Para penggemar teater pasti langsung mau kalau diajak nonton pertunjukan di Italia. Bagaimana tidak? Negara yang satu ini memang terkenal akan keseniannya termasuk kesenian teater. Bahkan kalau tidak menonton pertunjukanpun pasti tetap mau diajak berkeliling gedung teaternya. Tapi ingat, saat memasuki gedung teaternya, berhenti sejenak ya dari permainan slot hanabero. Supaya fokus menikmati keindahan gedungnya.

• Teatro Olimpico Bikin Terperangah Seperti Untung dari Slot Online Hanabero

Mengunjungi kerajaan Romawi di masa lalu bukanlah mimpi. Kunjungi saja Teatro Olimpico. Begitu menginjakkan kaki di teater ini, kamu pasti akan merasa dibawa ke masa lalu. Dinding-dindingnya dihiasi dengan patung-patung serta ornamen kerajaan Romawi. Membuat tempat ini terlihat megah. Jangan heran kalau kamu langsung terperangah ketika melihatnya, seperti memenangkan jackpot utama permainan slot.

Lokasi satu ini juga pernah muncul dalam Ripley’s Game dan membuatnya menjadi salah satu destinasi wisata wajib. Di teater ini terdapat light show yang menyorot panggung dan sekitarnya. Jadi kalau ingin kunjungannya lebih spektakuler lagi, pastikan datang saat light shownya tengah berlangsung atau datang untuk menyaksikan pertunjukan di gedung ini. Jangan sampai kelewatan untuk berkunjung ke sini kalau ke Vicenza. Main slotnya berhenti sebentar dan kagumi keindahan yang bertahan dari abad ke 16 ini.

Teatro Olimpico

• Main Slot Hanabero Bisa Berhenti Sejenak Kalau Lihat Teatro La Fenice

Sedang berkunjung ke Venesia? Pastikan berkunjung juga ke Teatro La Fenice. Gedung teater ini sangat terlihat mewah dan tidak kehilangan nilai sejarahnya walaupun sudah berulang kali direnovasi. Teatro La Fenice mengalami beberapa kali kebakaran, tapi sekarang sudah direnovasi dengan baik. Seperti pemain judi slot yang bangkit kembali walaupun mengalami kerugian.

Untuk masuk ke sini, pengunjung harus membayar biaya tiket 11 euro dan sudah termasuk dengan audio guide. Pengunjung bisa dengan bebas menjalajahi area publik di teater ini dan menikmati keindahannya. Sangat disarankan untuk bisa menonton pertunjukan di teater ini karena keindahan bangunannya seiring dengan keindahan suara pertunjukannya. Combo yang tepat seperti di permainan agen slot online yang bisa menghibur sekaligus memberikan keuntungan.

• Bak Istana, Il Vittoriale degli Italiani Bikin Pemain Teralihkan dari Agen Slot Hanabero

Vittoriale degli Italiani

Museum sekaligus teater satu ini terletak di Gardone Riviera. Kompleks ini terlihat bak istana lengkap dengan amphiteaternya. Semuanya tampak terawat dan bersih sehingga semua yang berkunjung kesini pasti bisa menikmatinya dengan maksimal. Mulailah dengan jalan-jalan di taman dan hirup udara segarnya. Semacam pemanasan kalau main slot, jalan-jalan di taman Il Vittoriale bisa membuat pikiran fresh dan siap menikmati keindahan selanjutnya.

Museum di sini berisi aneka koleksi sejarah, kesenian, dan juga sastra yang sayang untuk dilewatkan. Jika berkunjung di saat ada pertunjukan dijadwalkan, jangan sampai terlewat ya. Pertunjukan di amphiteaternya memberikan kesan yang berbeda dari menonton pertunjukan di gedung teater lainnya. Sangat disarankan untuk mengenakan alas kaki yang nyaman jika kesini karena pasti ingin melihat semua yang ada di sini. Pastikan juga untuk mengosongkan jadwalmu karena tidak cukup hanya satu dua jam saja kalau di sini. Gunakan beberapa jam tersebut untuk behenti main slot dan nikmati semuanya yang ada di sini. Setelah fresh, pasti semakin semangat main slotnya.

Sudah tahu mau mengunjungi yang mana? Masih ada banyak sekali gedung teater yang tersebar di negara ini lho dan semuanya memiliki keunikannya masing-masing. Jika punya budget lebih, sempatkan juga untuk menonton pertunjukannya. Pastinya akan jadi pengalaman tak terlupakan seperti saat dapat jackpot dari slot hanabero.

Teater Tertua Yang Ada Di Italia
Theater

Teater Tertua Yang Ada Di Italia

Teater Tertua Yang Ada Di Italia – Ini adalah salah satu simbol Milan, yang terkenal di seluruh dunia karena prestise besar di bidang artistik: kita berbicara tentang Teatro alla Scala , yang terletak di alun-alun kota yang homonim.

Teater Tertua Yang Ada Di Italia

toscanaspettacolo – Sejarah teater penting ini “dimulai” dengan api: menjelang akhir 1700-an Teater Ducal terbakar dan sebagai gantinya, Maria Teresa dari Austria yang berdaulat membangun struktur baru, menugaskan pekerjaan itu kepada arsitek Giuseppe Piermarini.

Pada tanggal 3 Agustus 1778 , permata seni neoklasik ini secara resmi diresmikan dan untuk kesempatan itu “L’Europa Riconosciuta”, sebuah karya yang secara khusus disusun oleh Antonio Salieri, dipentaskan. Seiring waktu La Scala dari Milan mengalami beberapa perubahan arsitektur: Napoleon menghapus kotak kerajaan, pada tahun 1807 plesteran dan dekorasi berharga ditambahkan, dan pada tahun 1813 lebih banyak ruang diberikan ke panggung. Selama Perang Dunia II itu dibom dan kemudian dibangun kembali. Berturut-turut mengalami renovasi yang luas dan kontroversial pada tahun 2004.

Jika Anda ingin menelusuri kembali sejarah teater yang luar biasa ini, kami menunggu untuk menemani Anda dalam tur enam hari eksklusif di Milan, Venesia, dan Roma: kesempatan unik untuk mengagumi salah satu teater Italia yang paling indah .

Baca Juga : 5 Teater Terbaik di Italia

Meskipun seniman musik klasik terbesar telah mengambil panggung ini, Teatro alla Scala tidak dimaksudkan hanya untuk representasi artistik: ruang itu juga digunakan sebagai ruang dansa. Tidak jarang keluarga bangsawan menjamu tamu mereka di dalam kotak, dan mereka bahkan menikmati berjudi di sana.

La Scala di Milan adalah tempat yang penuh pesona, berkat arsitektur indah yang menjadi ciri khasnya. Tapi apa saja fakta aneh terkait salah satu teater paling terkenal di Italia ini ? Tidak semua orang tahu bahwa di masa lalu tempat duduk warung bisa disingkirkan untuk menciptakan ruang kosong di mana publik bisa dihibur dengan menari, atau bahkan menunggang kuda!

Kios-kios Teatro alla Scala menyembunyikan cerita yang aneh : masing-masing didekorasi oleh keluarga pemiliknya; semakin kotak itu dihias, semakin kaya dan berpengaruh keluarga yang dikandungnya. Kios nomor 13 menyembunyikan rahasia lain: seluruhnya tertutup cermin, cara licik untuk melihat dan memata-matai setiap sudut teater. Dari kotak hingga hantu: Teatro alla Scala “menampung” arwah para seniman hebat yang telah berjalan di atas panggung; dikatakan bahwa bahkan hantu sopran besar Maria Callas telah memanifestasikan dirinya! Hingga saat ini, La Scala terus menarik suara dan orkestra teratas untuk tampil di panggungnya.

Teatro La Fenice – Venesia

Sekarang kita menemukan diri kita di salah satu kota paling sugestif di Italia: Di Venesia, tepatnya di Sestiere di San Marco, berdiri teater Italia yang indah dan terkenal Gran Teatro La Fenice .

Sejarahnya dimulai pada tahun 1792 : teater Venesia diwujudkan oleh Antonio Selva setelah penghancuran Teatro di San Benedetto. Mahakarya penyempurnaan neoklasik ini segera menjadi salah satu teater yang paling indah dan dikagumi di Italia: peresmiannya dilakukan pada 16 Mei dengan pementasan drama “I giuochi d’Agrigento” oleh Giovanni Paisiello.

Kemudian, sejarah Gran Teatro La Fenice ditandai dengan nasib yang menyedihkan: pada tahun 1836 kebakaran hampir menghancurkan bangunan itu, yang segera dibangun kembali oleh para insinyur Tommaso dan Giovan Battista Meduna yang membawanya kembali ke kejayaannya. Sayangnya, kebakaran dahsyat lainnya menghancurkan Grand Theatre , kali ini pada tahun 1996. Tapi seperti burung phoenix (binatang mitologis yang menyandang nama teater), teater “bangkit dari abunya” kembali bersinar dalam semua keindahannya yang elegan. Rekonstruksi teater dilakukan dengan cermat, memulihkan kemegahan masa lalu: berkat karya pengrajin ahli, Grand Theatre La Fenice dapat didekorasi dengan plesteran dan detail emas yang berharga, seperti pada tahun 1700.

The Grand Theater La Fenice di Venesia telah menyelenggarakan pertunjukan opera oleh penulis yang telah ditandai sejarah: musik Gioacchino Vincenzo Bellini, Rossini dan Giuseppe Verdi telah terpesona penonton lorong dengan kecantikan mereka. Hari ini adalah tengara di dunia opera, rumah bagi lebih dari seratus pertunjukan opera setahun, musim luar biasa yang disutradarai oleh direktur artistik terkenal.

Teatro San Carlo – Napoli

The Teatro San Carlo adalah yang tertua tempat terus menerus aktif untuk opera di Eropa dan salah satu teater paling dikenal di Italia . Naples’ Teatro San Carlo didirikan pada tahun 1737. Beberapa produksi balet pertama dilakukan di sini. Ini adalah gedung opera tertua di Italia dan dengan lebih dari 3000 kursi, teater ini adalah rumah bagi beberapa ikon musik dan opera klasik Italia. Opera, balet, dan musik klasik masih dipentaskan di Teatro San Carlo . Simbol kebesaran budaya Napoli yang sangat diinginkan oleh Charles dari Bourbon, dirancang oleh Giovanni Antonio Medrano dan Angelo Casarale. Dengan 184 kotak yang disusun di enam lantai dan 1379 kursi, Teatro San Carlo adalah teater terbesar di Italia. Ada juga museum dalam tahap perencanaan.

Perabotan yang mewah dan elegan serta dekorasi yang indah hanyalah beberapa dari fitur luar biasa yang akan langsung mengejutkan Anda: Anda juga harus tahu bahwa Teatro San Carlo adalah yang pertama memperkenalkan denah tapal kuda , salah satu elemen gaya utama dari Italia teater gaya . Teater ini telah mengalami beberapa kali renovasi. Arsitek Antonio Niccolini menciptakan fasad neoklasik yang mencolok dan menempatkan tiga patung ” Triade della Partenope” pada pedimen. Sayangnya, bencana kebakaran tahun 1816 benar-benar menghancurkan bangunan itu, tetapi Kaisar Ferdinand IV menginginkannya dibangun kembali hanya dalam 10 bulan: hasilnya adalah arsitektur indah yang dapat Anda kagumi hari ini. Sentuhan terbaru diberikan pada tahun 2009 oleh Elisabetta Fabbri yang menciptakan foyer baru.

The Teatro San Carlo , seperti kota Naples, kulit misteri dan legenda . Tahukah Anda bahwa teater dan Istana Kerajaan dihubungkan oleh jalan rahasia? Itu dibangun atas perintah raja yang ingin pergi ke pertunjukan tanpa harus keluar ke jalan dan dilihat oleh rakyatnya. Di dinding samping kotak kerajaan, ada cermin miring yang memungkinkan publik untuk mengamati raja: itu adalah aturan tidak tertulis, pada kenyataannya, bahwa tidak ada yang bisa bertepuk tangan atau meminta encore sebelum penguasa melakukannya.

Tidak semua orang tahu bahwa awalnya pelapis Teatro San Carlo berwarna biru dan bukan merah: biru rumah Bourbon diganti setelah penyatuan Italia ketika diputuskan untuk menggunakan merah, warna khas untuk teater pada masa itu.

Ada Teater San Carlo lain , sangat mirip dengan teater Neapolitan: arsitek Josè da Costa e Silva merancang Teatro Nacional de Sao Carlos di Lisbon, menggunakan elemen gaya arsitektur Neapolitan .

Teatro Massimo – Palermo

Teatro Massimo di Palermo adalah gedung opera terkemuka di Sisilia dan gedung opera terbesar ketiga di Eropa , serta salah satu yang terbaik di seluruh benua. Its akustik adalah beberapa yang terbaik di dunia . Bangunan berkubah dianggap sebagai tonggak arsitektur dan ditampilkan dalam Godfather (III) karya Francis Ford Coppola . Pertunjukan yang diselenggarakan sepanjang tahun termasuk opera, balet, dan musik.

Teatro Regio – Torino

The Teatro Regio di Turin adalah satu lagi gedung opera terkemuka di Italia dipulihkan setelah dibakar. Teater asli abad ke-19 dihancurkan oleh api pada tahun 1936. Teater ini adalah rumah bagi musikal, drama, balet, dan opera. Awalnya dibangun sebagai teater kerajaan pada tahun 1740, gedung opera di Piazza Castello ini alun-alun yang indah di Torino – menampung banyak orang penting internasional, termasuk Napoleon.

Arena di Verona

Tempat luar ruangan yang luar biasa untuk menonton pertunjukan, dengan akustik yang bagus (pertunjukan langsung sering dilakukan tanpa mikrofon). Pada dasarnya, Arena di Verona adalah amfiteater Romawi yang dipugar seperti Colosseum di tengah Verona. Itu dibangun pada abad ke-1 Masehi. di bawah bimbingan Kaisar Augustus. Sama seperti Colosseum, Verona Arena juga merupakan rumah bagi permainan gladiator yang menghibur penduduk kota.

The amfiteater Veronese telah berubah fungsi beberapa kali di seluruh sejarahnya: dalam periode abad pertengahan, itu digunakan sebagai tempat untuk eksekusi publik, sementara di tahun 1600-an itu host berbagai kacamata, bahkan menjalankan bulls. Verona Arena mulai mendekati opera pada 1800-an , meletakkan dasar bagi sejarah keberhasilannya yang luar biasa. Selama lebih dari satu abad, teater terbuka yang luar biasa ini telah secara teratur menampung lebih dari dua puluh ribu penonton di tangganya yang mengesankan yang berduyun-duyun dari seluruh dunia untuk menghadiri musim opera besar di panggungnya.

Setiap teater memiliki cerita sugestif untuk diceritakan. Kisah Verona Arena terkait dengan mitos pendiriannya . Legenda mengatakan bahwa seorang pria Verona dituduh melakukan kejahatan serius dan untuk menyelamatkan hidupnya, dia berjanji kepada warga bahwa dia akan membangun teater untuk Verona. Agar berhasil dalam rencana ini, pria itu menjual jiwanya kepada iblis yang, di malam hari, mengirim iblisnya untuk membangun pekerjaan besar itu. Pria itu, menyesali tindakannya, memohon kepada Perawan Maria untuk membebaskannya dari kegelapan. Teater itu hampir selesai, tetapi iblis melarikan diri, meninggalkan teater tidak lengkap, dengan bentuk khas yang dapat kita kagumi hari ini.

Tidak seperti gedung opera lainnya karena lokasinya di luar ruangan kalender opera untuk Arena adalah selama musim panas . Tempat terbuka ini juga menyelenggarakan konser luar ruangan lainnya (musik pop dan tidak hanya itu) selama sisa tahun ini.

Saatnya berangkat untuk tur eksklusif untuk menemukan Verona dan tempat-tempat magisnya: serahkan pada kami untuk membantu Anda menemukan aspek paling menarik dan penasaran dari kota romantis ini.

Arena di Verona, Verona

Meskipun secara teknis bukan gedung opera, Arena di Verona adalah tempat yang indah di mana Anda dapat menikmati segala macam pertunjukan musik sepanjang musim panas. Dibangun pada abad ke–1 M, struktur batu monumental ini adalah tempat pertempuran gladiator, adu banteng, dan eksekusi publik berabad-abad sebelum menjadi tempat pertunjukan musik. Menyaksikan opera al fresco dengan latar belakang gemerlap lilin yang dikibaskan oleh penonton merupakan pengalaman yang tidak bisa dilewatkan. Musim terbuka dimulai pada bulan Juni, tetapi Anda dapat mengikuti tur keajaiban arsitektur kuno yang sangat terpelihara dengan baik ini sepanjang tahun. Menginaplah tepat di seberang Arena di sebuah bangunan bersejarah yang pernah dimiliki oleh penyanyi tenor terkenal

Teatro Comunale, Bologna

Dibangun oleh arsitek Italia yang dihormati, Antonio Galli Bibbiena, Teatro Comunale bergaya barok yang luar biasa adalah salah satu harta terbesar Bologna . Diresmikan pada tahun 1763 dengan pemutaran perdana The Triumph of Cloelia karya Gluck , itu adalah gedung opera pertama yang didanai publik di dunia, meskipun auditorium berbentuk lonceng dan langit-langit trompe l’oeil hanya setengah jadi ketika tirai dibuka pada pembukaannya. malam. Sekarang pengunjung dapat mengagumi gedung opera yang lengkap dengan menghadiri pertunjukan di musim (November hingga April) atau mengikuti tur diikuti dengan minuman sambil menonton artis jalanan di Piazza Verdi di luar. Menginap di seberang Teatro Comunale di Casa Ilaria .

Italia adalah tanah air opera dan setiap tahun teaternya menyelenggarakan musim dengan program acara yang mengesankan.

Italia adalah tempat kelahiran opera, dan banyak komposer Italia yang terkenal di seluruh dunia: Paganini, Rossini, Donizetti, Verdi, Puccini, Mascagni, Monteverdi, Salieri, Tartini, Vivaldi, dan sebagainya. Tak kurang banyak komponis internasional yang telah terinspirasi oleh beberapa karya paling terkenal rekan-rekan Italia mereka. Richard Wagner hanyalah satu contoh: selama paruh kedua abad ke-19, Wagner mengunjungi Ravello, di mana ia mendapat inspirasi untuk Parsifal-nya, sehingga membawa ketenaran internasional ke kota tersebut.

Pengaturan opera di mana lingkungan yang menggugah mempertinggi drama adalah Arena of Verona yang terkenal di dunia. Tapi tentu saja opera dapat ditemukan di seluruh Italia.

Untuk menghormati semangat opera ini, dan kemampuannya untuk menyatukan orang-orang di seluruh dunia, setiap tahun gedung opera terbaik Italia menawarkan musim yang kaya akan berbagai pertunjukan. Musim paling sering dimulai antara November dan Desember, dan merupakan momen yang sangat penting bagi budaya Italia.

Tanpa ragu, salah satu pembukaan paling bergengsi adalah La Scala di Milan, dan untuk membuktikannya beberapa nama besar dalam politik, budaya dan hiburan hadir. Teatro La Scala biasanya disebut sebagai “La Scala” dan, selain sebagai salah satu gedung opera paling terkenal di dunia, juga dikenal sebagai “kuil opera.” La Scala didirikan atas permintaan Permaisuri Habsburg Maria Therese dari Austria setelah kebakaran yang pada Februari 1776 menghancurkan Teater Regio Ducale di Milan. Program musimannya adalah salah satu peristiwa terpenting dalam kehidupan budaya Milan. Gedung opera Milan yang indah dapat mengklaim musim yang berlimpah dan bervariasi setiap tahun, dengan program yang bergantian antara opera dan balet oleh komposer Italia dan internasional.

5 Teater Terbaik di Italia
Theater

5 Teater Terbaik di Italia

5 Teater Terbaik di Italia – Kami ingin memperkenalkan Anda pada keindahan dan seni melalui penemuan lima teater paling terkenal dan menarik di Italia: Teatro Massimo di Palermo, Teatro San Carlo di Naples, Teatro dell’Opera di Roma, Teatro La Fenice di Venesia dan Teatro La Scala di Milan. Semua teater ini menunjukkan betapa pentingnya musik dan seni di Italia.

5 Teater Terbaik di Italia

Teater Massimo di Palermo

toscanaspettacolo – Theatre Massimo merupakan gedung teater terbesar di Italia. Dibuka pada tahun 1897 oleh Falstaff Giuseppe Verdi di bawah kepemimpinan Leopoldo Munone. Arsitekturnya yang megah bergaya Yunani-Romawi dan merupakan karya arsitek Giovan Battista Filippo Basile dan putranya Ernesto, yang menggantikannya pada saat kematiannya. Pintu masuk, melalui tangga monumental, memiliki dua singa perunggu di kedua sisinya.

Di ujung tangga, sebuah pronaos dengan enam kolom Korintus menyambut penonton, dengan kata-kata “Seni memperbaharui masyarakat dan mengungkapkan hidup mereka. Kenikmatan adegan sia-sia di mana tidak bertujuan untuk mempersiapkan masa depan”.Teatro Massimo tidak hanya merupakan pusat produksi penting tetapi juga sebuah karya monumental yang dapat dikunjungi.

Baca Juga : Sejarah Teater Massimo Dan Tujuan Utama Teater Itu Dibuat

Kunjungan ini memungkinkan Anda untuk menemukan Ruang Pompeian dan Ruang Lambang serta Foyer. Anda dapat mengagumi dan melihat bahwa setiap dekorasi tepat dan konstan adalah pengulangan kolom, jendela, dan lengkungan.

Bangunan ini diatapi oleh kubah hemispherical besar dengan diameter 28,73 meter. Pada proyek awal, aula, termasuk boks dan galeri, mampu menampung hingga 3.000 penonton, kemudian menjadi 1.247 sesuai aturan selanjutnya. Aula berbentuk seperti tapal kuda dan memiliki akustik yang sempurna.

Fitur khusus adalah langit-langit bergerak yang terbuat dari panel kayu berlukisan, yang, dengan bukaan ke atas yang dapat disesuaikan, memungkinkan ventilasi aula. ‘Roda Simbolik’menggambarkan Triumph of Music diciptakan oleh Luigi Di Giovanni dengan desain oleh Rocco Lentini.

Teater San Carlo di Naples

Teater San Carlo di Naples didirikan pada tahun 1737 dan karenanya merupakan gedung opera tertua di dunia. Itu berdiri di sebelah Piazza del Plebiscito, jantung kota Napoli yang berdetak. Raja Charles III dari Bourbon memerintahkan pembangunannya dan diresmikan pada tahun 1737.

Pengerjaan teater megah ini dipercayakan kepada arsitek Giovanni Antonio Medrano. Pada tahun 1809 arsitek Antonio Niccolini melakukan renovasi, pertama-tama mengubah fasad menjadi gaya neoklasik dan memberi teater konotasi khas kuil. Pada tahun 1816 kebakaran menghancurkan teater, hanya menyisakan dinding perimeter utuh.

Hanya dalam waktu sembilan bulan, Antonio Niccolini membangun kembali teater tersebut, yang tetap setia pada desain sebelumnya dengan tata letaknya yang berbentuk tapal kuda, lima tingkat kotak dan sebuah galeri, serta sebuah kotak kerajaan yang besar.

Di tengah langit-langit adalah lukisan Apollo yang menghadirkan penyair terhebat di dunia kepada Minerva, yang dilukis oleh Cammarano bersaudara. Musisi dan konduktor terhebat telah tampil di teater besar ini, yang juga menjadi tuan rumah banyak balet.

Pada tahun 1812, sekolah balet tertua di Italia didirikan di San Carlo. Setelah Perang Dunia Kedua, Teater San Carlo adalah teater pertama di Italia yang dibuka kembali, sekali lagi memegang rekor. Teater San Carlo juga telah dimasukkan oleh Unesco dalam daftar monumen Warisan Dunia.

Setelah Perang Dunia Kedua, Teater San Carlo adalah teater pertama di Italia yang dibuka kembali, sekali lagi memegang rekor. Teater San Carlo juga telah dimasukkan oleh Unesco dalam daftar monumen Warisan Dunia. Setelah Perang Dunia Kedua, Teater San Carlo adalah teater pertama di Italia yang dibuka kembali, sekali lagi memegang rekor. Teater San Carlo juga telah dimasukkan oleh Unesco dalam daftar monumen Warisan Dunia.

Teater Opera di Roma

Teater Opera di Roma mungkin merupakan teater yang mengalami modernisasi terbesar di abad ke-20, terutama pada fasadnya. Domenico Costanzi-lah yang menginginkan teater ini dan ternyata teater itu memakai namanya sampai dibeli oleh Gubernur Roma.

Costanzi mempercayakan pekerjaan itu kepada arsitek Achille Sfondrini, yang membangunnya antara tahun 1874 dan 1880 dengan gaya neo-Renaissance, dengan perhatian besar pada akustik. Itu diresmikan pada 27 November 1980 dengan opera Rossini Semiramide.

Awalnya teater ini memiliki tiga tingkat kotak, amfiteater dan galeri, semua dikelilingi oleh kubah fresco oleh Annibale Brugnoli. Pada tahun 1926 Pemerintah Kota Roma membelinya dan pekerjaan renovasi dipercayakan kepada arsitek Marcello Piacentini, yang menambah tiga tingkat kotak menjadi satu dan memasang lampu kristal yang luar biasa,terbesar di Eropa.

