swasta hanya meningkat dari 7% menjadi 8%, menurut data yang dikumpulkan oleh Universitas Bocconi .

Baca Juga : Teater Italia Abad Kedelapan Belas

Satu masalah adalah bahwa menyumbang ke lembaga semacam itu tidak menawarkan banyak keuntungan pajak, dibandingkan dengan negara-negara seperti Amerika Serikat, di mana sebagian besar anggaran Opera Metropolitan New York terdiri dari sumbangan pribadi yang dapat dikurangi pajak.

Tapi ada alasan budaya lain yang berperan: Opera adalah bagian dari warisan Italia, dan ada kepercayaan umum bahwa itu adalah tugas negara Italia untuk membiayainya.

Dan negara bagian Italia memang menginvestasikan banyak uang untuk membantu opera bertahan—sektor ini menghabiskan sekitar setengah dari semua uang yang diinvestasikan pemerintah untuk hiburan .

Investasi Italia dalam hiburan sebenarnya meningkat tahun ini—€406 juta (sekitar $550 juta), dibandingkan dengan €380 juta pada tahun 2013—tetapi masih belum pulih ke tingkat pra-resesi, dan tidak cukup untuk mengkompensasi kerugian besar opera rumah telah terakumulasi selama bertahun-tahun.

Dan subsidi opera negara masih cukup murah jika Anda mempertimbangkan bahwa uang pembayar pajak digunakan untuk mendukung suatu bentuk hiburan yang tetap sangat mahal bagi kebanyakan orang Italia: Tiket paling terjangkau (layak) untuk pergi melihat Giuseppe Verdi’s La Traviata (paling banyak dipentaskan di dunia opera) di Teatro alla Scala di Milan dijual seharga €350, atau lebih dari seperempat dari pendapatan bulanan rata-rata bersih di Italia.

Beberapa masalah opera adalah arsitektural: Teater Italia adalah beberapa yang paling indah dan tertua di dunia (Teatro San Carlo, di Naples, telah dibuka sejak 1737), sehingga mereka memiliki biaya pemeliharaan dan masalah penyimpanan yang tinggi. Mereka kebanyakan hanya cukup besar untuk menyimpan satu set, sehingga tidak mungkin untuk mementaskan opera yang berbeda pada waktu yang sama. Tapi masalah utamanya adalah gedung opera belum memotong biaya operasional dan personel mereka, dan malah mencoba menghemat uang dengan menggelar lebih sedikit opera, membatasi pendapatan mereka dari penjualan tiket.

Satu lapisan perak yang mungkin untuk krisis pendanaan adalah bahwa hal itu dapat membantu gedung opera Italia mereformasi keuangan mereka, dari operasi yang lebih ramping hingga perubahan undang-undang pajak yang akan mendorong sumbangan pribadi. Meskipun perubahan seperti itu tidak akan secara mendasar mengubah sifat hiburan yang mahal bagi produser dan penonton, itu mungkin menawarkan kesempatan yang lebih baik untuk menjaga bentuk seni tetap hidup bahkan jika itu tetap dalam keadaan yang terus-menerus menderita yang mungkin dialami oleh beberapa pahlawan wanita tragis Verdi.

Teater Italia Abad Kedelapan Belas – Pada abad kedelapan belas Italia belum menjadi negara bersatu. Sebaliknya, semenanjung Italia diduduki oleh beberapa negara yang berbeda. Austria menguasai sebagian besar negara, Negara Kepausan menguasai Roma dan daerah sekitarnya, Napoli dan Sisilia adalah kerajaan yang terpisah, dan Venesia adalah sebuah republik.

Teater Italia Abad Kedelapan Belas

toscanaspettacolo – Pada akhir abad itu Napoleon menaklukkan seluruh semenanjung, dan itu menjadi milik Prancis sampai 1814. Namun, banyak budaya Italia terus diekspor ke seluruh Eropa. Komposer dan arsitek Italia bekerja untuk pengadilan di seluruh benua, bahkan ke tempat-tempat yang jauh seperti St. Petersburg, Rusia, yang baru dibangun dengan gaya Italia.

Anda mungkin mengatakan bahwa teater di Italia abad kedelapan belas memainkan biola kedua setelah opera, yang telah sangat populer sejak pertengahan abad ketujuh belas. Kebanyakan penulis naskah drama di Italia juga mengerjakan opera libretto , dan menghasilkan lebih banyak uang dengan menulis untuk opera daripada teater. Metastasio, dramawan Italia serius yang paling penting di awal abad ke-18 , misalnya, lebih memusatkan perhatian pada opera daripada drama langsung.

Baca Juga : 6 Teater Paling Indah di Italia

Pusat teater Italia abad kedelapan belas adalah Venesia, dengan 14 teater aktif, lebih banyak daripada di kota-kota Eropa lainnya pada saat itu. Banyak dari teater ini menghasilkan lebih banyak opera daripada drama, tetapi drama lisan juga berkembang di Venesia. Dua penulis paling terkenal bekerja di Venesia, dan keduanya menulis komedi yang masih sering dilakukan di seluruh Eropa dan AS

Carlo Gozzi dan Carlo Goldoni sama-sama memanfaatkan bentuk populer yang telah mendominasi seluruh benua selama hampir dua abad: commedia dell’arte . Komedi fisik, improvisasi, rendah dengan karakter stok ini, menampilkan kekasih muda yang diblokir dari pengejaran asmara mereka oleh karakter “pemblokiran” yang lebih tua. Pelayan komik (beberapa sangat pintar, beberapa agak bodoh) menemukan cara untuk membodohi si tua dan menyatukan kekasih muda.

Setelah 200 tahun variasi improvisasi pada sebuah tema, pada pertengahan abad kedelapan belas, commedia telah menjadi pengulangan, bentuk lama yang lelah. Dan itu tidak cocok dengan tren sentimentalisme di teater, yang seperti yang bisa Anda tebak sekarang menyebar ke seluruh Eropa. Baik Gozzi dan Goldoni memiliki solusi, secara radikal

berbeda dalam pendekatan; keduanya adalah rival sengit. Mari kita lihat Gozzi dulu. Rekan aristokrat dan konservatif ini menyukai commedia, menganjurkan menjaga topeng yang mengidentifikasi karakter stok, dan bersikeras bahwa setidaknya sebagian dari tindakan tetap diimprovisasi demi spontanitas. Menggunakan topeng dan improvisasi parsial, Gozzi menciptakan plot baru dan fantastis yang dia sebut ” fiabe ” atau “parodi yang fantastis.” Dia menggunakan plot aneh, absurd, dan magis bahwa ia terhubung ke dunia nyata dan saat ini melalui sindiran. Di antara drama Gozzi yang paling terkenal adalah Turandot (kemudian dioperasikan oleh Puccini) dan The King Stag (berdasarkan cerita dari epos India Ramayana ).

Berikut adalah plot rumit dari drama Gozzi lainnya, The Love of Three Oranges , (dioperasikan oleh Prokofiev pada abad kedua puluh):

Seorang pangeran melankolis, Tartaglia, ditakdirkan untuk merindukan Tiga Jeruk, yang disimpan di kastil ajaib. Pangeran mengambil Jeruk, tetapi setelah dia memberikannya kepada pelayannya Truffaldino, keduanya terpisah. Meskipun Truffaldino telah diperingatkan bahwa jeruk tidak boleh dipotong kecuali ada sumber air di dekatnya, dia menjadi sangat haus dan membukanya seorang gadis muda muncul, dan meminta air.

Truffaldino yang ketakutan, yang tidak memiliki air, memotong jeruk kedua agar gadis muda itu bisa minum, tetapi gadis muda lain muncul, meminta air dan keduanya mati kehausan! Truffaldino akan memotong jeruk ketiga, ketika pangeran menemukannya, pergi ke danau, membuka jeruk, dan ketika seorang gadis muda yang cantik muncul, dia memberinya air dari danau – dia hidup kembali! Sepertinya dia seorang putri, dan keduanya berencana untuk menikah, tetapi ketika sang pangeran pergi untuk mempersiapkan pernikahan, seorang gadis Moor yang jahat mengubah sang putri menjadi seekor merpati, dan menggantikan sang putri! Truffaldino menyelamatkan hari dengan mengembalikan sang putri ke bentuk manusia. Tirai!

Gozzi mengolok-olok mode sentimental baru, dan di antara target favoritnya untuk diejek adalah komedi Carlo Goldoni.

Goldoni menulis libretti untuk opera seria dan opera buffo (opera serius dan komik) sepanjang hidupnya, bahkan salah satu kolaboratornya adalah Antonio Vivaldi. Goldoni memulai karirnya dengan menulis soggetti (skenario) untuk kelompok komedian , tetapi dia segera membenci trik lama yang sama yang dimainkan dari waktu ke waktu, dan mulai bereksperimen dengan karakter dan plot. Dia masih menggunakan karakter stok commedia secara ekstensif, tetapi membuat mereka menjadi sentimental dan memanusiakannya . Misalnya, Pantalone, badut tua dan ujung tombak humor pelayan di commedia , dalam drama Goldoni menjadi orang tua yang agak manis, yang terkadang bahkan heroik.

Dalam satu drama putri pedagang Pantalone telah menikah dengan keluarga bangsawan dekaden. Pantalone menggunakan kebajikan dan akal sehat untuk menyelamatkan situasi. Perhatikan bahwa Goldoni bermain di sini pada “perkawinan” antara aristokrasi dan keluarga pedagang kelas menengah. Dia juga menulis sebuah risalah pada tahun 1750 berjudul The Comic Theatre . Di dalamnya dia bersikeras menyingkirkan topeng, dan terutama menyingkirkan improvisasi, menggunakan pidato elegan di atas panggung, dan fokus pada situasi “kehidupan nyata”.

Bukannya drama Goldoni tidak lucu. Tulisannya tentu saja membuat commedia menjadi sentimental, tetapi jauh berbeda dengan com é die larmoyante di La Chaussée. Drama terbaiknya, termasuk The

Hamba Dua Tuan dan Nyonya Penginapan sangat pintar dan sangat lucu. Yang terakhir, Mirandolina, penjaga penginapan yang menyenangkan dan cantik, dirayu oleh seorang bangsawan dekaden dan bangsawan kaya, dan dia sendiri dengan cerdik merayu & memenangkan Cavalier yang acuh tak acuh, tetapi setelah banyak aksi komik di mana nyonya penginapan membodohi para pria, dia akhirnya menikahi pria yang benar-benar dia cintai, seorang pelayan di penginapannya.

Jadi sementara Gozzi bergerak menuju fantasi dan satir dan mempertahankan banyak gaya lama commedia , Goldoni bergerak menuju realisme dan sentimentalitas, dan jauh dari standar commedia . Persaingan antara keduanya bersifat publik dan pahit, dan menyebabkan Goldon meninggalkan Venesia untuk selamanya. Dia mengakhiri hari-harinya di Paris di mana dia menulis untuk Comédie Italienne di ibu kota Prancis.

Setelah abad kedelapan belas, drama Gozzi menjadi ketinggalan zaman sampai ditemukan oleh sutradara avant-garde pada awal abad ke-20. Dalam 30 tahun terakhir, Gozzi telah menjadi sangat populer di teater-teater regional Amerika, terutama di teater-teater yang lebih eksperimental seperti ART di Cambridge Mass. Di ART Julie Taymor merancang produksi The King Stag dan menghasilkan versi The Green Bird off Broadway yang menakjubkan pada akhir 1980-an, yang cukup beruntung bagi Dokter Jack melihat. Secara pribadi, rekan dokter yang baik Norm Johnson mengarahkan produksi yang indah The King Stag di Ithaca College pada pertengahan 1990-an.

Drama Goldoni telah menikmati produksi reguler jika tidak sering di teater regional terbaik Amerika, dan sangat populer di Italia dan di panggung di seluruh Eropa.

Menjelang akhir abad kedelapan belas, satu lagi penulis drama serius patut mendapat pengakuan. Vittorio Alfieri menulis menggunakan tema klasik (salah satu dramanya berjudul Cleopatra ), tetapi ia menggunakan tema ini untuk tujuan patriotik dan politik, sebagai protes terhadap pendudukan asing di Italia. Alfieri dikenal sebagai salah satu penulis Italia pertama dalam mode Romantis, tetapi jarang diproduksi hari ini.

Lebih penting dari dramawan Italia abad kedelapan belas, bagaimanapun, adalah desainer Italia. Renaisans Italia telah menggunakan perspektif paksa dan titik hilang tunggal sebagai dasar untuk desain panggung. Mereka sekarang menghasilkan gaya baru tontonan indah yang menyapu benua. Nama yang paling penting dalam desain adalah Bibiena , keluarga dari Bologna yang penuh dengan desainer. Ferdinando, yang tertua, menciptakan adegan per angolo pemandangan bersudut. Alih-alih satu titik hilang, Ferdinando menciptakan dua atau tiga pemandangan berbeda. Selain itu, Ferdinando membuat bangunan dalam desain setnya terlihat raksasa dengan memperluas tema di luar puncak lengkungan proscenium, tidak membiarkan penonton melihat semuanya. Perasaan dalam scena per angolo adalah ukuran dan kemegahan yang monumental. Anggota keluarga Bibiena lainnya mengambil penemuan baru Ferdinando dalam desain mereka dan melakukan perjalanan ke seluruh Eropa memperkenalkan gaya baru, yang sangat populer di opera.

6 Teater Paling Indah di Italia – Italia memiliki banyak gedung opera bersejarah yang indah, yang sebagian besar masih berfungsi sebagai teater . Penggemar opera dan balet harus mengunjungi setidaknya satu gedung opera dan menikmati pertunjukan langsung di salah satu teater di Italia ini. Musim opera umumnya dari Oktober hingga Maret atau April tetapi pertunjukan di luar ruangan diadakan di musim panas.

6 Teater Paling Indah di Italia

toscanaspettacolo – Ada berbagai gedung opera dan teater yang indah dan terkenal di Italia . Kami hanya ingin menyarankan yang tidak bisa dilewatkan. Tempat-tempat itu harus Anda lihat setidaknya sekali dalam hidup Anda. Apalagi jika Anda seorang pecinta Opera.

1. Teatro La Scala – Milan

Ini adalah salah satu simbol Milan, yang terkenal di seluruh dunia karena prestise besar di bidang artistik: kita berbicara tentang Teatro alla Scala , yang terletak di alun-alun kota yang homonim. Sejarah teater penting ini “dimulai” dengan api: menjelang akhir 1700-an Teater Ducal terbakar dan sebagai gantinya, Maria Teresa dari Austria yang berdaulat membangun struktur baru, menugaskan pekerjaan itu kepada arsitek Giuseppe Piermarini.

Pada tanggal 3 Agustus 1778 , permata seni neoklasik ini secara resmi diresmikan dan untuk acara “L’Europa Riconosciuta”, sebuah karya yang secara khusus disusun oleh Antonio Salieri, dipentaskan. Seiring waktu La Scala dari Milan mengalami beberapa perubahan arsitektur: Napoleon menghapus kotak kerajaan, pada tahun 1807 plesteran dan dekorasi berharga ditambahkan, dan pada tahun 1813 lebih banyak ruang diberikan ke panggung. Selama Perang Dunia II itu dibom dan kemudian dibangun kembali. Berturut-turut itu mengalami renovasi yang luas dan kontroversial pada tahun 2004.

Baca Juga : Sistem dan Transformasi Teater Italia Saat Ini

Rossini , Donizetti , Toscanini , dan Verdi hanyalah beberapa dari komponis hebat yang telah memikat penonton di sini dengan komposisi mereka.

Jika Anda ingin menelusuri kembali sejarah teater yang luar biasa ini, kami menunggu untuk menemani Anda dalam tur enam hari eksklusif di Milan, Venesia, dan Roma: kesempatan unik untuk mengagumi salah satu teater Italia yang paling indah. Meskipun seniman musik klasik terbesar telah mengambil panggung ini, Teatro alla Scala tidak dimaksudkan hanya untuk representasi artistik: ruang itu juga digunakan sebagai ruang dansa. Tidak jarang keluarga bangsawan menjamu tamu mereka di dalam kotak, dan mereka bahkan menikmati berjudi di sana.

La Scala di Milan adalah tempat yang penuh pesona, berkat arsitektur indah yang menjadi ciri khasnya. Tapi apa saja fakta aneh terkait salah satu teater paling terkenal di Italia ini ? Tidak semua orang tahu bahwa di masa lalu tempat duduk warung bisa disingkirkan untuk menciptakan ruang kosong di mana publik bisa dihibur dengan menari, atau bahkan menunggang kuda!

Kios-kios Teatro alla Scala menyembunyikan cerita yang aneh : masing-masing dihias oleh keluarga pemiliknya; semakin kotak itu dihias, semakin kaya dan berpengaruh keluarga yang dikandungnya. Kios nomor 13 menyembunyikan rahasia lain: seluruhnya tertutup cermin, cara licik untuk melihat dan memata-matai setiap sudut teater. Dari kotak hingga hantu: Teatro alla Scala “menampung” arwah para seniman hebat yang telah berjalan di atas panggung; dikatakan bahwa bahkan hantu sopran besar Maria Callas telah memanifestasikan dirinya! Hingga saat ini, La Scala terus menarik suara dan orkestra teratas untuk tampil di panggungnya.

Pembukaan musim di La Scala di Milan adalah salah satu acara sosial yang paling ditunggu-tunggu di kota ini.

2. Teatro La Fenice – Venesia

Sekarang kita menemukan diri kita di salah satu kota paling sugestif di Italia: Di Venesia, tepatnya di Sestiere di San Marco, berdiri teater Italia yang indah dan terkenal Gran Teatro La Fenice .

Sejarahnya dimulai pada tahun 1792 : teater Venesia diwujudkan oleh Antonio Selva setelah penghancuran Teatro di San Benedetto. Mahakarya penyempurnaan neoklasik ini segera menjadi salah satu teater yang paling indah dan dikagumi di Italia: peresmiannya adalah pada 16 Mei dengan pementasan drama “I giuochi d’Agrigento” oleh Giovanni Paisiello.

Kemudian, sejarah Gran Teatro La Fenice ditandai dengan nasib yang menyedihkan: pada tahun 1836 kebakaran hampir menghancurkan bangunan itu, yang segera dibangun kembali oleh para insinyur Tommaso dan Giovan Battista Meduna yang membawanya kembali ke kejayaannya. Sayangnya, kebakaran dahsyat lainnya menghancurkan Grand Theatre , kali ini pada tahun 1996. Tetapi seperti burung phoenix (binatang mitologis yang menyandang nama teater) teater “bangkit dari abunya” kembali bersinar dalam semua keindahannya yang elegan. Rekonstruksi teater dilakukan dengan cermat, memulihkan kemegahan masa lalu: berkat karya pengrajin ahli, Grand Theatre La Fenice dapat didekorasi dengan plesteran dan detail emas yang berharga, seperti pada tahun 1700.

Grand Theatre La Fenice di Venesia telah menyelenggarakan pertunjukan opera oleh para penulis yang telah menandai sejarah: musik Gioacchino Vincenzo Bellini, Rossini dan Giuseppe Verdi telah memikat para penonton aula dengan keindahannya. Hari ini adalah tengara di dunia opera, rumah bagi lebih dari seratus pertunjukan opera setahun, musim luar biasa yang disutradarai oleh direktur artistik terkenal.

3. Teatro San Carlo – Napoli

Teatro San Carlo adalah tempat opera tertua yang terus aktif di Eropa dan salah satu teater paling terkenal di Italia .

Teatro San Carlo Naples didirikan pada tahun 1737. Beberapa produksi balet pertama dilakukan di sini. Ini adalah gedung opera tertua di Italia dan dengan lebih dari 3000 kursi, teater ini adalah rumah bagi beberapa ikon musik dan opera klasik Italia. Opera, balet, dan musik klasik masih dipentaskan di Teatro San Carlo . Simbol kebesaran budaya Napoli yang sangat diinginkan oleh Charles dari Bourbon, dirancang oleh Giovanni Antonio Medrano dan Angelo Casarale. Dengan 184 kotak yang disusun di enam lantai dan 1379 kursi, Teatro San Carlo adalah teater terbesar di Italia. Ada juga museum dalam tahap perencanaan.

Perabotan yang mewah dan elegan serta dekorasi yang indah hanyalah beberapa fitur luar biasa yang akan langsung memukau Anda: Anda juga harus tahu bahwa Teatro San Carlo adalah yang pertama memperkenalkan denah tapal kuda , salah satu elemen gaya utama dari Italia teater gaya . Teater ini telah mengalami beberapa kali renovasi. Arsitek Antonio Niccolini menciptakan façade neoklasik yang mencolok dan menempatkan tiga patung “ Triade della Partenope” pada pedimen. Sayangnya, bencana kebakaran tahun 1816 benar-benar menghancurkan bangunan itu, tetapi Kaisar Ferdinand IV menginginkannya dibangun kembali hanya dalam 10 bulan: hasilnya adalah arsitektur indah yang dapat Anda kagumi hari ini. Sentuhan terbaru diberikan pada tahun 2009 oleh Elisabetta Fabbri yang menciptakan foyer baru.

Salah satu kekhasan teater bersejarah ini adalah akustik yang sempurna , yang diperoleh dengan cerdik berkat pengangkatan langit-langit oleh arsitek Niccolini.

Teatro San Carlo , sama seperti kota Napoli, menyembunyikan misteri dan legenda . Tahukah Anda bahwa teater dan Istana Kerajaan dihubungkan oleh jalan rahasia? Itu dibangun atas perintah raja yang ingin pergi ke pertunjukan tanpa harus keluar ke jalan dan dilihat oleh rakyatnya. Di dinding samping kotak kerajaan, ada cermin miring yang memungkinkan publik untuk mengamati raja: itu adalah aturan tidak tertulis, pada kenyataannya, bahwa tidak ada yang bisa bertepuk tangan atau meminta encore sebelum penguasa melakukannya.

Tidak semua orang tahu bahwa awalnya pelapis Teatro San Carlo berwarna biru dan bukan merah: biru rumah Bourbon diganti setelah penyatuan Italia ketika diputuskan untuk menggunakan merah, warna khas untuk teater pada masa itu.

Ada Teater San Carlo lain , sangat mirip dengan teater Neapolitan: arsitek Josè da Costa e Silva merancang Teatro Nacional de Sao Carlos di Lisbon, menggunakan elemen gaya arsitektur Neapolitan .

“Tur orkestra” San Carlo sangat terkenal dan memperluas prestise teater ke seluruh dunia. Perhatikan juga bahwa Teatro San Carlo adalah rumah bagi salah satu akademi balet terkemuka di dunia, dan di sini pertunjukan balet serta opera sering diadakan.

4. Teatro Massimo – Palermo

Teatro Massimo di Palermo adalah gedung opera terkemuka di Sisilia dan gedung opera terbesar ketiga di Eropa , serta salah satu yang terbaik di seluruh benua. Akustiknya adalah beberapa yang terbaik di dunia . Bangunan berkubah dianggap sebagai tonggak arsitektur dan ditampilkan dalam Godfather (III) karya Francis Ford Coppola . Pertunjukan yang diselenggarakan sepanjang tahun termasuk opera, balet, dan musik.

Tempat yang wajib dikunjungi bagi penggemar musik, pecinta opera, dan pecinta arsitektur.

5. Teatro Regio – Torino

Teatro Regio di Turin adalah gedung opera terkemuka lainnya di Italia yang dipugar setelah dibakar. Teater asli abad ke-19 dihancurkan oleh api pada tahun 1936. Teater ini adalah rumah bagi musikal, drama, balet, dan opera. Awalnya dibangun sebagai teater kerajaan pada tahun 1740, gedung opera di Piazza Castello ini alun-alun yang indah di Torino menampung banyak orang penting internasional, termasuk Napoleon.

6. Amfiteater Veronese

Tempat luar ruangan yang luar biasa untuk menonton pertunjukan, dengan akustik yang bagus (pertunjukan langsung sering dilakukan tanpa mikrofon). Pada dasarnya, Arena di Verona adalah amfiteater Romawi yang dipugar seperti Colosseum di tengah Verona. Itu dibangun pada abad ke-1 Masehi. di bawah bimbingan Kaisar Augustus. Sama seperti Colosseum, Verona Arena juga merupakan rumah bagi permainan gladiator yang menghibur penduduk kota.

