Para penggemar teater pasti langsung mau kalau diajak nonton pertunjukan di Italia. Bagaimana tidak? Negara yang satu ini memang terkenal akan keseniannya termasuk kesenian teater. Bahkan kalau tidak menonton pertunjukanpun pasti tetap mau diajak berkeliling gedung teaternya. Tapi ingat, saat memasuki gedung teaternya, berhenti sejenak ya dari permainan slot hanabero. Supaya fokus menikmati keindahan gedungnya.

• Teatro Olimpico Bikin Terperangah Seperti Untung dari Slot Online Hanabero

Mengunjungi kerajaan Romawi di masa lalu bukanlah mimpi. Kunjungi saja Teatro Olimpico. Begitu menginjakkan kaki di teater ini, kamu pasti akan merasa dibawa ke masa lalu. Dinding-dindingnya dihiasi dengan patung-patung serta ornamen kerajaan Romawi. Membuat tempat ini terlihat megah. Jangan heran kalau kamu langsung terperangah ketika melihatnya, seperti memenangkan jackpot utama permainan slot.

Lokasi satu ini juga pernah muncul dalam Ripley’s Game dan membuatnya menjadi salah satu destinasi wisata wajib. Di teater ini terdapat light show yang menyorot panggung dan sekitarnya. Jadi kalau ingin kunjungannya lebih spektakuler lagi, pastikan datang saat light shownya tengah berlangsung atau datang untuk menyaksikan pertunjukan di gedung ini. Jangan sampai kelewatan untuk berkunjung ke sini kalau ke Vicenza. Main slotnya berhenti sebentar dan kagumi keindahan yang bertahan dari abad ke 16 ini.

Teatro Olimpico

• Main Slot Hanabero Bisa Berhenti Sejenak Kalau Lihat Teatro La Fenice

Sedang berkunjung ke Venesia? Pastikan berkunjung juga ke Teatro La Fenice. Gedung teater ini sangat terlihat mewah dan tidak kehilangan nilai sejarahnya walaupun sudah berulang kali direnovasi. Teatro La Fenice mengalami beberapa kali kebakaran, tapi sekarang sudah direnovasi dengan baik. Seperti pemain judi slot yang bangkit kembali walaupun mengalami kerugian.

Untuk masuk ke sini, pengunjung harus membayar biaya tiket 11 euro dan sudah termasuk dengan audio guide. Pengunjung bisa dengan bebas menjalajahi area publik di teater ini dan menikmati keindahannya. Sangat disarankan untuk bisa menonton pertunjukan di teater ini karena keindahan bangunannya seiring dengan keindahan suara pertunjukannya. Combo yang tepat seperti di permainan agen slot online yang bisa menghibur sekaligus memberikan keuntungan.

• Bak Istana, Il Vittoriale degli Italiani Bikin Pemain Teralihkan dari Agen Slot Hanabero

Vittoriale degli Italiani

Museum sekaligus teater satu ini terletak di Gardone Riviera. Kompleks ini terlihat bak istana lengkap dengan amphiteaternya. Semuanya tampak terawat dan bersih sehingga semua yang berkunjung kesini pasti bisa menikmatinya dengan maksimal. Mulailah dengan jalan-jalan di taman dan hirup udara segarnya. Semacam pemanasan kalau main slot, jalan-jalan di taman Il Vittoriale bisa membuat pikiran fresh dan siap menikmati keindahan selanjutnya.

Museum di sini berisi aneka koleksi sejarah, kesenian, dan juga sastra yang sayang untuk dilewatkan. Jika berkunjung di saat ada pertunjukan dijadwalkan, jangan sampai terlewat ya. Pertunjukan di amphiteaternya memberikan kesan yang berbeda dari menonton pertunjukan di gedung teater lainnya. Sangat disarankan untuk mengenakan alas kaki yang nyaman jika kesini karena pasti ingin melihat semua yang ada di sini. Pastikan juga untuk mengosongkan jadwalmu karena tidak cukup hanya satu dua jam saja kalau di sini. Gunakan beberapa jam tersebut untuk behenti main slot dan nikmati semuanya yang ada di sini. Setelah fresh, pasti semakin semangat main slotnya.

Sudah tahu mau mengunjungi yang mana? Masih ada banyak sekali gedung teater yang tersebar di negara ini lho dan semuanya memiliki keunikannya masing-masing. Jika punya budget lebih, sempatkan juga untuk menonton pertunjukannya. Pastinya akan jadi pengalaman tak terlupakan seperti saat dapat jackpot dari slot hanabero.