Ketika Republik berkuasa, Piacentini kembali dipercayakan dengan restorasi fasad, khususnya, dalam gaya abad ke-20. Selama bertahun-tahun, Gedung Opera telah memperoleh prestise internasional dengan suksesi pemain terkenal di dunia seperti Caruso, Gigli, Maria Callas, Domingo dan Pavarotti. Saat ini Gedung Opera Roma memiliki kapasitas 1650 kursi.

Venezia: Teater La Fenice

Teater La Fenice berada di Venesia dan telah benar-benar bangkit dari abu beberapa kali. Ini pertama kali diresmikan pada 16 Mei 1972 pada kesempatan Festa della Sensa. La Fenice adalah salah satu teater paling terkenal di dunia karena telah dan masih merupakan tempat pemutaran perdana artis-artis seperti Rossini, Bellini, Verdi, Stravinsky, Kagel, Guarnieri, Perocco.

Seperti disebutkan di atas, teater ini telah mengalami dua kali kebakaran besar, tetapi pada kedua kesempatan itu dibangun kembali dengan lebih indah dari sebelumnya. Teater ini dirancang oleh Gian Antonio Selva, tetapi setelah kebakaran tahun 1836, arsitek Tommaso dan Gian Battista Meduna memulihkannya, mengadaptasi proyek aslinya.

La Fenice mengalami kebakaran bencana lainnya pada tahun 1996,namun sekali lagi dibangun kembali seperti semula dan pada tahun 2003 diresmikan untuk ketiga kalinya secara live di televisi di hadapan Presiden Republik dan dipimpin oleh Maestro Riccardo Muti.

Fasad neoklasik menampilkan pronaos dengan empat kolom Korintus di atasnya yang merupakan langkan. Di relung dipahat Tari dan Musik dan di tengahnya Phoenix. Aula teater berkapasitas 1500 penonton ini dihiasi dengan plesteran, lukisan, dan ukiran emas. Di dalam teater ada pameran permanen yang didedikasikan untuk Maria Callas dan tahun-tahun dia tinggal di Venesia.

Aula teater berkapasitas 1500 penonton ini dihiasi dengan plesteran, lukisan, dan ukiran emas. Di dalam teater ada pameran permanen yang didedikasikan untuk Maria Callas dan tahun-tahun dia tinggal di Venesia.Aula teater berkapasitas 1500 penonton ini dihiasi dengan plesteran, lukisan, dan ukiran emas. Di dalam teater ada pameran permanen yang didedikasikan untuk Maria Callas dan tahun-tahun dia tinggal di Venesia.

Teater Alla Scala di Milan

Alla Scala Theater Milan adalah salah satu yang terbesar dan paling bergengsi di Italia. Itu diresmikan pada 3 Agustus 1778 dengan opera “L’Europa” oleh Antonio Salieri. Itu dibangun atas perintah Permaisuri Maria Theresa dari Austria oleh arsitek neoklasik Giuseppe Piermarini di reruntuhan Teater Ducal dan Gereja Santa Maria alla Scala, dihancurkan untuk pembangunan teater.

Aula berbentuk seperti tapal kuda dan dihiasi dengan dekorasi neoklasik. Untuk memastikan akustik yang lebih baik, lemari besi kayu dipilih, hampir seperti papan suara alami. Di atas proscenium adalah jam yang menunjukkan jam dan menit yang didukung oleh dua sosok wanita di relief. Sejak 1812, dengan Rossini dan banyak nama bergengsi lainnya menyusul, teater Alla Scala telah menjadi rumah melodrama dan kemudian juga balet.

Pada 16 Agustus 1943, serangan bom menghantam Milan, menghancurkan atap, lemari besi, dan area teater lainnya. Rekonstruksi segera diikuti, termasuk pemasangan salinan lampu gantung megah abad ke-19 yang dihancurkan, yang tergantung di lemari besi dan memiliki 383 bola lampu. Saat ini warna yang dominan adalah emas dan gading.

Sebuah sistem kompleks tangga dengan beberapa penerbangan, yang dikenal sebagai “tangga menjepit”, menghubungkan foyer dengan koridor yang mengarah ke kotak. Pada tahun 2000, desain asli Piermarini diperluas oleh arsitek Swiss Mario Botta dan saat ini memiliki 6 tingkat kotak dan galeri dengan 2030 penonton.

Dia juga menambahkan menara panggung yang lebih besar dan insinyur Franco Malgrande membangun mesin panggung yang mampu membawa adegan hingga 4 meter di atas level panggung normal. Sejak tahun 1951,atas perintah direktur artistik saat itu, Victor de Sabata, hari pembukaan La Scala bertepatan dengan 7 Desember, St Ambrogio, santo pelindung Milan.

Sejarah Teater Massimo Dan Tujuan Utama Teater Itu Dibuat
Theater

Sejarah Teater Massimo Dan Tujuan Utama Teater Itu Dibuat

Teater Massimo Palermo

Sejarah Teater Massimo Dan Tujuan Utama Teater Itu Dibuat – Teater Massimo adalah gedung opera dan perusahaan yang terletak di Verdi Square. Ini adalah gedung opera terbesar di Italia dan terbesar ketiga di Eropa.

toscanaspettacolo

Sejarah Teater Massimo Dan Tujuan Utama Teater Itu Dibuat

toscanaspettacolo – Dewan Palermo memprakarsai kompetisi internasional untuk merancang dan membangun gedung opera pada tahun 1864. Idenya adalah untuk mempromosikan status Italia bersatu yang baru. Giovan Basile merancang teater. Setelah dia meninggal pada tahun 1891, pekerjaan itu diambil alih oleh putranya, Ernesto Basile.

Basile adalah penggemar arsitektur Sisilia klasik. Dia menggunakan tema neoklasik yang dipinjam dari kuil Yunani kuno di Agrigento. Dia juga menggunakan gaya Renaisans akhir. Auditorium menampung hampir 1.400 orang. Ini memiliki tujuh tingkat kotak tempat duduk. Panggung miring dan tempat duduk naik dari panggung dalam bentuk tapal kuda umum.

Pada tahun 1974 teater ditutup untuk renovasi. Biaya, korupsi dan politik membuatnya tertutup selama 23 tahun. Musim opera dibuka lagi pada tahun 1998. Korupsi dan politik terus mengganggu fungsi rumah tetapi manajemen baru berjanji untuk menjaganya tetap pada jalurnya.

Ruang mewah untuk opera dan drama, Teatro Massimo adalah teater cantik dengan beberapa kejutan di dalamnya. Secara resmi didedikasikan untuk Vittorio Emanuele, raja pertama Italia namanya Teatro Massimo Vittorio Emmanuele itu hanya disebut sebagai Massimo. Dan massimo (atau terbaik) itu! Tempat ini terkenal dengan akustiknya yang sempurna, membuat pertunjukan di sini menjadi pengalaman yang benar-benar spektakuler dan tak terlupakan.

Baca Juga : Sejarah Teater Italia Yang Sudah Banyak Transformasi Didalamnya

Teater dibuka pada Mei 1897, setelah 20 tahun pembangunan dan pertengkaran. Auditorium adalah kotak perhiasan berbentuk tapal kuda yang mewah, disepuh dan dilapisi beludru merah, dengan enam tingkat kotak ditambah tempat duduk lantai galeri. Langit-langit seperti kubah berisi 11 segmen yang dicat, digariskan dengan cetakan berlapis emas, yang menggambarkan The Triumph of Music, dilukis oleh Luigi di Giovanni.

Sejarah teater

Simbol keindahan dan keagungan Palermo, dibangun pada tahun 1875 oleh arsitektur palermitan Giovan Battista Filippo Basile dalam gaya neoklasik. Pekerjaan pembangunan Teater Massimo Vittorio Emanuele dimulai pada tahun 1875 , dengan proyek yang tidak diragukan lagi, mengingat tujuannya adalah untuk menyumbangkan ke kota Palermo salah satu teater paling megah di Italia, sedemikian rupa sehingga berita peresmian memiliki eksposur media yang besar melalui surat kabar saat itu.

Di tempat yang sama di mana Teater Massimo Vittorio Emanuele berada hari ini, ada bangunan lain, seperti Gereja Stigmata dan Biara San Giuliano , yang sebagian besar ditembak jatuh hanya untuk memberi ruang baginya. Pertunjukan pertama berlangsung pada tahun 1903 , dengan representasi Barberino yang luar biasa oleh Gino Marinuzzi, memulai serangkaian pameran di mana keunggulan terbesar dari perusahaan Opera Italia .

Arsitektur Teater Massimo Vittorio Emanuele di Palermo

Sudah dari luar dimungkinkan untuk mengagumi satu karya arsitektur skenografis dengan nilai artistik yang tidak diragukan, karena dapat menemukan gaya berbeda yang sudah bercampur di fasadnya. Yang paling menonjol adalah kubah yang menghadap ke bangunan, terdiri dari struktur logam yang ditempatkan pada serangkaian rol yang memungkinkan perpindahan kecil. Interior Teater Massimo Vittorio Emanuele dicirikan oleh simetri yang sempurna, dengan figur geometris yang diulang baik dalam struktur maupun dalam dekorasi di dinding dan atap. Gaya yang paling mencirikan interior struktur yang indah ini adalah Liberty the Art Nouveau, dibuat dari sebuah proyek oleh arsitekErnesto Basile, salah satu eksponen utama gaya arsitektur ini.

Aula utama Teater Massimo Vittorio Emanuele dicirikan oleh lukisan – lukisan skenografis dan dengan bentuk tapal kuda yang khas. Langit-langit terdiri dari jenis panel bergerak tertentu, yang membentuk bukaan ke arah luar yang mendukung ventilasi, tanpa mempengaruhi akustik sedikit pun.

Sejarah Teater Italia Yang Sudah Banyak Transformasi Didalamnya
Theater

Sejarah Teater Italia Yang Sudah Banyak Transformasi Didalamnya

Sejarah Teater Italia Yang Sudah Banyak Transformasi Didalamnya – Italia adalah negara 1.000 kilometer. Ini adalah jarak yang memisahkan teater kota di kota dwibahasa Bolzano dari teater Yunani Syracuse, di selatan Sisilia, yang paling indah di Magna Graeci .

toscanaspettacolo

Sejarah Teater Italia Yang Sudah Banyak Transformasi Didalamnya

toscanaspettacolo – Tetapi Italia juga merupakan negara dengan 1.000 bahasa. Sejarah Italia berarti bahwa setiap wilayah, bahkan setiap kota, mengembangkan cara bicaranya sendiri. Hanya televisi, sejak 1950-an dan seterusnya, yang berhasil memperkuat bahasa lisan yang umum, standar nasional. Tetapi dialek dan bahasa lokal bertahan di mana-mana dan dipraktikkan dengan cepat.

Jadi, tidak mengherankan bahwa Italia juga dapat mengandalkan 1.000 teater yang berbeda dan 1.000 cara berteater yang berbeda dan terus berkembang. Jauh dari sebuah sistem, adegan Italia adalah aglomerasi di mana peristiwa sejarah, variasi bahasa, tempat penciptaan, ketentuan legislatif kecil dan besar, dan seniman terkemuka mengguncang teater dan penonton mereka dalam kekacauan animasi. Tidak selalu mudah untuk menganalisis fisiognomi adegan teater ini atau mengamati aliran internalnya.

Cakrawala di mana makalah ini akan disebarkan pendek; kurang dari sepuluh tahun. Dalam periode terbatas seperti itu, kekuatan transformasi mungkin tampak cepat dan mengejutkan, tetapi kemungkinan besar mereka akan terbukti kurang tajam pada waktunya. Makalah ini akan memberikan penjelasan tentang apa yang terjadi di musim-musim terakhir, tetapi juga perlu merujuk pada fenomena jangka panjang. Tindakan komponen ekonomi, yuridis (perundang-undangan) dan sosiologis (meningkatkan segmentasi penonton) turut menentukan transformasi bahasa artistik dan hanya dapat diapresiasi dalam jangka waktu yang lebih lama. Hanya analisis jangka panjang seperti itu yang dapat memperhitungkan adaptasi seniman dan publik terhadap inovasi. [1]

Dari Negara Bagian ke Teater

Titik awal kami bukanlah acara artistik, tetapi tindakan legislatif. Ditandatangani pada 1 Juli 2014, dan kemudian diterbitkan di Gazzetta Ufficiale (jurnal resmi Republik Italia), sebuah dekrit utama memberikan bentuk baru pada kriteria penugasan FUS ( Fondo Unico per lo Spettacolo , sumber ekonomi utama dengan mana Negara Italia mendukung teater, musik, tari, kegiatan sirkus, dan pertunjukan keliling).

Baca Juga : Genoa Menjadi Ikon Kota Teater di Italia

Ini adalah tindakan institusional dan legislatif, tetapi dengan konsekuensi artistik juga. Faktanya:

  • memberikan aturan yang langgeng untuk kegiatan teater, yang di Italia tidak pernah memiliki kerangka hukum ( legge-quadro ) tetapi hanya tindakan sementara ( circolari ), dan
    berdasarkan algoritma matematika (banyak dibahas, untuk mengatakan yang sebenarnya), ia menciptakan kriteria baru, kualitatif dan kuantitatif, dalam pembiayaan komparatif yang disediakan administrasi publik untuk teater tunggal: kriteria tersebut berlaku sejak 1985 (tahun kelahiran dari FUS; lebih dari 30 tahun yang lalu) dan berdasarkan kebijaksanaan artistik komisi.
  • Dengan cara ini, dekrit 1 Juli 2014 cenderung mengarahkan dan mempengaruhi model baru penciptaan, produksi dan distribusi, mengingat fakta penting bahwa kegiatan teater Italia (bahkan yang disebut “teater independen”) bergantung pada FUS dan/ atau alokasi publik paralel lainnya dari pemerintah daerah, yang dimodelkan pada kriteria FUS.

Keputusan tersebut diterapkan dalam periode tiga tahun 2015–17, dan saat ini berlaku untuk periode tiga tahun 2018–20. Tidak sulit untuk membayangkan bagaimana beberapa tekadnya (penekanan pada pertunjukan multidisiplin, dukungan untuk seniman di bawah 35 tahun, aturan baru untuk teater nasional dan untuk kepentingan budaya yang relevan, perhatian pada pengembangan penonton dan pendidikan pemain muda) adalah kekuatan pendorong untuk pilihan yang dibuat oleh perusahaan dan teater.

Baru pada tahun 2020, pada akhir periode tiga tahun kedua, akan mungkin untuk memahami apakah dekrit tersebut memberikan karakter sistemik pada fluiditas adegan teater Italia. Namun, jelas bahwa kekuatan lain bekerja pada saat yang sama; kekuatan yang sangat artistik dan memiliki energi yang terakumulasi dari waktu ke waktu.

Evolusi Arah Panggung

Akhir abad kedua puluh ditandai di teater Italia dengan model regìa kritika (arah kritis). Sutradara seperti Giorgio Strehler (1921–97), Luca Ronconi (1933–2015) dan Massimo Castri (1943-2013) mendefinisikan model pementasan khas Italia. The regista criticotidak hanya menjadi penjamin terakhir dari berbagai komponen yang terlibat dalam pembangunan sebuah pertunjukan. Sutradara-sutradara ini juga berperan sebagai dramaturg (mereka menerapkan diri mereka pada aplikasi teks yang dramatis), pendidik (untuk para aktor) dan manajer artistik (mereka mengarahkan teater-teater nasional yang paling penting, program-program yang mereka bentuk dengan pilihan mereka) . Bahkan, mereka juga menjadi semacam rekan penulis, bersama dengan penulis naskah, dari karya yang dihasilkan. Kadang-kadang mereka naik di atas penulis dalam visibilitas.

Inilah yang terjadi dalam beberapa karya terakhir Luca Ronconi, sebelum kematiannya, La kesederhanaan ( Modesty , 2011) dan Il panico ( Panic , 2013), di mana kepribadian sutradara lebih menarik perhatian publik daripada dramawan Argentina Rafael Spregelburd (yang saat itu belum begitu terkenal di Italia). Saat ini, model regìa kritika kurang meresap, tetapi karisma artistik Ronconi dan minatnya pada teks non-dramatis (novel, esai ilmiah dan ekonomi) telah meninggalkan bekas yang mendalam bagi mereka yang mewarisi warisannya.

Mario Martone dan Antonio Latella adalah dua direktur yang bekerja hari ini dalam nada ini; meskipun ini dimodulasi, dalam kasus Martone, oleh banyak pengalaman paralel di bidang sinema dan opera. Martone mengarahkan teater permanen publik di Roma dan Turin. Dia membedakan dirinya dengan menghadirkan produksi berdasarkan judul non-kanonik, seperti karya berdasarkan tulisan filosofis penyair abad kesembilan belas Giacomo Leopardi ( Operette morali , 2011), dan dengan menggelar rekreasi sastra radikal, seperti Carmen yang sangat populer ( produksi 2015, setelah novel pendek Prosper Mérimée, tetapi seluruhnya berlatar Napoli setelah Perang Dunia Kedua).

Latella telah menyutradarai Bagian teater Venice Biennale sejak 2017 dan telah menerima banyak pujian dengan karyanya mengkode ulang film-film kultus, dari Gone with the Wind ( Francamente me ne infischio , 2011) hingga Die Sehnsucht von Veronika Voss ( Ti regalo la mia morte, Veronika, 2015) atau novel yang sangat populer untuk anak-anak ( Pinocchio, 2017).

Di sebelah mereka, perlu disebutkan juga direktur generasi sebelumnya, seperti Giorgio Barberio Corsetti (yang diangkat sebagai direktur artistik Teatro di Roma permanen pada 2019), Federico Tiezzi dan Cesare Lievi . Kami juga harus mencatat sutradara lain dari generasi yang sama dengan Martone dan Latella, seperti: Valerio Binasco (sekarang kepala Teater Turin), Arturo Cirillo, dan, sebagai bagian dari penegasan progresif sutradara perempuan dalam teater Italia, seperti tokoh sebagai Cristina Pezzoli, Veronica Cruciani dan Serena Sinigaglia.

Ada tokoh lain yang hari ini menerima label sutradara di Italia. Namun, modus operandi mereka agak berbeda dari yang dijelaskan di atas. Romeo Castellucci, Emma Dante dan Pippo Delbono tidak cenderung menampilkan teks yang masih ada; melainkan, mereka berkonsentrasi pada penciptaan dramaturgi yang sangat individual dan orisinal.

Pippo Delbono yang selama ini sering berurusan dengan masalah marjinalitas sosialnya sendiri , baru-baru ini mengangkat hubungannya dengan iman Katolik. Dalam karya terbarunya La gioia ( Joy , 2018), penyakit depresinya sendiri adalah kekuatan pendorong artistik. Karya ini mencapai hubungan emosional yang kuat dengan penonton.

Romeo Castellucci membangun skenografi dramatis yang halus, hampir padanan teatrikal dari seni konseptual, di mana aksinya sering diatur dalam lanskap mimpi buruk. Karya-karya seperti itu cenderung sangat mengganggu pemirsa. Produksinya antara lain Sul concetto di volto nel figlio di Dio.

Emma Dante bekerja terutama dengan ansambel pemain yang dipilih dengan cermat. Dari karya improvisasi kelompok-kelompok inilah pertunjukannya menarik kekuatan mereka. Bestie di scena ( Stage Beasts , 2017) dan Eracle baru-baru ini (2018) ditingkatkan oleh iklim Mediterania, yang mencerminkan kemampuannya untuk membaca tanah asalnya sendiri, Sisilia, terutama Palermo.

Dengan karya-karya mereka, yang lebih didasarkan pada prosedur pemandangan daripada ekspresi verbal, Delbono, Castellucci dan Dante adalah nama-nama Italia yang paling dikenal secara internasional saat ini. Mereka juga sangat dihargai sebagai sutradara opera.

Penyutradaraan: Tren Terbaru

Dengan percepatan tren ini, perbedaan antara sutradara, penulis, dan pemain mulai semakin berkurang. Seniman yang tampil memadukan fungsi berbeda ini antara lain Roberto Latini dan Licia Lanera.

Dalam lima tahun terakhir, harmoni yang intens telah diciptakan antara penonton muda dan solusi pop dari duo Stefano Ricci dan Gianni Forte (alias Ricci/Forte), berkat pertunjukan di mana soundtrack menjadi benang dramaturgi.

Kita juga harus mencatat karya regeneratif yang dilakukan pada mahakarya dunia oleh Massimiliano Civica ( Alcestis karya Euripides , 2014), Alessandro Serra ( Macbeth karya Shakespeare , 2017) dan Leonardo Lidi ( Hantu Ibsen , 2018), yang menjadi dasar bagi teater baru yang benar-benar kontemporer. bekerja.

Evolusi Akting di Panggung

Selama abad kedua puluh, tradisi grande attore Italia mempertahankan peran utamanya di atas panggung. Dalam beberapa tahun terakhir, beberapa aktor tua telah mengkonsolidasikan tradisi ini, menjadi diri mereka sendiri di pusat daya tarik. Yang paling menonjol adalah aktor pria Umberto Orsini dan Carlo Cecchi, dan aktor wanita Giulia Lazzarini dan Anna Maria Guarnieri. Masing-masing aktor ini berusia lebih dari 80 tahun. Namun, daya tarik mereka masih sangat kuat. Gabriele Laviahas menggabungkan neurosisnya sebagai aktor dengan budaya luas sebagai sutradara dan suka turun ke karakter Krisis Besar antara abad kesembilan belas dan kedua puluh. Alessandro Gassmanjuga beroperasi antara akting dan penyutradaraan. Selain itu, Massimo De Francovich, Isa Danieli dan Piera Degli Esposti dihargai karena kualitas interpretasi mereka.

Ada aktor-aktor muda, berusia lima puluhan atau enam puluhan, yang sudah bisa membagi aktivitasnya antara teater, bioskop, dan televisi. Memang, satu media sering mampu menerangi yang lain dalam karir mereka. Ini termasuk Luca Zingaretti, Alessandro Haber, Ottavia Piccolo, Anna Bonaiuto, Angela Finocchiaro, Giuseppe Battiston, Paolo Pierobon dan Lino Guanciale yang lebih muda.

Sebaliknya, penerjemah lain lebih suka memfokuskan karir mereka hampir secara eksklusif pada teater, mencapai hasil yang sangat berkualitas tinggi. Ini adalah kasus Massimo Popolizio dan Maria Paiato. Tekad, kebijaksanaan dan ambiguitas adalah ciri-ciri yang masing-masing mendefinisikan karya aktris Maddalena Crippa, Sonia Bergamasco dan Silvia Calderoni.

Akting: Tren Terbaru dan Angka Luar Biasa

Untuk alasan yang sama yang ditunjukkan dalam 2.2., banyak seniman dengan keterampilan kinerja yang kuat memilih untuk membuat jalur penulisan mereka sendiri. Gaya ekspresionis yang kuat, terkait dengan tempat asalnya (pinggiran kota Napoli) dan vitalitas tubuhnya sendiri, membuat Mimmo Borrelli menjadi terkenal. His La Cupa (2018) adalah kisah kekerasan yang mencakup lagu, mitos, dan penistaan.

Marta Cuscunà mendasarkan kreasinya pada pertarungan politik gender dan perlawanan perempuan. Karyanya menggunakan teknik animatronik (boneka animasi mekanis, bukan alat peraga panggung digital atau elektronik). Dengan Sorry, Boys (2016) dan Il canto della caduta, dia telah mencapai hasil yang diakui secara kritis.

Aktor Italia sering menjadi korban kebiasaan over-acting. Di antara mereka yang baru-baru ini memantapkan diri, suatu bentuk décalage interpretatif berhasil menghilangkan kecurigaan “akting” yang sadar diri. Daria Deflorian dan Antonio Tagliarini mengutamakan kedekatan dialog dan suara, disertai dengan pembongkaran linearitas tekstual, juga berdasarkan cakrawala penulisan baru ( Ce ne andiamo per non darvi altre preoccupazioni / Kami pergi, menghindari Anda lebih lanjut Kekhawatiran , 2013) dan Il cielo non fonddale / The Sky is not a Backdrop , 2016). Deflorian dan Tagliarini baru saja memenangkan Penghargaan Riccione untuk inovasi dramaturgi (lihat juga 5).

Kecenderungan yang sama hadir dalam teks-teks yang ditulis untuk dirinya sendiri oleh Oscar De Summa. Bahasa populer sehari-hari, dengan klise dan vulgarnya, telah menjadi ciri khas karya Babilonia Teatri (mulai dari Made in Italy, 2007, hingga Calcinculo / Kicks in the Ass , 2018 yang lebih baru).

Evolusi Format Produksi

Terlepas dari basis sutradara dan aktor yang besar ini, teater menempati tempat yang semakin tidak penting dalam sistem budaya dan hiburan Italia. Persaingan kreasi yang direproduksi dan digital tetap tak terkalahkan. Salah satu jawaban atas krisis ini, dan terhadap berkurangnya dana yang tersedia untuk produksi karya teater, adalah munculnya monodrama.

Di Italia, fenomena ini sering dikaitkan dengan tumbuhnya minat pada teater komitmen sipil, yang bertujuan untuk menganalisis sejarah terkini, seringkali dalam bentuk penyelidikan jurnalistik. Jenis teater ini, sama sekali berbeda dari karya-karya para komedian stand-up, terutama mengeksploitasi bentuk-bentuk non-dramatis. Ini dimulai pada tahun 1990-an dengan seniman yang dapat kita anggap sebagai pendiri teatro civile ini : Marco Paolini, Marco Baliani, Laura Curino dan Ascanio Celestini. Genre ini telah diperkaya oleh pemain lain, yang saat ini adalah penyanyi bermasalah Italia kontemporer; pembuat teater seperti: Davide Enia, Giuliana Musso dan Mario Perrotta. Seniman seperti itu sering mengolah berbagai macam bahasa yang menjadi ciri khas Italia. Saverio La Ruina, misalnya, adalah juru bicara teater Selatan.