Amfiteater Veronese telah berubah fungsi beberapa kali sepanjang sejarahnya: pada periode abad pertengahan, digunakan sebagai tempat eksekusi publik, sementara pada tahun 1600-an menjadi tuan rumah berbagai tontonan, bahkan adu banteng. Verona Arena mulai mendekati opera pada 1800-an , meletakkan dasar bagi sejarah keberhasilannya yang luar biasa. Selama lebih dari satu abad teater terbuka yang luar biasa ini telah secara teratur menjadi tuan rumah bagi lebih dari dua puluh ribu penonton di tangganya yang mengesankan yang berduyun-duyun dari seluruh dunia untuk menghadiri musim opera besar di panggungnya.

Setiap teater memiliki cerita sugestif untuk diceritakan. Kisah Verona Arena terkait dengan mitos pendiriannya . Legenda mengatakan bahwa seorang pria Veronese dituduh melakukan kejahatan serius dan untuk menyelamatkan hidupnya, dia berjanji kepada warga bahwa dia akan membangun teater untuk Verona. Untuk berhasil dalam rencana ini, pria itu menjual jiwanya kepada iblis yang, di malam hari, mengirim iblisnya untuk membangun pekerjaan besar itu. Pria itu, yang menyesali tindakannya, memohon kepada Perawan Maria untuk membebaskannya dari kegelapan. Teater itu hampir selesai, tetapi iblis melarikan diri, meninggalkan teater tidak lengkap, dengan bentuk khas yang dapat kita kagumi hari ini.

Tidak seperti gedung opera lainnya karena lokasinya di luar ruangan kalender opera untuk Arena adalah selama musim panas . Tempat terbuka ini juga menyelenggarakan konser luar ruangan lainnya (musik pop dan tidak hanya itu) selama sisa tahun ini.

Sistem dan Transformasi Teater Italia Saat Ini – Italia adalah negara 1.000 kilometer. Ini adalah jarak yang memisahkan teater kota di kota dwibahasa Bolzano (antara Alpen utara yang tertutup salju) dari teater Yunani Syracuse, di Sisilia selatan (teater terbuka beberapa langkah dari Laut Mediterania), satu yang paling indah di Magna Graecia .

Sistem dan Transformasi Teater Italia Saat Ini

toscanaspettacolo – Tetapi Italia juga merupakan negara dengan 1.000 bahasa. Sejarah Italia berarti bahwa setiap wilayah, bahkan setiap kota, mengembangkan cara bicaranya sendiri. Hanya televisi, sejak 1950-an dan seterusnya, yang berhasil memperkuat bahasa lisan bersama, standar nasional. Tetapi dialek dan bahasa lokal bertahan di mana-mana dan dipraktikkan dengan cepat.

Jadi, tidak mengherankan bahwa Italia juga dapat mengandalkan 1.000 teater yang berbeda dan 1.000 cara berteater yang berbeda dan terus berkembang. Jauh dari sebuah sistem (seperti yang Prancis atau Jerman), adegan Italia adalah aglomerasi di mana peristiwa sejarah, variasi bahasa, tempat penciptaan, ketentuan legislatif kecil dan besar, dan seniman terkemuka mengguncang teater dan penonton mereka dalam kekacauan animasi. .Tidak selalu mudah untuk menganalisis fisiognomi adegan teater ini atau mengamati aliran internalnya.

Baca Juga : Ulasan Teatro Bonci, Cesena 2021: Il Viaggio di G.Mastorna

Cakrawala di mana makalah ini akan disebarkan pendek; kurang dari sepuluh tahun. Dalam periode terbatas seperti itu, kekuatan transformasi mungkin tampak cepat dan mengejutkan, tetapi kemungkinan besar kekuatan-kekuatan itu akan terbukti kurang tajam pada waktunya. Makalah ini akan memberikan penjelasan tentang apa yang terjadi di musim-musim terakhir, tetapi juga perlu merujuk pada fenomena jangka panjang. Tindakan komponen ekonomi (pembiayaan), yuridis (perundang-undangan) dan sosiologis (meningkatkan segmentasi penonton) turut menentukan transformasi bahasa artistik dan hanya dapat diapresiasi dalam jangka waktu yang lebih lama. Hanya analisis jangka panjang seperti itu yang dapat memperhitungkan adaptasi seniman dan publik terhadap inovasi.

1. Dari Negara Bagian ke Teater

Titik awal kami bukanlah acara artistik, tetapi tindakan legislatif. Ditandatangani pada 1 Juli 2014, dan kemudian diterbitkan di Gazzetta Ufficiale (jurnal resmi Republik Italia), sebuah dekrit utama memberikan bentuk baru pada kriteria penugasan FUS ( Fondo Unico per lo Spettacolo , sumber ekonomi utama dengan mana Negara Italia mendukung teater, musik, tari, kegiatan sirkus, dan pertunjukan keliling).

Ini adalah tindakan institusional dan legislatif, tetapi dengan konsekuensi artistik juga. Faktanya:

itu memberikan (semoga) aturan yang langgeng untuk kegiatan teater, yang di Italia tidak pernah memiliki kerangka hukum ( legge-quadro ) tetapi hanya tindakan sementara ( circolari ), dan berdasarkan algoritma matematika (banyak dibahas, untuk mengatakan yang sebenarnya), itu menciptakan kriteria baru, kualitatif dan kuantitatif, dalam pembiayaan komparatif yang disediakan administrasi publik untuk teater tunggal: kriteria tersebut berlaku sejak 1985 (tahun kelahiran dari FUS; lebih dari 30 tahun yang lalu) dan berdasarkan kebijaksanaan artistik komisi.

Dengan cara ini, dekrit 1 Juli 2014 cenderung mengarahkan dan mempengaruhi model baru penciptaan, produksi dan distribusi, mengingat fakta penting bahwa kegiatan teater Italia (bahkan yang disebut “teater independen”) bergantung pada FUS dan/ atau alokasi publik paralel lainnya dari pemerintah daerah, yang dimodelkan pada kriteria FUS.

Keputusan tersebut diterapkan dalam periode tiga tahun 2015–17, dan saat ini berlaku untuk periode tiga tahun 2018–20. Tidak sulit membayangkan bagaimana beberapa tekadnya (penekanan pada pertunjukan multidisiplin, dukungan untuk seniman di bawah usia 35 tahun, aturan baru untuk teater nasional dan untuk kepentingan budaya yang relevan, perhatian pada pengembangan penonton dan pendidikan pemain muda) adalah kekuatan pendorong untuk pilihan yang dibuat oleh perusahaan dan teater saat ini .

Baru pada tahun 2020, pada akhir periode tiga tahun kedua, akan mungkin untuk memahami apakah dekrit tersebut memberikan karakter sistemik pada fluiditas adegan teater Italia. Namun, jelas bahwa kekuatan lain bekerja pada saat yang sama; kekuatan yang sangat artistik dan memiliki energi yang terakumulasi dari waktu ke waktu.

2. Evolusi Arah Panggung

Akhir abad kedua puluh ditandai di teater Italia dengan model regìa kritika (arah kritis). Sutradara seperti Giorgio Strehler (1921–97), Luca Ronconi (1933–2015) dan Massimo Castri (1943-2013) mendefinisikan model pementasan khas Italia. Kritikus registatidak hanya menjadi penjamin terakhir dari berbagai komponen yang terlibat dalam pembangunan sebuah pertunjukan. Sutradara-sutradara ini juga berperan sebagai dramaturg (mereka menerapkan diri mereka pada aplikasi teks yang dramatis), pendidik (untuk para aktor) dan manajer artistik (mereka mengarahkan teater-teater nasional yang paling penting, program-program yang mereka bentuk dengan pilihan mereka) . Bahkan, mereka juga menjadi semacam rekan penulis, bersama dengan penulis naskah, dari karya yang dihasilkan. Kadang-kadang mereka naik di atas penulis dalam visibilitas.

Inilah yang terjadi dalam beberapa karya terakhir Luca Ronconi, sebelum kematiannya, La kesederhanaan ( Modesty , 2011) dan Il panico ( Panic , 2013), di mana kepribadian sutradara lebih menarik perhatian publik daripada dramawan Argentina Rafael Spregelburd (yang saat itu belum begitu terkenal di Italia). Saat ini, model regìa kritika kurang meresap, tetapi karisma artistik Ronconi dan minatnya pada teks non-dramatis (novel, esai ilmiah dan ekonomi) telah meninggalkan bekas yang mendalam pada mereka yang mewarisi warisannya.

Mario Martone dan Antonio Latella adalah dua direktur yang bekerja hari ini dalam nada ini; meskipun ini dimodulasi, dalam kasus Martone, oleh banyak pengalaman paralel di bidang sinema dan opera. Martone mengarahkan teater permanen publik di Roma dan Turin. Dia membedakan dirinya dengan menghadirkan produksi berdasarkan judul non-kanonik, seperti karya berdasarkan tulisan filosofis penyair abad kesembilan belas Giacomo Leopardi ( Operette morali , 2011), dan dengan menggelar rekreasi sastra radikal, seperti Carmen yang sangat populer ( produksi 2015, setelah novel pendek Prosper Mérimée, tetapi seluruhnya berlatar Napoli setelah Perang Dunia Kedua).

Latella telah menyutradarai Bagian teater Venice Biennale sejak 2017 dan telah menerima banyak pujian dengan karyanya tentang pengodean ulang film-film kultus, dari Gone with the Wind ( Francamente me ne infischio , 2011) hingga Die Sehnsucht von Veronika Voss ( Ti regalo la mia morte, Veronika, 2015) atau novel yang sangat populer untuk anak-anak ( Pinocchio, 2017).

Di samping mereka, perlu disebutkan juga direktur generasi sebelumnya, seperti Giorgio Barberio Corsetti (yang diangkat sebagai direktur artistik Teatro di Roma permanen pada 2019), Federico Tiezzi dan Cesare Lievi . Kami juga harus mencatat sutradara lain dari generasi yang sama dengan Martone dan Latella, seperti: Valerio Binasco (sekarang kepala Teater Turin), Arturo Cirillo, dan, sebagai bagian dari penegasan progresif sutradara perempuan dalam teater Italia, seperti tokoh-tokoh seperti Cristina Pezzoli, Veronica Cruciani dan Serena Sinigaglia.

Ada tokoh lain yang hari ini menerima label sutradara di Italia. Namun, modus operandi mereka agak berbeda dari yang dijelaskan di atas. Romeo Castellucci (salah satu pendiri Socìetas Raffaello Sanzio), Emma Dante dan Pippo Delbono tidak cenderung menampilkan teks yang masih ada; melainkan, mereka berkonsentrasi pada penciptaan dramaturgi yang sangat individual dan orisinal.

Pippo Delbono , yang selama ini sering menangani masalah marjinalitas sosialnya sendiri (seperti dalam Barboni / Tunawisma , 1997), baru-baru ini mengangkat hubungannya dengan iman Katolik ( Vangelo / The Gospel , 2015). Dalam karya terbarunya La gioia ( Joy , 2018), penyakit depresinya sendiri adalah kekuatan pendorong artistik. Karya ini mencapai hubungan emosional yang kuat dengan penonton.

Romeo Castellucci membangun skenografi dramatis yang halus, hampir padanan teatrikal dari seni konseptual, di mana aksinya sering diatur dalam lanskap mimpi buruk. Karya-karya seperti itu cenderung sangat mengganggu pemirsa. Produksinya antara lain Sul concetto di volto nel figlio di Dio ( On ​​the Concept of the Face, About the Son of God , 2011) dan Go down, Moses (2014).

Emma Dante bekerja terutama dengan ansambel pemain yang dipilih dengan cermat. Dari karya improvisasi kelompok-kelompok inilah pertunjukannya menarik kekuatan mereka. Bestie di scena ( Stage Beasts , 2017) dan Eracle baru-baru ini (2018) ditingkatkan oleh iklim Mediterania, yang mencerminkan kemampuannya untuk membaca tanah asalnya sendiri, Sisilia, terutama Palermo.

Dengan karya-karya mereka, yang lebih didasarkan pada prosedur pemandangan daripada ekspresi verbal, Delbono, Castellucci dan Dante adalah nama-nama Italia yang paling dikenal secara internasional saat ini. Mereka juga sangat dihargai sebagai sutradara opera.

3. Penyutradaraan

Dengan percepatan tren ini, perbedaan antara sutradara, penulis, dan pemain mulai semakin berkurang. Seniman yang tampil memadukan fungsi berbeda ini antara lain Roberto Latini dan Licia Lanera.

Dalam lima tahun terakhir, harmoni yang intens telah diciptakan antara penonton muda dan solusi pop dari duo Stefano Ricci dan Gianni Forte (alias Ricci/Forte), berkat pertunjukan di mana soundtrack menjadi benang dramaturgi.

Kita juga harus mencatat karya regeneratif yang dilakukan pada mahakarya dunia oleh Massimiliano Civica ( Alcestis karya Euripides , 2014), Alessandro Serra ( Macbeth karya Shakespeare, 2017) dan Leonardo Lidi ( Hantu Ibsen , 2018), yang menjadi dasar bagi teater baru yang benar-benar kontemporer.

4. Evolusi Akting di Panggung

Selama abad kedua puluh, tradisi grande attore Italia mempertahankan peran utamanya di atas panggung. Dalam beberapa tahun terakhir, beberapa aktor tua telah mengkonsolidasikan tradisi ini, menjadi pusat daya tarik. Yang paling menonjol adalah aktor pria Umberto Orsini dan Carlo Cecchi, dan aktor wanita Giulia Lazzarini dan Anna Maria Guarnieri (pada 2019, kedua wanita itu bekerja bersama dalam Arsenic and Old Lace karya Joseph Kesselring). Masing-masing aktor ini berusia lebih dari 80 tahun. Namun, daya tarik mereka masih sangat kuat. Gabriele Laviahas menggabungkan neurosisnya sebagai aktor dengan budaya luas sebagai sutradara dan suka turun ke karakter Krisis Besar antara abad kesembilan belas dan kedua puluh (Strindberg dan Pirandello adalah kuda perangnya). Alessandro Gassman (putra aktor terkenal Vittorio) juga beroperasi antara akting dan penyutradaraan. Selain itu, Massimo De Francovich, Isa Danieli dan Piera Degli Esposti dihargai karena kualitas interpretasi mereka.

Ada aktor-aktor muda, berusia lima puluhan atau enam puluhan, yang mampu membagi aktivitasnya antara teater, bioskop, dan televisi. Memang, satu media sering mampu menerangi yang lain dalam karir mereka. Ini termasuk Luca Zingaretti ( Komisaris Montalbano populer dari serial investigasi di TV), Alessandro Haber, Ottavia Piccolo, Anna Bonaiuto, Angela Finocchiaro, Giuseppe Battiston, Paolo Pierobon dan Lino Guanciale yang lebih muda.

Sebaliknya, penerjemah lain lebih memilih untuk memfokuskan karir mereka hampir secara eksklusif pada teater, mencapai hasil yang sangat berkualitas tinggi. Ini adalah kasus Massimo Popolizio dan Maria Paiato (keduanya tampil di An Enemy of the People karya Ibsen , mungkin pertunjukan terbaik musim ini di Italia). Tekad, kebijaksanaan dan ambiguitas adalah ciri-ciri yang masing-masing mendefinisikan karya aktris Maddalena Crippa, Sonia Bergamasco dan Silvia Calderoni (terutama di Mdlsx (Middlesex) oleh Motus, 2015).

5. Akting Tren Terbaru

Untuk alasan yang sama yang ditunjukkan dalam 2.2., banyak seniman dengan keterampilan kinerja yang kuat memilih untuk membuat jalur penulisan mereka sendiri. Gaya ekspresionis yang kuat, terkait dengan tempat asalnya (pinggiran kota Napoli) dan vitalitas tubuhnya sendiri, membuat Mimmo Borrelli menjadi terkenal. His La Cupa (2018) adalah kisah kekerasan yang mencakup lagu, mitos, dan penistaan.

Marta Cuscunà mendasarkan kreasinya pada pertarungan gender politik dan perlawanan perempuan. Karyanya menggunakan teknik animatronik (boneka animasi mekanis, bukan alat peraga panggung digital atau elektronik). Dengan Sorry, Boys (2016) dan Il canto della caduta ( Nyanyian Musim Gugur , 2018), dia telah mencapai hasil yang diakui secara kritis.

Aktor Italia sering menjadi korban kebiasaan over-acting. Di antara mereka yang baru-baru ini memantapkan diri, suatu bentuk décalage interpretatif berhasil menghilangkan kecurigaan “akting” yang sadar diri. Daria Deflorian dan Antonio Tagliarini mengutamakan kedekatan dialog dan suara, disertai dengan pembongkaran linearitas tekstual, juga berdasarkan cakrawala penulisan baru ( Ce ne andiamo per non darvi altre preoccupazioni / Kami pergi, menghindari Anda lebih lanjut Kekhawatiran , 2013) dan Il cielo non fonddale / The Sky is not a Backdrop , 2016).

Kecenderungan yang sama hadir dalam teks-teks yang ditulis untuk dirinya sendiri oleh Oscar De Summa. Bahasa populer sehari-hari, dengan klise dan vulgarnya, telah menjadi ciri khas karya Babilonia.

6. Evolusi Format Produksi

Terlepas dari basis sutradara dan aktor yang besar ini, teater menempati tempat yang semakin tidak penting dalam sistem budaya dan hiburan Italia. Persaingan kreasi yang direproduksi dan digital tetap tak terkalahkan. Salah satu jawaban atas krisis ini, dan terhadap berkurangnya dana yang tersedia untuk produksi karya teater, adalah munculnya monodrama.

Di Italia, fenomena ini sering dikaitkan dengan tumbuhnya minat pada teater komitmen sipil, yang bertujuan untuk menganalisis sejarah terkini, seringkali dalam bentuk penyelidikan jurnalistik. Jenis teater ini, sama sekali berbeda dari karya-karya para komedian stand-up, terutama mengeksploitasi bentuk-bentuk non-dramatis. Ini dimulai pada tahun 1990-an dengan seniman yang dapat kita anggap sebagai pendiri teatro civile ini : Marco Paolini, Marco Baliani, Laura Curino dan Ascanio Celestini (semuanya masih memproduksi teater). Genre ini telah diperkaya oleh pemain lain, yang saat ini adalah penyanyi bermasalah Italia kontemporer; pembuat teater seperti: Davide Enia ( L’abisso / The Abyss , 2018 ), Giuliana Musso ( La fabbrica dei preti / The Priests’ Factory, 2012) dan Mario Perrotta ( Nel nome del padre / Atas Nama Bapa , 2019). Seniman seperti itu sering mengolah berbagai macam bahasa yang menjadi ciri khas Italia. Saverio La Ruina, misalnya, adalah juru bicara teater Selatan.

Tanggapan terbalik terhadap penyebaran pertunjukan solo ini adalah pertumbuhan perusahaan muda profesional. Pada 1970-an, teater Italia mengalami periode penemuan kolektif yang hebat. Beberapa kelompok sejarah dari periode itu tetap aktif. Ini termasuk Teatro dell’Elfo dan Le Albe (perusahaan yang didirikan oleh Marco Martinelli dan Ermanna Montanari), yang kemudian ditambahkan pertunjukan transgresif Motus.

Selain perusahaan-perusahaan ini, dekade terakhir telah terlihat munculnya perusahaan-perusahaan muda (seperti Sotterraneo, Carrozzeria Orfeo, Vico Quarto Mazzini, Teatro dei Gordi, Oyes dan Collettivo Controcanto), yang lahir dari pengalaman pelatihan umum, biasanya di akademi dan sekolah teater, terkadang juga di pusat-pusat sosial dan ruang-ruang yang ditempati oleh gerakan-gerakan politik-budaya yang agresif. Produksi terkenal oleh salah satu perusahaan ini adalah Virgilio brucia ( Virgil’s Burning , 2014) dan Socrate il sopravvissuto , ( Socrates, the Survivor , 2016), di mana perusahaan Anagoor, menjelajahi cinta mereka untuk dunia kuno, membuka cakrawala aneh pertukaran antara budaya klasik dan kontemporer, keahlian dan teknologi.

Ulasan Teatro Bonci, Cesena 2021: Il Viaggio di G.Mastorna – Jika ada Oscar untuk skenario terbaik yang tidak dibuat menjadi film, maka “Il Viaggio di G.Mastorna” karya Federico Fellini pasti akan menjadi kandidat kuat untuk penghargaan 1965, dan mungkin juga untuk tahun-tahun lainnya, untuk itu adalah proyek yang sering dia kunjungi.

Ulasan Teatro Bonci, Cesena 2021: Il Viaggio di G.Mastorna

toscanaspettacolo – Dia bahkan sampai membangun set di sebuah situs di pinggiran Roma, di mana badan pesawat terjerat dalam jaringan tiang, di antara pemandangan kota yang didominasi oleh fasad Katedral Cologne. Upaya itu ditinggalkan dengan biaya yang sangat besar hanya beberapa hari sebelum syuting akan dimulai. Fellini yang paling dekat dengan segala bentuk realisasi adalah dengan versi buku komik yang diterbitkan pada tahun 1992, tetapi bahkan ini dihentikan secara tiba-tiba setelah ia memutuskan untuk tidak melanjutkan dengan bagian dua dan tiga.

Skenarionya menceritakan kisah seorang pemain cello terkenal bernama G. Mastorna, seorang pria yang sudah mati, tetapi tidak mengetahuinya. Sebaliknya, dia yakin dia telah melalui pendaratan pesawat darurat yang sukses. Namun, dia dengan cepat menemukan dirinya mengembara melalui apa yang merupakan lanskap mimpi buruk, bertemu dengan karakter aneh, yang seperti dirinya telah meninggal. Namun, saat melihat temannya Venturini, yang meninggal 40 tahun sebelumnya, dia mulai menyadari apa yang telah terjadi, dan bahwa dia sedang bertransisi ke alam baka, alam baka yang sangat mirip dengan dunia yang ditinggalkannya.

Dalam serangkaian episode seperti mimpi, Mastorna dihadapkan pada peristiwa dan orang-orang dari masa lalunya, serta karakter lain, dari siapa dia harus belajar, untuk menemukan jalan mana yang terletak di surga. Sebenarnya, ini adalah api penyucian versi abad ke-20, sebuah kisah di mana hantu Dante berjalan secara kiasan melintasi lokasi syuting . Di adegan terakhir, Mastorna berjalan sendirian di jalan pegunungan dan menuju kehampaan, setelah membebaskan dirinya dari “ide-ide yang terbentuk sebelumnya, dari nostalgia sensasi, dan dari pemerasan sentimen.”

Baca Juga : Teatro di San Carlo, Italia

Rekonstruksi Imajinatif D’Amico

Namun, dengan kematian Fellini pada tahun 1993, “Il Viaggio di G.Mastorna” tampaknya ditakdirkan untuk menjadi salah satu kemungkinan besar sinema Italia dan dunia. Namun, seperti cengkeramannya atas seniman dan pencipta di banyak bidang, itu telah menjadi subjek rekonstruksi eksperimental, yang terbaru adalah opera dengan musik dan libretto oleh Matteo D’Amico.

D’Amico mengambil naskah aslinya, bersama dengan materi tambahan dari tulisan Fellini yang lain, dan merombaknya agar sesuai dengan ide musiknya. Libretto yang dihasilkan dibagi menjadi prolog dan 14 episode yang didefinisikan dengan jelas, diatur di berbagai lokasi berbeda, termasuk hotel, klub malam, kuburan, dan stasiun kereta api, antara lain. Bersama-sama mereka merinci perjalanan Mastorna, di mana dia belajar menerima apa yang telah terjadi, dan dengan demikian transisi dari keadaan ketidaktahuan ke keadaan pemahaman. D’Amico juga menambahkan karakter baru, Narator, dengan kedok Federico Fellini, yang memperkenalkan adegan dan mengisi detail dan peristiwa yang hilang, mengklarifikasi apa yang seharusnya menjadi narasi yang sulit diikuti. Tidak semua karakter D’Amico menyanyikan bagian mereka, dan ada banyak dialog, terutama untuk Narator.