Mengenal Teater Anatomi Terindah Di Italia
Theater

Mengenal Teater Anatomi Terindah Di Italia

Mengenal Teater Anatomi Terindah Di Italia – Teater Anatomi adalah salah satu institusi terpenting dalam sejarah kedokteran . Mereka digunakan dalam pengajaran anatomi di universitas modern awal. Dalam sebagian besar kasus secara ilegal, karena dilarang oleh Gereja Katolik.

toscanaspettacolo

Mengenal Teater Anatomi Terindah Di Italia

toscanaspettacolo – Mereka disebut teater karena bentuknya yang amfiteater, di tengahnya akan berdiri meja tempat pembedahan tubuh manusia atau hewan berlangsung. Di sekeliling meja ini ada beberapa tingkat melingkar, elips, atau segi delapan dengan pagar, di mana siswa atau pengamat lain bisa berdiri dan mendapatkan pemandangan yang baik dari pembedahan hampir dari atas dan tidak terbebani oleh penonton di barisan di depan.

Selain itu, pembedahan tampak sedikit seperti tontonan teater. Misalnya di teater anatomi di Bologna, otopsi biasanya diadakan dengan iringan pemain biola yang seharusnya membuat seluruh pengalaman lebih tertahankan bagi para siswa.

Baca Juga : Sejarah Teater Dan Amfiteater Di Dunia Romawi

Teater anatomi pertama dibangun di Universitas Padua pada tahun 1594 dan masih dilestarikan. Contoh awal lainnya termasuk Teater Anatomicum Universitas Leiden, dibangun pada tahun 1596 dan direkonstruksi pada tahun 1988, dan Teater Anatomi Archiginnasio di Bologna (yang bangunannya berasal dari tahun 1563 dan teater anatomis dari tahun 1637). Jadi inilah mereka: teater anatomi paling indah di Italia.

Teater Anatomi, Universitas Padua

Teater anatomi tertua di dunia terletak di Palazzo del Bo di Universitas Padua dan dibangun pada tahun 1594 oleh ahli bedah Italia dan ahli anatomi Renaisans yang membantu menemukan embriologi modern, Girolamo Fabricius Acquapendente.

Teater anatomi yang indah ini, berukuran sangat kecil, memiliki enam tingkat yang diukir dari kenari dan dapat menampung hingga 300 penonton. Setelah pembedahan terakhir pada tahun 1872, teater telah dilestarikan, bahkan meja aslinya masih berdiri dan sekarang bangunan itu menampung alat-alat bedah bersejarah dan artefak penting medis.

Mayat yang akan digunakan untuk otopsi dikirim ke Universitas oleh otoritas kehakiman – mereka sering kali adalah mayat orang yang dieksekusi. Agar pelajaran diadakan secara teratur, yang disebut ‘pramugara’, yang bertugas menyediakan mayat yang diperlukan, ditunjuk. Jika Anda pernah bepergian ke Padua jangan lewatkan Capella degli Scrovegni dan tempat yang fantastis ini!

Teater Anatomi, Universitas Bologna

University of Bologna menjadi tuan rumah salah satu teater anatomi terindah di dunia. Pembangunan teater anatomi Archiginnasio dimulai pada tahun 1636 dan selesai pada tahun 1737. Setiap sudut ruangan didekorasi dengan rumit dengan patung seorang wanita yang ditawari tulang paha oleh seorang malaikat dan dokter terkenal seperti Hippocrates, Galenus, dll. berdiri di ceruk. Langit-langitnya dihiasi dengan simbol astrologi dengan keyakinan bahwa setiap bagian tubuh ditempatkan di bawah perwalian tanda zodiak.

Dua bagian ruangan yang paling terkenal adalah patung Spellati, model anatomi yang menampilkan otot-otot di bawah kulit. Sayangnya, pada 29 Januari 1944, selama Perang Dunia Kedua, teater itu hampir hancur total. Setelah perang berakhir, teater dibangun kembali menggunakan semua bagian aslinya.

Teater Anatomi, Ospedale del Ceppo, Pistoia

Ospedale del Ceppo didirikan pada abad ke-13, menjadikannya salah satu rumah sakit tertua di dunia yang masih berfungsi. Tampaknya pelajaran kedokteran diadakan di rumah sakit sejak abad ke-16. Pelajaran anatomi juga diadakan di Teater Anatomi dari akhir abad ke-18.

Arsitektur neoklasik, fresco dengan grottesche dan medali yang menampilkan warna-warna pastel; suasana yang canggih sangat kontras dengan fungsi tempat itu. Sekolah ini aktif sampai tahun 1844. Teater adalah ruangan persegi panjang berukuran sedang, dengan meja anatomi di tengah dan dua baris bangku yang ditinggikan untuk siswa.