Tanggapan terbalik terhadap penyebaran pertunjukan solo ini adalah pertumbuhan perusahaan muda profesional. Pada 1970-an, teater Italia mengalami periode penemuan kolektif yang hebat. Beberapa kelompok sejarah dari periode itu tetap aktif. Ini termasuk Teatro dell’Elfo dan Le Albe (perusahaan yang didirikan oleh Marco Martinelli dan Ermanna Montanari), yang kemudian ditambahkan pertunjukan transgresif Motus.

Selain perusahaan-perusahaan ini, dekade terakhir telah terlihat munculnya perusahaan-perusahaan muda, yang lahir dari pengalaman pelatihan umum, biasanya di akademi dan sekolah teater, terkadang juga di pusat-pusat sosial dan ruang-ruang yang ditempati oleh gerakan-gerakan politik-budaya yang agresif. Produksi penting oleh salah satu perusahaan ini adalah Virgilio brucia dan Socrate il sopravvissuto, di mana perusahaan Anagoor, menjelajahi cinta mereka untuk dunia kuno, membuka cakrawala aneh pertukaran antara budaya klasik dan kontemporer, keahlian dan teknologi.

Genoa Menjadi Ikon Kota Teater di Italia
Theater

Genoa Menjadi Ikon Kota Teater di Italia

Genoa Menjadi Ikon Kota Teater di Italia – Genoa adalah “kota teater” , menawarkan setiap tahun program yang kaya dan beragam dengan beragam genre, seperti konser opera dan simfoni, drama klasik, pertunjukan avant-garde, kabaret, dan pertunjukan anak-anak.

toscanaspettacolo

Genoa Menjadi Ikon Kota Teater di Italia

toscanaspettacolo – Untuk mempromosikan keunggulan dan citra persembahan teater kota dan memberikan kesempatan kepada masyarakat untuk menikmati berbagai pertunjukan yang menarik dan bervariasi di dalam dan di sekitar kota, pada tahun 2011 Pemerintah Kota Genoa membentuk forum koordinasi bersama dengan teater utama kota. untuk mengintegrasikan promosi dan meningkatkan jumlah saluran informasi dan tiket. Semua sembilan belas teater yang terletak di Kota Metropolitan Genoa adalah anggota aktif forum.

Maka Februari 2011 menandai lahirnya www.genovateatro.it , portal web pertama di Italia dengan informasi tentang semua program teater kota, pertunjukan dan layanan, serta layanan tiket online.

The Teatro Carlo Felice adalah gedung opera utama kota. Setiap tahun ia menawarkan musim opera dan konser simfoni kelas satu: tidak hanya opera balet dan lirik klasik tetapi juga produksi internasional. Tempat megah ini juga menjadi tuan rumah musim musik Giovine Orchestra Genovese , sebuah orkestra yang menggabungkan pertunjukan dengan kualitas terbaik dengan semangat inovasi yang kuat.

The Theatre of Genoa , realitas baru lahir dari persatuan Teatro Stabile di Genova dan Teatro dell’Archivolto , dianugerahi dengan judul Teater Nasional oleh Komisi penasihat MiBACT.
Pengakuan ini merupakan penghargaan untuk sejarah salah satu lembaga budaya kota yang paling penting dan memahkotai jalur pertumbuhan yang sangat baik, dibuktikan dengan sudut pandang produktif dan pertumbuhan pelanggan yang konstan. Posisi ini memberi Genoa dan Ligury peran sebagai protagonis mutlak lanskap budaya Italia. Teater Nasional Genoa beroperasi di empat lokasi berbeda dari pusat kota hingga distrik Samperdarena: Teatro della Corte , Teatro Duse, Teatro Gustavo Modena, dan Sala Mercato

Masih ada lebih banyak tempat dan perusahaan teater di pusat kota: Teatro della Tosse , misalnya, yang tiga auditorium dan serambinya terus-menerus dipenuhi dengan pertemuan, pembacaan, dan berbagai acara lainnya, bukan hanya tempat bagi perusahaan teater tetapnya tapi persimpangan jalan bagi seniman dan perusahaan dari seluruh dunia, menawarkan penonton tempat pertemuan yang kaya akan rangsangan budaya baru yang segar. Lainnya termasuk Politeama Genovese , yang memiliki tradisi lama menyukai teater di Genoa sejak tahun 1821. Programnya yang kaya mencakup berbagai jenis produksi, mulai dari teater komik, drama panggung, komedi, musikal, tari, balet klasik dan sosial. drama, Teatro Altrove della Maddalena, yang berkonsentrasi pada teater eksperimental dan fertilisasi silang artistik, atau Teatro Bloser , namanya merupakan gabungan dari “Pecundang Cantik”, sebuah tempat di Piazza Marsala dari mana teater pertunjukan seni inovatif ini baru-baru ini lahir.

Baca Juga : 4 Gedung Teater Italia Yang Terkenal di Dunia

Piazza San Matteo adalah rumah bagi asosiasi budaya Lunaria Teatro , yang mementaskan pertunjukan puisi klasik, dari Euripides hingga Shakespeare, serta acara dan festival promosi museum. Sejak 2009 juga telah menyelenggarakan musim “Lunaria a Levante” bekerja sama dengan Teatro Emiliani di Nervi.

The Teatro Garage , terletak di distrik San Fruttuoso, terutama berfokus pada drama kontemporer, teater komik, dan “teater absurd”. Bergerak ke arah daerah Molassana, di Via Salvador Allende, kita menemukan Teatro dell’Ortica , yang secara unik di Liguria mementaskan drama sosial dengan tujuan menyatukan kembali orang-orang yang terpinggirkan dan terpinggirkan secara sosial ke dalam masyarakat.

Di sebelah barat kota, kami memiliki Cinema Teatro Verdi , teater bersejarah Sestri Ponente, yang direnovasi total pada tahun 2005 tetapi dibuka pertama kali pada tahun 1899. Playbillnya yang bervariasi secara tradisional menyediakan banyak ruang untuk teater dialek serta pemutaran opera, dan Teatro Akropolis , sebuah tempat yang didedikasikan untuk penelitian artistik, eksperimen, produksi dan penjadwalan acara di bidang seni pertunjukan kontemporer di tingkat internasional.

Bolzaneto adalah rumah bagi Teatro Rina e Gilberto Govi , tempat terkemuka di bidang teater dialek Genoa, yang biasanya bernada komik, meskipun programnya juga mencakup musikal, operet, kabaret, konser jazz dan rock serta pertunjukan anak-anak, sedangkan kota Voltri memiliki Teatro Cargo . Didanai oleh Kementerian Warisan Budaya dan Kegiatan, acara ini menyajikan pertunjukan teater eksperimental di Teatro di Villa Duchessa yang bersejarah di Galliera dan “Teatro del Ponente”.

Teater lain yang terletak di wilayah Kota Metropolitan adalah Teatro Sociale di Camogli yang baru saja dipugar , salah satu teater bersejarah Liguria, Sipario Strappato di Arenzano , Teatro di Sori yang saat ini dikelola oleh Teatro Pubblico Ligure, dan Teatro di Cicagna .

4 Gedung Teater Italia Yang Terkenal di Dunia
Theater

4 Gedung Teater Italia Yang Terkenal di Dunia

4 Gedung Teater Italia Yang Terkenal di Dunia – Teater Massimo di Palermo adalah gedung opera terbesar di Italia dan salah satu teater terpenting di dunia. Ketika dibuka, itu adalah yang terbesar ketiga di Eropa setelah Paris dan Wina dengan luas 7739 meter persegi. Itu diresmikan pada tahun 1897 dengan Falstaff Giuseppe Verdi di bawah arahan Leopoldo Mugnone.

toscanaspettacolo

4 Gedung Teater Italia Yang Terkenal di Dunia

toscanaspettacolo – Arsitekturnya yang megah bergaya Yunani-Romawi dan merupakan karya arsitek Giovan Battista Filippo Basile dan putranya Ernesto, yang menggantikannya pada saat kematiannya. Pintu masuk, melalui tangga monumental, memiliki dua singa perunggu di kedua sisinya. Di ujung tangga, sebuah pronaos dengan enam kolom Korintus menyambut penonton, dengan kata-kata “Seni memperbaharui masyarakat dan mengungkapkan hidup mereka. Kenikmatan adegan sia-sia di mana tidak bertujuan untuk mempersiapkan masa depan”.

Teatro Massimo tidak hanya merupakan pusat produksi penting tetapi juga sebuah karya monumental yang dapat dikunjungi. Kunjungan ini memungkinkan Anda untuk menemukan Ruang Pompeian dan Ruang Lambang serta Foyer. Anda dapat mengagumi dan melihat bahwa setiap dekorasi tepat dan konstan adalah pengulangan kolom, jendela, dan lengkungan. Bangunan ini diatapi oleh kubah hemispherical besar dengan diameter 28,73 meter.

Pada proyek awal, aula, termasuk boks dan galeri, mampu menampung hingga 3.000 penonton, kemudian menjadi 1.247 sesuai aturan selanjutnya. Aula berbentuk seperti tapal kuda dan memiliki akustik yang sempurna. Fitur khusus adalah langit-langit bergerak yang terbuat dari panel kayu berlukisan, yang, dengan bukaan ke atas yang dapat disesuaikan, memungkinkan ventilasi aula. ‘Roda Simbolik’

Teater San Carlo di Naples

Teater San Carlo di Naples didirikan pada tahun 1737 dan karenanya merupakan gedung opera tertua di dunia. Itu berdiri di sebelah Piazza del Plebiscito, jantung kota Napoli yang berdetak. Raja Charles III dari Bourbon memerintahkan pembangunannya dan diresmikan pada tahun 1737. Pengerjaan teater megah ini dipercayakan kepada arsitek Giovanni Antonio Medrano. Pada tahun 1809 arsitek Antonio Niccolini melakukan renovasi, pertama-tama mengubah fasad menjadi gaya neoklasik dan memberi teater konotasi khas kuil. Pada tahun 1816 kebakaran menghancurkan teater, hanya menyisakan dinding perimeter utuh.

Baca Juga : Hal Penting Dan Sejarah Sebelum Kalian Mengunjungi Massimo Theater di Italia

Hanya dalam waktu sembilan bulan, Antonio Niccolini membangun kembali teater tersebut, yang tetap setia pada desain sebelumnya dengan tata letaknya yang berbentuk tapal kuda, lima tingkat kotak dan sebuah galeri, serta sebuah kotak kerajaan yang besar. Di tengah langit-langit adalah lukisan Apollo yang menghadirkan penyair terhebat di dunia kepada Minerva, yang dilukis oleh Cammarano bersaudara. Musisi dan konduktor terhebat telah tampil di teater besar ini, yang juga menjadi tuan rumah banyak balet. Pada tahun 1812, sekolah balet tertua di Italia didirikan di San Carlo. Setelah Perang Dunia Kedua, Teater San Carlo adalah teater pertama di Italia yang dibuka kembali, sekali lagi memegang rekor. Teater San Carlo juga telah dimasukkan oleh Unesco dalam daftar monumen Warisan Dunia.

Setelah Perang Dunia Kedua, Teater San Carlo adalah teater pertama di Italia yang dibuka kembali, sekali lagi memegang rekor. Teater San Carlo juga telah dimasukkan oleh Unesco dalam daftar monumen Warisan Dunia. Setelah Perang Dunia Kedua, Teater San Carlo adalah teater pertama di Italia yang dibuka kembali, sekali lagi memegang rekor. Teater San Carlo juga telah dimasukkan oleh Unesco dalam daftar monumen Warisan Dunia.

Teater Opera di Roma

Teater Opera di Roma mungkin merupakan teater yang mengalami modernisasi terbesar di abad ke-20, terutama pada fasadnya. Domenico Costanzi-lah yang menginginkan teater ini dan ternyata teater itu memakai namanya sampai dibeli oleh Gubernur Roma. Costanzi mempercayakan pekerjaan itu kepada arsitek Achille Sfondrini, yang membangunnya antara tahun 1874 dan 1880 dengan gaya neo-Renaissance, dengan perhatian besar pada akustik.

Itu diresmikan pada 27 November 1980 dengan opera Rossini Semiramide. Awalnya teater ini memiliki tiga tingkat kotak, amfiteater dan galeri, semua dikelilingi oleh kubah fresco oleh Annibale Brugnoli. Pada tahun 1926 Pemerintah Kota Roma membelinya dan pekerjaan renovasi dipercayakan kepada arsitek Marcello Piacentini, yang menambah tiga tingkat kotak menjadi satu dan memasang lampu kristal yang luar biasa, terbesar di Eropa.

Ketika Republik berkuasa, Piacentini kembali dipercayakan dengan restorasi fasad, khususnya, dalam gaya abad ke-20. Selama bertahun-tahun, Gedung Opera telah memperoleh prestise internasional dengan suksesi pemain terkenal di dunia seperti Caruso, Gigli, Maria Callas, Domingo dan Pavarotti. Saat ini Gedung Opera Roma memiliki kapasitas 1650 kursi.

Venezia: Teater La Fenice

Teater La Fenice berada di Venesia dan telah benar-benar bangkit dari abu beberapa kali. Ini pertama kali diresmikan pada 16 Mei 1972 pada kesempatan Festa della Sensa. La Fenice adalah salah satu teater paling terkenal di dunia karena telah dan masih merupakan tempat pemutaran perdana artis-artis seperti Rossini, Bellini, Verdi, Stravinsky, Kagel, Guarnieri, Perocco. Seperti disebutkan di atas, teater ini telah mengalami dua kali kebakaran besar, tetapi pada kedua kesempatan itu dibangun kembali dengan lebih indah dari sebelumnya.

Teater ini dirancang oleh Gian Antonio Selva, tetapi setelah kebakaran tahun 1836, arsitek Tommaso dan Gian Battista Meduna memulihkannya, mengadaptasi proyek aslinya. La Fenice mengalami kebakaran bencana lainnya pada tahun 1996, namun sekali lagi dibangun kembali seperti semula dan pada tahun 2003 diresmikan untuk ketiga kalinya secara live di televisi di hadapan Presiden Republik dan dipimpin oleh Maestro Riccardo Muti. Fasad neoklasik menampilkan pronaos dengan empat kolom Korintus di atasnya yang merupakan langkan.

Di relung dipahat Tari dan Musik dan di tengahnya Phoenix. Aula teater berkapasitas 1500 penonton ini dihiasi dengan plesteran, lukisan, dan ukiran emas. Di dalam teater ada pameran permanen yang didedikasikan untuk Maria Callas dan tahun-tahun dia tinggal di Venesia. Aula teater berkapasitas 1500 penonton ini dihiasi dengan plesteran, lukisan, dan ukiran emas. Di dalam teater ada pameran permanen yang didedikasikan untuk Maria Callas dan tahun-tahun dia tinggal di Venesia. Aula teater berkapasitas 1500 penonton ini dihiasi dengan plesteran, lukisan, dan ukiran emas. Di dalam teater ada pameran permanen yang didedikasikan untuk Maria Callas dan tahun-tahun dia tinggal di Venesia.

Teater Alla Scala di Milan

Alla Scala Theater Milan adalah salah satu yang terbesar dan paling bergengsi di Italia. Itu diresmikan pada 3 Agustus 1778 dengan opera “L’Europa” oleh Antonio Salieri. Dibangun atas perintah Permaisuri Maria Theresa dari Austria oleh arsitek neoklasik Giuseppe Piermarini di atas reruntuhan Teater Ducal dan Gereja Santa Maria alla Scala, dihancurkan untuk pembangunan teater. Aula berbentuk seperti tapal kuda dan dihiasi dengan dekorasi neoklasik. Untuk memastikan akustik yang lebih baik, lemari besi kayu dipilih, hampir seperti papan suara alami.

Di atas proscenium adalah jam yang menunjukkan jam dan menit yang didukung oleh dua sosok wanita di relief. Sejak 1812, dengan Rossini dan banyak nama bergengsi lainnya menyusul, teater Alla Scala telah menjadi rumah melodrama dan kemudian juga balet. Pada 16 Agustus 1943, serangan bom menghantam Milan, menghancurkan atap, lemari besi, dan area teater lainnya. Rekonstruksi segera diikuti, termasuk pemasangan salinan lampu gantung megah abad ke-19 yang dihancurkan, yang tergantung di lemari besi dan memiliki 383 bola lampu.

Saat ini warna yang dominan adalah emas dan gading. Sebuah sistem kompleks tangga dengan beberapa penerbangan, yang dikenal sebagai “tangga menjepit”, menghubungkan foyer dengan koridor yang mengarah ke kotak. Pada tahun 2000, desain asli Piermarini diperluas oleh arsitek Swiss Mario Botta dan saat ini memiliki 6 tingkat kotak dan galeri dengan 2030 penonton. Dia juga menambahkan menara panggung yang lebih besar dan insinyur Franco Malgrande membangun mesin panggung yang mampu membawa adegan hingga 4 meter di atas level panggung normal. Sejak tahun 1951,

Hal Penting Dan Sejarah Sebelum Kalian Mengunjungi Massimo Theater di Italia
Theater

Hal Penting Dan Sejarah Sebelum Kalian Mengunjungi Massimo Theater di Italia

Hal Penting Dan Sejarah Sebelum Kalian Mengunjungi Massimo Theater di Italia – Artikel ini dimaksudkan untuk mengajari Anda semua tentang teater opera terbesar ketiga di seluruh Eropa, Teatro Massimo. Situs ini tidak boleh dilewatkan saat Anda berkunjung ke Palermo.

toscanaspettacolo

Hal Penting Dan Sejarah Sebelum Kalian Mengunjungi Massimo Theater di Italia

toscanaspettacolo – Hari ini adalah pelajaran tentang salah satu simbol Sisilia, Teatro Massimo . Struktur yang indah ini tidak seperti gedung opera mana pun yang mungkin Anda lihat, karena ini adalah yang terbesar di Italia dan salah satu yang terbesar di seluruh Eropa . (Hanya 2 yang lebih besar adalah Opera National de Paris dan KK Hof-Opernhaus di Austria).

Teater ini telah menjadi tuan rumah beberapa penyanyi dan pemain paling produktif yang pernah dilihat dunia, termasuk Luciano Pavarotti , yang merupakan salah satu penyanyi tenor paling terkenal yang pernah menghiasi panggung opera. Saya ingat melihatnya di tahun 60-an Butterfly bernyanyi di teater ini, juga penampilan yang tak terlupakan dari ” Rigoletto ” yang dipimpin oleh maestro ikonik Tullio Serafin.

Jika kebetulan Anda tidak tahu siapa Pavarotti, Anda harus menoleh ke arah Surga dan meminta pengampunan kepada Tuhan, karena ini hampir merupakan dosa yang tidak dapat diampuni. Namun, Anda dapat menebus diri Anda sendiri dengan membaca seluruh bagian tentang teater Massimo ini dan juga memeriksanya sendiri secara langsung.

Tapi itu semua waktu kita akan mengambil subjek itu. Sekarang, Anda perlu mengetahui beberapa hal tentang Teatro Massimo sebelum berkunjung.

Baca Juga : Sejarah Gedung Opera Garnier Teater Yang Menjadi Tempat Romantis Paris

Pelajaran Sejarah Singkat

Belajar sedikit tentang sejarah itu penting disini, jadi jangan merengek karena mungkin akan sedikit bertele-tele. Ada sedikit hal bagus yang harus Anda ketahui sebelumnya untuk mendapatkan hasil maksimal dari pengalaman Anda.

Struktur ini dibangun kembali pada akhir abad ke-19 dan dirancang oleh Giovan Battista Basile , tetapi ia tidak dapat menyelesaikannya di masa hidupnya. Pembangunannya diselesaikan oleh putranya, Ernesto Basile , yang berdiri sebagai salah satu pelopor Art Nouveau warisan Italia .

Gayanya yang unik membuatnya terkenal di seluruh dunia, karena terinspirasi oleh kuil-kuil Yunani dan seni klasik . Struktur besar selalu berusaha untuk menjadi salah satu yang terbesar di seluruh Eropa, tetapi interiornya yang didekorasi dengan ahli dan eksterior yang mendetail menjadikannya salah satu kuil musik Italia terbesar.

Namun, Ernesto Basile tidak dapat menyelesaikan proyek itu sendirian. Dia meminta bantuan pelukis terkenal seperti Ducrot (wainscoting) dan Ettore De Maria Bergler (lukisan). Bangunan itu sendiri adalah ekspresi hebat Neo-klasisisme di abad ke-19, yang merupakan kontras dari gaya Barok yang absolut.

Gaya abad ke-19 dapat dengan mudah dilihat di seluruh bagian luar bangunan, karena dekorasinya secara langsung menunjukkan fokus pada monumen antik melalui berbagai motif Pompeian yang dinamai oleh ornamen Yunani Klasik.

Palermo, saat ini dalam sejarah, dipandu dan disusun berdasarkan nasib keluarga Florio. Palermo adalah ibu kota resmi kerajaan Florio dan diyakini bahwa gedung opera ini dibangun sebagai sarana hiburan bagi keluarga dan penduduk setempat, tetapi juga tempat bagi keluarga Florio untuk mendiskusikan bisnis dan politik.

Teatro Massimo diresmikan pada tahun 1897 dengan opera Falstaff oleh Giuseppe Verdi , dan saat ini memantapkan dirinya sebagai teater Italia yang paling penting dalam hal kualitas dan kuantitas opera yang akan menghiasi panggungnya.

Bagi yang penasaran (versi film) tentang mafia, auditorium Teatro Massimo ini digunakan untuk beberapa adegan dalam The Godfather – Part III yang dibintangi oleh Al Pacino, Andy Garcia dan Sofia Coppola dan disutradarai oleh Francis Ford Coppola.

Mengunjungi Teater

Anda mungkin tidak ingin mendengar ini, tetapi satu-satunya cara Anda bahkan dapat melihat ke dalam Teatro Massimo , kecuali jika Anda berada di sana untuk melihat pertunjukan atau produksi, adalah dengan tur berpemandu . Anda tidak bisa begitu saja membayar biaya masuk dan berkeliaran dengan bebas di seluruh gedung.

Anda akan menemukan bahwa kunjungan berpemandu ini tersedia dalam bahasa Italia dan Inggris, dan untuk beberapa alasan, tur Italia lebih sering dilakukan. Kira – kira setiap 50 menit atau lebih, tur berbahasa Inggris baru dimulai, dan ada sekitar tujuh tur sepanjang hari mulai pukul 9:30 pagi dan berakhir pukul 6 sore hari Selasa sampai Minggu .

Panduan ini pada dasarnya akan merinci informasi yang sama yang saya berikan kepada Anda di artikel ini, jadi jika Anda tidak memiliki sarana untuk menyinkronkan jadwal Anda dengan tur berbahasa Inggris , Anda dapat mencetak artikel ini dan mengikuti tur Italia dan dapatkan pengalaman serupa.

Setelah Anda sampai di gerbang, Anda belok kiri dan menuju ke kantor tiket. Tiket untuk tur berpemandu hanya 8€ , dan masing-masing berlangsung sekitar 30 menit. Sementara saya pikir mereka bisa sedikit lebih murah hati dengan waktu, saya tidak membuat aturan jadi kita harus berurusan dengan siapa pun yang melakukannya.

Serambi

Kunjungan ke teater ini dimulai di serambi gedung yang berbentuk persegi panjang dengan ukuran 11,75 meter kali 31,7 meter. Secara keseluruhan, bangunan ini memiliki luas 7.730 meter persegi, dan memiliki hampir 1.400 kursi.

Di bagian bangunan ini, Anda akan melihat model skala Teatro Massimo yang dibuat dengan indah dan juga patung karya Salvatore Valenti . Anda juga akan melihat dua tempat lilin perunggu yang dihias dengan putti yang anggun dan juga patung perunggu Filippo Basile oleh pematung terkenal Antonio Ugo. Ruangan ini dibalut dengan warna merah yang tenang, juga disebut “ ottobrino ”, yang secara kasar diterjemahkan ke bulan Oktober karena kemiripannya dengan dedaunan musim gugur. Ada lemari di dalam dengan dua pintu samping yang mengarah ke Ruang Kopi struktur.

Setelah Anda mengambil semua gambar yang Anda minati di area ini, pemandu akan membawa Anda ke Auditorium dan Royal Box.

Auditorium dan Royal Box

Turis yang beruntung dapat menyaksikan seniman melatih kerajinan mereka di atas panggung, tetapi jika tidak, Anda setidaknya dapat menikmati kemegahan auditorium. Bertahun-tahun yang lalu, ruangan ini dirancang untuk menampung hingga 3.000 penonton tetapi hari ini, peraturan telah membatasi ini hanya di bawah 1.400 (tepatnya 1.381).

Auditorium ini paling dikenal dengan akustiknya yang luar biasa, karena memiliki bentuk tapal kuda yang berbeda pada kemiringan 4% yang kontras dengan kemiringan panggung yaitu 6,5%. Ada lima lantai kotak dan galeri. Ruangan itu disusul oleh “Roda Simbolik” yang membentuk langit-langit ruangan. Ini dirancang menyerupai bunga dengan sebelas kelopak, yang masing-masing merupakan bagian dari sistem pendingin yang awalnya dipasang dengan konstruksi teater, karena masing-masing dapat dibuka secara terpisah untuk memungkinkan udara panas keluar.