Skornya adalah rollercoaster yang cepat berubah, yang bergerak secara imajinatif dan penuh semangat, dan berhasil menangkap aliran dramatis dan suasana hati teks. Kadang-kadang, itu bisa menjadi gelap dan membingungkan, mengandung kualitas ritmis runcing dengan perubahan arah yang tajam, mencerminkan rasa kecemasan atau disorientasi yang meresap. Pada kesempatan lain, ia dapat menunjukkan luminositas yang hangat, seperti pada adegan terakhir di mana Mastorna telah menemukan kepuasan. Pilihan instrumen mengilhami soundscape-nya dengan kontras warna-warni yang tajam dan bernuansa, yang mempromosikan suasana adegan dan karakter. Terlepas dari struktur teks yang episodik, skor D’Amico memiliki koherensi yang menyeluruh; seperti perjalanan spiritual dan fisik Mastorna, pendengar dibawa pada perjalanan musik mereka sendiri yang menantang,

Musical Director Jacopo Rivani menampilkan penampilan meyakinkan dari Orkestra Arcangelo Corelli, dalam presentasi yang hidup, sensitif dan bernuansa dramatis, di mana ia juga memberikan perhatian yang diperlukan untuk kebutuhan para penyanyi.

Perwakilan Setia Malosti

Sutradara Valter Malosti menghasilkan representasi yang setia, di mana ia menempel erat pada teks libretto, dengan setiap adegan dibangun secara individual untuk menekankan karakteristik individu dan signifikansi dramatisnya. Scenographer Davide Amadei menggunakan banyak gambar, dirancang oleh Sergio Metalli, diproyeksikan ke latar belakang serta ke layar depan transparan, yang seringkali sangat realistis sehingga sering kali tampak seperti alat peraga fisik. Ada juga gambar kartun, mengacu pada buku komik Fellini tahun 1992. Penggunaan alat peraga fisik juga dilakukan bila diperlukan. Pencahayaan, dirancang oleh Cesare Accetta, menonjolkan dreamscape dystopian karya di mana panggung bermandikan cahaya gelap, dengan bintik-bintik yang digunakan untuk menyorot aksi, yang berhasil menciptakan suasana yang berat dan buram.

Kostumnya, juga dirancang oleh Amadei, sangat membantu dalam mengidentifikasi banyak karakter yang menghuni dunia Mastorna, dengan setiap karakter, jika memungkinkan, berpakaian sesuai dengan stereotip yang diterima: pramugari dengan setelan biru yang cerdas, seorang polisi wanita dengan seragamnya dan segera.

Sementara adegan sesekali dipentaskan dengan cara yang cukup mendasar dengan penyanyi dan aktor sendirian di atas panggung didukung oleh gambar sederhana, adegan lain sangat inventif dan disajikan dengan cerdik. Dalam Adegan empat, Mastorna menemukan dirinya di stasiun mencari kereta api untuk membawanya ke Florence. Di belakang panggung ada gambar gelap besar yang jelek dari sejumlah kereta tiga lantai, asap mengepul, yang membuat Mastorna yang berdiri di bawah kerdil, menatap mereka, dengan cemerlang menyoroti rasa dislokasi dirinya dan penonton. Dalam Adegan tujuh, ia bertemu dengan seorang mantan kekasih dalam apa yang terbukti menjadi pementasan yang menyenangkan secara estetis dan menggugah pikiran. Mantan kekasih dalam daster hitam menggoda itu berbaring di sofa tertutup merah di tengah panggung, disorot oleh cahaya yang kuat, sementara di satu sisi berdiri seorang malaikat, bermandikan cahaya biru dengan pedang di tangannya.

Keberhasilan pementasan dapat dinilai dari fakta bahwa ketika Mastorna berpindah dari satu adegan ke adegan berikutnya, hal itu benar-benar memberi kesan seorang pria melakukan perjalanan ke dunia yang akrab, namun tidak dikenal.

Bintang Grassi & 4 Penyanyi Mengambil 16 Peran

Dalam pertunjukan yang dirancang dengan baik dan meyakinkan secara dramatis, bariton Luca Grassi tampil mengesankan dalam peran Mastorna. Baik nyanyian dan aktingnya selaras dengan nuansa emosional karakternya di mana kebingungan dan dislokasi awalnya berhasil diubah menjadi kesadaran bahwa dia sudah mati, sebelum akhirnya menerima penerimaan yang tenang.

Dia memiliki suara yang kuat dan aman dengan palet warna-warna hangat yang dia gunakan dengan cerdas untuk menyusun garis vokal, menanamkannya dengan kegelisahan dan kegelisahan yang gelisah di awal, yang akhirnya memberi jalan pada kualitas yang lebih terbuka dan mengalir bebas menuju akhir. Itu juga merupakan suara dengan kedalaman, kelincahan, dan ekspresivitas, yang mampu ia tunjukkan dengan efek yang baik dalam aria-nya “Non possibile! Tidak mungkin che morte sia questo.”

Nyonya rumah yang bertindak sebagai pemandu Mastorna sepanjang perjalanan dimainkan oleh sopran Yulia Tkachenko. Dia menghasilkan bacaan yang menarik dan berwawasan luas. Suaranya memiliki timbre baja yang berbeda yang memungkinkannya bernyanyi dengan otoritas yang mungkin Anda harapkan dari seorang guru; itu melengkapi nada bariton Grassi yang lebih hangat, yang ditampilkan dengan menyenangkan di duet terakhir, di mana dia mendorong Mastorna untuk melanjutkan jalannya sendiri.

Anggota pemeran lainnya diminta untuk melakukan berbagai peran, termasuk bertindak sebagai paduan suara kecil.

Vittoria Magnarello membuat kesan yang luar biasa dengan serangkaian penampilan yang dinyanyikan dengan baik sebagai Polisi Wanita, Perawat, Jole, Kerabat Keluarga dan sebagai Asisten Penata Rias. Dia memiliki sopran yang ringan, serbaguna, dan jernih, dengan nada atas yang menarik dan aman yang menunjukkan kemurnian kristal yang bersih, yang dia gunakan dengan terampil untuk mengembangkan karakternya.

Namun, mezzo-soprano Eleonora Lué menghasilkan penampilan yang tidak konsisten. Sementara dia memerankan peran Ex-Lover dengan meyakinkan, nyanyiannya kurang berhasil, karena dia tidak pernah berhasil memaksakan kepribadiannya pada melodi; apalagi vibratonya sedikit terlalu menonjol untuk beberapa selera, meskipun pewarnaan garis vokalnya menarik. Sebagai Ibu, bagaimanapun, dia bernyanyi dengan kepercayaan diri yang jauh lebih besar, memproyeksikan suaranya dengan lebih kuat dan membawa kedalaman karakterisasi vokalnya yang lebih dalam.

Tenor Aslan Halil Ufuk menghasilkan penampilan yang hidup dan antusias dalam peran Penata Rias, Pejabat Stasiun, Penggali Kubur, Pemabuk Muda dan sebagai Kerabat Keluarga. Dia terlibat serius dengan setiap bagian, dan sangat meyakinkan sebagai Mabuk Muda. Dia memiliki suara dengan timbre yang menyenangkan, dan memperhatikan karakterisasi vokal. Namun, kadang-kadang, dia tidak memproyeksikan suaranya dengan kekuatan yang cukup.

Bass Ken Watanabe menghasilkan serangkaian potret detail yang rapi dalam peran Penjaga Pintu, Kolonel dan Pria, meskipun penggambarannya tentang Bapa dinyanyikan dengan kurang pasti. Suaranya memiliki suara bulat yang menarik, dan dia menunjukkan kelincahan dan keterampilan dalam mengembangkan karakternya di mana dia mengubah garis vokal dengan aksen emosional dinamis yang ditempatkan dengan baik.

Dalam penegasan bahwa Mastorna sekarang menghuni alam baka, paduan suara kecil menyanyikan tiga kutipan langsung dari bait yang diambil dari “Inferno” Dante, yang menciptakan permadani harmonik yang menarik dan menyenangkan, dalam pertunjukan yang bagus.

Selain penyanyi ada beberapa bagian yang diucapkan, yang utama adalah sutradara Malosti sebagai Narator Federico Fellini, yang ditempatkan di sisi kiri lubang orkestra. Ini adalah peran penting yang mengharuskannya untuk aktif di setiap adegan. Menyajikan teks dengan kualitas liris yang menyenangkan, komentarnya sangat bagus di seluruh, di mana ia dengan sensitif melantunkan dan membentuk suaranya untuk menghidupkan karakternya, dan meningkatkan efek dramatis.

Secara keseluruhan, “Il Viaggio di G. Mastorna” terbukti menjadi representasi yang menarik dan menggugah pemikiran dari skenario Fellini, yang tidak hanya menghidupkan filmnya yang belum dibuat, tetapi juga melakukannya dengan cara yang imajinatif secara visual, dan sepenuhnya terlibat dengannya. ide-ide mendasar yang berkaitan dengan kehidupan setelah kematian, memunculkan visi api penyucian Dante versi modern.

Meskipun pertunjukan berlangsung di Teatro Bonci di Cesena, produksinya dilakukan oleh Teatro Tradizione Ravenna Dante Alighieri, yang mengingat hubungan kota dengan Dante cukup tepat.

Teatro di San Carlo, Italia – Diresmikan pada tahun 1737 oleh Raja Bourbon Charles III dari Napoli, pada hari upacara penamaannya, Teatro di San Carlo menjadi gedung opera tertua dan salah satu terbesar di Italia.

Teatro di San Carlo, Italia

toscanaspettacolo – Bertetangga dengan Piazza del Plebiscito dan terhubung ke Istana Kerajaan, dirancang oleh Giovanni Antonio Medrano, seorang arsitek militer, dan mantan direktur San Bartolomeo, Angelo Carasale adalah bagian arsitektur kuno ini.

Baca Juga : Ulasan Tentang Teater Farnese di Italia

Sejarah

Raja Charles III dari Spanyol memerintah Napoli dan Sisilia sebagai Charles dari Bourbon dari tahun 1734 hingga 1759. Auld lang syne, Teatro San Bartolomeo adalah gedung opera abad ke-17 yang perlu dilepaskan.

Karena seni dipandang sebagai hadiah bagi massa, Raja menugaskan sebuah novel, gedung opera agung yang kemudian dikenal sebagai Teatro di San Carlo.

Arsitektur

Dibangun dengan biaya 75.000 dukat, auditorium berbentuk tapal kuda ini sudah lama berdiri. Mampu menampung hampir 1.739 kursi, rumah megah ini juga dilengkapi sebuah kotak kerajaan untuk sepuluh orang. Tempat duduk ini disusun dalam enam tingkat dan 184 kotak dalam sebuah aula yang panjangnya 28,6 meter dan lebar 22,5 meter. Terakhir, karena ruangannya yang berdiri, Teatro di San Carlo dapat menampung lebih dari 3000 orang.

Royal Opera House adalah contoh klasik dari Arsitektur Neoklasik Italia. Dilambangkan dengan kemegahan skala karena tiang setinggi enam kaki, pelapis biru Lucallan dan panoplies emas menghiasi gedung opera. Taman dan kepala menghilangkan rusticasi herculean di tingkat yang lebih rendah sedangkan serangkaian relief yang menandakan musik dan puisi muncul di tingkat atas.

Seperti kapur dan keju, tiang-tiang ionik yang elegan melindungi jendela besar salon di atas balkon. Gedung opera memiliki tiga tangga menuju ruang depan yang kemudian membentang di sepanjang bagian depan rumah.

Karena gedung opera tidak memiliki fasad yang luar biasa, salah satu langkah yang diambil oleh Jenderal Napoleon, Joachim Murat, sementara tidak berusaha untuk mendapatkan aklamasi dari hoi polloi-nya, adalah kompetisi yang diadakan untuk membuat perubahan di Teatro di San Carlo.

Karena desainnya direncanakan dengan jelas, menandai tontonan favorit Raja-Italia yang diungkapkan dalam istilah revolusioner Prancis, Antonio Niccolini memenangkan kompetisi. Niccolini membuat perubahan pada fasad gedung opera dan menambahkan serambi lengkung bertahtakan motif klasik yang membaginya secara horizontal. Sementara zona atas adalah barisan tiang panjang dari empat belas kolom ionik, bagian bawah mewujudkan lima lengkungan pedesaan yang sangat besar. Ada panel dinding dari patung relief di atas lengkungan ini.

Itu pasti pada hari yang menentukan, tanggal tiga belas Februari 1816, ketika kebakaran terjadi di tengah-tengah gladi resik untuk pertunjukan balet. Seperti anak panah dari busur, api dengan cepat menghancurkan sebagian besar bangunan. Dinding luar adalah satu-satunya sisa yang tidak terpengaruh karena kebakaran.

Putra Raja Charles III, Raja Ferdinand IV memerintahkan untuk membangun kembali gedung opera dalam kurun waktu sepuluh bulan dengan menggunakan jasa Antonio Niccolini. Sebagai tanda penghormatan terhadap rencana Medrano, Niccolini mempertahankan auditorium tradisional berbentuk tapal kuda.

Aula memiliki dimensi yang mirip dengan yang lama. Itu juga memiliki 184 kotak yang diatur dalam enam tingkatan dan satu kerajaan juga. Panggung diperpanjang. (33,1 mx 34,4 m). Niccolini memperbaiki bagian dalam relief yang menggambarkan “Waktu dan Jam”. Langit-langit fresco tengah dihiasi oleh Giuseppe Cammarano dengan lukisan Apollo yang mempersembahkan kepada Minerva penyair terhebat di dunia.

Di bawah Niccolini, putranya Fausto, dan Francesco Maria del Giudice, gedung opera ini direnovasi di mana interiornya menggabungkan warna tradisional yang diubah-emas dan merah pada tahun 1844.

Selama tahun 1872, Verdi mengusulkan pembangunan lubang orkestra. Selain itu, pemasangan listrik pada tahun 1890, yang mengarah pada penghapusan lampu gantung pusat dan pembuatan foyer baru, teater tidak mengalami perubahan yang monumental.

Pada saat Perang Dunia II, Teatro di San Carlo dirusak oleh bom. Peter Francis dari Artileri Kerajaan mengatur perbaikan serambi yang bobrok setelah pembebasan Napoli pada Oktober 1943.

Pada awal abad ke-21, gedung opera mulai kuno karena mesin panggungnya yang sudah ketinggalan zaman. Sebagai tanggapan, selama enam bulan pada tahun 2008 dan 2009, Pemerintah Daerah Campania mengkapitalisasi renovasi €67 juta yang terdiri dari pembangunan aula latihan baru dan pembenahan dekorasi.

Akustik

Memiliki volume hampir 14.000 m3 tanpa menyertakan ruang udara sedalam 2,3 m di atas kanvas karya Cammarano, volume rumah panggung adalah sekitar 27.000 m3. Lubang orkestra yang dapat ditutup sepenuhnya untuk memperpanjang lantai panggung memiliki panjang melintang rata-rata 15,8 m dan lebar sepanjang garis tengah, dari panggung ke pagar, 7,5 m. Itu dapat diberikan variabel yang digantung untuk pertunjukan opera atau balet.

Kembali pada hari, ketika instrumen ilmiah yang akurat tidak tersedia, ahli akustik telinga terlatih digunakan untuk merasakan karakter akustik ruangan. Itu dilakukan dengan mendengarkan respon kandang terhadap tepuk tangan.

Namun, karena kemajuan teknologi modern, sistem respons impuls digunakan, yang memungkinkan penangkapan ‘tanda tangan akustik’. Studi tersebut mengungkapkan bahwa Teatro di San Carlo memiliki karakter akustik yang mirip dengan gedung opera kolosal bergaya Italia. Misalnya La Scala di Milan.

Ulasan Tentang Teater Farnese di Italia – Di lantai pertama Istana Pilotta, sebuah pintu monumental dengan kayu dicat yang diapit oleh mahkota Ducal mengarah ke Teater Farnese: tempat spektakuler yang hingga saat ini masih mengingatkan gaya hidup mewah Istana Farnese dan Duke-nya.

Ulasan Tentang Teater Farnese di Italia

toscanaspettacolo – Hampir sepenuhnya hancur oleh serangan bom tahun 1944 dan dibangun kembali di zaman modern, hari ini Teater telah mengembalikan kepada kita salah satu contoh arsitektur teater yang paling luar biasa dari abad XVII.

Baca juga : Gedung Teater Massimo di Palermo Italia 

SEJARAH

Dibangun dengan cepat menggunakan bahan ringan seperti kayu dan plester yang dicat, Teater diciptakan untuk memenuhi keinginan Ranuccio I, Adipati Parma dan Piacenza keempat (1593-1622) untuk merayakan dengan gaya yang luar biasa kunjungan ke Parma oleh Cosimo II de’ Medici, Grand Duke of Tuscany, saat dalam perjalanan ke Milan untuk mengunjungi makam San Carlo Borromeo.

Ini adalah masalah politik yang sangat signifikan bagi Ranuccio yang mampu memperkuat ikatan dengan keluarga Medici setelah kesepakatan dicapai pada tahun 1615 untuk menyatukan kedua keluarga melalui pernikahan dinasti dengan menunjukkan Cosimo, dan dengan demikian, secara implisit, seluruh aristokrasi Italia, kemegahan dan kebesaran rumah Farnese.

Jadi, pada tahun 1617, dengan sangat tergesa-gesa, arsitek Ferrarese Giovan Battista Aleotti, yang dikenal sebagai “L’Argenta” setelah kota kelahirannya (1546-1636), diundang ke Parma. Dia sudah bekerja dengan Farnese di Parma selama periode Karnaval 1616 untuk mengadakan ‘turnamen opera’ di halaman Istana Uskup. Aleotti adalah seorang arsitek sekaligus insinyur hidrolik, seorang yang bijaksana, pengetahuan ensiklopedis dan semangat dengan minat mulai dari matematika hingga arsitektur, dari teknik skenografi hingga filsafat: dalam karya tulisnya ia mengutip, antara lain Plato, Diogynes, Saint Augustine, Ptolemy, Avicenna, Herodotus, Cicero, Ariosto dan Torquato Tasso.

Jenis pengalaman teater ini bukanlah hal baru di Argenta karena pada tahun 1605 ia telah membangun Teater Intrepidi di Ferrara atas prakarsa Enzo Bentivoglio, Signore dari Gualtieri, pakar terkemuka dan penyelenggara tontonan yang akan mengambil alih sebagai direktur Perusahaan Parma pernah Aleotti meninggalkan proyek karena alasan pribadi sebelum pekerjaan selesai.

Di bawah arahan arsitek dari Ferrara dan kolaboratornya, Giovan Battista Magnani dan Pier Francesco Battistelli, banyak kelompok pengrajin khusus bekerja: Luca Reti, seniman plesteran dari Ferrara, pelukis Cremonese Giovan Battista Trotti yang dikenal sebagai il Malosso, seniman Bolognese Lionello Spada, dan seniman lokal dari Parma Sisto Badalocchio, Antonio Bertoja dan Pierluigi Bernabei.

Ketika perjalanan Cosimo yang direncanakan tidak terjadi karena kematiannya yang terlalu dini, peresmian Teater, yang sudah selesai pada tahun 1619, dibatalkan. Akhirnya terjadi pada tahun 1628 pada kesempatan pernikahan antara Margherita de’ Medici dan Duke Odoardo Farnese dengan tontonan alegoris-mitologis berjudul “Merkurius dan Mars” dengan libretto oleh Claudio Achillini dan skor oleh Claudio Monteverdi. Tontonan memuncak dalam sebuah turnamen dan ‘naumachea’ yang melibatkan membanjiri area dataran dengan sejumlah besar air yang dipompa dari serangkaian tangki yang ditempatkan di bawah panggung.

Mengingat kerumitan pengaturan dan fungsi peralatan yang diperlukan untuk mengubah pemandangan, belum lagi biaya tontonan yang sangat tinggi, Teater hanya digunakan 8 kali lagi antara 1652 dan 1732 pada acara-acara khusus seperti kunjungan Negara penting atau aliansi pernikahan Pengadilan Farnese. Faktanya, pada tahun 1689 Ranuccio II menugaskan arsitek Bolognese Stefano Lolli sebuah Teater pengadilan yang lebih kecil untuk dibangun di ruang-ruang di sebelah Teater besar.

TEATER FARNESE DARI TAHUN 1732 HINGGA SEKARANG

Politik dinasti dan intelektual keluarga Bourbon yang berakar pada pencerahan menyebabkan pengabaian substansial mesin Barok megah dari “Teater Besar” Farnese. Perlahan-lahan mengumpulkan debu dan pekerjaan plester hancur sementara dekorasi hancur berkeping-keping: Teater benar-benar ditinggalkan ketika Maria Luigia menugaskan Nicola Bettoli untuk membangun Teater Ducal baru yang diresmikan pada tahun 1829.

Namun, Teater tidak tinggal diam dan kosong karena sepanjang abad XVI dan XVII ada ziarah tak henti-hentinya para pangeran, seniman, sastrawan dan seniman, dari Montesquieu hingga de Brosses dan Dickens, yang datang ke Parma untuk mengaguminya. Buku harian mereka memberikan banyak kesaksian tentang pengamatan mereka tentang degradasi ruang yang dulunya megah: kayu yang rusak dan membusuk, tirai dan tirai yang dicat robek, warna yang memudar, kotoran dan ketidakteraturan. Dickens sangat marah mengetahui bahwa tikus sekarang menguasai ruang.

Kembali ke masa ini adalah banyak studi grafis, rencana, gambar dan ukiran yang menawarkan gambaran lengkap tentang struktur asli Teater: dokumen-dokumen tersebut menjadi lebih penting mengingat kelangkaan, kekurangan dan sifat tidak lengkap dari rencana abad XVI yang asli. . Dalam hal kualitas dan kepentingan, tempat pertama di antara mereka yang mempelajari Teater tidak diragukan lagi adalah arsitek Prancis LA Feneulle (1733-1799) yang meja berwarna airnya masih disimpan di Arsip Negara Parma. Ukiran Paolo Toschi dari tabel ini membuatnya dapat diakses oleh semua orang.

Baru pada tahun 1953 pekerjaan dimulai pada restorasi Teater dalam istilah filologis yang didukung oleh Pengawas Seni Rupa saat itu, Armando Ottaviano Quintavalle. Setelah pekerjaan mendesak pertama untuk memulihkan langit-langit yang hancur dalam serangan bom tahun 1944, proyek untuk membangun kembali struktur arsitektur dimulai. Ini diselesaikan pada tahun 1962 berkat keahlian tukang kayu lokal yang mampu menggunakan kembali sebagian besar kayu Farnese asli.

Sayangnya banyak patung plester yang diisi dengan kain dan jerami yang dibangun oleh keluarga Reti yang telah menghiasi Teater telah hancur menjadi tumpukan debu, tiang-tiang dan lengkungan Serlian yang dicat telah runtuh, tetapi struktur penting dengan setia dibangun kembali dan, hampir secara ajaib, dekorasi fresco yang mendasarinya yang tampaknya hilang selamanya terungkap dari bawah lapisan debu, kotoran, dan sentuhan ulang. Pemugaran dirancang untuk menggarisbawahi elemen asli dan mengembalikan kemegahan struktur arsitektur dengan menghilangkan dekorasi dan ornamen yang sewenang-wenang di bagian yang hilang.

Pada tahun 1965 intervensi selesai dan Teater Farnese akhirnya mengambil tempatnya sekali lagi sebagai bagian integral dari warisan budaya kota, tidak hanya sebagai ruang untuk representasi musik, seni dan “keajaiban”, baik untuk acara-acara khusus. hanya menggunakan auditorium dan panggung ‘gua’ tidak termasuk tingkat samping tempat duduk, tetapi juga sebagai ruang masuk yang sangat istimewa untuk koleksi sejarah dan artistik Galeri Nasional Parma.