Debut dunia Anatomy Theater: opera paling mengerikan yang pernah ada?

Di sini tidak diragukan lagi panggung opera telah melihat bagian yang adil dari darah selama bertahun-tahun, apakah itu adegan gila di Lucia di Lammermoor karya Donizetti , noda halus namun keras kepala yang mengotori tangan Lady Macbeth , tetesan merah yang menandakan akhir dari Mimi di La boheme , atau bahkan mayat para pelamar bertebaran di luar istana Turandot.

Tapi ada darah dan kemudian ada darah, seperti yang dengan tegas diilustrasikan oleh Anatomy Theater , komposer David Lang dan operet baru artis Mark Dion menikmati pemutaran perdana dunianya di Redcat Los Angeles selama lima pertunjukan yang dimulai pada 16 Juni, bagian dari seri Off Grand LA Opera.

“Ada saat-saat ketika orang memiliki semua agenda yang berbeda untuk alasan mengapa pelajaran anatomi ini berlangsung. Kami pikir itu akan menjadi hal yang sangat menarik dan provokatif untuk dilakukan, ”kata Lang tentang yang terbaru, tentang eksekusi seorang pembunuh di Inggris abad ke-17 yang kemudian dibedah di depan umum untuk menghilangkan organ ganas yang dianggap sebagai dorongan untuk kejahatannya.

“Yang menarik bagi saya adalah melalui keajaiban opera kita bisa membedah orang ini dan dia bisa terus bernyanyi. Itu adalah sesuatu yang dapat kami tawarkan yang tidak dapat diberikan oleh pelajaran anatomi yang sebenarnya.”

Lang dan teman-temannya bukannya bersaing untuk mendapatkan penonton yang mencari darah. Hari-hari pembedahan publik sudah lama berlalu tetapi tidak cukup cepat untuk acara Sarah Osborne, yang dinyanyikan oleh mezzo Peabody Southwell.

Diperkosa dan dipukuli oleh ayah tirinya pada usia dini, Osborne diusir dari rumahnya oleh ibunya dan beralih ke kehidupan pelacuran. Setelah dia menikahi mucikarinya, dia juga memukulinya sampai suatu malam dia membuangnya dengan meminum minuman kerasnya dan membekapnya dengan bantal. Ketika perbuatan itu dilakukan, dia melakukan hal yang sama kepada kedua anaknya yang masih kecil.

Saat Teater Anatomi dimulai, dia berdiri di tiang gantungan untuk membayar kejahatannya. Beberapa saat kemudian, pekerjaan nyata untuk mengungkap kejahatan sedang berlangsung untuk kepentingan audiens yang membayar. Pembawa acara Jonathan Crouch, dinyanyikan oleh bariton Marc Kudisch , didampingi oleh ahli anatomi Baron Peel, (bass-bariton Robert Osborne ). Asistennya Ambrose Strang, dinyanyikan oleh tenor Timur , melakukan pekerjaan kotor mengiris mayat yang masih hangat.

“Tantangan terbesar saya dalam karya ini adalah saya kemudian harus bermain mati selama 45 menit sambil ditopang di atas platform meja vertikal sementara anak-anak lelaki itu menusuk dan mendorong saya dan menggeser dan menabrak saya,” kata Southwell yang telanjang di sebagian besar produksi sebagai organ-organnya diekstraksi dan diperiksa untuk mencari tanda-tanda kejahatan yang busuk.

“Saya bisa berpura-pura mati dengan pakaian jauh lebih mudah. Tetapi karena semua mekanisme pernapasan saya terlihat dan mekanisme menelan saya terlihat dan sangat jelas, saya bekerja dengan guru Pilates dan guru meditasi saya. Ini kebalikan dari pernapasan penyanyi. Saya harus menemukan napas yang sangat dangkal ini yang dapat saya tahan selama 45 menit.”

Untuk semua darah kental dan ketelanjangannya, Teater Anatomi mungkin terdengar seperti menarik bagi naluri dasar penontonnya, tetapi kenyataannya justru sebaliknya. “Alasan mengapa wanita ini dieksekusi dan alasan mengapa Donald Trump menemukan orang untuk mendukungnya adalah karena ada hal-hal di dunia yang harus kita takuti,” jelas Lang, yang memenangkan Hadiah Pulitzer untuk karya paduan suara, The Little Match Girl Passion , serta nominasi Oscar untuk Simple Song #3 dalam film karya Paolo Sorrentino , Youth .