Di antara pusat kotak tingkat kedua adalah kotak Royal. Ini memiliki total 27 kursi dan serambi pribadi yang dikenal sebagai ruang duduk Kerajaan. Sementara kita tidak lagi memiliki raja yang gagah berani untuk mengisi kursi ini, kursi tersebut sekarang disediakan untuk anggota DPRD dan Walikota Palermo.

Orang “normal” juga dapat duduk di kursi ini, yang harganya sama dengan kursi di lingkaran parket, tetapi Anda harus memesan jauh sebelumnya karena ini adalah kursi yang paling dicari di seluruh teater.

Mendapatkan tiket pertunjukan di sini berkisar dari € 20 hingga € 100 tergantung di mana Anda ingin duduk.

Sedangkan untuk Ruang Duduk Kerajaan, area ini hampir seluruhnya dilapisi kayu mahoni yang cantik dan dilengkapi dengan sofa dan kursi nyaman yang dihiasi dengan brokat merah. Di tengah ruangan ada lampu gantung Murano dan total 9 cermin ditempatkan di dinding di sekitar ruangan. Pintu masuk adalah lambang Casa Savoia (House of Savoy [Casa Sovoia] adalah keluarga kerajaan Italia), yang merupakan salib putih di bidang merah. Desain kamar ini semata-mata dikreditkan ke Ernesto Basile. Tur Anda kemudian membawa Anda ke Pompeian Hall.

Aula Pompeian

Kamar unik ini berbentuk lingkaran dan pada awalnya diyakini sebagai ruang merokok dan area khusus untuk kaum bangsawan . Ini juga secara informal dikenal sebagai Ruang Gema karena akustiknya yang luar biasa, memungkinkan suara semakin meningkat saat Anda berada di dekat bagian tengah ruangan.

Ruangan itu dimaksudkan untuk pria untuk mendiskusikan bisnis, dan gema di ruangan itu sempurna untuk pengaturan ini karena suara lain akan bercampur aduk, menyebabkan Anda hanya mendengar percakapan yang Anda ikuti. Ini memberikan privasi, namun desain ruangan ruangan memungkinkan Anda untuk berbicara dengan semua orang sekaligus jika Anda berdiri di tengah.

Pemandu wisata akan mendorong Anda untuk bermain dengan akustik ruangan dari tengah, jadi bersenang-senanglah dan jangan terlalu malu untuk mencobanya sendiri.

Ruang paduan suara

Ini adalah perhentian terakhir tur di seluruh gedung. Ini memiliki tampilan salon dari pesta abad ke-19, dicat di dinding fresco dan jendela besar yang menghadap ke pusat kota Palermo.

Meskipun kelihatannya mengecilkan hati, tidak ada seorang pun yang diizinkan masuk ke ruang paduan suara kecuali para penari yang berlatih dan tampil di sana. Lantai tidak boleh rusak. Sebaliknya, satu per satu, Anda diperbolehkan di ambang pintu untuk mengambil gambar dan melihat keindahannya. Sayangnya, ini bisa ditutup jika penari sedang berlatih , dan tidak banyak yang bisa dilakukan tentang itu.

Meskipun saya telah mencoba memberi Anda semua informasi terkait yang Anda perlukan tentang Teatro Massimo, Anda mungkin masih memiliki pertanyaan atau kekhawatiran sebelum kunjungan Anda. Jika ya, luangkan waktu sebentar dan berikan komentar di bawah agar saya dapat membantu Anda.

Sejarah Gedung Opera Garnier Teater Yang Menjadi Tempat Romantis Paris
Theater

Sejarah Gedung Opera Garnier Teater Yang Menjadi Tempat Romantis Paris

Sejarah Gedung Opera Garnier Teater Yang Menjadi Tempat Romantis Paris – Opera Garnier adalah struktur yang luar biasa bahkan dari kejauhan. Pada tahun 1860, Napoleon III mengadakan kompetisi untuk membangun Opera House di Paris dan arsitek muda Jean Louis Charles Garnier, yang saat itu berusia 35 tahun, memenangkan kompetisi tersebut. Sebuah proyek besar terjadi dan setelah 15 tahun bangunan yang indah dan menarik ini dibuat. Dalam gaya era Napoleon III, tidak ada satu ruangan pun yang dibiarkan tanpa hiasan.

toscanaspettacolo

Sejarah Gedung Opera Garnier Teater Yang Menjadi Tempat Romantis Paris

toscanaspettacolo – Karena Charles Garnier telah belajar secara intensif di Roma dan melakukan perjalanan secara ekstensif ke seluruh Eropa, ia bermaksud untuk menggabungkan banyak gaya arsitektur yang berbeda dalam satu bangunan. Beberapa ahli menyebut bangunan ini “kue pengantin besar” karena bentuk dan gayanya yang unik. Opera Garnier juga dianggap sebagai salah satu dari 5 gedung opera terbaik di dunia.

Opera Garnier: Konstruksi

Untuk sepenuhnya memenuhi preferensi dan persyaratan Presiden Republik Prancis, kompetisi antar arsitek diadakan untuk menemukan desain terbaik dari istana baru. Perhatikan bahwa gedung opera dan balet masa depan akan menjadi teater ketiga belas berturut-turut di Paris. Secara mengejutkan Charles Garnier memenangkan kompetisi ini di mana para profesional terbaik berpartisipasi. Arsitek yang belum mapan itu baru berusia 35 tahun saat itu.

Seperti yang dikatakan, batu pertama untuk pembangunan gedung itu diletakkan pada tahun 1860. Dokumen itu berisi fakta yang agak menarik, di mana dikatakan bahwa istri Napoleon III tertarik pada pembangunan istana. Dia, merasa sangat tertarik, pernah bertanya kepada suaminya: “Dengan gaya apa bangunan itu harus dibangun: Yunani atau Romawi?” Untuk pertanyaan ini, ia menerima jawaban yang agak mengejutkan: “Gedung baru untuk opera dan balet, Bu, akan dibangun dengan gaya baru, dengan cara Napoleon III!”

Rencananya, seperti biasa, muluk-muluk. Namun, pembangunan Opéra Garnier memakan waktu 15 tahun! Alasan pertama untuk konstruksi yang begitu panjang adalah kekhasan tanah, dalam komposisinya terlihat seperti rawa yang tebal.

Baca Juga : Theater Terbesar Broadway Dibuka Kembali

Charles Garnier, terlepas dari usianya, ternyata adalah orang yang sangat pemarah dan tidak sabaran. Karena kegagalan berulang dalam meletakkan fondasi, ia berulang kali memutuskan untuk berhenti mengerjakan proyeknya. Ketika rawa dikeringkan, arsitek menghadapi masalah lain – ternyata ada danau bawah tanah besar di lokasi konstruksi. Dan bahkan kemudian, pekerjaan tidak berhenti: selama delapan bulan, sebuah pompa raksasa memompa air sampai kapasitas danau memungkinkan, bahkan sebelum pekerjaan dimulai.

Tampaknya semua masalah telah dikesampingkan ketika perang Prancis-Prusia pecah, di mana semua uang dari anggaran kota digunakan untuk tentara. Selain itu, tak lama setelah perang berakhir, Kekaisaran runtuh dan Komune Prancis muncul sebagai gantinya. Kaum revolusioner tidak punya waktu untuk seni yang hebat: oleh karena itu konstruksi jarang dilakukan, dan Garnier lebih dari satu kali mendengar bahwa pembangunan istana akan dihentikan sama sekali.

Tidak dapat dibayangkan bahwa emosi arsitek melonjak selama masa-masa sulit ini, yang meletakkan dasar untuk prestasi dan merevolusi arsitektur dan konstruksi pada waktu itu. Berkat pemeliharaan bangunan dari atas, di tanggal 29 Oktober tahun 1873, para ahli serta tim konstruksi mendapatkan perintah yang tak terduga: agar menyelesaikan pembangunan istana secepat mungkin.

Penyebab curah hujan yang tinggi menyebabkan kebakaran dan menghancurkan bangunan Opera Paris, yang menjadi tuan rumah pertunjukan paling penting. Juga, di Prancis, seperti di seluruh Eropa, ada mode yang disebut balet romantis.

Pada bulan Desember 1874, Charles Garnier melaporkan bahwa opera baru dan teater balet di Paris hampir selesai. Hanya satu ruang merokok dan beberapa bangunan luar yang tersisa. Omong-omong, ruang merokok tidak pernah berakhir; Hari ini, itu tidak lagi ditemukan di gedung opera Paris Garnier yang legendaris.

Pembangunan istana yang megah, dilengkapi dengan opera dan balet house, dimulai atas perintah Napoleon III, yang masih menolak untuk mengunjungi Le Peletier yang terkenal setelah serangannya yang gagal

GRAND ESCALIER

adalah salah satu hal pertama yang Anda temui ketika kamu masuk. Terinspirasi oleh Grand Théâtre de Bordeaux dan dibangun dengan marmer putih dari Italia, marmer hijau dari Swedia dan marmer merah antik, lantai dua menampilkan kesan gaya dan keanggunan yang luar biasa. , menjadikannya salah satu ruang yang paling mengesankan. oleh Opera Garnier. Charles Nuitter, komposer opera, menyebut tangga ini “arsitektur dalam arsitektur”.

SHOWROOM

Pada malam hari ada beberapa pertunjukan seperti orkestra, opera dan balet. Hari ini ada lebih banyak pertunjukan balet. Di dalam teater, dekorasi emas dan kursi merah sangat indah dan mengesankan. Ketika Charles Garnier membangun teater ini, dia ingin penonton tidak hanya datang untuk melihat pertunjukan, tetapi melihat seluruh teater.

GAMBAR MARC CHAGALL TENTANG LANGIT

Opera Garnier terkenal karena penampilannya “Panthom of the Opera“. Tapi yang membuatnya paling terkenal adalah lukisan Chagall di langit-langit teater. Lahir di Rusia, Chagall telah tinggal di Paris sejak usia dua puluhan dan mengatakan bahwa “seni saya membutuhkan Paris seperti tanaman membutuhkan air”.

Ketika diminta untuk melukis gambar di langit-langit Opera Garnier, dia setuju untuk melakukannya secara gratis dengan cinta dan terima kasih kepada Paris. Pada tahun 1965, 2 tahun setelah diminta untuk bekerja di sana, ia menyelesaikan karya ini dengan penari opera dan balet serta kehidupan Paris. Lukisan multi-warna ini cocok dengan latar belakang teater dan mengundang Anda ke dunia maya.

GRAND FOYER

Bagian paling indah dari Opéra Garnier. Ruangan ini berukuran besar dengan panjang 154 meter, tinggi 18 meter dan lebar 13 meter. Dirancang untuk elit untuk beristirahat atau bersosialisasi. Untuk melengkapi ruang ini, Charles Garnier berkolaborasi dengan pelukis Paul Baudry.

Gambar di atas adalah bagian dari lukisan langit-langit oleh Paul Baudry dan masing-masing mewakili sejarah musik. Ruangan ini berisi patung Carlotta Grisi, seorang balerina Italia dari Kroasia. Dia memainkan ‘Giselle’ dalam penampilan pertamanya tahun di Opera Garnier. Dia dianggap sebagai balerina representatif dari era balet romantis.

PERPUSTAKAAN

Di galeri dan perpustakaan mereka menyimpan lukisan karya Opéra Garnier dan beberapa buku. Anda dapat melihat lukisan pelajaran balet, potret Charles Garnier, dan banyak lagi.

PAMERAN KHUSUS

Setiap kali, pameran khusus yang berbeda. Hingga 16 September 2018 mereka menggelar pameran khusus. Salah satu seniman terbesar abad ke-20, Picasso menjelajahi banyak bidang untuk mengekspresikan alam semesta artistiknya. Sejak 1910, ia telah terlibat dalam produksi kostum dan set balet dan telah meninggalkan kesan yang kuat pada sejarah balet.

CATATAN O`BON PARIS

Di dalam Opéra Garnier ada banyak hal untuk dilihat dan ruangannya besar, jadi kami sarankan untuk tiba di sana dengan waktu yang cukup. Sebelum masuk, Anda dapat memilih antara tur berpemandu dan tur mandiri. Dengan tur berpemandu, Anda bisa mendapatkan informasi lebih detail dengan mengikuti panduan tertentu. Dengan tur mandiri, Anda masih dapat menyewa pemandu audio dalam bahasa Prancis, Inggris, Spanyol, Jerman, Italia, Portugis, Rusia, Cina, Cina, Jepang, dan Korea. Kostumnya benar-benar digunakan untuk pertunjukan opera, dekorasi emas dan interior yang indah menjadikan ini tempat foto yang ada di mana-mana.

Theater Terbesar Broadway Dibuka Kembali
Theater

Theater Terbesar Broadway Dibuka Kembali

Theater Terbesar Broadway Dibuka Kembali – Beberapa pertunjukan terbesar di teater musikal, termasuk ” The Lion King ,” ” Wicked ” dan ” Hamilton ,” kembali tampil pada Selasa malam, 18 bulan setelah pandemi virus corona memaksa mereka untuk tutup.

toscanaspettacolo

Theater Terbesar Broadway Dibuka Kembali

toscanaspettacolo – Mereka bukan pertunjukan pertama yang dimulai kembali, atau satu-satunya, tetapi mereka adalah pembangkit tenaga teater besar yang datang untuk melambangkan kekuatan dan jangkauan industri, dan kembalinya mereka ke panggung adalah sinyal bahwa teater kembali. “Orang-orang sudah siap,” kata Julie Taymor, direktur “The Lion King,” “dan inilah saatnya.”

Tentu saja, momen ini datang dengan tanda bintang yang substansial. Pandemi belum berakhir. Turis tidak kembali. Dan tidak ada yang tahu berapa lama tanpa teater langsung dapat mempengaruhi perilaku konsumen.

Tetapi pemilik teater, produser, organisasi nirlaba, dan serikat pekerja secara kolektif telah memutuskan bahwa inilah saatnya untuk bergerak maju. Dan orang banyak yang memadati pertunjukan di seluruh Broadway Selasa malam bersyukur berada di sana. Ada tepuk tangan meriah dan, kadang-kadang, air mata.

“Kami terbuka untuk apa pun,” kata Erica Chalmers, yang diwawancarai di stan TKTS yang baru dibuka Selasa sore, “agar saya bisa memiliki pengalaman pertunjukan Broadway itu.” Dia memilih drama, “Lackawanna Blues,” yang memiliki pertunjukan Broadway pertamanya Selasa malam.

Pembukaan kembali Broadway terjadi saat berbagai tempat pertunjukan seni lainnya, di New York dan di seluruh negeri, juga melanjutkan pertunjukan langsung di dalam ruangan: Di hari-hari dan minggu-minggu mendatang Metropolitan Opera, New York Philharmonic, New York City Ballet, Carnegie Hall, dan Brooklyn Academy of Music semuanya akan memulai musim baru mereka.

“Broadway, dan semua seni dan budaya kota, mengekspresikan kehidupan, energi, keragaman, semangat Kota New York,” kata Wali Kota Bill de Blasio pada konferensi pers Selasa . “Itu ada di hati dan jiwa kami. Itu juga banyak hal yang dilakukan orang untuk mencari nafkah di kota ini. Dan itu membuat kita hebat. Jadi, ini adalah malam besar untuk kembalinya New York City.”

Baca Juga : Aturan yang Harus Dipatuhi Setiap Orang Teater

Mereka yang menghadiri pertunjukan di Broadway mendapati pengalamannya berubah: setiap pertunjukan memerlukan bukti vaksinasi (pelanggan di bawah 12 tahun dapat memberikan tes virus corona negatif) dan setiap pengunjung harus bermasker.

Bahkan sebelum malam ini, empat pertunjukan telah dimulai: ” Springsteen on Broadway ,” yang memiliki 30 pertunjukan antara Juni dan September, serta sebuah drama baru, ” Pass Over ,” dan dua musikal yang kembali, ” Hadestown ” dan ” Pelayan ,” semuanya diantaranya masih berjalan. Tidak ada yang melewatkan pertunjukan; “Pelayan” berhasil melanjutkan bahkan setelah anggota pemeran dinyatakan positif dengan mengerahkan pengganti.

Pembukaan blockbuster kembali malam ini diikuti oleh “Chicago,” musikal tercinta yang tahun ini menandai 25 tahun di Broadway, dan produksi baru “Lackawanna Blues,” sebuah drama otobiografi oleh Ruben Santiago-Hudson. Dan lebih banyak lagi sedang dalam perjalanan lebih dari dua lusin lagi sebelum akhir tahun.

Yang dipertaruhkan adalah kesehatan industri yang, sebelum pandemi, telah menikmati ledakan yang berkelanjutan. Selama musim Broadway penuh terakhir sebelum wabah, dari 2018 hingga 2019, 14,8 juta orang menghadiri pertunjukan — itu lebih banyak orang daripada gabungan kehadiran untuk Mets, Yankees, Rangers, Islanders, Knicks, Liberty, Giants, Jets, Devils, dan Nets , menurut Liga Broadway. Dan kehadiran itu diterjemahkan menjadi uang sungguhan industri ini meraup $ 1,83 miliar musim itu.

Musim ini pasti berbeda. Liga cukup khawatir tentang pendapatan yang telah memutuskan untuk tidak mengungkapkan pendapatan box office musim ini.

Tiga jam sebelum pertunjukan, Lin-Manuel Miranda — pencipta “ Hamilton ” yang menulis musik, buku, dan lirik untuk musikal hit itu keluar dari pintu depan Teater Richard Rodgers dengan pengeras suara dan disambut dengan teriakan dan tepuk tangan. kerumunan berkumpul di West 46th Street.

Dia ada di sana untuk memimpin sekelompok pemain Broadway dalam membawakan lagu “Tema Dari ‘New York, New York,'” lagu yang dipopulerkan oleh Frank Sinatra, menciptakan semacam pembukaan pengaturan suasana hati untuk malam mendatang.

“Dapatkan masker, dapatkan vaksinasi dan datang menonton teater langsung!” kata Miranda, yang juga memerankan Alexander Hamilton dalam pemeran asli Broadway.

Penampilan itu tidak dipublikasikan sampai sekitar jam 4 sore, ketika Miranda men-tweet foto dari dalam teater dan mengumumkan apa yang disebut Ham4Ham, yang, sebelum pandemi, adalah pertunjukan oleh anggota pemeran “Hamilton” di luar teater yang disertai dengan undian untuk tiket untuk melihat pertunjukan. (Tidak akan ada tiket gratis hari ini, kata Miranda.)

Superfans yang lewat dan Broadway bergegas ke tempat kejadian segera setelah mereka melihat pengumuman media sosial.

Eva Ferreira, seorang penggemar “Hamilton” berusia 10 tahun yang telah menghafal hampir setiap kata musikal itu, menonton bersama orang tuanya, yang telah membawanya ke New York City untuk ulang tahunnya.

Empat remaja — semua calon pemain Broadway yang menghabiskan hari di kelas di Steps Conservatory berlari ke teater dari kereta bawah tanah setelah mereka melihat tweet Miranda. Mereka berdiri di tengah kerumunan dengan kagum pada sekelompok pemain jenis yang mereka harapkan suatu hari nanti.

Jessica Payne dan suaminya lari dari kamar hotel mereka untuk mengejar Miranda dan para penampil lainnya. Perjalanan musim semi 2020 mereka dibatalkan karena pandemi, jadi mereka terbang dari Colorado baru-baru ini untuk melihat delapan pertunjukan Broadway dalam enam hari setelah “satu setengah tahun patah hati” ketika industri sedang berhenti.

“Kami berdua menangis ketika pesawat mendarat,” kata Jessica Payne, mendaftar acara yang direncanakan pasangan itu (“Jahat” ada di jadwal malam ini).

Lindiwe Dlamini telah menghabiskan 24 tahun hidupnya dengan “The Lion King.” Dia bersama pertunjukan itu ketika dicoba di Minneapolis, dan telah berada di produksi Broadway untuk seluruh pertunjukannya.

Tak perlu dikatakan, 18 bulan terakhir telah menggelegar, dan dia senang bisa kembali.

“Ya Tuhan – malam ini sangat besar,” katanya. “Saya senang dan cemas dan setiap emosi yang dapat Anda pikirkan. Sebagian besar sangat menarik untuk kembali. Kami sudah lama pergi.”

Dalam industri yang mencintai superlatif, “The Lion King” memiliki lebih dari bagiannya. Ini adalah pertunjukan terlaris dalam sejarah Broadway (hampir $1,7 miliar) dan pendapatan kotornya di seluruh dunia (lebih dari $9,3 miliar) melebihi film, pertunjukan Broadway, atau judul hiburan lainnya dalam sejarah.

Pada hari Selasa, itu dibuka kembali, ke rumah yang meriah dan penuh sesak, dengan penonton yang termasuk alumni acara Disney, banyak penggemar, ditambah Gloria Steinem, Salman Rushdie dan Kristin Chenoweth (yang memiliki malam yang sibuk, berbicara sebelumnya pada pembukaan kembali “Wicked,” di mana dia memulai peran Glinda).

“Ini seperti air di padang pasir,” kata Chenoweth dalam sebuah wawancara saat istirahat di “The Lion King,” topengnya berkilauan dan matanya lembab. “Jika ini bukan argumen bahwa seni dapat mengubah hidup, maka saya tidak tahu apa itu.”

Penonton sangat gembira, memberikan tepuk tangan meriah kepada sutradara Julie Taymor di awal pertunjukan, dan menyapa setiap karakter, manusia atau boneka, dengan tepuk tangan lagi. “Ini adalah keajaiban pertama kali – saya pikir saya melihatnya setidaknya tiga kali,” Steinem, yang hidupnya menjadi subjek film yang disutradarai Taymor, mengatakan dalam sebuah wawancara. “Dan saya pikir Julie Taymor bisa melakukan apa saja.”

Taymor, dalam pidatonya kepada penonton sebelum pertunjukan dimulai, mengatakan bahwa dia menghargai mereka yang telah berani menghadapi momen menegangkan untuk kembali ke teater.

“Saya ingin memuji penonton ini, malam ini, pembukaan kembali kami, karena Anda semua memiliki keinginan, antusiasme, keberanian untuk memimpin,” katanya. “Karena seperti yang kita ketahui teater di New York adalah urat nadi dan jiwa kota.”

Banyak di antara hadirin yang hadir berulang kali (Taymor meminta mengacungkan tangan), tetapi ada juga banyak pendatang baru. Heather Teta membawa kedua putrinya, usia 9 dan 6 tahun, untuk melihatnya untuk pertama kalinya; pada hari Minggu mereka diuji untuk virus corona karena mereka terlalu muda untuk divaksinasi.

“Kami akan melakukan apa pun yang kami butuhkan untuk kembali,” kata Teta. “Ini malam pembukaan kembali mengapa kita tidak berada di sini? Dan untuk datang dan mendukung komunitas Broadway juga.”

Musikal, yang dibuka pada tahun 1997 (dan memenangkan enam Tony Awards, termasuk musik terbaik), adalah pertunjukan Broadway terlama ketiga (setelah “The Phantom of the Opera” dan “Chicago”) dan Dlamini adalah satu-satunya anggota asli cast masih tampil di acara itu. Dia menjadi warga negara Amerika melalui pertunjukan (dia berasal dari Afrika Selatan), menikah dengan anggota pemeran lain dan mencari nafkah di sekitar pekerjaannya di sini dia ada di ansambel, dan pada pembukaan memainkan hyena, singa betina, sekawanan burung dan sabana persegi.

Bagaimana rasanya keluar dari pertunjukan untuk pertama kalinya? “Itu aneh,” katanya. “Saya telah melakukan ini selama 24 tahun sekarang, dan berhenti begitu saja! Saya sedang berada di bus, dalam perjalanan ke tempat kerja, ketika saya mendapat telepon, dan saya harus turun di halte berikutnya.”

Penutupan itu juga traumatis. Suami, anak perempuan, anak laki-laki dan saudara perempuannya semuanya terkena Covid (mereka sembuh), dan di Afrika Selatan, seorang sepupu dan suaminya meninggal karena penyakit tersebut.

“Saya sangat khawatir dengan orang-orang di rumah, dan saya tidak bisa pulang dan berkumpul dengan keluarga saya,” katanya. “Itu sulit, dan itu sangat emosional.”

Dan bagaimana rasanya kembali? “Sungguh, sangat emosional,” katanya. “Ini adalah bagian besar dari hidup saya.”

“The Lion King” selama bertahun-tahun memiliki 25 produksi di seluruh dunia yang telah diputar untuk hampir 110 juta orang; telah dilakukan di setiap benua (kecuali Antartika) dan dalam sembilan bahasa (Inggris, Jepang, Jerman, Korea, Prancis, Belanda, Mandarin, Spanyol, dan Portugis).

Sembilan produksi yang berjalan saat pandemi ditutup. Dengan pembukaan kembali Broadway malam ini, sekarang ada lima produksi “The Lion King” yang berjalan, dan pada Januari seharusnya sudah ada 10, di New York, London, Paris, Hamburg, Tokyo dan Madrid

Aturan yang Harus Dipatuhi Setiap Orang Teater
Theater

Aturan yang Harus Dipatuhi Setiap Orang Teater

Aturan yang Harus Dipatuhi Setiap Orang Teater – Teater penuh dengan tradisi, ritual, dan takhayul yang menambah mistisisme dan magisnya. Selama berabad-abad, banyak kebiasaan telah menjadi bagian yang tidak diragukan lagi dari bisnis yang kami sebut pertunjukan.

toscanaspettacolo

Aturan yang Harus Dipatuhi Setiap Orang Teater

toscanaspettacolo – Sementara sebagian besar tahu itu “nasib buruk untuk mengatakan keberuntungan pada malam pembukaan” (atau pernah), kami menggali sejarah teater untuk menggali asal-usul aturan ini.