STRUKTUR

The Farnese adalah salah satu teater Barok terbesar di Eropa: dirancang untuk turnamen opera di mana melodrama berbaur dengan permainan persenjataan, meminimalkan aspek suka perang, ini adalah genre teater mewah yang ditujukan hanya untuk keluarga pangeran terbesar.

Dari arsitektur asli Teater, kita hari ini masih dapat mengagumi struktur kuno yang terinspirasi oleh model teater Yunani dan Romawi, oleh Vitruvius dan Serlio, tetapi juga rekonstruksi teater Romawi yang dibangun oleh Vignola di halaman Palazzo Farnese di Piacenza, Istana Palladio. Teatro Olimpico di Vicenza (1580), Scamozzi di Sabbioneta (1589-90) dan teater Buontalenti di Istana Uffizi Vasari di Florence. Dalam tahap perencanaan, Aleotti mungkin juga melihat Teatro delle Saline di Piacenza yang dibangun pada tahun 1592 sebagai salah satu teater stabil pertama untuk perusahaan perjalanan, yang, pada pertengahan abad XVI, mulai meninggalkan alun-alun umum untuk melakukan pertunjukan. di ruang-ruang tertutup. Teater ini diatur dalam bentuk “U” yang juga dapat ditemukan di Teater Farnese di Parma di mana perkembangan teknis dan spektakuler terbaru berkembang di Ferrara dan Emilia dari tahun 1550 tercermin dalam strukturnya.

Pintu masuk ke auditorium Teater adalah melalui portal pintu masuk yang dibingkai oleh dua pasang kolom yang diapit oleh mahkota Ducal; ruang ini bisa disediakan untuk umum atau menjadi arena yang digunakan sebagai bagian dari tontonan. Empat belas tingkat tempat duduk yang curam untuk lebih dari 3.000 penonton yang dibangun dalam bentuk sepatu kuda dengan loggia melengkung ganda yang mengelilingi auditorium yang luas. Di atas auditorium ditempatkan 2 pesanan logge Serlian, sebagian dapat diakses, dalam gaya Palladian. Denah berbentuk “U” memanjang fungsional dalam hal kapasitas ruangan, memungkinkan visibilitas yang lebih baik dari samping dan untuk keunggulan akustik. Di tengah gua/auditorium, di atas koridor yang mengarah ke area yang luas, terdapat ‘kotak’ kehormatan bagi para Duke yang dibatasi oleh balkon. Kotak ini mengantisipasi adopsi jauh kemudian dari apa yang akan disebut “Kotak Kerajaan” di bioskop di seluruh Eropa.

Prosenium bergaya klasik monumental dengan relung-relung yang awalnya dihiasi patung-patung plester memisahkan panggung dari gua/auditorium. Kedalaman panggung yang luar biasa, 40 meter, dengan bukaan 12 meter memungkinkan pemandangan bergerak pertama yang digunakan dalam budaya teater kontemporer; pemandangan datar diatur untuk tiga lapisan pemandangan kain yang meluncur di atas trek, galeri atas untuk gerakan dan area panggung bawah yang dilengkapi.Ruang di sekitar dan di bawah panggung menyembunyikan mesin kompleks yang diperlukan untuk mencapai “keajaiban” teater Barok yang diciptakan secara khusus oleh Aleotti untuk Teater Farnese.

DEKORASI

Penampilan Teater Farnese saat ini tidak dapat menyampaikan kemegahan dan kemegahan dekorasi sebelumnya. Arsitektur, patung, dan pemandangan menyatu untuk menciptakan tontonan total di ruang yang benar-benar buatan: di dalam relung lengkungan proscenium dan di balkon ditempatkan banyak patung Dewa mitologis. Patung-patung plester dimodelkan di sekitar besi dan jerami dan dibuat oleh pengrajin di bawah bimbingan Luca Reti.

Struktur penting, yang sekarang terbuat dari kayu yang tidak dirawat, dicat seluruhnya agar terlihat seperti marmer putih dan porfiri merah, dengan relief arsitektur, ibu kota, dan cornice berlapis emas.

Pada cornice di sisi prasasti dicat program alegoris berdasarkan tema perang dan perdamaian: di sebelah kiri Bellona dilukis bersandar pada tumpukan senjata, dikelilingi oleh adegan pertempuran, sementara di sebelah kanan adalah Ceres memegang zaitun cabang dan adegan berburu dan memancing yang menyinggung manfaat pemerintahan damai. Dekorasi aneh menutupi kolom yang berpuncak di bagian atas dengan sosok-sosok yang memegang tumpah ruah. Dekorasi lengkungan proscenium sebagian masih terlihat di dinding yang menghadap teater dan hampir seperti cermin dari apa yang terjadi. Latar belakang yang menunjukkan bangunan klasik yang ditentukan oleh Vitruvius untuk adegan tragis, mensimulasikan pembukaan ke kota yang ideal.

Posisi dua patung berkuda Alessandro dan Ottavio Farnese sama sekali tidak biasa. Masih hari ini mereka ditempatkan di dalam lengkungan kemenangan yang menghubungkan tempat duduk berjenjang ke auditorium masing-masing di sisi Bellona dan Ceres. Alessandro, ayah dari Ranuccio dan pahlawan Flanders didampingi oleh Kemenangan dan Strategi Militer sedangkan Ottavio, kakek Ranuccio, diapit oleh tokoh-tokoh alegoris Liberality dan Intrepidity.

Langit-langitnya terbuat dari balok kayu dan dekorasi fresco diawasi oleh Lionello Spada, pencipta komposisi gambar dan direktur karya. Ia dibantu oleh Malosso dengan tim seniman dari Bologna, Cremona dan Piacenza.

Seluruh dekorasi langit-langit telah hilang kecuali dua bagian: langit-langit sudah dalam kondisi konservasi yang buruk pada awal abad XIX dan dihancurkan pada tahun 1867. Dekorasi langit-langit memiliki fungsi menaikkan ketinggian Teater dengan lukisan perspektif dari dua balkon melengkung dengan banyak penonton melihat ke bawah. Menghadapi kotak kehormatan pangeran adalah musisi dan penyanyi. Ilusi yang diberikan ke auditorium adalah celah ke langit di mana makhluk ilahi yang berbeda mengelilingi Jove yang, menunggangi elangnya, melihat ke bawah dengan ramah pada kegiatan teater di bawah.

Dekorasi balkon dilengkapi dengan triglif dan lambang keluarga pangeran yang terhubung ke Farnese, medali dengan potret relief 12 Raja, jumlah Kaisar yang sama, sepuluh konsul, dan karangan bunga buah diselingi dengan piala senjata bersama prajurit mengenakan pakaian antik klasik. Dengan cara ini ruang teater diubah menjadi alun-alun Kekaisaran yang monumental yang mengacu pada pusat kekuasaan sipil dan militer dinasti Farnese.

Gagasan tentang efek visual dari mesin teater yang hebat ini dapat diperoleh dari model yang dibuat pada tahun 1800 oleh Fanti dan Rousseau, dua pengrajin yang hanya memiliki sedikit informasi rinci. Modelnya dibuat dengan kertas, kayu, karton dan lilin dan disepuh serta didekorasi seperti teater.

6 Teater Terbaik di Italia – Teater di Italia memiliki akar kuno, berkembang selama awal Renaisans dengan Commedia dell’arte (komedi seniman) pertunjukan improvisasi yang berlangsung di jalan-jalan dan pasar.

6 Teater Terbaik di Italia

toscanaspettacolo – Maju cepat hingga hari ini, dan tradisi teater ini masih kuat. Pengunjung dapat menyaksikan pertunjukan spektakuler di gedung opera bersejarah di seluruh negeri.

Berikut adalah enam yang terbaik untuk wisatawan pecinta teater .

Baca Juga : Beberapa Teater Anatomi Di Italia 

1. Teatro La Fenice, Venesia

Sesuai dengan namanya La Fenice (Phoenix), teater Venesia ini telah terbakar dan bangkit kembali dari api tiga kali sejak pertama kali dibuka pada tahun 1792. Baru-baru ini direnovasi dan dikembalikan ke semua kemegahan dan kemuliaan aslinya, interiornya sangat dekaden; gambar halus, lukisan langit-langit biru telur bebek, banyak plesteran emas dan lampu kristal dongeng raksasa. Menginap hanya beberapa ratus meter dari La Fenice, di sebuah apartemen cerah di Ad Lofts .

2. Teatro di San Carlo, Napoli

Gedung opera tertua di Italia (dibuka pada tahun 1737), aula suci Teatro di San Carlo Napoli secara visual dan akustik mengesankan di bagian yang sama. Inkarnasi teater saat ini dirancang oleh Antonio Niccolini setelah bangunan tersebut terbakar pada tahun 1816, dan merupakan mahakarya arsitektur. Jika Anda tidak dapat menyaksikan pertunjukan, ada tur berpemandu selama 45 menit yang tersedia bagi Anda untuk mengagumi enam lantai kotak berbentuk tapal kuda, semuanya dilapisi beludru merah dan dihiasi dengan daun emas, serta foyer yang berkilauan dan aula utama. Menginaplah di suite dengan balkon yang menghadap ke Piazza del Plebiscito, hanya beberapa meter dari Teatro di San Carlo, di B&B Dell’Opera .

3. Teatro Alla Scala, Milan

Salah satu gedung opera paling terkenal dan bertingkat di dunia, Teatro Alla Scala Milan (lebih dikenal sebagai La Scala) patut dikunjungi bahkan jika Anda tidak datang untuk pertunjukan malam; memiliki toko buku, bar, dan museum internal yang memajang kostum, potongan desain set, dan potret penyanyi paling terkenal yang pernah tampil di sini. Sejak peresmiannya pada tahun 1778, panggung La Scala telah disemarakkan oleh nama-nama besar opera, dan telah memulai debut karya Verdi, Puccini dan Rossini, untuk beberapa nama. Mendapatkan tiket bisa jadi sulit dan sementara musim opera hanya berlangsung dari awal Desember hingga Juli, Anda dapat melihat teater, balet, dan konser sepanjang tahun, duduk di bawah lampu gantung besar di kursi beludru merah yang dibatasi oleh baris demi baris hiasan. , kotak pribadi. Periksa keMilan Royal Suites – Centro Duomo , hanya sepuluh menit berjalan kaki dari La Scala.

4. Teatro Comunale, Bologna

Dibangun oleh arsitek Italia yang dihormati, Antonio Galli Bibbiena, Teatro Comunale bergaya barok yang luar biasa adalah salah satu harta terbesar Bologna . Diresmikan pada tahun 1763 dengan pemutaran perdana The Triumph of Cloelia karya Gluck , itu adalah gedung opera pertama yang didanai publik di dunia, meskipun auditorium berbentuk lonceng dan langit-langit trompe l’oeil langit baru setengah jadi ketika tirai dibuka pada pembukaannya. malam. Sekarang pengunjung dapat mengagumi gedung opera yang lengkap dengan menghadiri pertunjukan di musim (November hingga April) atau mengikuti tur diikuti dengan minuman sambil menonton artis jalanan di luar Piazza Verdi. Menginap di seberang Teatro Comunale di Casa Ilaria .

5. Teatro Massimo, Palermo

Gedung opera terbesar di Italia, Sisilia Teatro Massimo megah di skala lain. Eksterior batu pasir neoklasiknya menyerupai kuil Romawi dan menjadi terkenal sebagai lokasi syuting adegan terakhir The Godfather: Part III . Tetapi akustik dan programnya yang beragam adalah daya tarik nyata hari ini. Saksikan pertunjukan sepanjang tahun atau ikuti tur termasuk memanjat atap untuk melihat panorama Palermo . Tarik tirai Anda di pagi hari untuk melihat Teatro Massimo dari dekat dari jendela kamar Anda di Massimo Plaza Hotel .

6. Arena di Verona, Verona

Meskipun secara teknis bukan gedung opera, Arena di Verona adalah tempat yang indah di mana Anda dapat menikmati segala macam pertunjukan musik sepanjang musim panas. Dibangun pada abad ke-1 M, struktur batu monumental ini adalah tempat pertempuran gladiator, adu banteng, dan eksekusi publik berabad-abad sebelum menjadi tempat pertunjukan musik. Menyaksikan opera al fresco dengan latar belakang gemerlap lilin yang dikibaskan oleh penonton merupakan pengalaman yang tidak bisa dilewatkan. Musim terbuka dimulai pada bulan Juni, tetapi Anda dapat mengikuti tur keajaiban arsitektur kuno yang sangat terpelihara dengan baik ini sepanjang tahun. Menginaplah tepat di seberang Arena di sebuah bangunan bersejarah yang pernah dimiliki oleh penyanyi tenor terkenal dunia Giovanni Zenatello, di Hotel Accademia .

Teater Italia Hari Ini: Bukan Sistem, dan Begitu Banyak Transformasi – Italia adalah negara 1.000 kilometer. Ini adalah jarak yang memisahkan teater kota di kota dwibahasa Bolzano (antara Alpen utara yang tertutup salju) dari teater Yunani Syracuse, di Sisilia selatan (teater terbuka beberapa langkah dari Laut Mediterania), satu yang paling indah di Magna Graecia .

Teater Italia Hari Ini: Bukan Sistem, dan Begitu Banyak Transformasi

toscanaspettacolo – Tetapi Italia juga merupakan negara dengan 1.000 bahasa. Sejarah Italia berarti bahwa setiap wilayah, bahkan setiap kota, mengembangkan cara bicaranya sendiri. Hanya televisi, sejak 1950-an dan seterusnya, yang berhasil memperkuat bahasa lisan bersama, standar nasional. Tetapi dialek dan bahasa lokal bertahan di mana-mana dan dipraktikkan dengan cepat.

Baca juga : Beberapa Teater Anatomi Di Italia

Jadi, tidak mengherankan bahwa Italia juga dapat mengandalkan 1.000 teater yang berbeda dan 1.000 cara berteater yang berbeda dan terus berkembang. Jauh dari sebuah sistem (seperti yang Prancis atau Jerman), adegan Italia adalah aglomerasi di mana peristiwa sejarah, variasi bahasa, tempat penciptaan, ketentuan legislatif kecil dan besar, dan seniman terkemuka mengguncang teater dan penonton mereka dalam kekacauan animasi. Tidak selalu mudah untuk menganalisis fisiognomi adegan teater ini atau mengamati aliran internalnya.

Cakrawala di mana makalah ini akan disebarkan pendek; kurang dari sepuluh tahun. Dalam periode terbatas seperti itu, kekuatan transformasi mungkin tampak cepat dan mengejutkan, tetapi kemungkinan besar mereka akan terbukti kurang tajam pada waktunya. Makalah ini akan memberikan penjelasan tentang apa yang terjadi di musim-musim terakhir, tetapi juga perlu merujuk pada fenomena jangka panjang. Tindakan komponen ekonomi (pembiayaan), yuridis (perundang-undangan) dan sosiologis (meningkatkan segmentasi penonton) turut menentukan transformasi bahasa artistik dan hanya dapat diapresiasi dalam jangka waktu yang lebih lama. Hanya analisis jangka panjang seperti itu yang dapat memperhitungkan adaptasi seniman dan publik terhadap inovasi.

1. Dari Negara Bagian ke Teater

Titik awal kami bukanlah acara artistik, tetapi tindakan legislatif. Ditandatangani pada 1 Juli 2014, dan kemudian diterbitkan di Gazzetta Ufficiale (jurnal resmi Republik Italia), sebuah dekrit utama memberikan bentuk baru pada kriteria penugasan FUS ( Fondo Unico per lo Spettacolo , sumber ekonomi utama dengan mana Negara Italia mendukung teater, musik, tari, kegiatan sirkus, dan pertunjukan keliling).

Ini adalah tindakan institusional dan legislatif, tetapi dengan konsekuensi artistik juga. Faktanya:

• itu memberikan (semoga) aturan yang langgeng untuk kegiatan teater, yang di Italia tidak pernah memiliki kerangka hukum ( legge-quadro ) tetapi hanya tindakan sementara ( circolari ), dan
• berdasarkan algoritma matematika (banyak dibahas, untuk mengatakan yang sebenarnya), itu menciptakan kriteria baru, kualitatif dan kuantitatif, dalam pembiayaan komparatif yang disediakan administrasi publik untuk teater tunggal: kriteria tersebut berlaku sejak 1985 (tahun kelahiran dari FUS; lebih dari 30 tahun yang lalu) dan berdasarkan kebijaksanaan artistik komisi.

Dengan cara ini, dekrit 1 Juli 2014 cenderung mengarahkan dan mempengaruhi model baru penciptaan, produksi dan distribusi, mengingat fakta penting bahwa kegiatan teater Italia (bahkan yang disebut “teater independen”) bergantung pada FUS dan/ atau alokasi publik paralel lainnya dari pemerintah daerah, yang dimodelkan pada kriteria FUS.

Keputusan tersebut diterapkan dalam periode tiga tahun 2015–17, dan saat ini berlaku untuk periode tiga tahun 2018–20. Tidak sulit untuk membayangkan bagaimana beberapa tekadnya (penekanan pada pertunjukan multidisiplin, dukungan untuk seniman di bawah usia 35 tahun, aturan baru untuk teater nasional dan untuk kepentingan budaya yang relevan, perhatian pada pengembangan penonton dan pendidikan pemain muda) adalah kekuatan pendorong untuk pilihan yang dibuat oleh perusahaan dan teater saat ini .

Baru pada tahun 2020, pada akhir periode tiga tahun kedua, akan mungkin untuk memahami apakah dekrit tersebut memberikan karakter sistemik pada fluiditas adegan teater Italia. Namun, jelas bahwa kekuatan lain bekerja pada saat yang sama; kekuatan yang sangat artistik dan memiliki energi yang terakumulasi dari waktu ke waktu.

2.1. Evolusi Arah Panggung

Akhir abad kedua puluh ditandai di teater Italia dengan model regìa kritika (arah kritis). Sutradara seperti Giorgio Strehler (1921–97), Luca Ronconi (1933–2015) dan Massimo Castri (1943-2013) mendefinisikan model pementasan khas Italia. Kritikus registatidak hanya menjadi penjamin terakhir dari berbagai komponen yang terlibat dalam pembangunan sebuah pertunjukan. Sutradara-sutradara ini juga berperan sebagai dramaturg (mereka menerapkan diri mereka pada aplikasi teks yang dramatis), pendidik (untuk para aktor) dan manajer artistik (mereka mengarahkan teater-teater nasional yang paling penting, program-program yang mereka bentuk dengan pilihan mereka) . Bahkan, mereka juga menjadi semacam rekan penulis, bersama dengan penulis naskah, dari karya yang dihasilkan. Kadang-kadang mereka naik di atas penulis dalam visibilitas.

Inilah yang terjadi dalam beberapa karya terakhir Luca Ronconi, sebelum kematiannya, La kesederhanaan ( Modesty , 2011) dan Il panico ( Panic , 2013), di mana kepribadian sutradara lebih menarik perhatian publik daripada dramawan Argentina Rafael Spregelburd (yang saat itu belum begitu terkenal di Italia). Saat ini, model regìa kritika kurang meresap, tetapi karisma artistik Ronconi dan minatnya pada teks non-dramatis (novel, esai ilmiah dan ekonomi) telah meninggalkan bekas yang mendalam pada mereka yang mewarisi warisannya.

Beberapa Teater Anatomi Di Italia – Teater Anatomi adalah salah satu institusi terpenting dalam sejarah kedokteran . Mereka digunakan dalam pengajaran anatomi di universitas modern awal. Dalam sebagian besar kasus secara ilegal, karena dilarang oleh Gereja Katolik. Mereka disebut teater karena bentuknya yang amfiteater, di tengahnya akan berdiri meja tempat pembedahan tubuh manusia atau hewan berlangsung. Di sekeliling meja ini ada beberapa tingkat melingkar, elips, atau segi delapan dengan pagar, di mana siswa atau pengamat lain bisa berdiri dan mendapatkan pemandangan yang baik dari pembedahan hampir dari atas dan tidak terbebani oleh penonton di barisan di depan.

 

Beberapa Teater Anatomi Di Italia

toscanaspettacolo -Selain itu, pembedahan tampak sedikit seperti tontonan teater. Misalnya di teater anatomi di Bologna, otopsi biasanya diadakan dengan iringan pemain biola yang seharusnya membuat seluruh pengalaman lebih tertahankan bagi para siswa.Teater anatomi pertama dibangun di Universitas Padua pada tahun 1594 dan masih dilestarikan. Contoh awal lainnya termasuk Teater Anatomicum Universitas Leiden, dibangun pada tahun 1596 dan direkonstruksi pada tahun 1988, dan Teater Anatomi Archiginnasio di Bologna (yang bangunannya berasal dari tahun 1563 dan teater anatomis dari tahun 1637). Jadi inilah mereka: teater anatomi paling indah di Italia.

Teater Anatomi, Universitas Padua

Teater anatomi tertua di dunia terletak di Palazzo del Bo di Universitas Padua dan dibangun pada tahun 1594 oleh ahli bedah Italia dan ahli anatomi Renaisans yang membantu menemukan embriologi modern, Girolamo Fabricius Acquapendente.

Teater anatomi yang indah ini, berukuran sangat kecil, memiliki enam tingkat yang diukir dari kenari dan dapat menampung hingga 300 penonton. Setelah pembedahan terakhir pada tahun 1872, teater telah dilestarikan, bahkan meja aslinya masih berdiri dan sekarang bangunan itu menampung alat-alat bedah bersejarah dan artefak penting medis.

Mayat yang akan digunakan untuk otopsi dikirim ke Universitas oleh otoritas kehakiman – mereka sering kali adalah mayat orang yang dieksekusi. Agar pelajaran diadakan secara teratur, yang disebut ‘pramugara’, yang bertugas menyediakan mayat yang diperlukan, ditunjuk. Jika Anda pernah bepergian ke Padua jangan lewatkan Capella degli Scrovegni dan tempat yang fantastis ini!

Teater Anatomi, Universitas Bologna

University of Bologna menjadi tuan rumah salah satu teater anatomi terindah di dunia. Pembangunan teater anatomi Archiginnasio dimulai pada tahun 1636 dan selesai pada tahun 1737. Setiap sudut ruangan didekorasi dengan rumit dengan patung seorang wanita yang ditawari tulang paha oleh seorang malaikat dan dokter terkenal seperti Hippocrates, Galenus, dll. berdiri di ceruk. Langit-langitnya dihiasi dengan simbol astrologi dengan keyakinan bahwa setiap bagian tubuh ditempatkan di bawah perwalian tanda zodiak.

Dua bagian ruangan yang paling terkenal adalah patung Spellati, model anatomi yang menampilkan otot-otot di bawah kulit. Sayangnya, pada 29 Januari 1944, selama Perang Dunia Kedua, teater itu hampir hancur total. Setelah perang berakhir, teater dibangun kembali menggunakan semua bagian aslinya.

Teater Anatomi, Ospedale del Ceppo, Pistoia

Ospedale del Ceppo didirikan pada abad ke-13, menjadikannya salah satu rumah sakit tertua di dunia yang masih berfungsi. Tampaknya pelajaran kedokteran diadakan di rumah sakit sejak abad ke-16. Pelajaran anatomi juga diadakan di Teater Anatomi dari akhir abad ke-18.

Arsitektur neoklasik, fresco dengan grottesche dan medali yang menampilkan warna-warna pastel; suasana yang canggih sangat kontras dengan fungsi tempat itu. Sekolah ini aktif sampai tahun 1844. Teater adalah ruangan persegi panjang berukuran sedang, dengan meja anatomi di tengah dan dua baris bangku yang ditinggikan untuk siswa.

Debut dunia Anatomy Theater: opera paling mengerikan yang pernah ada?

Di sini tidak diragukan lagi panggung opera telah melihat bagian yang adil dari darah selama bertahun-tahun, apakah itu adegan gila di Lucia di Lammermoor karya Donizetti , noda halus namun keras kepala yang mengotori tangan Lady Macbeth , tetesan merah yang menandakan akhir dari Mimi di La boheme , atau bahkan mayat para pelamar bertebaran di luar istana Turandot.