Baca Juga : Mengulas Lifeline Theatre dan Teater iO

Diproduksi oleh avatar avant-garde Beth Morrison Projects , Teater Anatomi menggambarkan ekstrem irasional yang akan dilakukan masyarakat untuk melindungi dirinya sendiri. “Tampaknya biadab dalam opera kami bahwa ini adalah cara orang menghadapi ketakutan mereka.

Namun itu adalah sesuatu yang masih ada bagi kita. Dan saya pikir itu adalah sesuatu yang benar-benar ditunjukkan oleh situasi Donald Trump ketakutan ini tidak bisa hilang. Kita tidak bisa kehilangan kewaspadaan kita dalam mencoba untuk menjaga pendekatan yang lebih dalam dan lebih filosofis dan masuk akal tentang bagaimana kita melindungi diri kita sendiri.”

Sejarah Teater Dan Amfiteater Di Dunia Romawi
Theater

Sejarah Teater Dan Amfiteater Di Dunia Romawi

Sejarah Teater Dan Amfiteater Di Dunia Romawi – Tontonan adalah bagian integral dari kehidupan di dunia Romawi. Beberapa bentuk tontonan—prosesi kemenangan, pemakaman aristokrat, dan perjamuan publik, misalnya mengambil latar belakang kota itu sendiri.

toscanaspettacolo

Sejarah Teater Dan Amfiteater Di Dunia Romawi

toscanaspettacolo – Lainnya diadakan di gedung penonton yang dibangun khusus: teater untuk drama dan hiburan pemandangan lainnya, amfiteater untuk pertarungan gladiator dan pertunjukan binatang buas, stadion untuk kompetisi atletik , dan sirkus untuk balapan kereta ( 59.11.14 ). Secara keseluruhan, budaya tontonan yang meresap ini berfungsi baik sebagai kendaraan untuk iklan diri oleh elit sosial politik dan sebagai sarana untuk memperkuat nilai-nilai dan institusi bersama dari seluruh komunitas.

Teater di Dunia Romawi

Menurut sejarawan kuno Livy, aktivitas teater paling awal di Roma berbentuk tarian dengan iringan musik, yang diperkenalkan ke kota oleh orang Etruria pada 364 SM Catatan sastra juga menunjukkan bahwa Atellanae, suatu bentuk bahasa Italic asli lelucon (seperti phlyakes [ 24.97.104 ] dari Italia selatan), dilakukan di Roma pada tanggal yang relatif awal.

Baca Juga : Yang Perlu Diketahui Tentang Pergi Ke Teater Di Italia

Pada 240 SM , drama panjang penuh naskah diperkenalkan ke Roma oleh penulis naskah Livius Andronicus, penduduk asli kota Yunani Tarentum di Italia selatan. Drama Latin paling awal yang bertahan utuh adalah komedi Plautus (aktif sekitar 205–184 SM), yang pada dasarnya merupakan adaptasi dari Greek New Comedy .

Tragedi Latin juga berkembang selama abad kedua SM Sementara beberapa contoh genre diperlakukan cerita dari mitos Yunani, yang lain prihatin dengan episode terkenal dari sejarah Romawi. Setelah abad kedua SM , komposisi tragedi dan komedi menurun drastis di Roma.

Selama periode kekaisaran , bentuk hiburan teater yang paling populer adalah mime (produksi komik cabul dengan plot sensasional dan sindiran seksual) dan pantomim (pertunjukan oleh penari solo dengan iringan paduan suara, biasanya menciptakan kembali mitos tragis).

Acara utama untuk tontonan dramatis di dunia Romawi adalah festival keagamaan tahunan, atau ludi , yang diselenggarakan oleh hakim terpilih dan didanai dari kas negara.

Pendedikasian bait suci, kemenangan militer, dan pemakaman aristokrat juga menyediakan kesempatan untuk pertunjukan yang indah. Sampai tahun 55 SM, tidak ada teater permanen di kota Roma, dan drama dipentaskan dalam struktur kayu sementara, dimaksudkan untuk berdiri selama beberapa minggu paling lama.

Sumber-sumber kuno sependapat bahwa penundaan pembangunan teater permanen disebabkan oleh oposisi senator yang aktif, meskipun kemungkinan alasan untuk perlawanan ini (keprihatinan terhadap moralitas Romawi, ketakutan akan hasutan rakyat, persaingan di antara para elit) tetap menjadi bahan perdebatan. Catatan sastra teater sementara menunjukkan bahwa mereka bisa sangat rumit.