Mengapa nasib buruk untuk mengatakan “keberuntungan” kepada seorang aktor? Beberapa thespians percaya ada hantu teater atau peri yang suka membuat kerusakan dengan membuat kebalikan dari apa yang Anda inginkan terjadi.

Frasa seperti “patahkan kaki” dan “merde” dimaksudkan untuk membingungkan peri teater ini dan mengalahkan cara mereka yang keras kepala. Keinginan untuk sesuatu yang buruk akan menghasilkan sesuatu yang baik dari mereka.

Tapi mengapa secara khusus ingin “mematahkan kaki?” Penjelasan yang diterima secara luas adalah bahwa “kaki” yang dimaksud bukanlah embel-embel manusia, melainkan tirai yang menggantung di sayap, menutupi bagian belakang panggung.

Patah kaki berarti Anda telah menembus penghalang ini dan berhasil mencapainya di atas panggung! Beberapa bukti menunjukkan frasa ini lahir dengan vaudeville awal ketika para pemain menunggu di belakang panggung dan diputuskan pada saat itu apakah tindakan mereka akan dilanjutkan pada pertunjukan itu. Jika mereka dikirim, kaki mereka patah. (Kemudian mereka hanya harus berhati-hati terhadap kailnya.)

Baca Juga : Panduan Utama Tempat Duduk Teater Untuk Acara

Teori lain mendukung bahwa “patah kaki” berjalan lebih jauh ke belakang, mungkin ke Elizabethan Inggris, di mana penonton membuang uang ketika mereka menikmati pertunjukan (buah dan sayuran untuk yang buruk). Aktor harus membungkuk untuk mengumpulkan hadiah mereka, sehingga mematahkan garis kaki mereka. Uang = Patah kaki = Sukses.

Jangan bersiul di teater

Pada 1600-an, teater mulai menggunakan mekanisme untuk menerbangkan pemandangan, alat peraga, dan terkadang aktor. Rigging sistem terbang teater sangat mirip dengan banyak kapal layar. Jadi hanya masalah waktu sebelum pelaut menemukan pekerjaan di kru teater.

Di laut, pelaut berkomunikasi satu sama lain melalui kode bersiul. Ketika mereka mulai bekerja di teater, alat komunikasi ini mengikuti. Kombinasi peluit tertentu bisa berarti instruksi untuk menaikkan atau menurunkan pemandangan.

Jika seorang aktor kebetulan melintasi panggung bersiul, operator sistem fly mungkin dengan mudah mengacaukan lagu mereka untuk isyarat jelas berbahaya bagi siapa pun di bawahnya yang mungkin dihancurkan oleh perubahan adegan yang dieksekusi secara salah. Terlepas dari munculnya headset (dan fakta bahwa kita tidak lagi bersiul) tradisi adalahtradisi.

Jangan pernah menyebut ” Macbeth” di teater.

Bahkan membisikkan nama salah satu drama paling berdarah William Shakespeare di dalam teater adalah hal yang paling tabu. Bahkan, untuk melakukannya akan meningkatkan kemarahan sebagian besar teater rakyat menjadi panik.

Ada berbagai spekulasi mengapa penyebutan nama lakon di teater dianggap membawa sial. Satu kemungkinan asal usul takhayul ini berasal dari mantra tiga penyihir di Macbeth. Diyakini bahwa Shakespeare mengadaptasi mantra-mantra ini dari buku-buku ilmu hitam yang sebenarnya. Hal ini membuka drama tersebut untuk kekuatan kegelapan yang seharusnya mengganggu produksi dari apa yang sekarang disebut sebagai “The Scottish Play.”

Teori lain mengklaim bahwa aktor yang memerankan Macbeth dalam produksi aslinya meninggal dalam kecelakaan, dan Shakespeare sendiri harus menggantikannya. Diyakini bahwa semua produksi berikutnya sekarang dihantui oleh aktor ini dan nasibnya yang menyedihkan.

Jika Anda membuat kesalahan dengan mengatakan “Macbeth ” di teater, ada beberapa kutukan untuk menangkal malapetaka. Pergi ke luar teater, berputar dalam lingkaran tiga kali dan meludah.

Penangkal lain: Ucapkan baris apa pun dari Two Gentlemen of Verona (dianggap sebagai permainan keberuntungan) atau baris ini dari A Midsummer Night’s Dream : “Jika kita bayangan telah tersinggung, pikirkan tetapi ini dan semua ini diperbaiki, bahwa Anda hanya tertidur di sini, sementara ini penglihatan memang muncul.”

Hindari menempatkan bulu merak di atas panggung.

Mengapa sedikit bulu hias yang indah membawa sial dalam produksi teater? Pola pada bulu merak menciptakan mata, atau (menurut legenda) mata jahat, yang membawa juju buruk ke produksi. Gagasan tentang mata jahat yang tersembunyi di dalam benda-benda meluas hingga ke Yunani Kuno.

Bulu merak juga ditakuti oleh orang Eropa awal karena merupakan bagian dari ornamen gerombolan Mongol yang menyerbu bagian benua selama Abad Pertengahan. Untuk waktu yang lama, bulu merak dipandang oleh orang Eropa sebagai bagian dari sejarah yang kelam dan berdarah. Sama seperti kutukan Macbeth , Anda tidak ingin kebiadaban dan kejahatan seperti itu terkait dengan produksi.

Nyalakan lampu

Jangan pernah meninggalkan panggung yang sepenuhnya gelap. Jangan lakukan itu. Kepraktisan mungkin menjadi bagian dari itu, karena selalu ada banyak rintangan (perabotan, pintu jebakan, dan lubang orkestra) yang dapat menyebabkan kecelakaan dalam kegelapan.

Tapi ada penjelasan akal sehat kedua. Ketika teater pertama kali dinyalakan pada awal 1800-an sebelum listrik lampunya ditenagai oleh gas. Gas, tentu saja, mudah terbakar dan dapat meningkatkan tekanan di dalam saluran gas.

Menjalankan nyala lampu hantu di teater selama waktu non-pertunjukan membakar kelebihan gas dan menghilangkan tekanan yang mungkin mengakibatkan ledakan. Meskipun kami tidak lagi menggunakan gas untuk menyalakan teater kami, tradisi ini tetap utuh. Orang teater yang lebih percaya takhayul juga percaya bahwa lampu hantu membantu menjaga roh, termasuk hantu Thespis (aktor pertama), mencegah mereka dari bermain pranks nakal. Ambil Thespis itu!

Jangan memberikan hadiah bunga sebelum pertunjukan

Hadiah bunga hanya boleh diberikan kepada pemain, sutradara dan penulis drama setelah pertunjukan diputar di depan penonton dan artis telah mendapatkan penghargaan mereka. Untuk melakukannya sebelumnya menggoda nasib untuk menengahi dan memastikan pertunjukan yang tidak bersemangat.

Ada juga tradisi yang agak suram yang telah memudar dari waktu ke waktu, yang melibatkan pemberian karangan bunga kepada wanita terkemuka dan sutradara yang dicuri dari kuburan pada penutupan pertunjukan melambangkan kematian pertunjukan.

Larangan biru di atas panggung

Meskipun keberhasilan The Blue Man Group tampaknya telah meniadakan takhayul ini, itu masih tetap menjadi hal yang umum. Beberapa abad yang lalu, pewarna biru mahal dan sulit dibuat. Keberhasilan rombongan teater sering dinilai dari kemampuannya untuk membeli kostum biru.

Dalam upaya untuk menipu penonton agar percaya bahwa mereka lebih sukses daripada yang sebenarnya, rombongan yang gagal akan menghabiskan uang yang mereka miliki untuk mendapatkan kostum biru. Untuk membuat perbedaan, rombongan yang sukses mulai memasangkan kostum biru dengan perhiasan perak, karena hanya rombongan yang berkembang yang mampu membeli kemewahan seperti itu. Hari ini, biru masih dianggap sebagai tanda kegagalan dan warna kostum sial dan hanya dapat diterima jika dipasangkan dengan perak.

Latihan gaun yang buruk berarti malam pembukaan yang hebat

Siapa pun yang pernah bermain atau bermain musik tahu takhayul bahwa gladi bersih yang buruk seharusnya menjamin pembukaan yang sukses. Pemikiran yang penuh angan-angan, harapan, dan sentuhan penyangkalan tampaknya menjadi dasar dari garis pemikiran ini.

Teater jelas merupakan pengalaman ajaib bagi banyak orang, tetapi keberhasilannya tumbuh dari perencanaan yang cermat dan kerja keras. Latihan berpakaian yang buruk bisa jadi merupakan hasil dari kelelahan para pemain dan kru yang bekerja keras melalui pertunjukan terakhir dari sebuah pertunjukan yang telah berlatih selama beberapa minggu. Penonton malam pembukaan, ditambah sedikit adrenalin, menyemangati para pengisi acara sehingga perencanaan yang matang dan kerja keras tiba-tiba menyatu. Bagaimana itu untuk beberapa logika pintar?

Panduan Utama Tempat Duduk Teater Untuk Acara
Theater

Panduan Utama Tempat Duduk Teater Untuk Acara

Panduan Utama Tempat Duduk Teater Untuk Acara – Tempat duduk teater adalah gaya tata letak acara yang umum digunakan, terdiri dari kursi yang disejajarkan dalam barisan lurus yang berurutan, umumnya menghadap ke satu arah. Kadang-kadang disebut tempat duduk stadion atau tempat duduk auditorium.

toscanaspettacolo

Panduan Utama Tempat Duduk Teater Untuk Acara

toscanaspettacolo – Di sini kami mengeksplorasi jenis acara di mana tempat duduk teater paling baik digunakan, format pengaturan standar, berbagai penyesuaian yang dapat Anda terapkan untuk mencapai tujuan acara Anda, dan beberapa keuntungan dan kerugian dari pengaturan tempat duduk yang unik ini. Plus, cara mengaturnya! Baca terus untuk melihat apakah gaya teater adalah tata letak bagan tempat duduk yang sempurna untuk acara Anda berikutnya.

Apa itu tempat duduk teater?

Tempat duduk bergaya teater adalah susunan kursi dalam barisan, busur atau lingkaran yang semuanya menghadap ke arah yang sama di ruang venue. Tidak ada meja, meja, atau furnitur tambahan yang digunakan dalam tempat duduk bergaya teater.

Banyak acara menggunakan gaya ini karena paling sederhana untuk diterapkan, karena umumnya mencerminkan tempat duduk default yang sudah ada di tempat yang dipilih, seperti teater, stadion, atau bioskop.

Temukan jenis tempat duduk teater untuk acara:

Tata letak tempat duduk auditorium dapat diatur sebagai lorong ganda atau kontinental. Pengaturan lorong ganda akan memiliki maksimum 14–16 kursi per baris dengan akses ke lorong di kedua ujungnya.

Baca Juga : Hal Yang Belum Kalian Ketahui Peran Penting Dalam Penampilan Seni Teater

Jika sebuah lorong hanya dapat dicapai dari satu ujung baris saja, maka jumlah kursi dapat dibatasi hingga 7 atau 8. Jumlah maksimum selalu ditentukan oleh peraturan bangunan yang mengatur, yang merupakan sesuatu yang akan diketahui oleh venue.

Dalam pengaturan kontinental, semua kursi terletak di bagian tengah. Dalam gaya kontinental, Anda dapat memuat lebih banyak kursi per baris daripada pengaturan beberapa lorong. Untuk mengimbangi panjang baris yang lebih besar yang diizinkan, kode bangunan umumnya memerlukan jarak baris yang lebih lebar, lorong yang lebih lebar, dan pintu keluar yang berlokasi strategis.

Untuk perencanaan awal, rata-rata 7,5 kaki persegi per orang dapat digunakan. Mungkin mengejutkan, pengaturan kontinental seringkali dapat menampung lebih banyak tempat duduk dalam ruang yang sama.

Terlepas dari pengaturan yang Anda pilih, saat menyiapkan gaya teater, Anda dapat lebih lanjut memposisikan kursi dengan berbagai cara seperti dalam baris lurus, baris melingkar, baris setengah lingkaran, dan baris sudut menuju titik fokus acara. Dan kustomisasi tidak harus berhenti di situ. Ada beberapa cara Anda dapat menyesuaikan tempat duduk teater Anda:

  • Berikan tamu pandangan yang jelas bahkan jika seseorang yang lebih tinggi duduk di depan mereka, dengan mengimbangi barisan satu sama lain.
  • Pastikan tamu memiliki tempat duduk yang nyaman dengan menyisakan ruang di antara setiap kursi perjamuan karena kursi tersebut biasanya lebih sempit dari tubuh rata-rata orang.
  • Permudah tamu untuk masuk dan keluar dari barisan mereka untuk pergi ke kamar mandi, pergi lebih awal, dll dengan membuat jarak minimal 24 inci di antara barisan.
  • Pertimbangkan di mana presenter akan berada. Ini akan membantu menentukan garis pandang dan membantu penempatan kursi pertama kursi terjauh ke kiri saat berdiri di antara penonton.

Berikut adalah jenis acara yang menggunakan tempat duduk bergaya teater:

Tempat duduk teater adalah gaya pengaturan praktis untuk banyak acara. Tata letak gaya teater sangat ideal untuk acara di mana para tamu hadir untuk menjadi penonton dan mengamati, bukan berpartisipasi. Ini juga sangat cocok untuk acara di mana peserta Anda tidak membutuhkan banyak ruang untuk melakukan hal-hal seperti makan, membuat catatan, atau berbaur satu sama lain.

Tempat duduk bergaya teater sangat cocok untuk:

  • Konferensi
  • Kuliah
  • Presentasi
  • Upacara pernikahan
  • Peluncuran produk

Misalnya, Cvent baru-baru ini mengadakan pertemuan di seluruh perusahaan di Warner Theater Washington DC . Ini adalah acara setengah hari di mana karyawan mempelajari semua tentang rencana perusahaan untuk tahun depan. Karena tujuan acara ini adalah pembelajaran dan perayaan, tempat duduk bergaya teater membantu semua orang tetap fokus pada presentasi di tengah ruangan.

TEDTalks adalah contoh bagus lainnya karena fokusnya adalah pada penyaji, bukan pada mendorong diskusi dari anggota audiens. Dan akhirnya, ini juga sangat cocok untuk peluncuran produk seperti peluncuran iPhone Apple, dan konferensi seperti Cvent CONNECT dan INBOUND Hubspot .

Tempat duduk bergaya teater tidak cocok untuk:

  • Klub buku
  • Pesta ulang tahun
  • Pertemuan curah pendapat

Cara membuat tempat duduk baris teater dengan Tabel Sosial:

Menggunakan tabel tempat duduk cerdas Tabel Sosial , tempat duduk baris teater mudah dibuat dalam beberapa menit. Tempat duduk bergaya melengkung dan Chevron cepat dan mudah saat menggunakan fitur template kami. Anda akan berada di jalan menuju sukses dalam waktu singkat jika Anda mengikuti langkah-langkah berikut:

Berikut cara membuat tempat duduk bergaya teater melengkung:

  • Dari panel kiri, klik pada tab Template dan pilih Theater sebagai jenis template Anda
  • Dari panel kanan, edit jumlah kursi per baris, arah yang Anda inginkan untuk menghadap kursi, serta jarak kursi, baris, dan kolom
  • Klik ke denah lantai, sambil menahan penunjuk kiri mouse Anda dan seret keluar kotak, karena templat akan terisi di dalam area itu
  • Terakhir, dari panel kanan, gerakkan penggeser Curve untuk menerapkan kurva ke template Anda

Anda bahkan dapat mengatur pengukuran default untuk menghemat waktu!

Dengan default template baris teater, Anda bahkan dapat membuat standar dan mengatur pengukuran untuk baris teater, yang akan menghemat waktu Anda di setiap penyiapan. Default template Theatre Row dapat ditemukan sebagai opsi di dropdown Template di dalam tab Default di Pengaturan Administrator. Setelah Anda membuat beberapa perubahan di sini, Anda akan menemukan default baru Anda sebagai opsi di menu Jenis Template setiap kali Anda menambahkan default template baris teater.

Hal Yang Belum Kalian Ketahui Peran Penting Dalam Penampilan Seni Teater
Theater

Hal Yang Belum Kalian Ketahui Peran Penting Dalam Penampilan Seni Teater

Hal Yang Belum Kalian Ketahui Peran Penting Dalam Penampilan Seni Teater – Apa saja jenis-jenis seni teater? Jenis. Seni teater dapat mencakup tari, musik, opera, teater dan teater musikal, sihir, ilusi, pantomim, kata-kata yang diucapkan, boneka, seni sirkus, seni teater. Ada juga bentuk khusus seni rupa, di mana para seniman melakukan pekerjaan mereka secara langsung kepada penonton.

toscanaspettacolo

Hal Yang Belum Kalian Ketahui Peran Penting Dalam Penampilan Seni Teater

toscanaspettacolo – Jelaskan apa yang dimaksud dengan seni teater beserta contohnya? Seni teater pada dasarnya adalah seni atau keterampilan yang membutuhkan teater di depan khalayak umum. Contohnya adalah akting, menyanyi dan menari. Bentuk lain dari Seni teater termasuk opera, teater, teater sulap atau ilusi, pantomim, kata-kata yang diucapkan, pembacaan dan berbicara di depan umum.

Apa itu seni teater? Seni teater adalah bentuk kegiatan kreatif yang dilakukan di depan penonton, yang meliputi drama, musik, dan tari. Gelar yang berpusat pada seni pentas amat efisien, serta dengan cara aktif membenamkan Kamu dalam aplikasi interdisipliner canggih yang menyiapkan Kamu buat merambah pabrik yang bersaing.

Apa nama yang berbeda untuk seni teater? Seni Rupa, Seni Konseptual, dan Teater adalah beberapa nama yang berbeda untuk Seni teater.

  • APA SAJA JENIS-JENIS SENI teater?
  • Apa 3 kategori utama seni teater?

Jenis utama seni teater termasuk musik, opera, tari, drama, dan kata-kata yang diucapkan.

Apa pentingnya seni teater?

Selain mengajarkan ekspresi diri, seni teater membantu masyarakat secara keseluruhan dalam pengetahuan dan pemahaman diri. Teater dan seni teater mengajarkan masyarakat tentang dirinya sendiri, dengan harapan dapat menunjukkan sikap dan pola pikir masyarakat saat ini. Ini bisa menjadi alat yang digunakan untuk mengedukasi masyarakat tentang kondisi mereka saat ini.

Baca Juga : Mengenal Pentingnya Sejarah Seni Teater dan Skenografi

Apa saja 7 bentuk seni yang berbeda?

Jawabannya sangat subjektif dan selalu berubah. Namun, tujuh bentuk seni yang paling jelas menunjukkan kepada kita bagaimana sejarah dan masyarakat telah berubah dari waktu ke waktu tidak diragukan lagi adalah sinema, lukisan, arsitektur, patung, sastra, teater, dan musik.

Apa itu teater seni langsung?

Istilah seni hidup mengacu pada teater atau acara yang dilakukan atau dipentaskan oleh seorang seniman atau sekelompok seniman sebagai sebuah karya seni, biasanya inovatif dan eksploratif.

Apa saja komponen seni teater?

Ini bisa berupa situasi apa pun yang melibatkan empat elemen dasar: waktu, ruang, tubuh pemain, atau kehadiran dalam media, dan hubungan antara pemain dan penonton. Seni teater dapat terjadi di mana saja, di semua jenis tempat atau latar dan untuk waktu yang lama.

Apa itu seni teater di sekolah menengah?

Sekolah menengah seni teater memungkinkan aktor muda untuk berlatih dan mengembangkan kerajinan mereka dalam suasana yang dinamis dan kreatif.

Apa pentingnya seni teater dalam pendidikan?

Seni teater menjadi bagian integral dari pendidikan memberikan siswa kesempatan untuk melibatkan pikiran, tubuh, dan emosi. Siswa dapat mengeksplorasi dan mengekspresikan tema dan ide hebat melalui penampilan mereka. Hal ini memungkinkan anak-anak untuk mengembangkan kepercayaan diri dan kepercayaan diri mereka.

Apa saja 9 bagian dari sebuah panggung?

Sebuah panggung dibagi menjadi sembilan bagian: kiri atas panggung, kanan atas panggung, tengah atas panggung, tengah, kiri tengah, kanan tengah, kiri bawah panggung, kanan bawah panggung, dan tengah bawah panggung.

Apa itu akhir di atas panggung?

Pementasan akhir sangat mirip dengan lengkungan proscenium, tetapi tanpa bingkai lengkungan di sekitar ruang panggung. Banyak studio kotak hitam didirikan dengan pementasan end-on, artinya ruang panggung berada di satu sisi ruangan dan penonton duduk di sisi yang berlawanan.

Apa jenis panggung yang paling umum?

Bentuk yang paling umum ditemukan di Barat adalah panggung proscenium. Pada tipe ini, penonton ditempatkan di satu sisi panggung dengan sisi-sisi lainnya disembunyikan dan digunakan oleh para pemain dan teknisi.

Apa yang bisa disebut seni?

Seni, disebut juga (untuk membedakannya dari bentuk seni lainnya) seni rupa, suatu objek visual atau pengalaman yang secara sadar diciptakan melalui ekspresi keterampilan atau imajinasi. Istilah seni mencakup beragam media seperti lukisan, patung, seni grafis, menggambar, seni dekoratif, fotografi, dan instalasi.

Apa saja 10 jenis seni tersebut?

Mayoritas “seni”, tergantung pada bagaimana Anda mendefinisikannya, dapat secara luas diurutkan ke dalam 10 kategori ini: lukisan, desain grafis, ilustrasi, patung, sastra, arsitektur, film, musik, teater, dan mode.

  • Apa bentuk seni tertinggi?
  • Sastra Tetap Bentuk Seni Tertinggi
  • Apa yang disebut teater pertama?
  • Definisi pemutaran perdana
  • teater publik pertama dari sebuah drama atau film.
  • Bagaimana ruang menjadi sebuah seni?

Ruang memberikan referensi kepada pemirsa untuk menafsirkan sebuah karya seni. Misalnya, Anda dapat menggambar satu objek lebih besar dari yang lain untuk menyiratkan bahwa itu lebih dekat ke pemirsa. Demikian pula, sebuah karya seni lingkungan dapat dipasang dengan cara yang mengarahkan pemirsa melalui ruang.

Apa perbedaan antara seni instalasi dan seni teater?

Sementara seni instalasi adalah kerabat dekat seni teater, keduanya sedikit berbeda. Performance art terkadang menyertakan elemen suara atau video, tetapi yang membedakan performance art dari seni instalasi adalah bahwa artis hadir dan merupakan bagian integral dari menciptakan teater langsung untuk penonton.

Apakah akting itu keterampilan atau bakat?

Akting adalah keterampilan. Seperti kebanyakan keterampilan itu dibantu oleh bakat alami, tapi itu tidak cukup. Buat kamu yang merasa tidak bisa berakting setiap hari, begini caranya. Saya akan membahas semua bidang utama pekerjaan akting termasuk: suara, gerakan, pengetahuan, pekerjaan teks, dan akting.

Apa yang membuat drama sukses?

Dalam karyanya, “Poetics,” ia mengatakan bahwa drama yang baik memiliki enam karakteristik: plot, karakter, tema, bahasa, musik, dan tontonan. Elemen-elemen ini telah membentuk tulang punggung drama yang sukses selama berabad-abad dan terus menjadi penting bagi penulis drama hari ini.

Apa saja kualitas dan unsur seni teater?

kualitas kinerja. unsur-unsur mon dan sifat-sifat tari, musik, teater, dan seni rupa. Unsur-unsur seni ini, seperti warna, garis, bentuk, ritme, ruang, waktu, gerakan, suasana hati, dll., adalah bahan dari mana karya seni dibuat.

Apa sekolah menengah nomor 1 di Amerika?

Thomas Jefferson High School for Science and Technology di Virginia adalah No. 1 di peringkat nasional Best High Schools, serta di antara sekolah magnet.

Kenapa Menjadi Artis Bukan Pekerjaan?

Pertama, ini memberi tekanan pada seniman untuk tetap menggunakan sistem yang lebih mirip dengan bermain lotre, yang juga bukan pekerjaan – meskipun orang menghasilkan uang darinya. Mereka mungkin menghasilkan uang, atau mereka mungkin kehilangan uang. Mereka mungkin memiliki beberapa keterampilan, tetapi mereka mengakui bahwa mereka memainkan permainan kebetulan.

Mengenal Pentingnya Sejarah Seni Teater dan Skenografi
Theater

Mengenal Pentingnya Sejarah Seni Teater dan Skenografi

Mengenal Pentingnya Sejarah Seni Teater dan Skenografi – Perlu dicatat bahwa konsep skenografi yang sudah lama dan kompleks tidak hanya berkaitan dengan studi teater dan pertunjukan, tetapi juga dengan desain, arsitektur, teknologi, dan yang tak kalah pentingnya sejarah seni.

toscanaspettacolo

Mengenal Pentingnya Sejarah Seni Teater dan Skenografi

toscanaspettacolo – Misalnya, di Swedia tempat saya tinggal dan bekerja, studi skenografi telah menjadi sub-bidang sejarah seni yang terpinggirkan sejak tahun 1960-an. 1 Edisi khusus Jurnal Sejarah Senimengeksplorasi relevansi skenografi saat ini dengan sejarah seni secara lebih luas dan melihat cara di mana sejarah seni dan skenografi dapat berinteraksi dan sebaliknya.