Tapi ada darah dan kemudian ada darah, seperti yang dengan tegas diilustrasikan oleh Anatomy Theater , komposer David Lang dan operet baru artis Mark Dion menikmati pemutaran perdana dunianya di Redcat Los Angeles selama lima pertunjukan yang dimulai pada 16 Juni, bagian dari seri Off Grand LA Opera.

“Ada saat-saat ketika orang memiliki semua agenda yang berbeda untuk alasan mengapa pelajaran anatomi ini berlangsung. Kami pikir itu akan menjadi hal yang sangat menarik dan provokatif untuk dilakukan, ”kata Lang tentang yang terbaru, tentang eksekusi seorang pembunuh di Inggris abad ke-17 yang kemudian dibedah di depan umum untuk menghilangkan organ ganas yang dianggap sebagai dorongan untuk kejahatannya.

“Yang menarik bagi saya adalah melalui keajaiban opera kita bisa membedah orang ini dan dia bisa terus bernyanyi. Itu adalah sesuatu yang dapat kami tawarkan yang tidak dapat diberikan oleh pelajaran anatomi yang sebenarnya.”

Lang dan teman-temannya bukannya bersaing untuk mendapatkan penonton yang mencari darah. Hari-hari pembedahan publik sudah lama berlalu tetapi tidak cukup cepat untuk acara Sarah Osborne, yang dinyanyikan oleh mezzo Peabody Southwell.

Diperkosa dan dipukuli oleh ayah tirinya pada usia dini, Osborne diusir dari rumahnya oleh ibunya dan beralih ke kehidupan pelacuran. Setelah dia menikahi mucikarinya, dia juga memukulinya sampai suatu malam dia membuangnya dengan meminum minuman kerasnya dan membekapnya dengan bantal. Ketika perbuatan itu dilakukan, dia melakukan hal yang sama kepada kedua anaknya yang masih kecil.

Baca Juga : Seni Pertunjukan Berkontribusi Pada Pengembangan Proaktif Individu

Saat Teater Anatomi dimulai, dia berdiri di tiang gantungan untuk membayar kejahatannya. Beberapa saat kemudian, pekerjaan nyata untuk mengungkap kejahatan sedang berlangsung untuk kepentingan audiens yang membayar. Pembawa acara Jonathan Crouch, dinyanyikan oleh bariton Marc Kudisch , didampingi oleh ahli anatomi Baron Peel, (bass-bariton Robert Osborne ). Asistennya Ambrose Strang, dinyanyikan oleh tenor Timur , melakukan pekerjaan kotor mengiris mayat yang masih hangat.

“Tantangan terbesar saya dalam karya ini adalah saya kemudian harus bermain mati selama 45 menit sambil ditopang di atas platform meja vertikal sementara anak-anak lelaki itu menusuk dan mendorong saya dan menggeser dan menabrak saya,” kata Southwell yang telanjang di sebagian besar produksi sebagai organ-organnya diekstraksi dan diperiksa untuk mencari tanda-tanda kejahatan yang busuk.

“Saya bisa berpura-pura mati dengan pakaian jauh lebih mudah. Tetapi karena semua mekanisme pernapasan saya terlihat dan mekanisme menelan saya terlihat dan sangat jelas, saya bekerja dengan guru Pilates dan guru meditasi saya. Ini kebalikan dari pernapasan penyanyi. Saya harus menemukan napas yang sangat dangkal ini yang dapat saya tahan selama 45 menit.”

Untuk semua darah kental dan ketelanjangannya, Teater Anatomi mungkin terdengar seperti menarik bagi naluri dasar penontonnya, tetapi kenyataannya justru sebaliknya. “Alasan mengapa wanita ini dieksekusi dan alasan mengapa Donald Trump menemukan orang untuk mendukungnya adalah karena ada hal-hal di dunia yang harus kita takuti,” jelas Lang, yang memenangkan Hadiah Pulitzer untuk karya paduan suara, The Little Match Girl Passion , serta nominasi Oscar untuk Simple Song #3 dalam film karya Paolo Sorrentino , Youth .

Diproduksi oleh avatar avant-garde Beth Morrison Projects , Teater Anatomi menggambarkan ekstrem irasional yang akan dilakukan masyarakat untuk melindungi dirinya sendiri. “Tampaknya biadab dalam opera kami bahwa ini adalah cara orang menghadapi ketakutan mereka.

Namun itu adalah sesuatu yang masih ada bagi kita. Dan saya pikir itu adalah sesuatu yang benar-benar ditunjukkan oleh situasi Donald Trump ketakutan ini tidak bisa hilang. Kita tidak bisa kehilangan kewaspadaan kita dalam mencoba untuk menjaga pendekatan yang lebih dalam dan lebih filosofis dan masuk akal tentang bagaimana kita melindungi diri kita sendiri.”

Seni Pertunjukan Berkontribusi Pada Pengembangan Proaktif Individu – Peran praktis yang dimainkan seni pertunjukan dalam pengalaman pendidikan yang menyeluruh telah mengalami banyak perdebatan selama bertahun-tahun. Ini menyegarkan untuk melihat bahwa itu menerima lebih banyak perhatian daripada di masa lalu. Pendidik lebih menyadari nilai intrinsiknya dalam kurikulum di seluruh dunia.

Seni Pertunjukan Berkontribusi Pada Pengembangan Proaktif Individu

Toscanaspettacolo – Ini lebih dari sekedar bermain peran atau melakukan sedikit tarian; ini tentang mempelajari keterampilan hidup yang serbaguna dan dapat dipindahtangankan yang penting.

 

Selain fakta bahwa itu menyenangkan dan menantang, seni pertunjukan membangun kebiasaan berpikir yang penting untuk hidup dengan baik dan mengatasi kesulitan hidup. Itu mengasah kreativitas dan kecerdasan kita, menumbuhkan belas kasih kita, dan membawa pemahaman kemanusiaan yang lebih tinggi ke kesadaran kita. Pelaku harus menjadi pemikir kritis, pemecah masalah, dan pendengar yang baik.

Seni pertunjukan adalah perjalanan fisik, mental, dan emosional tentang perbaikan pribadi dan vitalitas hubungan manusia.

Dalam artikel ini, kita akan berbicara tentang 6 keterampilan hidup yang dikembangkan oleh seni pertunjukan ketika siswa bersedia menerapkan diri mereka sendiri untuk memperkaya pengalamannya. Namun, pertama-tama, mari kita dengar dari beberapa pendukung mengapa subjek ini layak mendapat perhatian dalam pendidikan siswa kita.

Suara di Seni Pertunjukan Yang ini diposting di situs web Scots College berbicara tentang manfaat holistik dari seni pertunjukan:

“Seni pertunjukan dalam pendidikan memberi siswa kesempatan untuk melibatkan pikiran, tubuh, dan emosi ke dalam ekspresi kolaboratif dan komunal dari semua artinya menjadi manusia Mereka menemukan suara mereka sendiri, mereka tumbuh dalam kepercayaan mengembangkan empati dan wawasan etis ke dalam kontradiksi dan paradoks dari kondisi manusia.”

Ini adalah beberapa wawasan pendidik Matt Buchanan tentang aplikasi dunia nyata dan sifat kolaboratif seni pertunjukan:

“Seorang siswa dapat, jika hanya untuk beberapa saat, menjadi orang lain, mengeksplorasi peran baru, mencoba dan bereksperimen dengan berbagai pilihan dan solusi pribadi untuk masalah yang sangat nyata ini dapat terjadi dalam suasana yang aman di mana tindakan dan konsekuensi dapat terjadi. diperiksa, dibahas, dan dalam arti yang sangat nyata dialami tanpa bahaya dan jebakan yang jelas akan mengarah pada eksperimen semacam itu di dunia “nyata”.

Meskipun artikel-artikel ini berbicara tentang hal-hal yang berbeda, pesan keseluruhannya jelas: seni pertunjukan berkontribusi pada pengembangan proaktif individu di berbagai tingkatan.

1. Ekspresi Diri Kreatif

Mengejar bentuk seni apa pun menjadi ekspresi individualitas dan sifat kreatif seseorang. Mengekspresikan diri kita secara kreatif menambah kemampuan kita untuk mengekspresikan diri kita dalam situasi lain. Ini termasuk semua jenis hubungan profesional dan pribadi.

Seni pertunjukan menuntut tingkat ekspresi diri yang sangat pribadi dan unik bagi individu.

Mereka yang mempraktikkannya, baik itu dalam seni tari atau teater, menemukan diri mereka menjelajahi kekayaan kemampuan ekspresif mereka. Dalam banyak kasus, mereka yang tidak mampu mengekspresikan diri dengan cara lain menemukan pelampiasannya dalam seni pertunjukan. Oleh karena itu kita harus memastikan bahwa lingkungan siswa kita mengekspresikan kreativitas mereka tetap aman dan bebas dari penilaian, seperti yang diinstruksikan Matt Buchanan di atas.

2. Keyakinan

Sebanyak seni pertunjukan mengilhami sifat kreatif kita, itu juga merupakan pembangun kepercayaan diri. Lagi pula, setelah kami membuat proyek ekspresif, kami masih harus menampilkannya atau mempresentasikannya kepada audiens. Ini membutuhkan keberanian untuk menerima reaksi apa pun yang datang dari membagikan bagian diri kita ini tanpa mengorbankan integritas kita.

Keyakinan adalah hasil dari kesadaran kita bahwa pendapat orang lain tentang kita tidak perlu menjadi kenyataan kita.

Pada dasarnya kami gugup karena kami tidak tahu apa tanggapannya terhadap upaya kami. Namun, di suatu tempat jauh di lubuk hati kami ingin itu memvalidasi kami. Akibatnya, kita mendapati diri kita membayangkan perasaan mengerikan yang akan kita alami jika kurang dari itu.

Bagian dari membangun kepercayaan diri dalam seni pertunjukan adalah mampu melepaskan harapan seperti itu. Kami melanjutkan visi kami dengan mengetahui bahwa itu adalah representasi terbaik dari kreativitas batin kami yang dapat kami berikan pada saat itu. Hal ini tidak salah atau benar, sempurna atau tidak sempurna-itu hanya adalah .

Dalam setting seni pertunjukan, orang akan memiliki beragam pendapat tentang ekspresi orang lain. Beberapa akan menjadi positif dan beberapa negatif. Ini adalah pola pikir yang dapat kita terapkan ke banyak bidang kehidupan kita.

3. Kolaborasi

Sesuai dengan sifatnya, seni pertunjukan sangat kolaboratif. Mereka tentang menjalin hubungan melalui berbagi minat dan tujuan bersama dengan orang lain. Mereka juga tentang membangun kepercayaan dengan orang-orang yang kita pilih untuk bekerja sama dalam proyek-proyek yang berarti bagi kita. Dengan pengalaman seperti itu, kita belajar menghadapi tantangan dan ketidaksepakatan secara konstruktif dan proaktif.

Memproduksi apa pun di bidang seni pertunjukan, baik secara akademis atau profesional, biasanya mengharuskan kita untuk meminta bantuan orang lain.
Sangat jarang kita dapat melakukan semuanya sendiri, dan ini bukan hanya kasus “banyak tangan membuat pekerjaan ringan”. Ini juga berkaitan dengan peningkatan hasil kami dengan keahlian dan wawasan orang lain untuk mencapai keterlibatan yang menguntungkan dan kesuksesan bersama. Ini bisa berlaku untuk semua jenis proyek tim.

Dalam sekelompok individu yang berpikiran sama, setiap orang mungkin memiliki sesuatu yang dapat mereka bawa ke meja yang tidak dapat dimiliki orang lain. Misalnya, Henry Ford mengklaim bahwa dia mengelilingi dirinya dengan orang-orang yang dia kenal lebih pintar dan lebih mampu daripada dia. Kesediaan kolaboratif semacam itu memungkinkannya untuk menciptakan sesuatu yang pada akhirnya mengubah dunia.

4. Fokus

Upaya kreatif membutuhkan kemauan dan tekad karena kita cenderung membidik ketika kita asyik dengan sesuatu yang imajinatif dan eksperimental. Seringkali kita bekerja mundur dari akhir untuk mencapai hasil yang kita inginkan. Di sisi lain, kami juga berpusat pada proses tertentu saat kami memvisualisasikan tujuan akhir kami. Semua ini membutuhkan fokus dan konsentrasi. Faktanya adalah, apa pun yang layak dilakukan membutuhkan fokus dan seni pertunjukan tidak berbeda.

5. Pemecahan Masalah

Pematung Magdalena Abakanowicz mengatakan ini tentang seni:

“Seni tidak menyelesaikan masalah, tetapi membuat kita sadar akan keberadaannya.”

Lalu bagaimana seni berkontribusi pada keterampilan pemecahan masalah yang kita inginkan untuk siswa kita? Sederhananya, dengan memahami proses kreatif kita mempelajari proses pemecahan masalah secara default.

Dalam sekelompok individu yang berpikiran sama, setiap orang mungkin memiliki sesuatu yang dapat mereka bawa ke meja yang tidak dapat dimiliki orang lain.

Inilah sebabnya kami telah mengembangkan Kefasihan Esensial yang sekarang digunakan di ruang kelas di seluruh dunia. Proses pemecahan masalah unggulan kami adalah Solution Fluency . Ini adalah sistem yang sangat mudah yang akan memecahkan masalah tidak peduli seberapa besar atau kecil. Semua Kefasihan lainnya dicerminkan dalam fase Kefasihan Solusi, yang menjadikannya proses pemecahan masalah dengan caranya sendiri. Ini juga berlaku untuk Kefasihan Esensial ketiga, Kefasihan Kreativitas .

Baca Juga :  Teater Italia Bukan Sistem, Dan Begitu Banyak Transformasi

Kreativitas Kefasihan juga dikembangkan sebagai pendekatan pemecahan masalah untuk mengajarkan fakta bahwa kreativitas bukanlah sesuatu yang hanya dimiliki oleh segelintir orang sejak lahir.

Ini adalah keterampilan yang dapat diajarkan dan dipelajari seperti yang lainnya. Begitu kita mempelajari kreativitas, kita menyadari bahwa kita menjadi pemecah masalah yang unik yang berurusan dengan konsep abstrak dan artistik serta teknis dan linier.

6. Memanfaatkan Umpan Balik

Selama tahun-tahun sekolah mereka, siswa akan dinilai dan dinilai secara konstan, dan bagian dari penilaian yang penuh perhatian adalah memberikan umpan balik yang konstruktif dan dapat ditindaklanjuti yang dapat dikembangkan oleh siswa. Karya seni pertunjukan selalu melibatkan umpan balik. Siswa dapat belajar melalui praktik artistik bahwa umpan balik dapat memberdayakan jika diberikan dan diterima dengan cara yang benar.

Apakah umpan balik itu positif atau negatif, siswa harus belajar bagaimana menggunakannya untuk keuntungan mereka.

Seni pertunjukan adalah salah satu cara terbaik bagi mereka untuk mempelajari ini karena proyek semacam itu sangat pribadi dan unik bagi setiap siswa. Jika umpan baliknya konstruktif, mereka harus dibimbing ke arah bagaimana menggunakan yang terbaik darinya untuk meningkatkan. Jika sebagian besar negatif, mereka harus belajar mengubahnya menjadi sesuatu yang dapat melayani mereka daripada menghancurkannya.

Sekarang jelas ini sangat tergantung pada orang-orang yang terlibat karena umpan balik tidak selalu merupakan pengalaman yang positif. Tapi itu bisa berubah, dan perubahan dimulai dari Anda , sang pendidik. Adalah kekuatan Anda untuk memastikan bahwa umpan balik yang Anda berikan, bahkan dalam suasana kreatif seperti seni pertunjukan, berguna dan memungkinkan.

Dengan cara ini, siswa belajar tentang kegagalan yang bermanfaat.

Alih-alih kehilangan kesabaran dengan diri mereka sendiri dan menyerah, mereka kembali ke tugas bertekad untuk menempatkan upaya yang lebih baik ke depan untuk mencapai tujuan mereka. Di luar seni pertunjukan, keterampilan ini dapat melayani mereka dengan baik.

Teater Italia Bukan Sistem, Dan Begitu Banyak Transformasi  – Jauh dari sebuah sistem, adegan Italia adalah aglomerasi di mana peristiwa sejarah, variasi bahasa, tempat penciptaan, ketentuan legislatif kecil dan besar dan kepribadian seniman mengguncang teater dan penonton mereka dalam kekacauan animasi. Tulisan ini merupakan uraian tentang berbagai kecenderungan dan tokoh yang menonjol, serta uraian tentang komponen ekonomi (pembiayaan), yuridis (perundang-undangan) dan sosiologis (meningkatkan segmentasi penonton) yang menentukan jalannya teater Italia beberapa waktu lalu. musim.

Teater Italia Bukan Sistem, Dan Begitu Banyak Transformasi

toscanaspettacolo – Italia adalah negara 1.000 kilometer. Ini adalah jarak yang memisahkan teater kota di kota dwibahasa Bolzano (antara Alpen utara yang tertutup salju) dari teater Yunani Syracuse, di Sisilia selatan (teater terbuka beberapa langkah dari Laut Mediterania), satu yang paling indah di Magna Graecia.

Tetapi Italia juga merupakan negara dengan 1.000 bahasa. Sejarah Italia berarti bahwa setiap wilayah, bahkan setiap kota, mengembangkan cara bicaranya sendiri. Hanya televisi, sejak 1950-an dan seterusnya, yang berhasil memperkuat bahasa lisan bersama, standar nasional. Tetapi dialek dan bahasa lokal bertahan di mana-mana dan dipraktikkan dengan cepat.

Jadi, tidak mengherankan bahwa Italia juga dapat mengandalkan 1.000 teater yang berbeda dan 1.000 cara berteater yang berbeda dan terus berkembang. Jauh dari sebuah sistem (seperti yang Prancis atau Jerman), adegan Italia adalah aglomerasi di mana peristiwa sejarah, variasi bahasa, tempat penciptaan, ketentuan legislatif kecil dan besar, dan seniman terkemuka mengguncang teater dan penonton mereka dalam kekacauan animasi. . Tidak selalu mudah untuk menganalisis fisiognomi adegan teater ini atau mengamati aliran internalnya.

Baca juga : Teater Romawi Evolusi Keseluruhan Teater Yunani

Cakrawala di mana makalah ini akan disebarkan pendek; kurang dari sepuluh tahun. Dalam periode terbatas seperti itu, kekuatan transformasi mungkin tampak cepat dan mengejutkan, tetapi kemungkinan besar kekuatan-kekuatan itu akan terbukti kurang tajam pada waktunya. Makalah ini akan memberikan penjelasan tentang apa yang terjadi di musim-musim terakhir, tetapi juga perlu merujuk pada fenomena jangka panjang. Tindakan komponen ekonomi (pembiayaan), yuridis (perundang-undangan) dan sosiologis (meningkatkan segmentasi penonton) turut menentukan transformasi bahasa artistik dan hanya dapat diapresiasi dalam jangka waktu yang lebih lama. Hanya analisis jangka panjang seperti itu yang dapat memperhitungkan adaptasi seniman dan publik terhadap inovasi.

Dari Negara Bagian ke Teater

Titik awal kami bukanlah acara artistik, tetapi tindakan legislatif. Ditandatangani pada 1 Juli 2014, dan kemudian diterbitkan di Gazzetta Ufficiale (jurnal resmi Republik Italia), sebuah dekrit utama memberikan bentuk baru pada kriteria penugasan FUS (Fondo Unico per lo Spettacolo, sumber ekonomi utama dengan mana Negara Italia mendukung teater, musik, tari, kegiatan sirkus, dan pertunjukan keliling).

Ini adalah tindakan institusional dan legislatif, tetapi dengan konsekuensi artistik juga. Faktanya:

    itu memberikan (semoga) aturan yang langgeng untuk aktivitas teater, yang di Italia tidak pernah memiliki kerangka hukum (legge-quadro) tetapi hanya tindakan sementara (circolari), dan

    berdasarkan algoritma matematika (banyak dibahas, untuk mengatakan yang sebenarnya), itu menciptakan kriteria baru, kualitatif dan kuantitatif, dalam pembiayaan komparatif yang disediakan administrasi publik untuk teater tunggal: kriteria tersebut berlaku sejak 1985 (tahun kelahiran dari FUS; lebih dari 30 tahun yang lalu) dan berdasarkan kebijaksanaan artistik komisi.

Dengan cara ini, dekrit 1 Juli 2014 cenderung mengarahkan dan mempengaruhi model baru penciptaan, produksi dan distribusi, mengingat fakta penting bahwa kegiatan teater Italia (bahkan yang disebut “teater independen”) bergantung pada FUS dan/ atau alokasi publik paralel lainnya dari pemerintah daerah, yang dimodelkan pada kriteria FUS.

Keputusan tersebut diterapkan dalam periode tiga tahun 2015–17, dan saat ini berlaku untuk periode tiga tahun 2018–20. Tidak sulit untuk membayangkan bagaimana beberapa tekadnya (penekanan pada pertunjukan multidisiplin, dukungan untuk seniman di bawah usia 35 tahun, aturan baru untuk teater nasional dan untuk kepentingan budaya yang relevan, perhatian pada pengembangan penonton dan pendidikan pemain muda) adalah kekuatan pendorong untuk pilihan yang saat ini dibuat oleh perusahaan dan teater .

Baru pada tahun 2020, pada akhir periode tiga tahun kedua, akan mungkin untuk memahami apakah dekrit tersebut memberikan karakter sistemik pada fluiditas adegan teater Italia. Namun, jelas bahwa kekuatan lain bekerja pada saat yang sama; kekuatan yang sangat artistik dan memiliki energi yang terakumulasi dari waktu ke waktu.

Evolusi Arah Panggung

Akhir abad kedua puluh ditandai di teater Italia dengan model regìa criticala (arah kritis). Sutradara seperti Giorgio Strehler (1921–97), Luca Ronconi (1933–2015) dan Massimo Castri (1943-2013) mendefinisikan model pementasan khas Italia. Para kritiko regista tidak hanya menjadi penjamin terakhir dari berbagai komponen yang terlibat dalam pembangunan sebuah pertunjukan. Sutradara-sutradara ini juga berperan sebagai dramaturg (mereka menerapkan diri mereka pada aplikasi teks yang dramatis), pendidik (untuk para aktor) dan manajer artistik (mereka mengarahkan teater-teater nasional yang paling penting, program-program yang mereka bentuk dengan pilihan mereka) . Bahkan, mereka juga menjadi semacam rekan penulis, bersama dengan penulis naskah, dari karya yang dihasilkan. Kadang-kadang mereka naik di atas penulis dalam visibilitas.

Inilah yang terjadi dalam beberapa karya terakhir Luca Ronconi, sebelum kematiannya, La kesederhanaan (Modesty, 2011) dan Il panico (Panic, 2013), di mana kepribadian sutradara lebih menarik perhatian publik daripada dramawan Argentina Rafael Spregelburd (yang saat itu belum begitu terkenal di Italia). Saat ini, model regìa kritika kurang meresap, tetapi karisma artistik Ronconi dan minatnya pada teks non-dramatis (novel, esai ilmiah dan ekonomi) telah meninggalkan bekas yang mendalam pada mereka yang mewarisi warisannya.

Mario Martone dan Antonio Latella adalah dua direktur yang bekerja hari ini dalam nada ini; meskipun ini dimodulasi, dalam kasus Martone, oleh banyak pengalaman paralel di bidang sinema dan opera. Martone mengarahkan teater permanen publik di Roma dan Turin. Dia membedakan dirinya dengan menghadirkan produksi berdasarkan judul non-kanonik, seperti karya berdasarkan tulisan filosofis penyair abad kesembilan belas Giacomo Leopardi (Operette morali, 2011), dan dengan menggelar rekreasi sastra radikal, seperti Carmen yang sangat populer ( produksi 2015, setelah novel pendek Prosper Mérimée, tetapi seluruhnya berlatar Napoli setelah Perang Dunia Kedua).

Latella telah menyutradarai Bagian teater Venice Biennale sejak 2017 dan telah menerima banyak pujian dengan karyanya mengkode ulang film-film kultus, dari Gone with the Wind (Francamente me ne infischio, 2011) hingga Die Sehnsucht von Veronika Voss (Ti regalo la mia morte, Veronika, 2015) atau novel yang sangat populer untuk anak-anak (Pinocchio, 2017).

Di samping mereka, perlu disebutkan juga direktur generasi sebelumnya, seperti Giorgio Barberio Corsetti (yang diangkat sebagai direktur artistik Teatro di Roma permanen pada 2019), Federico Tiezzi dan Cesare Lievi. Kami juga harus mencatat sutradara lain dari generasi yang sama seperti Martone dan Latella, seperti: Valerio Binasco (sekarang kepala Teater Turin), Arturo Cirillo, dan, sebagai bagian dari penegasan progresif sutradara perempuan dalam teater Italia, seperti tokoh-tokoh seperti Cristina Pezzoli, Veronica Cruciani dan Serena Sinigaglia.

Ada tokoh lain yang hari ini menerima label sutradara di Italia. Namun, modus operandi mereka agak berbeda dari yang dijelaskan di atas. Romeo Castellucci (salah satu pendiri Socìetas Raffaello Sanzio), Emma Dante dan Pippo Delbono tidak cenderung menampilkan teks yang masih ada; melainkan, mereka berkonsentrasi pada penciptaan dramaturgi yang sangat individual dan orisinal.

Pippo Delbono, yang sering berurusan dengan masalah marginalitas sosialnya sendiri (seperti dalam Barboni / Tunawisma, 1997), baru-baru ini mengangkat hubungannya dengan iman Katolik (Vangelo / The Gospel, 2015). Dalam karya terbarunya La gioia (Joy, 2018), penyakit depresinya sendiri adalah kekuatan pendorong artistik. Karya ini mencapai hubungan emosional yang kuat dengan penonton.

Teater Romawi Evolusi Keseluruhan Teater Yunani – Teater Romawi berasal dari dan merupakan bagian dari evolusi keseluruhan teater Yunani sebelumnya.Memang, banyak pengaruh arsitektur pada Romawi berasal dari Yunani, dan desain struktural teater tidak berbeda dari bangunan lain. Namun, teater Romawi memiliki perbedaan khusus, seperti umumnya dibangun di atas fondasinya sendiri daripada karya tanah atau lereng bukit dan sepenuhnya tertutup di semua sisi.

Teater Romawi Evolusi Keseluruhan Teater Yunani

 

toscanaspettacolo – Teater Romawi dibangun di semua wilayah Kekaisaran, dari Spanyol hingga Timur Tengah. Karena kemampuan Romawi untuk mempengaruhi arsitektur lokal, kita melihat banyak teater di seluruh dunia dengan atribut Romawi yang unik.

Kesamaan ada antara teater dan amfiteater Roma kuno. Mereka dibangun dari bahan yang sama, beton Romawi, dan menyediakan tempat bagi publik untuk pergi dan melihat berbagai acara. Namun, mereka adalah dua struktur yang sama sekali berbeda, dengan tata letak khusus yang cocok untuk berbagai acara yang mereka selenggarakan.

Amfiteater tidak membutuhkan akustik yang superior, tidak seperti yang disediakan oleh struktur teater Romawi. Sementara amfiteater akan menampilkan balapan dan acara gladiator, teater menyelenggarakan acara seperti drama, pantomim, acara paduan suara, orasi, dan perdagangan. Desain mereka, dengan bentuk setengah lingkaran, meningkatkan akustik alami, tidak seperti amfiteater Romawi yang dibangundalam putaran.

Bangunan-bangunan ini berbentuk setengah lingkaran dan memiliki struktur arsitektur tertentu yang melekat, dengan perbedaan kecil tergantung pada wilayah di mana mereka dibangun. Scaenae frons adalah dinding belakang yang tinggi dari lantai panggung, ditopang oleh tiang-tiang.

Proscaenium adalah dinding yang menopang tepi depan panggung dengan relung-relung yang dihias dengan hiasan di sampingnya. Pengaruh Helenistik terlihat melalui penggunaan proscenium. Teater Romawi juga memiliki podium, yang terkadang menopang tiang-tiang scaenae frons.

Teater itu sendiri dibagi menjadi panggung (orkestra) dan bagian tempat duduk (gua) gua kadang-kadang dibangun di atas bukit atau lereng kecil di mana tempat duduk bertumpuk dapat dengan mudah dibuat dalam tradisi teater Yunani. Bagian tengah gua dilubangi dari bukit atau lereng, sedangkan kursi radian luar membutuhkan dukungan struktural dan dinding penahan yang kokoh.

Ini tidak selalu terjadi karena orang Romawi cenderung membangun teater mereka terlepas dari ketersediaan lereng bukit. Semua teater yang dibangun di dalam kota Roma sepenuhnya buatan manusia tanpa menggunakan pekerjaan tanah. Gua itu tidak beratap, melainkan, awning (vela) bisa ditarik ke atas untuk memberikan perlindungan dari hujan atau sinar matahari. Vomitoria, lorong-lorong yang terletak di bawah atau di belakang tingkat kursi, disediakan untuk penonton.

Beberapa teater Romawi, yang dibangun dari kayu, diruntuhkan setelah festival tempat mereka didirikan selesai. Praktek ini karena moratorium struktur teater permanen yang berlangsung hingga 55 SM ketika Teater Pompey dibangun dengan penambahan sebuah kuil untuk menghindari hukum. Beberapa teater Romawi menunjukkan tanda-tanda tidak pernah selesai di tempat pertama.

Di dalam Roma, beberapa teater bertahan selama berabad-abad setelah pembangunannya, memberikan sedikit bukti tentang teater tertentu. Teater Romawi Oranye di Oranye modern, Prancis, adalah contoh bagus dari teater Romawi klasik, dengan scaenae fron yang menjorok, mengingatkan mengapa desain teater Romawi Barat, bagaimanapun, dilucuti dari kolom dan patung batu hiasnya.

Baca Juga ; Pekerjaan Seni Teater Pertunjukan Yang Khas

Pelajari tentang jenis pertunjukan yang mungkin pernah disaksikan oleh orang Romawi kuno dan sedikit tentang kostum dan penulis berpengaruh Plautus.

Namun, merujuk ke halaman ini sebagai informasi tentang teater Romawi kuno mungkin agak menyesatkan, karena Bangsa Romawi tidak memiliki tempat permanen yang tetap untuk menonton dan pertunjukan sampai akhir Republik zaman Pompey the Great, dan Teater Romawi dikembangkan oleh non-Romawi di seluruh Italia, terutama, Campania (selama periode Republik).

Teater Romawi Livy

Livy, yang berasal dari kota Venetian Patavium (Padua modern), di Italia utara, memasukkan dalam sejarahnya Roma sebuah sejarah teater Romawi. Livy mengemukakan 5 tahapan dalam perkembangan drama Romawi:

• Menari dengan musik seruling
• Syair improvisasi cabul dan tarian mengikuti musik seruling
• Medley hingga tarian hingga musik seruling
• Komedi dengan alur cerita dan bagian puisi lirik untuk dinyanyikan
• Komedi dengan alur cerita dan lagu, dengan bagian tambahan di akhir

Ayat Fescennine

Syair Fescennine adalah pendahulu dari komedi Romawi dan satir, mesum, dan improvisasi, digunakan terutama di festival atau pernikahan ( nuptialia carmina ), dan sebagai makian.

Fabula Atellana

Fabulae Atellanae “Atellan Farce” mengandalkan karakter stok, topeng, humor bersahaja, dan plot sederhana. Mereka dilakukan oleh aktor improvisasi. The Atellan Farce berasal dari kota Oscan, Atella. Ada 4 tipe utama karakter stok: pembual, orang bodoh yang rakus, si bungkuk yang pintar, dan orang tua yang bodoh, seperti pertunjukan Punch dan Judy modern.

Kuritz mengatakan bahwa ketika fabula Atellana ditulis dalam bahasa Roma, Latin, itu menggantikan fabula satura satire asli dalam popularitas.

Mitos Palliata

Fabula palliata mengacu pada jenis komedi Italia kuno di mana aktor mengenakan pakaian Yunani, konvensi sosial Yunani, dan cerita, sangat dipengaruhi oleh Komedi Baru Yunani.

Plautus

Plautus adalah salah satu dari dua penulis utama komedi Romawi. Beberapa plot dramanya dapat dikenali dalam komedi Shakespeare. Dia biasanya menulis tentang para pemuda yang menabur gandum mereka.

Mainkan Togata

Dinamakan untuk pakaian lambang orang Romawi, fabula togata memiliki berbagai subtipe. Salah satunya adalah tabernaria fabula, dinamai untuk kedai tempat karakter favorit komedi, orang-orang rendahan dapat ditemukan. Salah satu yang menggambarkan lebih banyak tipe kelas menengah, dan melanjutkan tema pakaian Romawi, adalah fabula trabeata.

Fabula Praetexta

Fabula Praetexta adalah nama untuk tragedi Romawi pada tema Romawi, sejarah Romawi atau politik saat ini. Praetexta mengacu pada toga hakim. Fabula praetexta kurang populer dibandingkan tragedi bertema Yunani. Selama Zaman Keemasan drama di Republik Tengah, ada empat penulis besar tragedi Romawi, Naevius, Ennius, Pacuvius, dan Accius. Dari tragedi mereka yang masih hidup, 90 gelar tersisa. Hanya 7 di antaranya untuk tragedi, menurut Andrew Feldherr dalam Spectacle dan masyarakat dalam Livy’s History

Livius Andronicus, yang datang ke Roma sebagai tawanan perang, membuat terjemahan pertama dari tragedi Yunani ke dalam bahasa Latin untuk Ludi Romani tahun 240 SM, setelah berakhirnya Perang Punisia Pertama. Ludi lainnya menambahkan pertunjukan teater ke dalam agenda.

palliata

Istilah palliata menunjukkan bahwa aktor mengenakan varian dari himation Yunani, yang dikenal sebagai pallium ketika dikenakan oleh pria Romawi atau palla ketika dikenakan oleh wanita. Di bawahnya ada chiton Yunani atau tunika Romawi . Wisatawan memakai topi petasos. Aktor tragis akan memakai soccus atau crepida atau bertelanjang kaki. Personanya adalah topeng penutup kepala.

Teater Romawi

Pemerintah harus melayani rakyat. Itu ide yang cukup mendasar di dunia saat ini, tapi itu tidak selalu. Sejarah itu terbentang sepanjang perjalanan kembali ke Republik Romawi, masyarakat kuno yang pertama kali mendedikasikan pemerintahan dari dan untuk rakyat. Sepanjang sejarah Romawi, rakyat mengharapkan pemimpin mereka menghargai mereka, tapi jujur ​​saja, politik bisa jadi membosankan. Anda tahu apa cara yang tidak membosankan bagi pemerintah untuk menunjukkan kepada Anda bahwa mereka peduli? Hiburan gratis.

Bagi rakyat Republik Romawi dan Kekaisaran Romawi, salah satu hak istimewa yang diharapkan dari kewarganegaraan adalah akses ke hiburan gratis. Baik itu perlombaan kereta perang atau pertarungan gladiator, senator, gubernur, dan kaisar selalu dapat mengamankan loyalitas publik dengan membayar tontonan publik selama beberapa hari.

Di tengah acara atletik, pertempuran, dan pertempuran laut tiruan, orang-orang Romawi juga menemukan waktu untuk teater. Sementara teater Romawi meminjam dari preseden Yunani, teater itu memegang peran unik dalam budaya Romawi. Bagaimanapun, orang Romawi menyukai pertunjukan yang bagus.

Asal & Sejarah

Asal usul tradisi teater Romawi tidak jelas, tetapi mereka adalah bagian dari kehidupan Romawi sejak sekitar berdirinya Roma. Pada saat itu, orang-orang Etruria yang bertetangga terkenal karena mempraktikkan sejumlah seni pertunjukan, banyak di antaranya digunakan dalam upacara keagamaan. Faktanya, orang Romawi kemudian menyewa pemain Etruria untuk datang ke Roma selama masa krisis dan kelaparan.

Di Republik Romawi awal, Roma juga mempertahankan kinerja sebagai bagian dari acara keagamaan mereka. Sementara mereka menghargai segala macam hiburan dan tontonan, salah satu acara tertua mereka adalah Ludi Romani , sebuah kompetisi atletik untuk menghormati dewa Jupiter. Pada abad ketiga SM, acara ini secara rutin menampilkan drama pop-up yang dilakukan oleh aktor profesional dan didanai oleh politisi lokal atau pengusaha kaya. Sekitar waktu yang sama, penulis drama Romawi sejati pertama muncul: Livius Andronicus, yang menulis drama Latin full-length pertama.

Ruang & Panggung Teater

Pada saat Kekaisaran Romawi berkembang pada abad pertama M, drama Romawi dimainkan oleh aktor profesional di hampir setiap festival keagamaan umum. Mempertimbangkan bahwa kalender Romawi berisi lebih dari 200 hari dari peristiwa ini, Roma memiliki akses yang cukup baik ke teater. Jadi seperti apa produksi teater ini?

Mari kita mulai dengan panggung. Anda tahu amfiteater raksasa, berani kami katakan, amfiteater Roma kuno? Mereka tidak untuk bermain. Itu untuk pertarungan gladiator dan tontonan serupa. Kebanyakan drama dilakukan di panggung kayu, didirikan dengan cepat di ruang publik seperti forum, dan dirobohkan setelah festival selesai. Panggung teater Romawi permanen pertama tidak dibangun sampai tahun 55 SM, dan meskipun praktiknya kemudian menjadi lebih rutin, banyak drama Romawi dilakukan di ruang sementara.

Teater Romawi Terindah

Setelah mendaftar amfiteater Romawi yang paling indah (yang merupakan struktur melingkar penuh), sekarang saatnya untuk membuat daftar teater Romawi yang paling indah struktur setengah lingkaran dengan panggung besar di depan. Sama seperti amfiteater, teater Romawi dibangun di seluruh kekaisaran Romawi dan masih dapat dilihat hingga hari ini di seluruh Eropa dan Timur Tengah beberapa masih digunakan untuk konser hari ini! Arsitektur semua teater Romawi berasal dari teater Pompey – teater Romawi pertama, yang dipengaruhi oleh teater Yunani kuno.

Teater Kuno Oranye, Oranye, Prancis

Terletak di koloni Romawi Arausio, sekarang Oranye di Prancis Selatan, teater yang indah ini adalah salah satu teater Romawi yang paling terpelihara. Dibangun pada awal abad ke-1 M, dan meskipun dibangun sekitar 2.000 tahun yang lalu masih digunakan sampai sekarang untuk pertunjukan opera selama Musim Panas. Teater telah dinyatakan sebagai Situs Warisan Dunia UNESCO.

Teater Romawi di Bosra, Bosra, Suriah

Dibangun pada abad ke-2 M, teater Romawi di Bosra adalah salah satu yang terpelihara dengan baik di seluruh Timur Tengah dan salah satu teater terbesar yang dibangun oleh Romawi, mampu menampung sebanyak 15.000 penonton. Hari ini teater digunakan selama Festival Bosra, festival musik nasional.

Teater Aspendos, dekat Antalya, Turki

Aspendos adalah kota Yunani-Romawi kuno, terletak sekitar 40 km sebelah timur Antalya modern. Kota kuno paling terkenal dengan teater yang terpelihara dengan baik. Saat ini teater tersebut digunakan untuk pertunjukan selama Festival Opera dan Balet Internasional Aspendos dan dapat menampung hingga 10.000 penonton.

Teater Emerita Augusta, Mérida, Spanyol

Dibangun di kota Romawi Emerita Augusta, hari ini Mérida, teater ini dibangun pada tahun 16-15 SM. Teater ini merupakan bagian dari ansambel arkeologi Mérida (seperti Aqueduct of Mérida Ajaib), Situs Warisan Dunia UNESCO dan salah satu situs arkeologi terbesar di Spanyol. Saat ini, selain sebagai atraksi arkeologi, teater ini juga digunakan untuk pertunjukan selama Festival Teater Klasik Mérida.

Teater Romawi di Palmyra, gurun Syria, Syria

Palmyra adalah kota kuno dan penting di gurun Suriah. Terletak di sebuah oasis 215 km (134 mil) timur laut dari Damaskus. Teater kota ini dibangun pada abad ke-2 Masehi. Di zaman modern teater telah dipugar dan hari ini digunakan untuk pertunjukan selama festival tahunan Palmyra.

Teater Kaisarea Maritima, Kaisarea, Israel

Caesarea Maritima adalah sebuah kota di laut Mediterania yang dibangun pada abad pertama Masehi oleh Herodes Agung, yang menamakannya untuk menghormati pelindungnya, Augustus Caesar. Reruntuhan dari periode Romawi (dan kemudian Tentara Salib) dibingkai oleh pemandangan laut yang menakjubkan, dan teater Romawi kuno yang dipugar yang menghadap ke Mediterania digunakan untuk konser selama musim panas. Caesarea adalah salah satu situs arkeologi paling indah di Israel dan salah satu atraksi wisata utamanya.

Pekerjaan Seni Teater Pertunjukan Yang Khas – Jika Anda belajar seni pertunjukan , Anda mungkin bermimpi naik ke panggung untuk mencari nafkah. Namun, keterampilan yang Anda peroleh selama gelar Anda tidak hanya mempersiapkan Anda untuk peran di teater, film, dan musik.Keterampilan Anda juga akan berharga dalam berbagai karir lain, terutama jika Anda mampu secara efektif menggabungkan bakat kreatif dengan aspek praktis dari promosi diri dan manajemen seni.

Pekerjaan Seni Teater Pertunjukan Yang Khas

Pekerjaan seni pertunjukan yang khas

Aktor

toscanaspettacolo – Aktor mengomunikasikan karakter dan situasi kepada penonton melalui dialog, bahasa tubuh, dan tindakan. Mereka biasanya menafsirkan karya seorang penulis di bawah instruksi dan dukungan sutradara, meskipun beberapa aktor mungkin merancang karakter sendiri atau mengimprovisasi respons karakter terhadap suatu situasi. Jenis pekerjaan dan media sangat bervariasi, mencakup peran di atas panggung, di film atau televisi dan di radio.

Sayangnya, akting bukanlah profesi yang paling aman sangat kompetitif, dan mungkin ada periode di mana Anda mungkin kesulitan mencari pekerjaan. Namun, jika Anda menyukai akting dan memiliki bakat untuk itu, tidak ada alasan mengapa Anda tidak bisa mengejar karir ini.

Untuk memulai, Anda harus membangun pengalaman dalam berbagai peran yang baik, karena menjadi serba bisa akan mempermudah mencari pekerjaan. Anda mungkin juga mempertimbangkan untuk mencari agen, yang mungkin dapat menemukan peran dan mengatur pembayaran yang lebih tinggi untuk Anda, tetapi akan mengambil sebagian dari penghasilan Anda sebagai biaya.

Penari

Penari menggunakan gerakan untuk menafsirkan musik, bercerita dan mengekspresikan emosi, seringkali di bawah bimbingan seorang koreografer. Anda dapat menari di depan penonton langsung atau dalam rekaman pertunjukan untuk TV, film, atau video musik.

Penari dapat bekerja dan berspesialisasi dalam berbagai bentuk tarian, dan Anda akan lebih mungkin menemukan pekerjaan jika Anda dapat tampil dalam berbagai gaya. Anda harus memiliki ritme dan waktu yang baik, dapat tetap fokus, bekerja keras, dan tetap antusias.

Jika Anda memiliki bakat menari, dan kemauan keras untuk berhasil, karier ini cocok untuk Anda. Untuk meningkatkan peluang Anda mendapatkan pekerjaan, Anda harus membangun jaringan kontak dan mempromosikan diri Anda, sekali lagi mungkin dengan bantuan agen. Anda juga bisa menambah penghasilan dengan bekerja sebagai guru tari atau koreografer.

Baca Juga : Genoa Membentuk Forum Koordinasi Bersama Dengan Teater

Pemain teater musikal

Pelaku teater musikal umumnya merupakan ‘ancaman rangkap tiga’ terampil dalam menyanyi, menari, dan berakting. Ini bisa menjadi karir yang menuntut, dengan delapan pertunjukan seminggu menjadi norma, dan persaingan untuk peran sangat ketat.

Namun, seperti halnya akting dan menari, tidak ada alasan Anda tidak bisa sukses sebagai pemain teater musikal jika Anda bertekad, berbakat, dan bersemangat dengan apa yang Anda lakukan.

Anda harus mencoba dan mendapatkan pengalaman sebanyak mungkin, membuat koneksi di industri, terus menantang diri sendiri untuk mengembangkan keterampilan yang ada, dan membangun kepercayaan diri Anda sebagai pemain yang kuat.

Tari, musik atau drama terapis

Pekerjaan seni pertunjukan ini memungkinkan Anda menggunakan kecintaan Anda pada tarian, musik, atau drama untuk membantu individu dari segala usia mengatasi kesulitan pribadi. Terapis drama menggunakan kegiatan seperti kerja kelompok atau permainan peran untuk mendorong orang berdamai dengan emosi mereka dan mengekspresikan diri, membantu mereka mengatasi atau maju dalam kesulitan sosial atau pribadi mereka.

Demikian pula, terapis musik menggunakan musik untuk membantu orang mengatasi perasaan yang tidak dapat mereka ungkapkan dengan kata-kata. Anda akan menggunakan musik secara kreatif untuk membangun pengalaman musik bersama dan bertujuan untuk tujuan terapeutik. Terapis gerakan tari menggunakan gerakan dan tarian dalam suasana terapeutik untuk membantu orang-orang yang menghadapi masalah fisik, psikologis, emosional atau mental.

Untuk masuk ke salah satu pekerjaan seni pertunjukan ini, Anda memerlukan kualifikasi pascasarjana di sektor pilihan Anda, serta pengalaman berbayar atau tidak berbayar dalam membantu orang mengatasi masalah atau kesulitan.

Sutradara teater

Sutradara teater menghidupkan naskah di atas panggung, bekerja sama dengan semua orang yang terlibat untuk menciptakan pertunjukan yang terhubung dengan penonton. Mereka bertanggung jawab atas interpretasi praktis dan kreatif dari naskah dramatis atau skor musik dan terlibat dalam keseluruhan proses dari awal hingga akhir.

Beberapa sutradara teater menulis, merancang, atau bertindak dalam karya mereka sendiri. Untuk menjadi sutradara teater, Anda harus mencoba dan menjadikan diri Anda sangat diperlukan di teater lokal Anda sebagai asisten, mungkin dimulai dengan kelompok teater amatir dan terus meningkat, memperoleh keterampilan dan reputasi yang kuat seiring berjalannya waktu.

Penulis skenario

Jika Anda memiliki hasrat untuk membuat skrip, dan minat yang kuat pada media digital, karier ini cocok untuk Anda. Anda akan menggunakan imajinasi Anda untuk membuat cerita yang menarik untuk berbagai format, dari film hingga televisi dan bahkan permainan komputer.

Anda akan membutuhkan tekad, motivasi, dan kemampuan untuk memenuhi tenggat waktu yang ketat. Jangan khawatir jika Anda belum pernah belajar menulis secara formal sebelumnya – keterampilan adalah yang terpenting, dan Anda dapat mengembangkan keterampilan Anda dengan bergabung dengan organisasi penulis.

Pekerjaan seni pertunjukan lainnya

Administrator seni

Administrator seni mengatur kegiatan dan layanan seni dan memastikan mereka berhasil. Mereka bekerja untuk berbagai organisasi seperti teater atau museum. Jika Anda menyukai seni dan suka mengelola dan mengorganisir, karier ini cocok untuk Anda, memungkinkan Anda memperoleh persepsi seni yang berbeda. Anda akan membutuhkan keterampilan administrasi, organisasi, dan TI yang kuat untuk peran ini.

Manajer panggung teater

Karier seni pertunjukan lain di mana Anda memerlukan keterampilan organisasi yang baik adalah manajer panggung teater, yang bertanggung jawab untuk memastikan pertunjukan berjalan dengan lancar.