Sesi “Skenografi dan Sejarah Seni” yang memunculkan edisi khusus ini diadakan pada konferensi NORDIK 2018 di Kopenhagen, dan diselenggarakan bersama oleh saya, dan rekan saya Viveka Kjellmer, keduanya sejarawan seni di Universitas Gothenburg di Swedia.

Sementara kontribusi individu dalam edisi khusus ini berasal dari sesi NORDIK, saya di sini akan membahas perkembangan terbaru dalam teori skenografi, dan mengusulkan pendekatan yang diharapkan dapat menjadi inspirasi dan berguna bagi sejarawan seni serta sarjana dari disiplin terkait seperti studi visual. .

Baca Juga : Teater Dunia Kontroversial Huang Yong Ping

Dalam dialog dengan skenografi

Kata Yunani skenographia menggabungkan skēnē (bangunan kecil, gubuk atau tenda di atas panggung) dan graphia (menulis, atau mungkin menggambar atau melukis) menjadi sebuah kata yang biasanya diterjemahkan sebagai “tulisan pemandangan”.

Namun, seperti yang ditunjukkan oleh misalnya sejarawan teater Arnold Aronson dan sarjana skenografi Rachel Hann, terjemahan ini tetap tidak jelas dan tidak memahami kompleksitas dan potensi kritis skenografi. Alih-alih terganggu oleh etimologi yang tidak jelas, saya menyarankan agar skenografi lebih baik dianut sebagai konsep yang bergerak, dalam wujud. Memang, seperti yang diungkapkan oleh sejarawan seni dan ahli teori Marsha Meskimmon:

Etimologi yang menyenangkan terkadang membantu kita bekerja menuju bentuk pemikiran baru tentang fenomena yang sudah dikenal. Pemahaman konvensional tentang skenografi cocok untuk revisi kritis semacam itu, dan menjadikan skenografi latar depan sebagai aktif, daripada membiarkannya di latar belakang, pasif.

Menggambar skenografi ke tahap penulisan untuk mengeksplorasi agensinya menimbulkan pertanyaan signifikan seputar metodologi dan disiplin. Ini adalah pertanyaan yang sama yang telah ditanyakan tentang seni dan sejarah seni, teori dan praktik, dan implikasinya mendalam dalam kedua kasus tersebut.

Yang muncul di sini adalah ruang produktif yang mendesak para sejarawan seni dan lainnya untuk berkontribusi lebih jauh dalam mengembangkan skenografi sebagai konsep akademik dan ranah keilmuan. Harus ditekankan bahwa ini tidak ada hubungannya dengan merampas atau mengklaim skenografi semata-mata untuk sejarah seni rupa.

Alih-alih, terlibat dalam pertemuan dialogis lintas disiplin yang mengenali dan memanfaatkan perbedaan, kita dapat membuka terminologi, memobilisasi parameter teoretis, dan mengembangkan metode dan model penyelidikan baru yang memungkinkan kita merangkul serta meneliti peran seni dan kreativitas. dalam masyarakat.

Pendekatan dialogis ini meliputi peninjauan kembali topik sejarah seni rupa konvensional, pendekatan dan objek kajian, yang selaras dengan teori skenografi baru. Bentuk seni berkebun memberikan contoh yang tepat tentang apa yang dapat disumbangkan oleh pendekatan skenografis multiindrawi dan holistik terhadap sejarah seni.

Karena taman adalah peristiwa yang penting, kejadian yang berlangsung lama, dirasakan dan dialami dengan semua indera, dapat dikatakan bahwa metode dan teori multiindrawi yang diberikan oleh pendekatan skenografi akan membantu melawan marginalisasi topik dalam sejarah seni.

Contoh lain dari sejarah seni adalah setting seperti ruang perkotaan (memang kejadian multisensorik termasuk orang, tindakan dan arsitektur), gereja (di mana bau, tubuh, gambar dan arsitektur menciptakan suasana afektif), atau seni instalasi yang mendorong pengalaman ko-kreatif yang bersifat durasi dan holistik ( seperti pameran termasuk bau).

Dalam artikelnya “Scented scenographics and olfactory art”, Kjellmer yang disebutkan di atas, memobilisasi pemahaman skenografi yang diperluas dan multisensor sebagai alat untuk mengeksplorasi peristiwa penciuman.

Meninggalkan pendekatan visual tradisional untuk pameran, ia bergerak ke sebuah lanskap bau, menggunakan seluruh tubuhnya sebagai instrumen ilmiah. Ketika udara menjadi media estetika dan temporal, tubuh Kjellmer, khususnya hidungnya, mengamati, mempengaruhi, dan dipengaruhi oleh kejadian skenografis.

Pendekatannya masuk ke dalam perdebatan lama dan berkelanjutan tentang sensorial dalam sejarah seni, studi visual dan domain ilmiah terkait. Ketika membayangkan kembali karya seni penciuman sebagai peristiwa skenografi holistik, artikel Kjellmer melambangkan salah satu tujuan utama dari edisi khusus ini: untuk memberikan contoh manfaat meninggalkan sikap pengamatan visual jarak jauh dan alih-alih terlibat dalam multisensori, merasa, pertemuan dengan seni atau lainnya acara.

Dari representasi ke materialisasi

Untuk sejarah seni rupa, sikap multiindrawi, menyiratkan bahwa skenografi, yang telah lama menderita karena dipahami sebagai objek, latar belakang teater, atau bentuk seni yang lebih rendah, sekarang dapat dimajukan sebagai agen aktif dari segala macam peristiwa dan sebagai cara berpikir yang berguna untuk menganalisis kejadian seni multisensor, durasi, dan holistik.

Menurut sejarawan seni dan pemain Amelia Jones, kita perlu mengembangkan pendekatan yang cukup dapat menjelaskan perasaan, dan seringkali “perwujudan berantakan yang membentuk hubungan kita dengan ruang dan benda.” Edisi khusus ini menunjukkan bahwa teori skenografi multisensor dan holistik memberikan model yang berguna untuk mengeksplorasi keterkaitan antara tubuh, objek, dan pengaturan.

Meninggalkan pemahaman tentang skenografi sebagai “hal” representasional statis dengan demikian membuka eksplorasi ke dalam apa yang dilakukannya , bagaimana hal itu penting secara aktif, bagaimana sumber daya dimobilisasi dan makna ditempa dan dirasakan. Dalam studi skenografi baru-baru ini serta dalam sejarah seni, kita menemukan peralihan dari representasi ke materialisasi, pembuatan makna , dan artikulasi. Meskimmon merangkum pergeseran ini sebagai berikut:

Seni tentu saja dapat mewakili subjek dan objek, konsep dan dunia. Namun lebih dari itu, seni dapat membuat subjek dan objek, konsep dan dunia. Agensi visual, spasial, dan materialnya melampaui logika representasi, di mana itu menyiratkan bahwa seni adalah cermin bisu ke dunia. Sebaliknya, seni adalah salah satu bentuk di mana dunia muncul, menjadi bermakna, dalam arus intra-aktivitas di celah waktu, ruang, dan tubuh.

Sebagai pengakuan atas pola pikir yang dialogis, terletak, diwujudkan dan multiindrawi ini, saya akan menyajikan pilihan cara memahami dan menggunakan konsep skenografi yang baru-baru ini muncul.

Memperluas konsep skenografi

Secara khusus, penelitian artistik dan berbasis praktik telah berkontribusi untuk memindahkan skenografi keluar dari teater untuk mencakup pada dasarnya setiap kejadian dalam pengaturan apa pun yang dibangun atau alami. Mari kita lihat dulu sisi positif dari ekspansi. Dua pendukung perintis pendirian ini, dramaturg Sodja Zupank Lotker dan pakar pertunjukan Richard Gough, mengungkapkan kekuatan pembebasan dari pemahaman skenografi yang diperluas sebagai berikut:

Kami melakukan skenografi dan mereka melakukan kami. Peran kami berubah dengan skenario ini. Lingkungan bersekongkol dan berkolusi untuk membangun skenario untuk tindakan kita, dan situs, tempat dan lokasi ditumbangkan, dikooptasi, diduduki, diterjemahkan dan dimutasi untuk kebutuhan pertunjukan kita. Semua yang kami lakukan dan hampir semuanya memahami formasi pemandangan lanskap, situs, dan latar tetapi juga cara membangun lingkungan fisik, persepsi, dan emosional dari/untuk acara tersebut.

Apa yang mendasari penjelasan ini adalah mobilisasi teori-teori yang berusaha untuk bergerak melampaui pemikiran biner, untuk mengatasi pemisahan antara “objektif” seperti dalam pengamatan visual yang jauh dan tanpa tubuh, dan “subyektif” seperti dalam partisipasi dan pengalaman seni dan kreativitas bersama segala macam acara.

Seseorang dapat berbicara tentang generasi baru seniman dan akademisi yang bergabung untuk mencari dan mengembangkan cara baru dan alternatif untuk memperhitungkan perbedaan, posisi, dan kekakuan ilmiah. Sikap ini diwujudkan dalam karya kunci baru-baru ini, Scenography Expanded: An Introduction to Contemporary Performance Design (2017), sebuah antologi yang diedit oleh pakar skenografi Joslin McKinney dan Scott Palmer.

Di antara pendekatan teoretis yang ditemukan di dalamnya dapat disebutkan pengaruh, teori materialis dan pasca-manusia baru, semua digunakan untuk menekankan materi, pertemuan multi-lipat dan pengalaman seperti dalam dimensi kejadian skenografis yang dirasakan dan diproduksi bersama.

Untuk sejarah seni, saya menyarankan akan sangat menarik untuk terlibat dengan pendekatan McKinney dan Palmer terhadap pengalaman peristiwa seni yang terletak dan diwujudkan. Mereka menekankan bahwa

cara-cara di mana skenografi menarik perhatian penonton melalui organisasi dan transformasi ruang, melalui pemilihan dan manipulasi gambar dan melalui aksi bahan skenografi itu sendiri – seringkali tidak langsung dan miring; pengalaman atau serangkaian potensi daripada pesan tunggal.

Scenography Expanded tidak hanya menyediakan aplikasi yang berguna dari teori non-representasional, tetapi juga membuka untuk menerapkan pendekatan skenografi pada objek studi sejarah seni, seperti intervensi artistik dalam pengaturan perkotaan atau seni instalasi imersif.

Penerapan pendekatan ini dicontohkan dalam artikel seniman dan ahli studi warisan kritis Alda Terracciano “Seni Instalasi dan Masalah Gentrifikasi: Menjelajahi skenografi yang diperluas dari Pintu Zelige di Jalan Golborne” termasuk dalam edisi khusus ini.

Sementara instalasi imersif membahas masalah gentrifikasi di London, Terracciano melihat ke dalam dramaturgi skenografinya, dengan fokus khusus pada keterlibatan peserta dalam proses desain. Hal ini menunjukkan bagaimana desain skenografi partisipatif tidak hanya berhasil memberdayakan peserta masyarakat lokal di masa sulit, tetapi juga dapat mengekspos dan membantu operasi kontra gentrifikasi.

Dengan memobilisasi teori skenografi, Terracciano secara konstruktif berkontribusi untuk mengatasi ortodoksi akademis yang membagi perspektif orang dalam dan orang luar, untuk memperdebatkan pentingnya seni dalam masyarakat yang diperebutkan. Penempatan Terracciano tentang dirinya sebagai seorang sarjana dan seniman, dalam konteks skenografi, bukan bias yang mendiskualifikasi,

Penting untuk dicatat bahwa gagasan skenografi yang diperluas telah disambut dengan kritik (sangat sejalan dengan apa yang terjadi pada konsep performativitas) bahwa jika suatu konsep dapat diterapkan pada segala hal, ia akan kehilangan kejelasan akademisnya. Masalah ini sebenarnya sudah diatasi pada tahun 2005, oleh sejarawan seni Magdalena Holdar, ketika dia menunjukkan “jika seluruh dunia adalah panggung, yang kita lihat hanyalah skenografi.”

Pada bagian berikutnya, saya akan memperkenalkan teori skenografi yang dikembangkan baru-baru ini oleh sarjana skenografi Rachel Hann, yang menanggapi masalah konseptual dengan skenografi yang diperluas.

Teater Dunia Kontroversial Huang Yong Ping
Theater

Teater Dunia Kontroversial Huang Yong Ping

Teater Dunia Kontroversial Huang Yong Ping – Huang Yong Ping adalah seorang seniman kontemporer, lahir dan besar di Xiamen, China . Dalam beberapa dekade terakhir, ia telah menciptakan banyak karya seni yang kontroversial dan konfrontatif. Huang dikenal sebagai salah satu seniman kontemporer Tiongkok yang paling berpengaruh.

toscanaspettacolo

Teater Dunia Kontroversial Huang Yong Ping

toscanaspettacolo – Karya-karyanya meliputi patung, instalasi, dan lukisan. Ia menjadi ikon di dunia seni rupa karena karya-karyanya yang provokatif, surealis, dan kebinatangan yang dibuatnya sejak tahun 1980-an. Karyanya dapat dikategorikan ke dalam empat periode: anti-artistik afeksi, anti-ekspresi diri, semut-seni, dan anti-sejarah.

Huang bersekolah di Sekolah Seni di Hangzhou dan lulus pada tahun 1982. Beberapa karya seninya yang paling awal terinspirasi oleh orang-orang seperti John Cage, Marcel Duchamp, dan Joseph Beuys1 . Beberapa tahun setelah kelulusannya, ia membentukXiamen Dada2 .

Pada tahun 1989, ia menjadi terkenal secara internasional pada usia 35 tahun ketika ia melakukan perjalanan ke Paris untuk berpartisipasi dalam pameran berpengaruh yang dikenal sebagai Magiciens de la Terre (The Magicians of the Earth) . Pada saat ini, dia telah menerima banyak pujian di kancah seni Tiongkok.

Baca Juga : Sejarah Teater Dokumenter AS dalam Tiga Tahap

Pindah ke Prancis & Penghargaan

Beberapa tahun setelah ini, Huang bermigrasi ke Prancis dan telah tinggal di sana sejak itu. Pada tahun 1999, ia adalah seniman tepercaya Prancis untuk mewakili negara itu di Venice Biennale. Empires karya 2016-nya yang mengesankan3 dipilih untuk pameran Monumenta Biennial di Grand Palais di Paris.

Teater Dunia

The Theatre of the World memiliki dua kandang-seperti struktur yang reptil tuan rumah, amfibi, dan serangga, termasuk kumbang, kecoa, kadal, kodok, ular, dan kura-kura.

Inspirasi dibaliknya

Karya ini dinamai menurut salah satu kreasi seniman lainnya. Struktur kandang seperti ular yang dikenal sebagai The Bridge (1995) melengkung di atas struktur kandang seperti kura-kura yang juga dikenal sebagai Theatre of the World .

Dalam karya seni aslinya, kura-kura hidup dan ular hidup bersama. Pada saat yang sama, beberapa tokek, ular, dan kodok berinteraksi dengan banyak serangga di struktur di bawah Jembatan . Hal ini menyebabkan beberapa dari mereka memakan yang lain.

Kritik & Tekanan Publik

Karya Huang Theatre of the World menghadapi kritik internasional. Sebuah petisi online mengumpulkan hampir 800.000 tanda tangan, dan aktivis hak-hak hewan setempat memprotes sebelum debutnya di New York . Para aktivis berpendapat bahwa ada beberapa contoh kekejaman terhadap hewan, dan karenanya, mereka membutuhkan pameran yang bebas dari kekejaman.

Huang dan Guggenheim menyerah pada tekanan sengit4 untuk menghapus instalasi, yang menampilkan reptil dan serangga hidup. Mereka juga harus meninggalkan pameran lain yang menampilkandua anjing berkelahi satu sama lain5 .

Pameran Guggenheim

Theatre of the World dipamerkan di Museum Solomon R. Guggenheim di New York antara Oktober 2017 dan Januari 2018. Di samping karya ini, Huang menunjukkan karya-karya lain yang juga berasal dari tahun-tahun Dadaisnya.

Pameran besar ini, yang terbesar dari jenisnya di Amerika Utara, mencakup karya dari tahun 1989 hingga 2008, periode yang dikenal sebagai periode paling transformatif seni kontemporer Tiongkok. Karya-karya tersebut menawarkan survei interpretatif tentang pengaruh perang dingin, kebangkitan China, dan penyebaran globalisasi, singkatnya, semua transformasi sosial yang membawa China ke peta global.

Guggenheim Bilbao

Terlepas dari tantangan yang dihadapi karya seni saat ini, Bilbao Guggenheim mengatakan bahwa mereka perlu menampilkan karya tersebut, dengan alasan untuk berekspresi. Manajemen museum tahu bahwa beberapa orang akan menentang pameran tersebut, dan mereka menghormati protes mereka. Namun, mereka menyatakan bahwa museum memiliki tanggung jawab untuk melindungi karya seniman.

Analisis

Pekerjaan itu tampaknya berbicara tentang sejarah panjang China yang mencakup segala hal mulai dari perang hingga kerukunan, jangkauan global hingga keterisolasian pikiran sempit, kekayaan dan kelangkaan, dan banyak hal lainnya.

Huang menerobos perbedaan antara Peradaban Tiongkok dan sejarah Tiongkok modern dan, lebih luas lagi, kehidupan modern secara umum. Banyak seniman Cina mencampuradukkan temporalitas dengan cara yang tepat untuk mempertanyakan kembalinya dunia seni dari masa lalu.

Karya seni tersebut mengkaji bagaimana seniman China telah menskalakan kedatangan China sebagai manifestasi global sebagai proksi dan sinis. Karyanya membuat penonton menghadapi kekerasan dan sandiwara kekuasaan.

Teater Dunia merupakan titik balik dalam karya seni pasca-sosialis. Ini juga menunjukkan penampilan suara artistik yang tiada tara. Ini memikirkan kembali dan mentranspos karya seni Tiongkok kontemporer. Ini menjadi karya seni yang penting, membuktikan bahwa pemisahan antara timur dan barat hanya menjadi pertanyaan bagaimana memunculkan era novel yang berani.

Sejarah Teater Dokumenter AS dalam Tiga Tahap
Theater

Sejarah Teater Dokumenter AS dalam Tiga Tahap

Sejarah Teater Dokumenter AS dalam Tiga Tahap – Secara umum, teater dokumenter Amerika (juga kadang-kadang disebut dokudrama, etnodrama, teater verbatim, teater pengadilan, teater saksi, atau teater fakta) adalah pertunjukan yang biasanya dibangun oleh individu atau kolektif seniman dari bahan sejarah dan/atau arsip.

toscanaspettacolo

Sejarah Teater Dokumenter AS dalam Tiga Tahap

toscanaspettacolo – Seperti transkrip persidangan, wawancara tertulis atau rekaman, pelaporan surat kabar, gambar visual atau rekaman video pribadi atau ikonik, dokumen pemerintah, biografi dan otobiografi, bahkan makalah akademis dan penelitian ilmiah.

Saya menemukan tiga momen penting inovasi dalam bentuk, isi, dan tujuan pertunjukan dokumenter selama 100 tahun terakhir sejarah dan praktik teater Amerika. Yang pertama ditandai dengan karya yang dihasilkan di bawah naungan Proyek Teater Federal (1935-1939), khususnya “koran hidup”, sebuah bentuk yang dipinjam dari agitprop dan teater pekerja di Eropa Barat dan Rusia.

Sementara isi dari drama dokumenter Amerika awal ini diambil dari kehidupan sehari-hari, khususnya pengalaman imigran kelas pekerja generasi pertama dan kedua, bentuknya jelas modernis, merangkul kolase, montase, ekspresionisme, dan minimalisme dalam hubungan simbiosis dengan bentuk baru seni visual, sinema awal, dan komposisi musik atonal.

Baca Juga : Teater Monroe Dibuka Kembali Untuk Acara Publik Setelah Renovasi

Drama-drama ini terkadang dibangun dengan masukan dari komunitas di mana seniman-pekerja ditempatkan sebagai bagian dari FTP dan Administrasi Kemajuan Pekerjaan. Tetapi sebagian besar seniman membuat dan menampilkannya sebagai layanan edukatif atau budaya, menggunakan teknik yang mungkin atau mungkin tidak beresonansi dengan penonton yang mencerminkan cerita atau karakter yang digambarkan. Ketegangan antara konten etnografi dan bentuk artistik modern atau postmodern ini tetap menjadi ciri khas pertunjukan dokumenter, baik yang ditentukan oleh fitur atau praktik.

Jika kita menandai dimulainya sejarah pertunjukan dokumenter Amerika di awal 1930-an, mudah untuk melihat sentralitas krisis sosial dan politik pada fokus konten dan properti estetikanya.

Pada garis waktu ini, momen kunci kedua perkembangan terjadi pada akhir 1960-an, ketika gerakan Hak Sipil, Perang Vietnam, pergolakan ekonomi global, dan media massa televisual yang baru dominan mengundang atau memaksa generasi baru kolektif teater untuk mengeksplorasi, menggunakan , dan meledakkan sifat formal dan estetika dokumenter.

Perusahaan seperti Teater Hidup , Teater Terbuka , Teater Roti dan Boneka , Teatro Campesino , dan San Francisco Mime Troupemempertanyakan media dominan dan narasi negara seputar penindasan ekonomi dan sosial, demokrasi, kesetaraan, dan supremasi hukum.

Mata pelajaran ini tidak sepenuhnya baru bagi pembuat teater. Pada abad ke-19, seniman dalam genre naturalisme dan realisme yang muncul juga merupakan reformis sosial dan mengambil inspirasi baik dalam isi maupun bentuk dari pengalaman hidup dan perjuangan sosial/politik orang-orang “biasa”, sejarah pribadi mereka, dan lingkungan mereka.

Tetapi pada tahun 1960-an dan 70-an, ketika definisi tradisional tentang rumah, keluarga, bangsa, dan ciptaan diperebutkan dengan semangat baru, energi bergeser dari drama dan ruang teater yang terstruktur dan diproduksi secara konvensional menuju peristiwa yang tidak terbatas dan tidak tertulis (“kejadian”) juga sebagai instalasi multimedia yang sangat terkontrol dan karya berdurasi panjang yang menguji kemampuan fisik seniman dan penonton. Pada saat yang sama dorongan untuk membuat dunia teater dari kehidupan nyata, pengalaman, dan tempat berkembang menjadi lebih mentah,

Peralihan ke artis sebagai bahan sumber ini menandai perkembangan sejarah ketiga dalam teater dokumenter Amerika, khususnya dalam karya Anna Deavere Smith. Dalam karya Smith, keunggulan tertulis, dokumen arsip mengambil kursi belakang untuk bahan-bahan berbasis wawancara yang dikumpulkan seniman.

Smith juga berfungsi sebagai performer, menghadirkan tubuh dan suara yang dipelajari dengan susah payah dan setia (lintas ras, etnis, dan gender) menggunakan tubuhnya sendiri sebagai tabula rasa, mengaktifkan pertanyaan baru tentang kebenaran dan keaslian.

Seniman lain pada akhir 1980-an, awal 1990-an, termasuk Tim Miller, Holly Hughes , Spalding Gray, Karen Finley, dan kolektif Pomo Afro Homos, menceritakan lebih banyak kisah pribadi tentang pembentukan identitas, perjuangan melawan ideologi agama yang menindas, hierarki sosial yang diskriminatif, dan sistem politik yang tidak adil.

Dramaturgi dari dokumenter monolog ini sering menggemakan organisasi kolase dan elemen ekspresionistis dari surat kabar hidup tahun 1930-an, menghindari pendekatan realistis terhadap waktu dan tempat. Sebaliknya, realitas emosional pemain membentuk alur cerita dan pengalaman penonton tentang sejarah sosial saat bertemu dengan kehidupan individu.

Mungkin naskah yang paling menonjol dari era ketiga ini adalah The Laramie Project (2000), sebuah drama tiga babak yang mengambil pembunuhan mahasiswa Matthew Shepard sebagai peristiwa katalisnya.

Kami melihat sejarah konstruksi drama pada saat pembukaannya, ketika anggota perusahaan menggambarkan bagaimana mereka melakukan perjalanan dengan sutradara/penulis Moises Kaufman dari New York City ke Laramie, Wyo., di mana mereka melakukan wawancara dengan anggota masyarakat setelah adanya anti- kejahatan kebencian gay yang membawa perhatian internasional ke kota AS Barat yang relatif kecil dan terisolasi ini. Menggunakan teknik “moment work” Kaufman, wawancara Tectonic menjadi inti dari naskah mereka.

Kaufman telah mengembangkan “kerja momen” untuk karya teater verbatim sebelumnya, Ketidaksenonohan Bruto: Tiga Percobaan Oscar Wilde , yang menggelar tiga persidangan yang akhirnya membawa tuntutan hukuman Wilde atas ketidaksenonohan (diturunkan dari sodomi).

Sementara drama itu, diinformasikan oleh investasi dalam mengungkap homofobia dalam domain hukum dan sosial, meneruskan gagasan bahwa penuntutan Wilde adalah kegagalan keadilan, itu juga mendramatisasi bagaimana kesombongan Wilde, hak rasial dan kelas, dan selera berkontribusi pada kejatuhannya dari publik. anggun dan selebriti. Drama itu bahkan menjadi tuan rumah debat di atas panggung tentang peran artis dan sejarawan untuk memerangi, mengungkapkan, atau mengabaikan ketidakadilan sosial.

Sementara kepenulisan Kaufman adalah tunggal di Gross Indecency , ia menempatkan ansambel akting, yang ia sebut “narator,” sebagai negosiator sentral dari gagasan kompleks drama itu tentang seksualitas, estetika, dan otoritas.

Namun dalam The Laramie Project , para aktor menjadi rekan penulis yang bekerja sebagai pemain dan lawan bicara, dan struktur dramaturgi sentral drama itu adalah tiga kali lipat tindakan menyaksikan, mengingat, dan bersaksi.