Anda juga memerlukan keterampilan orang-orang hebat untuk mengelola dan membangun jaringan dengan semua orang yang terlibat dalam pertunjukan, termasuk staf front-of-house dan sutradara. Peran ini dapat menuntut, tetapi menawarkan peluang untuk pencapaian pribadi dan kelompok. Untuk masuk ke peran ini, Anda harus memiliki pengalaman praktis dalam pekerjaan teater.

Pembawa acara siaran

Presenter penyiaran adalah wajah atau suara publik dari program yang disajikan di televisi, radio, dan internet. Mereka menghibur dan menginformasikan audiensnya dengan menyajikan informasi atau hiburan secara terbuka dan menarik, umumnya berinteraksi dengan audiens dan mungkin mewawancarai tamu.

Ini adalah area kompetitif lain sehingga Anda harus didorong dan antusias, dengan minat yang kuat pada televisi/radio. Anda juga harus membangun sebanyak mungkin pengalaman kerja berbayar atau sukarela yang relevan, mungkin meningkatkan dari peran asisten, dan mendapatkan keterampilan prasyarat saat Anda pergi.

Guru/dosen perguruan tinggi

Jika Anda ingin menggunakan kecintaan Anda pada seni pertunjukan untuk memotivasi dan menginspirasi kaum muda dan mendorong bakat-bakat pemula, karier dalam mengajar bisa sangat bermanfaat. Anda bisa berspesialisasi dalam bentuk seni pertunjukan tertentu, dan mungkin menjalankan klub drama untuk mendorong lebih banyak interaksi dengan seni pertunjukan di luar jam mengajar.

Untuk masuk, Anda memerlukan kualifikasi dalam mengajar (dan gelar PhD jika Anda ingin menjadi dosen pendidikan tinggi), karena pemahaman ahli tentang subjek sangat penting. Anda juga harus memiliki banyak kepercayaan diri dan keterampilan presentasi untuk berkomunikasi secara efisien dengan sekelompok besar siswa (terutama di ruang kuliah sebagai dosen universitas).

Genoa Membentuk Forum Koordinasi Bersama Dengan Teater – Genoa adalah “kota teater” , menawarkan setiap tahun program yang kaya dan beragam dengan beragam genre, seperti konser opera dan simfoni, drama klasik, pertunjukan avant-garde, kabaret, dan pertunjukan anak-anak.Untuk mempromosikan keunggulan dan citra persembahan teater kota dan memberikan kesempatan kepada masyarakat untuk menikmati berbagai pertunjukan yang menarik dan bervariasi di dalam dan di sekitar kota, pada tahun 2011 Pemerintah Kota Genoa membentuk forum koordinasi bersama dengan teater utama kota. untuk mengintegrasikan promosi dan meningkatkan jumlah saluran informasi dan tiket. Semua sembilan belas teater yang terletak di Kota Metropolitan Genoa adalah anggota aktif forum.

Genoa Membentuk Forum Koordinasi Bersama Dengan Teater

toscanaspettacolo – Maka Februari 2011 menandai lahirnya www.genovateatro.it , portal web pertama di Italia dengan informasi tentang semua program teater kota, pertunjukan dan layanan, serta layanan tiket online.The Teatro Carlo Felice adalah gedung opera utama kota. Setiap tahun ia menawarkan musim opera dan konser simfoni kelas satu: tidak hanya opera balet dan lirik klasik tetapi juga produksi internasional. Tempat megah ini juga menjadi tuan rumah musim musik Giovine Orchestra Genovese , sebuah orkestra yang menggabungkan pertunjukan dengan kualitas terbaik dengan semangat inovasi yang kuat.

The Theatre of Genoa , realitas baru lahir dari persatuan Teatro Stabile di Genova dan Teatro dell’Archivolto , dianugerahi dengan judul Teater Nasional oleh Komisi penasihat MiBACT.
Pengakuan ini merupakan penghargaan untuk sejarah salah satu lembaga budaya kota yang paling penting dan memahkotai jalur pertumbuhan yang sangat baik, dibuktikan dengan sudut pandang produktif dan pertumbuhan pelanggan yang konstan. Posisi ini memberi Genoa dan Ligury peran sebagai protagonis mutlak lanskap budaya Italia. Teater Nasional Genoa beroperasi di empat lokasi berbeda dari pusat kota hingga distrik Samperdarena: Teatro della Corte , Teatro Duse, Teatro Gustavo Modena, dan Sala Mercato

Masih ada lebih banyak tempat dan perusahaan teater di pusat kota: Teatro della Tosse , misalnya, yang tiga auditorium dan serambinya terus-menerus dipenuhi dengan pertemuan, pembacaan, dan berbagai acara lainnya, bukan hanya tempat bagi perusahaan teater tetapnya tapi persimpangan jalan bagi seniman dan perusahaan dari seluruh dunia, menawarkan penonton tempat pertemuan yang kaya akan rangsangan budaya baru yang segar. Lainnya termasuk Politeama Genovese , yang memiliki tradisi lama menyukai teater di Genoa sejak tahun 1821. Programnya yang kaya mencakup berbagai jenis produksi, mulai dari teater komik, drama panggung, komedi, musikal, tari, balet klasik dan sosial. drama, Teatro Altrove della Maddalena, yang berkonsentrasi pada teater eksperimental dan fertilisasi silang artistik, atau Teatro Bloser , namanya merupakan gabungan dari “Pecundang Cantik”, sebuah tempat di Piazza Marsala dari mana teater pertunjukan seni inovatif ini baru-baru ini lahir.

Piazza San Matteo adalah rumah bagi asosiasi budaya Lunaria Teatro , yang mementaskan pertunjukan puisi klasik, dari Euripides hingga Shakespeare, serta acara dan festival promosi museum. Sejak 2009 juga telah menyelenggarakan musim “Lunaria a Levante” bekerja sama dengan Teatro Emiliani di Nervi.

Baca Juga : Gedung Teater Massimo di Palermo Italia

The Teatro Garage , terletak di distrik San Fruttuoso, terutama berfokus pada drama kontemporer, teater komik, dan “teater absurd”. Bergerak ke arah daerah Molassana, di Via Salvador Allende, kita menemukan Teatro dell’Ortica , yang secara unik di Liguria mementaskan drama sosial dengan tujuan menyatukan kembali orang-orang yang terpinggirkan dan terpinggirkan secara sosial ke dalam masyarakat.

Di sebelah barat kota, kami memiliki Cinema Teatro Verdi , teater bersejarah Sestri Ponente, yang direnovasi total pada tahun 2005 tetapi dibuka pertama kali pada tahun 1899. Playbillnya yang bervariasi secara tradisional menyediakan banyak ruang untuk teater dialek serta pemutaran opera, dan Teatro Akropolis , sebuah tempat yang didedikasikan untuk penelitian artistik, eksperimen, produksi dan penjadwalan acara di bidang seni pertunjukan kontemporer di tingkat internasional.

Bolzaneto adalah rumah bagi Teatro Rina e Gilberto Govi , tempat terkemuka di bidang teater dialek Genoa, yang biasanya bernada komik, meskipun programnya juga mencakup musikal, operet, kabaret, konser jazz dan rock serta pertunjukan anak-anak, sedangkan kota Voltri memiliki Teatro Cargo . Didanai oleh Kementerian Warisan Budaya dan Kegiatan, acara ini menyajikan pertunjukan teater eksperimental di Teatro di Villa Duchessa yang bersejarah di Galliera dan “Teatro del Ponente”.

Teater lain yang terletak di wilayah Kota Metropolitan adalah Teatro Sociale di Camogli yang baru saja dipugar , salah satu teater bersejarah Liguria, Sipario Strappato di Arenzano , Teatro di Sori yang saat ini dikelola oleh Teatro Pubblico Ligure, dan Teatro di Cicagna .

Gedung Teater Massimo di Palermo Italia – Teater Massimo di Palermo adalah gedung opera terbesar di Italia dan salah satu teater terpenting di dunia. Ketika dibuka, itu adalah yang terbesar ketiga di Eropa setelah Paris dan Wina dengan luas 7739 meter persegi. Itu diresmikan pada tahun 1897 dengan Falstaff Giuseppe Verdi di bawah arahan Leopoldo Mugnone.

Gedung Teater Massimo di Palermo Italia

toscanaspettacolo – Arsitekturnya yang megah bergaya Yunani-Romawi dan merupakan karya arsitek Giovan Battista Filippo Basile dan putranya Ernesto, yang menggantikannya pada saat kematiannya. Pintu masuk, melalui tangga monumental, memiliki dua singa perunggu di kedua sisinya. Di ujung tangga, sebuah pronaos dengan enam kolom Korintus menyambut penonton, dengan kata-kata “Seni memperbaharui masyarakat dan mengungkapkan hidup mereka. Kenikmatan adegan sia-sia di mana tidak bertujuan untuk mempersiapkan masa depan”.

Teatro Massimo tidak hanya merupakan pusat produksi penting tetapi juga sebuah karya monumental yang dapat dikunjungi. Kunjungan ini memungkinkan Anda untuk menemukan Ruang Pompeian dan Ruang Lambang serta Foyer. Anda dapat mengagumi dan melihat bahwa setiap dekorasi tepat dan konstan adalah pengulangan kolom, jendela, dan lengkungan. Bangunan ini diatapi oleh kubah hemispherical besar dengan diameter 28,73 meter.

Pada proyek awal, aula, termasuk boks dan galeri, mampu menampung hingga 3.000 penonton, kemudian menjadi 1.247 sesuai aturan selanjutnya. Aula berbentuk seperti tapal kuda dan memiliki akustik yang sempurna. Fitur khusus adalah langit-langit bergerak yang terbuat dari panel kayu berlukisan, yang, dengan bukaan ke atas yang dapat disesuaikan, memungkinkan ventilasi aula. ‘Roda Simbolik’

Teater San Carlo di Naples

Teater San Carlo di Naples didirikan pada tahun 1737 dan karenanya merupakan gedung opera tertua di dunia. Itu berdiri di sebelah Piazza del Plebiscito, jantung kota Napoli yang berdetak. Raja Charles III dari Bourbon memerintahkan pembangunannya dan diresmikan pada tahun 1737. Pengerjaan teater megah ini dipercayakan kepada arsitek Giovanni Antonio Medrano. Pada tahun 1809 arsitek Antonio Niccolini melakukan renovasi, pertama-tama mengubah fasad menjadi gaya neoklasik dan memberi teater konotasi khas kuil. Pada tahun 1816 kebakaran menghancurkan teater, hanya menyisakan dinding perimeter utuh.

Hanya dalam waktu sembilan bulan, Antonio Niccolini membangun kembali teater tersebut, yang tetap setia pada desain sebelumnya dengan tata letaknya yang berbentuk tapal kuda, lima tingkat kotak dan sebuah galeri, serta sebuah kotak kerajaan yang besar. Di tengah langit-langit adalah lukisan Apollo yang menghadirkan penyair terhebat di dunia kepada Minerva, yang dilukis oleh Cammarano bersaudara. Musisi dan konduktor terhebat telah tampil di teater besar ini, yang juga menjadi tuan rumah banyak balet. Pada tahun 1812, sekolah balet tertua di Italia didirikan di San Carlo. Setelah Perang Dunia Kedua, Teater San Carlo adalah teater pertama di Italia yang dibuka kembali, sekali lagi memegang rekor. Teater San Carlo juga telah dimasukkan oleh Unesco dalam daftar monumen Warisan Dunia.

Baca Juga : Beberapa Sejarah Teater Di Italia

Setelah Perang Dunia Kedua, Teater San Carlo adalah teater pertama di Italia yang dibuka kembali, sekali lagi memegang rekor. Teater San Carlo juga telah dimasukkan oleh Unesco dalam daftar monumen Warisan Dunia. Setelah Perang Dunia Kedua, Teater San Carlo adalah teater pertama di Italia yang dibuka kembali, sekali lagi memegang rekor. Teater San Carlo juga telah dimasukkan oleh Unesco dalam daftar monumen Warisan Dunia.

Teater Opera di Roma

Teater Opera di Roma mungkin merupakan teater yang mengalami modernisasi terbesar di abad ke-20, terutama pada fasadnya. Domenico Costanzi-lah yang menginginkan teater ini dan ternyata teater itu memakai namanya sampai dibeli oleh Gubernur Roma. Costanzi mempercayakan pekerjaan itu kepada arsitek Achille Sfondrini, yang membangunnya antara tahun 1874 dan 1880 dengan gaya neo-Renaissance, dengan perhatian besar pada akustik.

Itu diresmikan pada 27 November 1980 dengan opera Rossini Semiramide. Awalnya teater ini memiliki tiga tingkat kotak, amfiteater dan galeri, semua dikelilingi oleh kubah fresco oleh Annibale Brugnoli. Pada tahun 1926 Pemerintah Kota Roma membelinya dan pekerjaan renovasi dipercayakan kepada arsitek Marcello Piacentini, yang menambah tiga tingkat kotak menjadi satu dan memasang lampu kristal yang luar biasa, terbesar di Eropa.

Ketika Republik berkuasa, Piacentini kembali dipercayakan dengan restorasi fasad, khususnya, dalam gaya abad ke-20. Selama bertahun-tahun, Gedung Opera telah memperoleh prestise internasional dengan suksesi pemain terkenal di dunia seperti Caruso, Gigli, Maria Callas, Domingo dan Pavarotti. Saat ini Gedung Opera Roma memiliki kapasitas 1650 kursi.

Venezia: Teater La Fenice

Teater La Fenice berada di Venesia dan telah benar-benar bangkit dari abu beberapa kali. Ini pertama kali diresmikan pada 16 Mei 1972 pada kesempatan Festa della Sensa. La Fenice adalah salah satu teater paling terkenal di dunia karena telah dan masih merupakan tempat pemutaran perdana artis-artis seperti Rossini, Bellini, Verdi, Stravinsky, Kagel, Guarnieri, Perocco. Seperti disebutkan di atas, teater ini telah mengalami dua kali kebakaran besar, tetapi pada kedua kesempatan itu dibangun kembali dengan lebih indah dari sebelumnya.

Teater ini dirancang oleh Gian Antonio Selva, tetapi setelah kebakaran tahun 1836, arsitek Tommaso dan Gian Battista Meduna memulihkannya, mengadaptasi proyek aslinya. La Fenice mengalami kebakaran bencana lainnya pada tahun 1996, namun sekali lagi dibangun kembali seperti semula dan pada tahun 2003 diresmikan untuk ketiga kalinya secara live di televisi di hadapan Presiden Republik dan dipimpin oleh Maestro Riccardo Muti. Fasad neoklasik menampilkan pronaos dengan empat kolom Korintus di atasnya yang merupakan langkan.

Di relung dipahat Tari dan Musik dan di tengahnya Phoenix. Aula teater berkapasitas 1500 penonton ini dihiasi dengan plesteran, lukisan, dan ukiran emas. Di dalam teater ada pameran permanen yang didedikasikan untuk Maria Callas dan tahun-tahun dia tinggal di Venesia. Aula teater berkapasitas 1500 penonton ini dihiasi dengan plesteran, lukisan, dan ukiran emas. Di dalam teater ada pameran permanen yang didedikasikan untuk Maria Callas dan tahun-tahun dia tinggal di Venesia. Aula teater berkapasitas 1500 penonton ini dihiasi dengan plesteran, lukisan, dan ukiran emas. Di dalam teater ada pameran permanen yang didedikasikan untuk Maria Callas dan tahun-tahun dia tinggal di Venesia.

Teater Alla Scala di Milan

Alla Scala Theater Milan adalah salah satu yang terbesar dan paling bergengsi di Italia. Itu diresmikan pada 3 Agustus 1778 dengan opera “L’Europa” oleh Antonio Salieri. Dibangun atas perintah Permaisuri Maria Theresa dari Austria oleh arsitek neoklasik Giuseppe Piermarini di atas reruntuhan Teater Ducal dan Gereja Santa Maria alla Scala, dihancurkan untuk pembangunan teater. Aula berbentuk seperti tapal kuda dan dihiasi dengan dekorasi neoklasik. Untuk memastikan akustik yang lebih baik, lemari besi kayu dipilih, hampir seperti papan suara alami.

Di atas proscenium adalah jam yang menunjukkan jam dan menit yang didukung oleh dua sosok wanita di relief. Sejak 1812, dengan Rossini dan banyak nama bergengsi lainnya menyusul, teater Alla Scala telah menjadi rumah melodrama dan kemudian juga balet. Pada 16 Agustus 1943, serangan bom menghantam Milan, menghancurkan atap, lemari besi, dan area teater lainnya. Rekonstruksi segera diikuti, termasuk pemasangan salinan lampu gantung megah abad ke-19 yang dihancurkan, yang tergantung di lemari besi dan memiliki 383 bola lampu.

Saat ini warna yang dominan adalah emas dan gading. Sebuah sistem kompleks tangga dengan beberapa penerbangan, yang dikenal sebagai “tangga menjepit”, menghubungkan foyer dengan koridor yang mengarah ke kotak. Pada tahun 2000, desain asli Piermarini diperluas oleh arsitek Swiss Mario Botta dan saat ini memiliki 6 tingkat kotak dan galeri dengan 2030 penonton. Dia juga menambahkan menara panggung yang lebih besar dan insinyur Franco Malgrande membangun mesin panggung yang mampu membawa adegan hingga 4 meter di atas level panggung normal. Sejak tahun 1951,

Beberapa Sejarah Teater Di Italia – Ini adalah salah satu simbol Milan, yang terkenal di seluruh dunia karena prestise besar di bidang artistik: kita berbicara tentang Teatro alla Scala , yang terletak di alun-alun kota yang homonim.Sejarah teater penting ini “dimulai” dengan api: menjelang akhir 1700-an Teater Ducal terbakar dan sebagai gantinya, Maria Teresa dari Austria yang berdaulat membangun struktur baru, menugaskan pekerjaan itu kepada arsitek Giuseppe Piermarini.

Beberapa Sejarah Teater Di Italia

 

toscanaspettacolo – Pada tanggal 3 Agustus 1778 , permata seni neoklasik ini secara resmi diresmikan dan untuk kesempatan itu “L’Europa Riconosciuta”, sebuah karya yang secara khusus disusun oleh Antonio Salieri, dipentaskan. Seiring waktu La Scala dari Milan mengalami beberapa perubahan arsitektur: Napoleon menghapus kotak kerajaan, pada tahun 1807 plesteran dan dekorasi berharga ditambahkan, dan pada tahun 1813 lebih banyak ruang diberikan ke panggung. Selama Perang Dunia II itu dibom dan kemudian dibangun kembali. Berturut-turut mengalami renovasi yang luas dan kontroversial pada tahun 2004.

Jika Anda ingin menelusuri kembali sejarah teater yang luar biasa ini, kami menunggu untuk menemani Anda dalam tur enam hari eksklusif di Milan, Venesia, dan Roma: kesempatan unik untuk mengagumi salah satu teater Italia yang paling indah .Meskipun seniman musik klasik terbesar telah mengambil panggung ini, Teatro alla Scala tidak dimaksudkan hanya untuk representasi artistik: ruang itu juga digunakan sebagai ruang dansa. Tidak jarang keluarga bangsawan menjamu tamu mereka di dalam kotak, dan mereka bahkan menikmati berjudi di sana.

La Scala di Milan adalah tempat yang penuh pesona, berkat arsitektur indah yang menjadi ciri khasnya. Tapi apa saja fakta aneh terkait salah satu teater paling terkenal di Italia ini ? Tidak semua orang tahu bahwa di masa lalu tempat duduk warung bisa disingkirkan untuk menciptakan ruang kosong di mana publik bisa dihibur dengan menari, atau bahkan menunggang kuda!

Kios-kios Teatro alla Scala menyembunyikan cerita yang aneh : masing-masing didekorasi oleh keluarga pemiliknya; semakin kotak itu dihias, semakin kaya dan berpengaruh keluarga yang dikandungnya. Kios nomor 13 menyembunyikan rahasia lain: seluruhnya tertutup cermin, cara licik untuk melihat dan memata-matai setiap sudut teater. Dari kotak hingga hantu: Teatro alla Scala “menampung” arwah para seniman hebat yang telah berjalan di atas panggung; dikatakan bahwa bahkan hantu sopran besar Maria Callas telah memanifestasikan dirinya! Hingga saat ini, La Scala terus menarik suara dan orkestra teratas untuk tampil di panggungnya.

Teatro La Fenice – Venesia

Sekarang kita menemukan diri kita di salah satu kota paling sugestif di Italia: Di Venesia, tepatnya di Sestiere di San Marco, berdiri teater Italia yang indah dan terkenal Gran Teatro La Fenice .Sejarahnya dimulai pada tahun 1792 : teater Venesia diwujudkan oleh Antonio Selva setelah penghancuran Teatro di San Benedetto. Mahakarya penyempurnaan neoklasik ini segera menjadi salah satu teater yang paling indah dan dikagumi di Italia: peresmiannya dilakukan pada 16 Mei dengan pementasan drama “I giuochi d’Agrigento” oleh Giovanni Paisiello.

Kemudian, sejarah Gran Teatro La Fenice ditandai dengan nasib yang menyedihkan: pada tahun 1836 kebakaran hampir menghancurkan bangunan itu, yang segera dibangun kembali oleh para insinyur Tommaso dan Giovan Battista Meduna yang membawanya kembali ke kejayaannya. Sayangnya, kebakaran dahsyat lainnya menghancurkan Grand Theatre , kali ini pada tahun 1996. Tapi seperti burung phoenix (binatang mitologis yang menyandang nama teater), teater “bangkit dari abunya” kembali bersinar dalam semua keindahannya yang elegan. Rekonstruksi teater dilakukan dengan cermat, memulihkan kemegahan masa lalu: berkat karya pengrajin ahli, Grand Theatre La Fenice dapat didekorasi dengan plesteran dan detail emas yang berharga, seperti pada tahun 1700.

Baca Juga : Informasi Tentang Bertahan Hidup Di Industri Seni Teater

The Grand Theater La Fenice di Venesia telah menyelenggarakan pertunjukan opera oleh penulis yang telah ditandai sejarah: musik Gioacchino Vincenzo Bellini, Rossini dan Giuseppe Verdi telah terpesona penonton lorong dengan kecantikan mereka. Hari ini adalah tengara di dunia opera, rumah bagi lebih dari seratus pertunjukan opera setahun, musim luar biasa yang disutradarai oleh direktur artistik terkenal.

Teatro San Carlo – Napoli

The Teatro San Carlo adalah yang tertua tempat terus menerus aktif untuk opera di Eropa dan salah satu teater paling dikenal di Italia . Naples’ Teatro San Carlo didirikan pada tahun 1737. Beberapa produksi balet pertama dilakukan di sini. Ini adalah gedung opera tertua di Italia dan dengan lebih dari 3000 kursi, teater ini adalah rumah bagi beberapa ikon musik dan opera klasik Italia. Opera, balet, dan musik klasik masih dipentaskan di Teatro San Carlo . Simbol kebesaran budaya Napoli yang sangat diinginkan oleh Charles dari Bourbon, dirancang oleh Giovanni Antonio Medrano dan Angelo Casarale. Dengan 184 kotak yang disusun di enam lantai dan 1379 kursi, Teatro San Carlo adalah teater terbesar di Italia. Ada juga museum dalam tahap perencanaan.

Perabotan yang mewah dan elegan serta dekorasi yang indah hanyalah beberapa dari fitur luar biasa yang akan langsung mengejutkan Anda: Anda juga harus tahu bahwa Teatro San Carlo adalah yang pertama memperkenalkan denah tapal kuda , salah satu elemen gaya utama dari Italia teater gaya . Teater ini telah mengalami beberapa kali renovasi. Arsitek Antonio Niccolini menciptakan fasad neoklasik yang mencolok dan menempatkan tiga patung ” Triade della Partenope” pada pedimen. Sayangnya, bencana kebakaran tahun 1816 benar-benar menghancurkan bangunan itu, tetapi Kaisar Ferdinand IV menginginkannya dibangun kembali hanya dalam 10 bulan: hasilnya adalah arsitektur indah yang dapat Anda kagumi hari ini. Sentuhan terbaru diberikan pada tahun 2009 oleh Elisabetta Fabbri yang menciptakan foyer baru.