Meta-teater semacam itu—mengungkapkan mekanisme proses pengumpulan, penciptaan, dan pertunjukan teater—bukanlah fitur baru atau tunggal dari drama dokumenter. Dengan kesuksesan dan pengaruh The Laramie Project, bagaimanapun, itu telah menjadi kesombongan estetika sentral dari karya yang dibangun dari wawancara, terutama jika wawancara tersebut dilakukan oleh seniman yang sama yang kemudian membangun dan menampilkan naskah dokumenter.

Namun, seperti yang dicatat oleh Carol Martin, seorang profesor di NYU, dalam beberapa buku dan esai tentang apa yang dia sebut sebagai “teater nyata”, teater dokumenter Amerika memperoleh lebih banyak perhatian publik untuk subjek yang disajikannya daripada inovasi estetika atau kritiknya kompleksitas.

Sementara banyak seniman yang bekerja di domain ini berharap untuk mempertanyakan pemahaman bersama tentang istilah-istilah seperti “nyata” dan “fakta,” untuk Martin dan kritikus dan sejarawan lainnya, interogasi semacam itu ada pada tingkat yang berbeda berdasarkan sejauh mana pembuat teater dokumenter menghubungkan mereka politik pertunjukan hingga estetikanya.

Dalam bukunya Dramaturgy of the Real on the World Stage tahun 2014 , Martin berpendapat seniman yang bekerja di “teater yang nyata,” sering kali di luar AS, melakukan pemeriksaan yang luas dan sadar diri tentang bagaimana teater “berpartisipasi dalam obsesi budaya yang lebih besar dengan menangkap ‘nyata’ untuk konsumsi, bahkan sebagai apa yang kita memahami sebagai nyata terus direvisi dan diciptakan kembali.

Martin meninggalkan kita dengan pertanyaan kunci tentang kapan dan bagaimana, bahkan jika kita, sebagai seniman atau penonton, dapat “secara pasti menentukan di mana realitas berhenti dan representasi dimulai.”

Pada saat kontemporer, ketika kekaburan antara yang nyata dan yang terwakili terjadi setiap hari, sistemik, dan menyeluruh, perusahaan seperti Civilians, yang menyebut karyanya sebagai “teater investigasi,” sengaja menghindari label “dokumenter,” dengan alasan teater mereka mengajukan lebih banyak pertanyaan daripada menjawab, tidak menekan agenda politik atau aksi penonton tertentu, dan merangkul perangkat teater seperti musik dan tarian untuk mengungkap dimensi absurditas, hiperbola, dan non-linearitas—alat penting untuk memahami kekuatan sosial, politik, dan budaya kompleks yang membentuk kehidupan kita sehari-hari.

Momen baru dalam perkembangan teater dokumenter ini ditandai dengan perpaduan antara urgensi, intensitas, dan hibriditas. The Civilians, misalnya, menyampaikan konten mereka di berbagai platform media, termasuk namun tidak terbatas pada teater dan konser, termasuk melalui podcast.

Yang terakhir menerangi dimensi aural komunikasi yang teater dokumenter lebih luas mengeksplorasi (atau kembali ke). Dalam lima tahun terakhir, platform cerita berbasis audio dan acara khusus situs (seperti tur jalan kaki bernarasi, podcast dan drama smartphone, bahkan permainan mobil), telah memperluas dimensi sehari-hari dari “panggung” teater dan kinerja serta resepsinya.

Dengan latar belakang ini, kita dapat melihat mengapa perdebatan tentang apakah kategori “dokumenter” adalah genre formal atau serangkaian praktik dan politik telah bergejolak di antara pembuat film selama beberapa dekade.

Kebangkitan dan proliferasi reality TV, teater yang dirancang, dan sekarang podcasting atau cerita audio serial telah mengintensifkan diskusi ini di berbagai bidang dan industri. Ditawarkan sebagai penangkal drama naskah yang tenang di mana kontrol naratif ada di tangan penulis atau tim penulis, reality TV telah dipasarkan sebagai tanpa filter dan murni, mengungkap aliran emosi yang tersedia dalam aliran kehidupan sehari-hari yang berisiko dan tidak terkendali.

Sejak awal 2000-an, teater yang dirancang, yang mencakup praktik-praktik yang memiliki banyak nama di era sebelumnya, telah disebut-sebut membawa (atau mengembalikan) demokrasi ke ruang latihan, menyetarakan teks tertulis dalam proses pembuatan teater dan memungkinkan seniman dari semua latar belakang dan keterampilan untuk menjadi penulis naskah pertunjukan, mengubah konvensi naratif untuk menceritakan kisah ide, individu, atau peristiwa apa pun.

Pertunjukan semacam ini dapat dibangun oleh kolektif seniman, tetapi juga dapat diakses oleh komunitas non-seniman, sehingga menggeser otoritas estetika kepada mereka yang memiliki pengalaman langsung atas pelatihan artistik.

Desakan dua kali lipat untuk mempertanyakan dan membentuk realitas memberi teater dokumenter karakternya yang unik, apakah seseorang memprioritaskan konten atau bentuknya.

Pertama, dengan mendramatisasi aspek-aspek yang kurang dikenal atau kontra-narasi dari pengalaman yang diperebutkan atau dianggap stabil, teater dokumenter meresahkan apa yang kami pikir kami ketahui dalam upaya untuk menjungkirbalikkan hak istimewa, membalikkan margin dan pusat, dan menginterogasi struktur otoritas.

Kedua, teater menawarkan kesempatan unik untuk pengalaman tubuh-ke-tubuh di ruang materi bersama, yang menjadikannya seni yang rumit dan berbahaya apa pun bentuknya.

Sementara teater hanya bisa menjadi faksimili dari yang nyata, untuk menciptakan dunia dan menghuninya adalah tindakan imajinasi dan perlawanan yang kuat. Akibatnya, seniman dokumenter mendapat sorotan dan kritik publik tertentu karena pengaruh mereka terhadap pemilihan, bentuk, dan penerimaan karya mereka.

Paradoks teater dokumenter sebagai nyata dan representasional, multivokal namun jelas, langsung, dan koheren, kritis terhadap kebenaran terpadu namun dapat dipercaya dan menarik, adalah bagian dari sejarahnya yang kompleks, inovatif, dan terus berkembang.

Teater Monroe Dibuka Kembali Untuk Acara Publik Setelah Renovasi
Theater

Teater Monroe Dibuka Kembali Untuk Acara Publik Setelah Renovasi

Teater Monroe Dibuka Kembali Untuk Acara Publik Setelah Renovasi – Sebuah teater tua di jantung pusat kota Monroe memiliki kehidupan baru. Dowd Center Theatre yang sekarang bernama telah menjadi penyewa lama di 100 blok South Main Street, duduk di sebelah toko sandwich dan di seberang restoran lain.

toscanaspettacolo

Teater Monroe Dibuka Kembali Untuk Acara Publik Setelah Renovasi

toscanaspettacolo – Awalnya dibuka sebagai bioskop pada tahun 1940, ditutup pada tahun 1991 dan belum dibuka kembali sejak itu, mengubah pemilik dan rencana renovasi di sepanjang jalan, menurut Kota Monroe.

Pada tahun 2013, kota membeli bangunan tersebut dan memutuskan kombinasi dana swasta dan publik dapat membantu mengembalikannya.

“Mengapa kita harus pergi ke kota yang berbeda dan kota yang berbeda untuk mendapatkan hal-hal yang baik? Kami adalah kota yang hebat, kami memiliki banyak hal untuk ditawarkan,” kata Peter Hovanec, direktur komunikasi dan pariwisata kota tersebut.

Baca Juga : 7 Keterampilan Yang Anda Butuhkan Untuk Berhasil Dalam Seni Teater

Hovanec membantu dewan kota untuk membeli gedung dan menyelamatkannya setelah upaya lain gagal membuat kemajuan. Setelah suntikan dana publik dan swasta sebesar $7 juta dolar ke dalam renovasi, mimpi kota itu berubah menjadi kenyataan.

“Kami memiliki banyak sekali bangunan yang bagus, kami memiliki banyak sejarah. Kami membutuhkan orang-orang, kami membutuhkan orang-orang setelah jam kerja. Anda membawa orang-orang masuk setelah jam kerja, Anda mendapatkan lebih banyak restoran, Anda mendapatkan lebih banyak kehidupan malam, ”kata Hovanec di ruang teater baru.

Menampilkan kursi baru, ruang interior, ruang ganti, kamar mandi yang lebih bagus, dan fasilitas lain yang ditingkatkan, teater perlahan kembali ke acara publik. Pada 15 Oktober, Sierra Hull, seorang penyanyi, penulis lagu dan instrumentalis akan naik ke atas panggung.

Dalam beberapa minggu terakhir, teater telah dibuka kembali untuk pameran seni, acara donor pribadi dan Union Symphony Orchestra.

Kota membeli teater dan gedung di sebelahnya, menggunakan ruang tambahan untuk membuka lobi samping, yang dapat digunakan untuk acara khusus, galeri seni, dan kebutuhan lainnya. Dua tahun konstruksi, dengan beberapa penundaan terkait pandemi, mendorong kembali pembukaan publik resmi ke tahun ini.

Hovanec mengatakan ruang itu akan digunakan untuk musisi, konser, komedian, teater dan ya, film sesekali. Saat penonton tiba di Dowd Center Theatre, mereka harus berjalan melewati meja Lynn Price untuk mendapatkan tempat duduk mereka.

Harga tidak asing dengan teater Monroe.

“Jenis teater terlihat sama bagi saya sedikit, tetapi semuanya sangat baru dan terlihat sangat bagus,” kata Price dari mejanya.

Price adalah salah satu karyawan baru teater dengan gelar resmi asisten layanan pelindung. Dia juga penduduk Monroe seumur hidup dan ingat datang ke teater pada tahun 1960-an.

“Saya ingat, khususnya, ibu saya akan memasukkan kami ke dalam mobil, dan ayah saya akan mengantar saya dan saudara laki-laki saya ke sini pada jam 11, dan dia akan menjemput kami kembali pada jam 5 karena itu adalah hari bebas. Tapi itu bagus, karena ada banyak teman dan anggota keluarga di sini. Dan, kami baru saja menghabiskan waktu bersama,” Price merenungkan ruang lama.

Pada saat itu, teaternya terpisah, jadi dia berjalan menaiki tangga untuk melihat pertunjukan dari balkon. Sekarang, di gedung yang telah direnovasi, tangga terbuka dan sebuah plakat di dekatnya menyambut semua orang untuk menikmati seni dan hiburan.

“Gerbang Perubahan: Pintu masuk ini dulunya diperlukan untuk orang kulit berwarna. Sekarang, ini adalah ruang terpadu dan inklusif untuk semua. Untuk mengenang masa lalu dan dengan pandangan optimis tentang masa depan, Kota Monroe menyambut semua orang untuk menikmati seni dan hiburan di Teater Dowd Center,” demikian bunyi plakat tersebut. Sebuah kutipan dari Dr. Martin Luther King, Jr. ditranskripsikan di sepanjang bagian bawah plakat.

Kenangan lama harapan baru

Di luar teater, pemilik ikon Monroe lainnya, Oasis Sandwich Shop, juga memiliki kenangan teaternya. “Kami biasa pergi ke bioskop di sana, pada hari Sabtu, ketika kami masih kecil,” kata Tim Ratliff. Ratliff mengatakan setelah menonton film, dia ingat sering pergi ke toko barang baru di dekatnya.

Ratliff hanyalah pemilik Oasis ketiga sejak 1933. Yang lain? Bibinya, dan sebelum dia, teman keluarga dekat. Mereka telah berada di sebelah teater tua selama hampir 50 tahun dan senang melihatnya kembali.

“Saya pikir itu akan membuat perubahan bisnis yang luar biasa di pusat kota, saya pikir itu akan menarik bisnis, banyak fungsi di sana, kami sudah menunggu ini untuk waktu yang lama,” tambah Ratliff.

Oasis berencana untuk berada di sebelah teater selama beberapa dekade lagi setelah pindah ke lokasi saat ini beberapa dekade yang lalu.

Kombinasi perbaikan baru dan kenangan lama memberikan harapan bahwa semua itu memicu revitalisasi ke pusat kota.

“Sungguh luar biasa memilikinya kembali dan berjalan dan jauh lebih baik dari sebelumnya,” kata Price. “Saya pikir itu akan mengubah pusat kota Monroe,” tambah Ratliff.

Di dalam Oasis, Libby Helms, kerabat pemilik asli Oasis, mengatakan teater yang direnovasi akan sangat membantu pusat kota.

“Sungguh luar biasa bahwa Center Theatre dibuka kembali, berkat sumbangan dari yayasan Dowd dan kota Monroe. Itu akan membawa begitu banyak peluang bagus untuk pertumbuhan di pusat kota. Oasis pasti akan berkembang dengan tambahan baru di kota itu, ”kata Helms.

Helms mengatakan ketika teater ditutup pada tahun 1991, staf dan pendukung Oasis tidak terlalu khawatir. “Pusat kota berkembang pesat pada saat itu, kami masih memiliki Belk di sini di pusat kota dan banyak toko-toko kecil dan bisnis. Saya tidak berpikir ada banyak kekhawatiran, ”kata Helms melihat ke belakang.

Sekarang, dia mengatakan teater yang telah direnovasi akan membantu pusat kota bergerak ke arah yang benar.

“Oasis adalah sebuah institusi di Monroe. Dibuka pada 4 Juli 1933 oleh pemilik yang sama, paman kami,” lanjut Helms, “Saya pikir dengan tambahan pembukaan teater kembali, itu hanya akan memiliki dampak yang luar biasa di pusat kota.”

7 Keterampilan Yang Anda Butuhkan Untuk Berhasil Dalam Seni Teater
Theater

7 Keterampilan Yang Anda Butuhkan Untuk Berhasil Dalam Seni Teater

7 Keterampilan Yang Anda Butuhkan Untuk Berhasil Dalam Seni Teater – Seni pertunjukan terutama berfokus pada tari, drama, musik dan teater. Ini berarti sering terjadi tumpang tindih dengan industri film dan media.

toscanaspettacolo

7 Keterampilan Yang Anda Butuhkan Untuk Berhasil Dalam Seni Teater

toscanaspettacolo – Peran desain dan produksi juga berada di bawah payung ini, dengan banyak institusi dan sekolah seni pertunjukan menyediakan kursus dalam pencahayaan produksi, desain panggung dan penyangga, konstruksi kostum, dan manajemen panggung. Dengan pengalaman dan kualifikasi yang tepat, pindah ke pengajaran dan bimbingan belajar adalah sebuah pilihan.

Pekerjaan di lapangan antara lain:

  • aktor
  • pembawa acara siaran
  • koreografer
  • penari
  • pemusik
  • sutradara teater
  • manajer teater

Bakat hanya dapat membawa Anda sejauh ini ketika mencoba membuat nama Anda di industri ini. Anda juga memerlukan atribut berikut.

Baca Juga : Hal yang Perlu Anda Ketahui Tentang Teater Abad 20 Di Italia

Kepercayaan diri

Berakting, menari, bermain atau bernyanyi di depan orang lain bisa menjadi pengalaman yang sangat menegangkan. Melangkah ke atas panggung dan tampil di depan penonton membutuhkan kepercayaan diri dan harga diri yang besar, karena Anda menunjukkan bakat Anda dan mengundang penilaian.

Dalam situasi ini, wajar untuk merasakan tingkat tertentu dari saraf, tetapi sebagai pemain profesional Anda perlu memanfaatkan dan menggunakan saraf ini untuk meningkatkan kinerja Anda.

Mereka yang bercita-cita untuk bekerja di industri yang lebih luas, mungkin dalam peran teknis atau manajemen, akan menghadapi persaingan yang ketat. Sikap percaya diri dan bisa melakukan akan membantu Anda menonjol dalam wawancara kerja dan dapat membantu mengamankan pengalaman kerja.

Jika rasa percaya diri Anda membutuhkan sedikit dorongan, ada banyak hal yang dapat Anda lakukan. Bergabunglah dengan klub atau perkumpulan universitas , atau kelompok lokal seperti paduan suara, orkestra, tari atau kelompok drama amatir. Anda juga dapat mempertimbangkan untuk mengikuti kompetisi lokal atau regional atau kontes bakat untuk membangun kepercayaan diri Anda. Pekerjaan paruh waktu dalam peran menghadapi pelanggan benar-benar dapat membantu keterampilan komunikasi dan harga diri Anda.

Kemampuan untuk berjejaring dan memasarkan diri sendiri

Banyak orang yang bekerja di seni pertunjukan adalah wiraswasta , dan aktor, penari, penyanyi, dan musisi semuanya perlu mengikuti audisi untuk mendapatkan pekerjaan, jadi penting bagi Anda untuk dapat menjual dan memasarkan kemampuan Anda kepada calon pemberi kerja.

Agar nama Anda dikenali dan untuk membantu mengamankan pekerjaan di masa depan , Anda harus menggunakan keterampilan jaringan Anda untuk membuat koneksi industri sebanyak mungkin. Bergabunglah dengan asosiasi profesional dan hadiri acara industri, daftar untuk kelas, lokakarya, dan kursus singkat untuk bertemu orang-orang yang berpikiran sama dan ikuti direktur casting yang relevan, perusahaan tari, koreografer, direktur musik dan perbendaharaan serta teater komersial di media sosial. Banyak pekerjaan terbaik dicapai melalui koneksi dan mengetahui orang yang tepat pada waktu yang tepat dapat membayar dividen.

Ketangguhan, disiplin diri, dan stamina

Karena sifat industri yang kompetitif dan sangat terampil, kemungkinan mereka yang bekerja dalam seni pertunjukan – bahkan mereka yang memiliki peran teknis atau manajerial – akan mengalami penolakan di beberapa titik dalam karir mereka. Demikian pula, mereka juga akan menerima kritik dalam beberapa bentuk, pada tahap tertentu juga.

Untuk mengatasi tantangan ini, ketahanan dan keuletan sangat penting. Anda harus dapat menggunakan pengalaman ini untuk mengasah dan mengembangkan keahlian Anda dan bangkit kembali lebih baik dari sebelumnya.

Di sinilah disiplin diri dan stamina berguna. Pelaku diharuskan bekerja berjam-jam selama latihan dan menjelang pertunjukan dan diharapkan memberikan 100% untuk setiap pertunjukan. Sebagian besar waktu Anda akan dihabiskan untuk berlatih dan meningkatkan, dan pekerjaan itu dapat memakan korban baik secara mental maupun fisik – terutama pada pemain yang melakukan pekerjaan tambahan untuk membayar tagihan.

Pikiran analitis dan kemampuan untuk merefleksikan diri

Mungkin bukan keterampilan yang paling jelas, tetapi mereka yang bekerja di industri membutuhkan pikiran analitis. Jika Anda terlibat dalam drama, Anda harus mampu meneliti dan menginterpretasikan sebuah peran dan naskah, sementara penari harus mampu menguraikan dan menganalisis koreografi, dan musisi harus mampu membedah dan menginterpretasikan sebuah karya. musik. Anda juga harus dapat menerapkan keterampilan ini pada pekerjaan Anda sendiri saat menganalisis kinerja Anda secara kritis.

Anda dapat mengembangkan keterampilan ini dengan meninjau produksi universitas atau profesional, konser dan resital untuk publikasi akademik, media lokal atau majalah industri.

Fleksibilitas

Pelaku perlu beradaptasi dan menerapkan keterampilan dan bakat mereka ke berbagai peran, genre, teknik, dan gaya. Misalnya, aktor dapat berperan sebagai pahlawan dalam satu peran dan penjahat di peran berikutnya, sementara penari mungkin diminta untuk melakukan balet klasik untuk satu pekerjaan dan tarian jalanan minggu berikutnya.

Fleksibilitas pada dasarnya adalah tentang mampu melakukan banyak tugas, dan bekerja paruh waktu selama studi Anda akan memberi Anda banyak latihan saat Anda bekerja untuk menangani komitmen universitas, pekerjaan, dan pribadi.

Memang, sebagian besar dari mereka yang bekerja di seni pertunjukan juga memiliki karir portofolio, sering kali mensubsidi gaji mereka dengan mengambil pekerjaan kedua atau ketiga, biasanya dalam mengajar, administrasi seni atau peran teknis lainnya, sehingga kemampuan beradaptasi dan fleksibilitas berguna ketika mempertahankan banyak pekerjaan dan beralih antar peran.

Pandemi COVID-19 hanya menyoroti kebutuhan untuk memiliki pekerjaan lain, terutama karena banyak acara dibatalkan sepanjang 2020 dan hingga 2021.

Kerja tim

Seni pertunjukan adalah upaya kolaboratif antara banyak orang yang berbeda yang datang bersama untuk menciptakan pertunjukan, drama, siaran, konser atau resital yang sukses sehingga kemampuan untuk bekerja dengan baik dengan orang lain sangat penting. Lihat tips kami untuk kerja kelompok yang sukses di universitas.

Organisasi dan manajemen waktu

Pelaku yang sukses sering diminta untuk mengerjakan lebih dari satu proyek sekaligus dan jadwal kerja bisa menjadi padat. Oleh karena itu, keterampilan organisasi dan manajemen waktu yang kuat adalah suatu keharusan. Peran Anda sehari-hari mungkin melibatkan menghadiri beberapa audisi, melacak jadwal latihan, pengaturan perjalanan, keterlibatan promosi, dan waktu pertunjukan. Anda mungkin juga perlu menyulap pekerjaan kedua atau ketiga.

Hal yang Perlu Anda Ketahui Tentang Teater Abad 20 Di Italia
Theater

Hal yang Perlu Anda Ketahui Tentang Teater Abad 20 Di Italia

Hal yang Perlu Anda Ketahui Tentang Teater Abad 20 Di Italia – Pada tanggal 10 November 2015, lelang Post War & Contemporary Art Evening Sale berlangsung di Christie’s New York , dan hanya terlihat sedikit penjualan yang luar biasa. Lelang ini akan dikenang untuk penjualan Concetto Spazialle Lucio Fontana, La Fine di Dio dari tahun 1964.

toscanaspettacolo

Hal yang Perlu Anda Ketahui Tentang Teater Abad 20 Di Italia

toscanaspettacolo – Penjualan ini memecahkan rekor artis dalam lelang, karena terjual lebih dari $29 Juta. Selain itu, menurut Artnet, lima dari 10 besar penjualan lelang Fontana sepanjang masa terjadi pada tahun 2015. Tapi, kami tidak ingin fokus pada Lucio Fontana.dalam artikel ini, tetapi di pasar seni Italia abad ke-20.

Apa yang kita saksikan dalam beberapa tahun terakhir (dan apa yang merupakan fakta terkenal di kalangan spesialis pasar seni) adalah ledakan seni Italia Pasca-Perang di pasar. Mari kita lihat secara singkat apa yang harus Anda ketahui tentang posisi pasar seni Italia.

Arte Povera sebagai salah satu Gerakan Terpopuler?

Gerakan Arte Povera aktif selama 1967-1972 dan berlangsung di kota-kota di seluruh Italia. Istilah ini diciptakan oleh kritikus seni Italia Germano Celant dan diperkenalkan di Italia selama periode pergolakan pada akhir 1960-an, ketika seniman mengambil sikap radikal.

Baca Juga : Seni Theater Yang Mengembangkan 6 Keterampilan

Beberapa tokoh gerakan yang paling menonjol adalah Luciano Fabro, Jannis Kounellis , Giulio Paolini , Pino Pascali, Giuseppe Penone dan Michelangelo Pistoletto. Eksponen awal lainnya dari perubahan radikal dalam seni visual Italia termasuk seniman proto Arte Povera: Alberto Burri , Piero Manzoni, dan Lucio Fontana dan Spasialisme.

Menurut laporan dan analisis pada bulan Oktober, penjualan di London yang didedikasikan khusus untuk seni Italia abad ke-20 di Christie’s dan Sotheby’s berhasil dengan sangat baik sehingga ada sedikit keraguan tentang pengaruh gerakan tersebut. Selama bertahun-tahun terpinggirkan, gerakan-gerakan Eropa ini (yang sangat kuat di Italia) telah berkembang pesat selama hampir satu dekade sekarang.

Bukan Hanya Tentang Renaisans, Booming Pasar Seni Italia

Berpikir tentang seni Italia, hal pertama yang terlintas dalam pikiran adalah Renaissance dan Old Masters. Sepertinya sejumlah seniman Italia yang luar biasa dari abad ke-20 telah benar-benar diabaikan.

Namun, waktu ini telah berlalu, ketika pasar seni global mulai “menemukan” seni Italia abad ke-20. Mustahil untuk membayangkan bahwa seorang seniman Italia, Fontana misalnya, akan berada di tingkat tertinggi dunia seni pascaperang dan penjualan malam kontemporer yang bergengsi, tetapi hari ini kita melihat gambaran yang sama sekali berbeda.

Namun, ini bukan hanya tentang Fontana. Seperti Daniella Luxembourg, salah satu pemilik galeri Luxembourg & Dayan menjelaskan kepada The Bloomberg Sebuah karya berskala besar oleh Alberto Burri sekarang dapat dijual secara pribadi seharga lebih dari $10 juta, jika itu monumental dan salah satu yang terbaik.

Dalam lima tahun terakhir, tidak ada Burri yang monumental di lelang kebanyakan dari mereka dijual secara pribadi…Itu terjadi begitu saja, dengan cara yang sama juga terjadi bahwa Fontana terakhir yang dijual di pelelangan adalah besar. Karya-karya itu dijual secara pribadi sebelumnya.