The Teatro San Carlo , seperti kota Naples, kulit misteri dan legenda . Tahukah Anda bahwa teater dan Istana Kerajaan dihubungkan oleh jalan rahasia? Itu dibangun atas perintah raja yang ingin pergi ke pertunjukan tanpa harus keluar ke jalan dan dilihat oleh rakyatnya. Di dinding samping kotak kerajaan, ada cermin miring yang memungkinkan publik untuk mengamati raja: itu adalah aturan tidak tertulis, pada kenyataannya, bahwa tidak ada yang bisa bertepuk tangan atau meminta encore sebelum penguasa melakukannya.

Tidak semua orang tahu bahwa awalnya pelapis Teatro San Carlo berwarna biru dan bukan merah: biru rumah Bourbon diganti setelah penyatuan Italia ketika diputuskan untuk menggunakan merah, warna khas untuk teater pada masa itu.Ada Teater San Carlo lain , sangat mirip dengan teater Neapolitan: arsitek Josè da Costa e Silva merancang Teatro Nacional de Sao Carlos di Lisbon, menggunakan elemen gaya arsitektur Neapolitan .

Teatro Massimo – Palermo

Teatro Massimo di Palermo adalah gedung opera terkemuka di Sisilia dan gedung opera terbesar ketiga di Eropa , serta salah satu yang terbaik di seluruh benua. Its akustik adalah beberapa yang terbaik di dunia . Bangunan berkubah dianggap sebagai tonggak arsitektur dan ditampilkan dalam Godfather (III) karya Francis Ford Coppola . Pertunjukan yang diselenggarakan sepanjang tahun termasuk opera, balet, dan musik.

Teatro Regio – Torino

The Teatro Regio di Turin adalah satu lagi gedung opera terkemuka di Italia dipulihkan setelah dibakar. Teater asli abad ke-19 dihancurkan oleh api pada tahun 1936. Teater ini adalah rumah bagi musikal, drama, balet, dan opera. Awalnya dibangun sebagai teater kerajaan pada tahun 1740, gedung opera di Piazza Castello ini alun-alun yang indah di Torino – menampung banyak orang penting internasional, termasuk Napoleon.

Arena di Verona

Tempat luar ruangan yang luar biasa untuk menonton pertunjukan, dengan akustik yang bagus (pertunjukan langsung sering dilakukan tanpa mikrofon). Pada dasarnya, Arena di Verona adalah amfiteater Romawi yang dipugar seperti Colosseum di tengah Verona. Itu dibangun pada abad ke-1 Masehi. di bawah bimbingan Kaisar Augustus. Sama seperti Colosseum, Verona Arena juga merupakan rumah bagi permainan gladiator yang menghibur penduduk kota.

The amfiteater Veronese telah berubah fungsi beberapa kali di seluruh sejarahnya: dalam periode abad pertengahan, itu digunakan sebagai tempat untuk eksekusi publik, sementara di tahun 1600-an itu host berbagai kacamata, bahkan menjalankan bulls. Verona Arena mulai mendekati opera pada 1800-an , meletakkan dasar bagi sejarah keberhasilannya yang luar biasa. Selama lebih dari satu abad, teater terbuka yang luar biasa ini telah secara teratur menampung lebih dari dua puluh ribu penonton di tangganya yang mengesankan yang berduyun-duyun dari seluruh dunia untuk menghadiri musim opera besar di panggungnya.

Setiap teater memiliki cerita sugestif untuk diceritakan. Kisah Verona Arena terkait dengan mitos pendiriannya . Legenda mengatakan bahwa seorang pria Verona dituduh melakukan kejahatan serius dan untuk menyelamatkan hidupnya, dia berjanji kepada warga bahwa dia akan membangun teater untuk Verona. Agar berhasil dalam rencana ini, pria itu menjual jiwanya kepada iblis yang, di malam hari, mengirim iblisnya untuk membangun pekerjaan besar itu. Pria itu, menyesali tindakannya, memohon kepada Perawan Maria untuk membebaskannya dari kegelapan. Teater itu hampir selesai, tetapi iblis melarikan diri, meninggalkan teater tidak lengkap, dengan bentuk khas yang dapat kita kagumi hari ini.

Tidak seperti gedung opera lainnya karena lokasinya di luar ruangan kalender opera untuk Arena adalah selama musim panas . Tempat terbuka ini juga menyelenggarakan konser luar ruangan lainnya (musik pop dan tidak hanya itu) selama sisa tahun ini.Saatnya berangkat untuk tur eksklusif untuk menemukan Verona dan tempat-tempat magisnya: serahkan pada kami untuk membantu Anda menemukan aspek paling menarik dan penasaran dari kota romantis ini.

Arena di Verona, Verona

Meskipun secara teknis bukan gedung opera, Arena di Verona adalah tempat yang indah di mana Anda dapat menikmati segala macam pertunjukan musik sepanjang musim panas. Dibangun pada abad ke–1 M, struktur batu monumental ini adalah tempat pertempuran gladiator, adu banteng, dan eksekusi publik berabad-abad sebelum menjadi tempat pertunjukan musik. Menyaksikan opera al fresco dengan latar belakang gemerlap lilin yang dikibaskan oleh penonton merupakan pengalaman yang tidak bisa dilewatkan. Musim terbuka dimulai pada bulan Juni, tetapi Anda dapat mengikuti tur keajaiban arsitektur kuno yang sangat terpelihara dengan baik ini sepanjang tahun. Menginaplah tepat di seberang Arena di sebuah bangunan bersejarah yang pernah dimiliki oleh penyanyi tenor terkenal

Teatro Comunale, Bologna

Dibangun oleh arsitek Italia yang dihormati, Antonio Galli Bibbiena, Teatro Comunale bergaya barok yang luar biasa adalah salah satu harta terbesar Bologna . Diresmikan pada tahun 1763 dengan pemutaran perdana The Triumph of Cloelia karya Gluck , itu adalah gedung opera pertama yang didanai publik di dunia, meskipun auditorium berbentuk lonceng dan langit-langit trompe l’oeil hanya setengah jadi ketika tirai dibuka pada pembukaannya. malam. Sekarang pengunjung dapat mengagumi gedung opera yang lengkap dengan menghadiri pertunjukan di musim (November hingga April) atau mengikuti tur diikuti dengan minuman sambil menonton artis jalanan di Piazza Verdi di luar. Menginap di seberang Teatro Comunale di Casa Ilaria .

Italia adalah tanah air opera dan setiap tahun teaternya menyelenggarakan musim dengan program acara yang mengesankan.

Italia adalah tempat kelahiran opera, dan banyak komposer Italia yang terkenal di seluruh dunia: Paganini, Rossini, Donizetti, Verdi, Puccini, Mascagni, Monteverdi, Salieri, Tartini, Vivaldi, dan sebagainya. Tak kurang banyak komponis internasional yang telah terinspirasi oleh beberapa karya paling terkenal rekan-rekan Italia mereka. Richard Wagner hanyalah satu contoh: selama paruh kedua abad ke-19, Wagner mengunjungi Ravello, di mana ia mendapat inspirasi untuk Parsifal-nya, sehingga membawa ketenaran internasional ke kota tersebut.

Pengaturan opera di mana lingkungan yang menggugah mempertinggi drama adalah Arena of Verona yang terkenal di dunia. Tapi tentu saja opera dapat ditemukan di seluruh Italia.

Untuk menghormati semangat opera ini, dan kemampuannya untuk menyatukan orang-orang di seluruh dunia, setiap tahun gedung opera terbaik Italia menawarkan musim yang kaya akan berbagai pertunjukan. Musim paling sering dimulai antara November dan Desember, dan merupakan momen yang sangat penting bagi budaya Italia.

Tanpa ragu, salah satu pembukaan paling bergengsi adalah La Scala di Milan, dan untuk membuktikannya beberapa nama besar dalam politik, budaya dan hiburan hadir. Teatro La Scala biasanya disebut sebagai “La Scala” dan, selain sebagai salah satu gedung opera paling terkenal di dunia, juga dikenal sebagai “kuil opera.” La Scala didirikan atas permintaan Permaisuri Habsburg Maria Therese dari Austria setelah kebakaran yang pada Februari 1776 menghancurkan Teater Regio Ducale di Milan. Program musimannya adalah salah satu peristiwa terpenting dalam kehidupan budaya Milan. Gedung opera Milan yang indah dapat mengklaim musim yang berlimpah dan bervariasi setiap tahun, dengan program yang bergantian antara opera dan balet oleh komposer Italia dan internasional.

Informasi Tentang Bertahan Hidup Di Industri Seni Teater – Apakah Anda seorang seniman teater berdasarkan profesi atau hasrat, atau mungkin sedang mempertimbangkan untuk belajar seni teater dan Anda bertanya-tanya apa prospek pekerjaannya? Ini mungkin menjadi perhatian banyak orang di dunia seni teater, terutama karena persaingan ketat yang saat ini mencekik pasar kerja.

Informasi Tentang Bertahan Hidup Di Industri Seni Teater

toscanaspettacolo – Dalam artikel panjang ini, kami bertujuan untuk menjawab banyak pertanyaan yang mungkin Anda miliki tentang bertahan hidup di industri seni teater yang sangat kompetitif. Kami juga menyajikan cetak biru untuk meningkatkan peluang Anda untuk sukses. Jika Anda mengikuti panduan di sini, itu akan memajukan tujuan Anda untuk menjadi seniman berprestasi berikutnya dalam ceruk seni teater tertentu yang Anda pilih. Jadi di mana Anda harus mulai?

Memiliki Pemahaman yang Komprehensif tentang Lapangan

Seni teater adalah bidang yang luas dan pilihan kariernya luas. Seniman teater biasanya bekerja sama dalam satu produksi. Setiap film atau musik yang Anda kenal menyatukan keterampilan seniman dari beragam profesi. Ada dramawan, pemain, desainer, dan ahli adegan.Itulah sebabnya teater mungkin yang paling komprehensif di antara semua seni, dan juga yang paling menantang dan mengasyikkan karena hanya membutuhkan kegagalan satu kelompok seniman untuk merusak keseluruhan pertunjukan.

Untuk mempersiapkan diri Anda dengan lebih baik, setelah gelar Anda disarankan untuk melakukan setidaknya satu magang dalam seni teater, menjalani pelatihan atau studi lebih lanjut, menjadi sukarelawan dengan organisasi terkait dalam mengajar drama, atau menjadi bagian dari beberapa kru produksi. Anda juga harus antusias dan memiliki sikap positif terhadap karir yang Anda kejar, karena kreativitas membutuhkan semangat, ketekunan, dan kesabaran, untuk membuahkan hasil.

Memahami Lanskap Industri

Anda harus mendekati karir ini dengan pengakuan bahwa memiliki gelar sarjana di salah satu jurusan teater tidak berarti karir yang sukses di industri. Ada terlalu banyak seniman dan orang-orang berbakat untuk mendapatkan tempat di dunia teater.

Namun, memiliki gelar sarjana adalah cara terbaik untuk mempersiapkan diri Anda untuk berkinerja baik dan juga meningkatkan kemampuan kerja Anda di pasar kerja. Dengan ketatnya persaingan yang harus dihadapi para seniman agar bisa sukses, Anda harus bersiap untuk menempatkan diri Anda di atas pesaing untuk membuatnya.

Perlu Anda ketahui, banyak seniman teater sukses yang tidak mengenyam pendidikan formal seni teater. Dan Anda juga akan bersaing dengan mereka. Tetapi fakta bahwa Anda memiliki gelar atau rencana untuk memilikinya di Seni teater memberi Anda keunggulan yang mungkin tidak dimiliki pesaing Anda. Misalnya, siswa yang mengambil jurusan seni Teater lebih cepat menguasai seni setelah memiliki beberapa pengalaman.

Mereka akan muncul dengan lebih banyak pengetahuan, kepercayaan diri, kepekaan yang lebih, dan kesadaran akan pendorong utama kesuksesan di industri ini. Ini karena program gelar Anda di Seni Teater harus memaparkan Anda pada ekspresi drama kreatif, terutama di depan penonton langsung.

Anda akan mengetahui berbagai pertunjukan artistik di TV, institusi, teater, film, dll., dengan pilihan untuk berspesialisasi dalam akting, penyutradaraan, penulisan naskah drama, desain, dan lainnya.

Memiliki gelar dalam Seni Teater seharusnya membekali Anda dengan keterampilan organisasi dan komunikasi yang hebat yang dapat Anda gunakan dalam berbagai profesi.

Untuk bekerja secara efektif dengan sesama seniman, Anda perlu mengembangkan keterampilan presentasi yang kuat, memiliki kendali penuh atas suara dan tubuh Anda saat tampil di depan umum, dapat berkonsentrasi secara intens, menjadi pendengar yang baik, mengamati dengan cermat, kreatif dalam memecahkan masalah, dan berpikir kritis.

Anda juga harus memiliki semangat kerja tim, mampu bekerja sendiri di bawah tekanan, memenuhi tenggat waktu, dan menjaga ketenangan saat menghadapi situasi yang tidak terduga.

Gelar dalam Seni Teater tidak berarti Anda harus bekerja di industri film. Anda dapat mengambil pekerjaan yang baik dalam mengajar, manajemen seni, hubungan masyarakat dan terapi drama, dan banyak lagi.

Seperti yang saya sebutkan sebelumnya, kunci untuk memulai karir dengan gelar di bidang seni teater tergantung pada hasrat Anda untuk bidang dan tingkat persiapan tertentu. Saya akan menjelaskan delapan pilihan karir untuk lulusan Seni Teater dan memberikan tip tentang cara mempersiapkan diri untuk sukses di salah satu dari mereka.

Seni Pertunjukan

Gelar Seni Pertunjukan adalah perpaduan antara bakat kreatif dan aspek praktis dari promosi diri, ditambah manajemen seni. Jika Anda ingin memasuki dunia pertunjukan, itu adalah karakteristik yang paling tidak dimiliki: bakat kreatif, promosi diri praktis, dan manajemen seni.

Langkah pertama setelah gelar Anda adalah untuk mendapatkan beberapa pengalaman kerja. Terlibat dalam kegiatan sukarela dan untuk meningkatkan pengetahuan kreatif Anda. Ada banyak proyek sukarelawan di pusat komunitas yang dekat dengan Anda, dan Anda dapat menemukannya dengan bertanya-tanya atau mencari di internet. Sebagai cara untuk mendapatkan pengalaman, Anda juga dapat membantu para profesional dalam mengembangkan proses kreatif mereka.

Ini tidak berarti bahwa Anda harus selalu berharap menemukan organisasi yang sudah mapan untuk membawa Anda. Dalam kasus di mana proyek sukarelawan tersebut tidak tersedia atau memenuhi syarat, Anda dapat mempertimbangkan untuk mengorganisir beberapa lokakarya akting atau tari dan kelompok kreatif untuk membantu diri Anda sendiri dan orang lain.

Jika Anda berhasil membuat beberapa program sukarelawan, Anda bahkan dapat memperoleh dana dari pemerintah, lembaga lain, atau perusahaan. Selalu ada opsi pendanaan yang tersedia. Anda perlu melamar sebanyak yang Anda anggap perlu untuk memenuhi kebutuhan organisasi Anda. Desas-desus mengatakan bahwa banyak seniman telah mencapai ketenaran dengan memulai perusahaan mereka sendiri di sekitar bentuk seni tertentu yang ingin mereka fokuskan dan jelajahi. Anda bisa menjadi pahlawan berikutnya.

Meskipun mungkin tidak ada imbalan uang untuk berpartisipasi dalam proyek sukarelawan, sebagian besar proyek yang tidak dibayar akan membantu membuat kaki Anda basah di dunia teater dengan menyempurnakan apa yang Anda pelajari, bertukar ide dan belajar lebih banyak dari organisasi lain semacam itu, dan meningkatkan peluang kerja Anda karena banyak profesional industri sering mengunjungi forum dan pertunjukan ini.

Pengusaha Khas Artis Pertunjukan

Berikut adalah pemberi kerja artis pertunjukan yang paling umum:

• Organisasi Sukarela
• Organisasi Seni
• Perusahaan Rekreasi
• Pemerintah lokal
• Institusi pendidikan
• Organisasi Layanan Kesehatan Nasional

Anda juga harus mencari kontrak lepas jangka pendek atau jangka panjang yang memenuhi syarat Anda bahkan di bidang yang berbeda. Bergerak di antara bidang dan organisasi yang berbeda menghasilkan lebih banyak peluang kerja melalui jaringan, menghadiri lelang, berkolaborasi dengan orang lain, dan meningkatkan peluang terlihat oleh beberapa profesional industri.

Anda harus berusaha menampilkan diri Anda sebaik mungkin saat mengambil bagian dalam pertunjukan apa pun karena Anda tidak tahu siapa yang mungkin mengawasi Anda. Dan tutup telinga Anda tentang apa yang terjadi di industri karena banyak peluang kerja dapat terjadi di tempat yang paling tidak biasa.

Jadi dalam mempersiapkan diri untuk memajukan karir di bidang seni pertunjukan, Anda perlu mengembangkan CV Anda dengan sempurna poin-poin berikut:

Stamina, Percaya Diri, Menerima kritik yang adil, presentasi diri, kerja tim dan kolaborasi, terorganisir dan tepat waktu, kesadaran diri, disiplin diri, berpikiran terbuka tentang pembelajaran, komunikasi yang kuat, analitis, kritis, dan keterampilan penelitian.

Anda juga harus mempertimbangkan untuk menyewa agen, terutama ketika Anda mulai membangun momentum. Agen berpengalaman sering kali memiliki daftar kontak jaringan yang bermanfaat bagi Anda. Agen yang memenuhi syarat juga membantu Anda menghindari kesalahan pemula dan mendapatkan audisi yang mungkin berada di luar jangkauan Anda tanpa bantuan tersebut. Tidak semua aktor akan memiliki agen, tetapi jika Anda ingin bekerja dengan perusahaan teater dan film besar, maka Anda memerlukannya.

Dramawan

Dramawan yang juga disebut dramawan adalah orang yang bertanggung jawab untuk menulis naskah untuk produksi teater. Anda akan menyusun aktor dialog yang tampil dalam konteks teater. Penulis naskah dengan jelas menentukan tujuan dan pokok bahasan drama tersebut. Mereka juga mengembangkan struktur dramatis dan menciptakan karakter drama. Untuk menjadi penulis naskah yang sukses, Anda harus menjadi penulis yang produktif dan pendongeng yang baik.

Orang sering salah mengeja dramawan sebagai penulis drama. Ejaan yang benar adalah dramawan. Itu terbentuk dari dua kata: play & wright. Kata “wright” berarti pengrajin dan sering datang sebagai akhiran dalam beberapa kata majemuk untuk mewakili orang-orang yang menciptakan hal-hal tertentu. Misalnya, ada suatu masa ketika pembuat roda umumnya disebut sebagai pembuat roda.

Apa yang Dibutuhkan untuk Menjadi Penulis Drama

Untuk berhasil dalam perdagangan ini, Anda harus bersemangat menulis, karena Anda akan menghasilkan naskah yang mendikte dialog dan tindakan. Anda juga harus memiliki keterampilan menulis yang kuat dan kemampuan untuk membuat dialog yang meyakinkan.

Penulisan naskah memiliki karakteristik yang luas dengan naskah untuk film. Tetapi ada perbedaan penting. Skrip film mungkin berisi skrip yang dapat menyertakan efek khusus yang luar biasa, seperti ledakan. Tetapi karena seorang penulis naskah selalu harus menghasilkan sesuatu untuk diimplementasikan di teater, jumlah efek yang mereka masukkan terbatas. Misalnya, Anda tidak dapat menampilkan adegan bom di teater. Itu akan meledakkan segalanya dan bahkan menakuti penonton.

Masalah dengan penulisan naskah drama adalah bahwa seni itu tampaknya tidak bergairah, meskipun masih dipraktikkan di seluruh dunia. Biasanya, seorang seniman akan membuat naskah dan mengirimkannya ke bioskop yang berbeda untuk dibeli. Jika naskahnya cukup bagus, teater membeli dan memproduksinya. Kadang-kadang penulis drama mungkin terlibat dalam produksi dan pertunjukan.

Jadi, jika Anda mengembangkan kemampuan untuk menulis naskah yang bagus, Anda sebenarnya dapat menghasilkan banyak uang dengan menjual ke bioskop dan perusahaan film. Beberapa dari perusahaan ini bahkan akan menjadikan Anda karyawan tetap jika mereka memang menyukai bakat Anda.

Itulah sebabnya Anda harus melakukan semua yang diperlukan untuk menguasai seni ini sebelum mencoba menghasilkan keuntungan darinya. Anda harus benar-benar baik untuk mencari nafkah dengan menulis drama, jika tidak, Anda tidak akan menghasilkan banyak.

Baca Juga : Tips Penting Memilih Tempat Duduk di Acara Teater

Pendorong kunci lain dari keberhasilan penulis naskah adalah lokasi mereka. Mereka yang berada di kota-kota dengan bioskop besar dan perusahaan film memiliki peluang lebih baik untuk menjual karya seni mereka. Biasanya, lebih sulit mencari nafkah hanya dengan menulis drama. Kebanyakan penulis drama memiliki sumber pendapatan lain.

Sutradara Film

Dengan gelar sarjana di bidang film atau bioskop, yang Anda butuhkan hanyalah pengalaman dan beberapa kualitas lain untuk menjadi Sutradara Film yang sukses. Sebagai sutradara, Anda akan mengawasi dan mengelola beberapa artis berbeda yang terlibat dalam produksi film, mulai dari anggaran hingga aktor, kru kamera dan pencahayaan, desainer, dan editor.

Banyak sutradara bekerja di perusahaan film, tetapi mayoritas tidak bekerja di sana. Anda dapat menemukan direktur yang mengelola artis untuk perusahaan produksi televisi atau video, industri periklanan, dan hampir semua film bergerak.

Tanggung jawab seorang Direktur

Dalam industri film, sutradara film mengawasi setiap keputusan kreatif yang digunakan untuk memproduksi seni gerak, mulai dari konsepsi hingga pengeditan akhir. Mereka adalah yang kedua setelah produser eksekutif, yang memiliki kata terakhir pada setiap elemen produksi.

Bagaimana Mempersiapkan Kesuksesan sebagai Sutradara

Ini adalah suatu keharusan untuk memiliki beberapa pengalaman kerja sebelum memulai karir ini – karena itu akan menjadi faktor besar dengan majikan mana pun yang Anda dekati. Anda dapat memperoleh pengalaman melalui menulis, akting, atau membantu direktur yang sudah mapan.

Anda juga harus bekerja untuk mengembangkan keterampilan manajemen dan kepemimpinan Anda, menjadi kreatif, dan berkomunikasi secara efektif. Kualitas-kualitas ini sangat penting untuk berhasil tidak hanya sebagai sutradara tetapi juga di sebagian besar bidang industri film. Karena kemampuan Anda untuk mempertahankan pekerjaan itu tergantung pada seberapa baik kinerja Anda. Dan kurangnya kepribadian, kualifikasi, atau pengalaman dapat menjadi penghalang serius dalam jangka panjang.

Pekerjaan untuk Sutradara Film

Anda dapat bekerja di berbagai industri, bukan hanya industri film. Faktanya, sebagian besar sutradara film profesional tidak bekerja di industri film meskipun itu mungkin industri yang paling menguntungkan bagi sutradara film.

Anda dapat mengarahkan produksi untuk stasiun TV regional atau lokal dan perusahaan produksi video, iklan kreatif, film pelatihan, dan mengarahkan perusahaan film skala kecil. Anda juga dapat beralih dari penyutradaraan ke penulisan, produksi, pengembangan naskah, pengajaran, pengulas, atau kritikus. Mereka juga merupakan pilihan untuk memulai bisnis pribadi kecil Anda sendiri dalam penyediaan kostum, bisnis persewaan atau pencahayaan, sekolah akting, dan banyak lainnya.