Data dan Gerakan Seni Italia Lainnya

Hari ini, adalah normal untuk mengharapkan penjualan jutaan dolar dari karya-karya seniman Italia abad ke-20. Tapi, penjualan ini biasanya terkait dengan artis-artis yang tergabung dalam gerakan Arte Povera (Pintoretto, Fontana, Kounellis).

Bagaimana dengan gerakan seni penting lainnya di Italia, seperti Futurisme Italia, Abstraksi Italia? Galeri Sperone Westwater dari New York saat ini menampilkan pertunjukan kelompok besar seni Italia abad pertengahan, Lukisan di Italia 1910-an-1950-an Futurisme, Abstraksi, Seni Beton(dilihat hingga 23 Januari 2016).

Potongan seniman dari gerakan ini jauh lebih terjangkau. Hampir semua dari 120 karya seni yang dipamerkan di Galeri Sperone Westwater berkisar dari $20.000 hingga $110.000. Dua pengecualian adalah untuk karya Enrico Prampolini, yang harganya dalam pertunjukan berkisar dari $80.000 hingga $140.000, dan oleh Giacomo Balla , salah satu pendukung paling terkenal gerakan Futurisme Italia.

Mengapa seni Italia abad ke-20 menjadi begitu populer di kalangan kolektor seni “besar” sekarang? Ada beberapa kemungkinan jawaban, tetapi mari kita coba dengan dua. Ini adalah fakta yang diketahui bahwa harga naik tinggi dalam 15 tahun terakhir bahkan “kolektor besar” tidak mampu membeli karya terkenal Jackson Pollock atau Andy Warhol, misalnya.

Sederhananya semuanya terlalu mahal; oleh karena itu, banyak kolektor akhirnya mulai membeli karya seniman Italia (akibatnya menaikkan harga). Hal penting kedua adalah bahwa kolektor besar AS mengabaikan (dalam arti tertentu) seniman dan gerakan Eropa selama beberapa dekade. Dengan globalisasi pasar seni, dan dengan lebih banyak karya orang Eropa yang dibeli oleh kolektor AS, seniman Italia menjadi “terlihat”. Akhirnya, popularitas artis Italia abad ke-20 mungkin akan meningkat,

Jika kami membuat peringkat tujuan perjalanan impian penguncian kami, Italia pasti akan menjadi yang teratas dalam daftar. Dengan pemandangannya yang terkenal bervariasi dan selalu menakjubkan—belum lagi makanan, mode, sedikit sejarah seni yang adil—berlibur di semenanjung berbentuk sepatu bot ini sama baiknya dengan yang didapat.

Untungnya, satu setengah tahun setelah ditutup, Bel Paese sedang reboot. Antara seni dan desain kontemporer Milan yang semarak, dan tarikan selatan Puglia, beberapa orang bahkan akan mengatakan bahwa negara itu sedang mengalami Renaisans baru. Dan NetJets—pemimpin global dalam penerbangan swasta—siap membawa Anda ke sana dari atas hingga ujung kaki (atau tumit, dalam hal ini).

Untuk pelancong cerdas yang ingin menemukan kembali la dolce vita dan kegembiraan bertamasya cepat ke Italia (dengan pemberitahuan sesedikit 10 jam, tidak kurang), NetJets menawarkan layanan yang dipersonalisasi dengan perhatian tinggi terhadap detail yang diperoleh dari pengalaman lebih dari 55 tahun, standar industri terkemuka, dan tim multibahasa yang berdedikasi untuk mengantisipasi setiap kebutuhan Anda.

Setelah hiatus selama 18 bulan, Salone del Mobile (5–10 September) kembali dalam bentuk “phygital” yang baru. Bertajuk “Supersalone”, edisi ke-58 dari pameran desain internasional terkemuka ini dikuratori oleh arsitek lokal Stefano Boeri (kekuatan di balik “hutan vertikal” seperti menara Bosco Verticale di Milan) dengan mempertimbangkan keberlanjutan.

Anda akan masuk melalui 200 pohon ash, lime, oak, dan plum berbunga yang akan ditanam di Milan setelah akhir pekan raya. Dan merek akan memajang produk mereka di sepanjang dinding empat paviliun kayu daur ulang di dalam area pameran, yang dibuka untuk umum untuk pertama kalinya.

Pameran ini meluas dari pinggiran kota dan ke pusat kota dengan pameran sejarahnya di Triennale Design Museum , yang dikembangkan Boeri sebagai pusat budaya di dalam Palazzo dell’Arte yang bersejarah di Parco Sempione. Salah satu pertunjukan museum terbaru, “Enzo Mari yang dikuratori oleh Hans Ulrich Obrist dengan Francesca Giacomelli” (sampai 12 September), patut dikunjungi: Virgil Abloh, Rirkrit Tiravanija, dan lainnya diundang untuk memberi penghormatan kepada artis Italia yang baru saja meninggal. dan desainer, yang dikenal dengan kursi Delfina yang dapat ditumpuk.

Seni Theater Yang Mengembangkan 6 Keterampilan
Artikel Theater

Seni Theater Yang Mengembangkan 6 Keterampilan

Seni Theater Yang Mengembangkan 6 Keterampilan – Peran praktis yang dimainkan seni pertunjukan dalam pengalaman pendidikan yang menyeluruh telah mengalami banyak perdebatan selama bertahun-tahun. Ini menyegarkan untuk melihat bahwa itu menerima lebih banyak perhatian daripada di masa lalu. Pendidik lebih menyadari nilai intrinsiknya dalam kurikulum di seluruh dunia.

Ini lebih dari sekedar bermain peran atau melakukan sedikit tarian; ini tentang mempelajari keterampilan hidup yang serbaguna dan dapat dipindahtangankan yang penting.

Selain fakta bahwa itu menyenangkan dan menantang, seni pertunjukan membangun kebiasaan berpikir yang penting untuk hidup dengan baik dan mengatasi kesulitan hidup. Itu mengasah kreativitas dan kecerdasan kita, menumbuhkan belas kasih kita, dan membawa pemahaman kemanusiaan yang lebih tinggi ke kesadaran kita. Pelaku harus menjadi pemikir kritis, pemecah masalah, dan pendengar yang baik.

Seni Theater Yang Mengembangkan 6 Keterampilan

Seni pertunjukan adalah perjalanan fisik, mental, dan emosional tentang perbaikan pribadi dan vitalitas hubungan manusia.

Toscanaspettacolo – Dalam artikel ini, kita akan berbicara tentang 6 keterampilan hidup yang dikembangkan oleh seni pertunjukan ketika siswa bersedia menerapkan diri mereka sendiri untuk memperkaya pengalamannya. Namun, pertama-tama, mari kita dengar dari beberapa pendukung mengapa subjek ini layak mendapat perhatian dalam pendidikan siswa kita.

Suara di Seni Pertunjukan Yang ini diposting di situs web Scots College berbicara tentang manfaat holistik dari seni pertunjukan:

“Seni pertunjukan dalam pendidikan memberi siswa kesempatan untuk melibatkan pikiran, tubuh, dan emosi ke dalam ekspresi kolaboratif dan komunal dari semua artinya menjadi manusia Mereka menemukan suara mereka sendiri, mereka tumbuh dalam kepercayaan mengembangkan empati dan wawasan etis ke dalam kontradiksi dan paradoks dari kondisi manusia.”

Ini adalah beberapa wawasan pendidik Matt Buchanan tentang aplikasi dunia nyata dan sifat kolaboratif seni pertunjukan:

“Seorang siswa dapat, jika hanya untuk beberapa saat, menjadi orang lain, mengeksplorasi peran baru, mencoba dan bereksperimen dengan berbagai pilihan dan solusi pribadi untuk masalah yang sangat nyata ini dapat terjadi dalam suasana yang aman di mana tindakan dan konsekuensi dapat terjadi. diperiksa, dibahas, dan dalam arti yang sangat nyata dialami tanpa bahaya dan jebakan yang jelas akan mengarah pada eksperimen semacam itu di dunia “nyata”.

Baca Juga : Kegiatan Yang Dilakukan Pada Gelar Seni Teater

Meskipun artikel-artikel ini berbicara tentang hal-hal yang berbeda, pesan keseluruhannya jelas: seni pertunjukan berkontribusi pada pengembangan proaktif individu di berbagai tingkatan.

1. Ekspresi Diri Kreatif

Mengejar bentuk seni apa pun menjadi ekspresi individualitas dan sifat kreatif seseorang. Mengekspresikan diri kita secara kreatif menambah kemampuan kita untuk mengekspresikan diri kita dalam situasi lain. Ini termasuk semua jenis hubungan profesional dan pribadi.

Seni pertunjukan menuntut tingkat ekspresi diri yang sangat pribadi dan unik bagi individu.

Mereka yang mempraktikkannya, baik itu dalam seni tari atau teater, menemukan diri mereka menjelajahi kekayaan kemampuan ekspresif mereka. Dalam banyak kasus, mereka yang tidak mampu mengekspresikan diri dengan cara lain menemukan pelampiasannya dalam seni pertunjukan. Oleh karena itu kita harus memastikan bahwa lingkungan siswa kita mengekspresikan kreativitas mereka tetap aman dan bebas dari penilaian, seperti yang diinstruksikan Matt Buchanan di atas.

2. Keyakinan

Sebanyak seni pertunjukan mengilhami sifat kreatif kita, itu juga merupakan pembangun kepercayaan diri. Lagi pula, setelah kami membuat proyek ekspresif, kami masih harus menampilkannya atau mempresentasikannya kepada audiens. Ini membutuhkan keberanian untuk menerima reaksi apa pun yang datang dari membagikan bagian diri kita ini tanpa mengorbankan integritas kita.

Keyakinan adalah hasil dari kesadaran kita bahwa pendapat orang lain tentang kita tidak perlu menjadi kenyataan kita.

Pada dasarnya kami gugup karena kami tidak tahu apa tanggapannya terhadap upaya kami. Namun, di suatu tempat jauh di lubuk hati kami ingin itu memvalidasi kami. Akibatnya, kita mendapati diri kita membayangkan perasaan mengerikan yang akan kita alami jika kurang dari itu.

Bagian dari membangun kepercayaan diri dalam seni pertunjukan adalah mampu melepaskan harapan seperti itu. Kami melanjutkan visi kami dengan mengetahui bahwa itu adalah representasi terbaik dari kreativitas batin kami yang dapat kami berikan pada saat itu. Hal ini tidak salah atau benar, sempurna atau tidak sempurna-itu hanya adalah .

Dalam setting seni pertunjukan, orang akan memiliki beragam pendapat tentang ekspresi orang lain. Beberapa akan menjadi positif dan beberapa negatif. Ini adalah pola pikir yang dapat kita terapkan ke banyak bidang kehidupan kita.

3. Kolaborasi

Sesuai dengan sifatnya, seni pertunjukan sangat kolaboratif. Mereka tentang menjalin hubungan melalui berbagi minat dan tujuan bersama dengan orang lain. Mereka juga tentang membangun kepercayaan dengan orang-orang yang kita pilih untuk bekerja sama dalam proyek-proyek yang berarti bagi kita. Dengan pengalaman seperti itu, kita belajar menghadapi tantangan dan ketidaksepakatan secara konstruktif dan proaktif.

Memproduksi apa pun di bidang seni pertunjukan, baik secara akademis atau profesional, biasanya mengharuskan kita untuk meminta bantuan orang lain.
Sangat jarang kita dapat melakukan semuanya sendiri, dan ini bukan hanya kasus “banyak tangan membuat pekerjaan ringan”. Ini juga berkaitan dengan peningkatan hasil kami dengan keahlian dan wawasan orang lain untuk mencapai keterlibatan yang menguntungkan dan kesuksesan bersama. Ini bisa berlaku untuk semua jenis proyek tim.

Baca Juga : Mengulas Tentang Music Theatre Works dan Neo-Futurists

Dalam sekelompok individu yang berpikiran sama, setiap orang mungkin memiliki sesuatu yang dapat mereka bawa ke meja yang tidak dapat dimiliki orang lain. Misalnya, Henry Ford mengklaim bahwa dia mengelilingi dirinya dengan orang-orang yang dia kenal lebih pintar dan lebih mampu daripada dia. Kesediaan kolaboratif semacam itu memungkinkannya untuk menciptakan sesuatu yang pada akhirnya mengubah dunia.

4. Fokus

Upaya kreatif membutuhkan kemauan dan tekad karena kita cenderung membidik ketika kita asyik dengan sesuatu yang imajinatif dan eksperimental. Seringkali kita bekerja mundur dari akhir untuk mencapai hasil yang kita inginkan. Di sisi lain, kami juga berpusat pada proses tertentu saat kami memvisualisasikan tujuan akhir kami. Semua ini membutuhkan fokus dan konsentrasi. Faktanya adalah, apa pun yang layak dilakukan membutuhkan fokus dan seni pertunjukan tidak berbeda.

5. Pemecahan Masalah

Pematung Magdalena Abakanowicz mengatakan ini tentang seni:

“Seni tidak menyelesaikan masalah, tetapi membuat kita sadar akan keberadaannya.”

Lalu bagaimana seni berkontribusi pada keterampilan pemecahan masalah yang kita inginkan untuk siswa kita? Sederhananya, dengan memahami proses kreatif kita mempelajari proses pemecahan masalah secara default.

Dalam sekelompok individu yang berpikiran sama, setiap orang mungkin memiliki sesuatu yang dapat mereka bawa ke meja yang tidak dapat dimiliki orang lain.

Inilah sebabnya kami telah mengembangkan Kefasihan Esensial yang sekarang digunakan di ruang kelas di seluruh dunia. Proses pemecahan masalah unggulan kami adalah Solution Fluency . Ini adalah sistem yang sangat mudah yang akan memecahkan masalah tidak peduli seberapa besar atau kecil. Semua Kefasihan lainnya dicerminkan dalam fase Kefasihan Solusi, yang menjadikannya proses pemecahan masalah dengan caranya sendiri. Ini juga berlaku untuk Kefasihan Esensial ketiga, Kefasihan Kreativitas .

Kreativitas Kefasihan juga dikembangkan sebagai pendekatan pemecahan masalah untuk mengajarkan fakta bahwa kreativitas bukanlah sesuatu yang hanya dimiliki oleh segelintir orang sejak lahir.

Ini adalah keterampilan yang dapat diajarkan dan dipelajari seperti yang lainnya. Begitu kita mempelajari kreativitas, kita menyadari bahwa kita menjadi pemecah masalah yang unik yang berurusan dengan konsep abstrak dan artistik serta teknis dan linier.

6. Memanfaatkan Umpan Balik

Selama tahun-tahun sekolah mereka, siswa akan dinilai dan dinilai secara konstan, dan bagian dari penilaian yang penuh perhatian adalah memberikan umpan balik yang konstruktif dan dapat ditindaklanjuti yang dapat dikembangkan oleh siswa. Karya seni pertunjukan selalu melibatkan umpan balik. Siswa dapat belajar melalui praktik artistik bahwa umpan balik dapat memberdayakan jika diberikan dan diterima dengan cara yang benar.

Apakah umpan balik itu positif atau negatif, siswa harus belajar bagaimana menggunakannya untuk keuntungan mereka.

Seni pertunjukan adalah salah satu cara terbaik bagi mereka untuk mempelajari ini karena proyek semacam itu sangat pribadi dan unik bagi setiap siswa. Jika umpan baliknya konstruktif, mereka harus dibimbing ke arah bagaimana menggunakan yang terbaik darinya untuk meningkatkan. Jika sebagian besar negatif, mereka harus belajar mengubahnya menjadi sesuatu yang dapat melayani mereka daripada menghancurkannya.

Sekarang jelas ini sangat tergantung pada orang-orang yang terlibat karena umpan balik tidak selalu merupakan pengalaman yang positif. Tapi itu bisa berubah, dan perubahan dimulai dari Anda , sang pendidik. Adalah kekuatan Anda untuk memastikan bahwa umpan balik yang Anda berikan, bahkan dalam suasana kreatif seperti seni pertunjukan, berguna dan memungkinkan.

Dengan cara ini, siswa belajar tentang kegagalan yang bermanfaat.

Alih-alih kehilangan kesabaran dengan diri mereka sendiri dan menyerah, mereka kembali ke tugas bertekad untuk menempatkan upaya yang lebih baik ke depan untuk mencapai tujuan mereka. Di luar seni pertunjukan, keterampilan ini dapat melayani mereka dengan baik.

Kegiatan Yang Dilakukan Pada Gelar Seni Teater
Theater

Kegiatan Yang Dilakukan Pada Gelar Seni Teater

Kegiatan Yang Dilakukan Pada Gelar Seni Teater – Jika Anda belajar seni pertunjukan , Anda mungkin bermimpi naik ke panggung untuk mencari nafkah. Namun, keterampilan yang Anda peroleh selama gelar Anda tidak hanya mempersiapkan Anda untuk peran di teater, film, dan musik.

toscanaspettacolo

Kegiatan Yang Dilakukan Pada Gelar Seni Teater

toscanaspettacolo – Keterampilan Anda juga akan berharga dalam berbagai karir lain, terutama jika Anda mampu secara efektif menggabungkan bakat kreatif dengan aspek praktis dari promosi diri dan manajemen seni.

Pekerjaan seni pertunjukan yang khas

Aktor

Aktor mengomunikasikan karakter dan situasi kepada penonton melalui dialog, bahasa tubuh, dan tindakan. Mereka biasanya menafsirkan karya seorang penulis di bawah instruksi dan dukungan sutradara, meskipun beberapa aktor mungkin merancang karakter sendiri atau mengimprovisasi respons karakter terhadap suatu situasi. Jenis pekerjaan dan media sangat bervariasi, mencakup peran di atas panggung, di film atau televisi dan di radio.

Baca Juga : Mengenal Teater Anatomi Terindah Di Italia

Sayangnya, akting bukanlah profesi yang paling aman sangat kompetitif, dan mungkin ada periode di mana Anda mungkin kesulitan mencari pekerjaan. Namun, jika Anda menyukai akting dan memiliki bakat untuk itu, tidak ada alasan mengapa Anda tidak bisa mengejar karir ini.

Untuk memulai, Anda harus membangun pengalaman dalam berbagai peran yang baik, karena menjadi serba bisa akan mempermudah mencari pekerjaan. Anda mungkin juga mempertimbangkan untuk mencari agen, yang mungkin dapat menemukan peran dan mengatur pembayaran yang lebih tinggi untuk Anda, tetapi akan mengambil sebagian dari penghasilan Anda sebagai biaya.

Penari

Penari menggunakan gerakan untuk menafsirkan musik, bercerita dan mengekspresikan emosi, seringkali di bawah bimbingan seorang koreografer. Anda dapat menari di depan penonton langsung atau dalam rekaman pertunjukan untuk TV, film, atau video musik.

Penari dapat bekerja dan berspesialisasi dalam berbagai bentuk tarian, dan Anda akan lebih mungkin menemukan pekerjaan jika Anda dapat tampil dalam berbagai gaya. Anda harus memiliki ritme dan waktu yang baik, dapat tetap fokus, bekerja keras, dan tetap antusias.

Jika Anda memiliki bakat menari, dan kemauan keras untuk berhasil, karier ini cocok untuk Anda. Untuk meningkatkan peluang Anda mendapatkan pekerjaan, Anda harus membangun jaringan kontak dan mempromosikan diri Anda, sekali lagi mungkin dengan bantuan agen. Anda juga bisa menambah penghasilan dengan bekerja sebagai guru tari atau koreografer.

Pemain teater musikal

Pelaku teater musikal umumnya merupakan ‘ancaman rangkap tiga’ terampil dalam menyanyi, menari, dan berakting. Ini bisa menjadi karir yang menuntut, dengan delapan pertunjukan seminggu menjadi norma, dan persaingan untuk peran sangat ketat.

Namun, seperti halnya akting dan menari, tidak ada alasan Anda tidak bisa sukses sebagai pemain teater musikal jika Anda bertekad, berbakat, dan bersemangat dengan apa yang Anda lakukan.

Anda harus mencoba dan mendapatkan pengalaman sebanyak mungkin, membuat koneksi di industri, terus menantang diri sendiri untuk mengembangkan keterampilan yang ada, dan membangun kepercayaan diri Anda sebagai pemain yang kuat.

Tari, musik atau drama terapis

Pekerjaan seni pertunjukan ini memungkinkan Anda menggunakan kecintaan Anda pada tarian, musik, atau drama untuk membantu individu dari segala usia mengatasi kesulitan pribadi. Terapis drama menggunakan kegiatan seperti kerja kelompok atau permainan peran untuk mendorong orang berdamai dengan emosi mereka dan mengekspresikan diri, membantu mereka mengatasi atau maju dalam kesulitan sosial atau pribadi mereka.

Demikian pula, terapis musik menggunakan musik untuk membantu orang mengatasi perasaan yang tidak dapat mereka ungkapkan dengan kata-kata. Anda akan menggunakan musik secara kreatif untuk membangun pengalaman musik bersama dan bertujuan untuk tujuan terapeutik. Terapis gerakan tari menggunakan gerakan dan tarian dalam suasana terapeutik untuk membantu orang-orang yang menghadapi masalah fisik, psikologis, emosional atau mental.

Untuk masuk ke salah satu pekerjaan seni pertunjukan ini, Anda memerlukan kualifikasi pascasarjana di sektor pilihan Anda, serta pengalaman berbayar atau tidak berbayar dalam membantu orang mengatasi masalah atau kesulitan.

Sutradara teater

Sutradara teater menghidupkan naskah di atas panggung, bekerja sama dengan semua orang yang terlibat untuk menciptakan pertunjukan yang terhubung dengan penonton. Mereka bertanggung jawab atas interpretasi praktis dan kreatif dari naskah dramatis atau skor musik dan terlibat dalam keseluruhan proses dari awal hingga akhir.

Beberapa sutradara teater menulis, merancang, atau bertindak dalam karya mereka sendiri. Untuk menjadi sutradara teater, Anda harus mencoba dan menjadikan diri Anda sangat diperlukan di teater lokal Anda sebagai asisten, mungkin dimulai dengan kelompok teater amatir dan terus meningkat, memperoleh keterampilan dan reputasi yang kuat seiring berjalannya waktu.

Penulis skenario

Jika Anda memiliki hasrat untuk membuat skrip, dan minat yang kuat pada media digital, karier ini cocok untuk Anda. Anda akan menggunakan imajinasi Anda untuk membuat cerita yang menarik untuk berbagai format, dari film hingga televisi dan bahkan permainan komputer.

Anda akan membutuhkan tekad, motivasi, dan kemampuan untuk memenuhi tenggat waktu yang ketat. Jangan khawatir jika Anda belum pernah belajar menulis secara formal sebelumnya – keterampilan adalah yang terpenting, dan Anda dapat mengembangkan keterampilan Anda dengan bergabung dengan organisasi penulis.

Pekerjaan seni pertunjukan lainnya

Administrator seni

Administrator seni mengatur kegiatan dan layanan seni dan memastikan mereka berhasil. Mereka bekerja untuk berbagai organisasi seperti teater atau museum. Jika Anda menyukai seni dan suka mengelola dan mengorganisir, karier ini cocok untuk Anda, memungkinkan Anda memperoleh persepsi seni yang berbeda. Anda akan membutuhkan keterampilan administrasi, organisasi, dan TI yang kuat untuk peran ini.

Manajer panggung teater

Karier seni pertunjukan lain di mana Anda memerlukan keterampilan organisasi yang baik adalah manajer panggung teater, yang bertanggung jawab untuk memastikan pertunjukan berjalan dengan lancar.

Anda juga memerlukan keterampilan orang-orang hebat untuk mengelola dan membangun jaringan dengan semua orang yang terlibat dalam pertunjukan, termasuk staf front-of-house dan sutradara. Peran ini dapat menuntut, tetapi menawarkan peluang untuk pencapaian pribadi dan kelompok. Untuk masuk ke peran ini, Anda harus memiliki pengalaman praktis dalam pekerjaan teater.

Pembawa acara siaran

Presenter penyiaran adalah wajah atau suara publik dari program yang disajikan di televisi, radio, dan internet. Mereka menghibur dan menginformasikan audiensnya dengan menyajikan informasi atau hiburan secara terbuka dan menarik, umumnya berinteraksi dengan audiens dan mungkin mewawancarai tamu.

Ini adalah area kompetitif lain sehingga Anda harus didorong dan antusias, dengan minat yang kuat pada televisi/radio. Anda juga harus membangun sebanyak mungkin pengalaman kerja berbayar atau sukarela yang relevan, mungkin meningkatkan dari peran asisten, dan mendapatkan keterampilan prasyarat saat Anda pergi.

Baca Juga : Mengulas Lookingglass Theatre Company, MCA Stage dan Teater Marriott

Guru/dosen perguruan tinggi

Jika Anda ingin menggunakan kecintaan Anda pada seni pertunjukan untuk memotivasi dan menginspirasi kaum muda dan mendorong bakat-bakat pemula, karier dalam mengajar bisa sangat bermanfaat. Anda bisa berspesialisasi dalam bentuk seni pertunjukan tertentu, dan mungkin menjalankan klub drama untuk mendorong lebih banyak interaksi dengan seni pertunjukan di luar jam mengajar.

Untuk masuk, Anda memerlukan kualifikasi dalam mengajar (dan gelar PhD jika Anda ingin menjadi dosen pendidikan tinggi), karena pemahaman ahli tentang subjek sangat penting. Anda juga harus memiliki banyak kepercayaan diri dan keterampilan presentasi untuk berkomunikasi secara efisien dengan sekelompok besar siswa (terutama di ruang kuliah sebagai dosen universitas).