Dokumentasi terbaik adalah teater yang didirikan oleh hakim M. Aemilius Scaurus pada tahun 58 SM , yang menurut laporan Pliny memiliki bangunan panggung yang terdiri dari tiga tingkat kolom dan dihiasi dengan 3.000 patung perunggu.

Teater permanen pertama di kota Roma adalah Teater Pompey, yang didedikasikan pada 55 SM oleh saingan Julius Caesar, Pompey the Great. Teater, yang hanya fondasinya dipertahankan, adalah struktur yang sangat besar, menjulang hingga sekitar 45 meter dan mampu menampung hingga 20.000 penonton. Di bagian belakang gedung panggung ada serambi besar bertiang, yang menampung karya seni dan taman.

Dibangun setelah kampanye militer spektakuler Pompey pada tahun 60-an SM , teater ini sebagian besar berfungsi sebagai monumen kemenangan. Gua (area tempat duduk) dimahkotai oleh sebuah kuil untuk Venus Victrix, dewa pelindung Pompey, dan teater itu dihiasi dengan patung-patung dewi Kemenangan dan personifikasi negara-negara yang telah ditaklukkan Pompey dalam pertempuran.

Dedikasi Pompey secara efektif mengkanonisasi bentuk teater Romawi, menyediakan prototipe yang akan direplikasi di seluruh kekaisaran selama hampir tiga abad. Jenis bangunan baru ini berbeda secara mencolok dari teater tradisional Yunani . Yang terakhir terdiri dari dua struktur terpisah: area tempat duduk berbentuk tapal kuda dan bangunan panggung yang berdiri sendiri.

Teater Romawi, sebaliknya, adalah bangunan yang sepenuhnya tertutup, tidak beratap tetapi sering ditutupi dengan tenda pada hari-hari pertunjukan. Area tempat duduk di teater Yunani ditopang di lereng bukit alami, sedangkan teater Romawi ditopang setidaknya sebagian di kubah beton, yang menyediakan akses dari luar bangunan ke gua.

Di dunia Helenistik, bangunan panggung adalah struktur yang relatif rendah, dihiasi dengan panel yang dicat tetapi jarang dengan patung skala besar. Teater Romawi, di sisi lain, ditandai dengan tinggi, lebar frons scaenae (tahap-depan) dengan beberapa cerita, diartikulasikan oleh berdiri bebas kolom dan boros dihiasi dengan patung-patung dari dewa dan pahlawan dan potret dari keluarga kekaisaran dan tokoh-tokoh lokal.

Perbedaan arsitektural antara teater Romawi dan pendahulunya Yunani tidak dijelaskan secara memuaskan oleh faktor-faktor fungsional seperti optik, akustik, atau kebutuhan pementasan.

Sebaliknya, adaptasi Roma terhadap teater Yunani tampaknya sebagian besar didorong oleh kekuatan sosial dan politik. Scaenae frons kolumnar , misalnya, mungkin telah dikembangkan untuk menampung patung-patung yang dijarah dari Yunani dan Asia Kecil oleh jenderal Romawi dan dipamerkan di pertandingan kemenangansebagai bukti kekuatan militer mereka.

Arsitektur teater Romawi juga menandakan kepedulian Romawi terhadap kontrol sosial dan tampilan hierarkis. Berbeda dengan dunia Yunani, di mana tempat duduk di teater sebagian besar terbuka, penonton Romawi secara ketat dipisahkan berdasarkan kelas, jenis kelamin, kebangsaan, profesi, dan status perkawinan. Hal ini tercermin baik dalam bentuk tertutup teater Romawi, yang membatasi akses ke gedung, dan sistem substruktur berkubah, yang memfasilitasi rute penonton ke sektor tempat duduk yang sesuai.

Amfiteater di Dunia Romawi

Berbeda dengan teater Romawi, yang berkembang dari model Yunani, amfiteater tidak memiliki preseden arsitektur di dunia Yunani. Demikian pula, tontonan yang terjadi di amfiteater—pertarungan gladiator dan venationes (pertunjukan binatang buas) berasal dari Italic, bukan Yunani. Bukti aman paling awal untuk kontes gladiator berasal dari dekorasi lukisan makam abad keempat SM di Paestum di Italia selatan.

Beberapa penulis kuno mencatat bahwa pertempuran gladiator diperkenalkan ke Roma pada 264 SM , pada kesempatan munera (permainan pemakaman) untuk menghormati seorang warga elit bernama D. Iunius Brutus Pera. Pada pertengahan abad pertama SM, kontes gladiator dipentaskan tidak hanya di pemakaman, tetapi juga di festival yang disponsori negara ( ludi ).

Sepanjang periode kekaisaran, mereka tetap menjadi rute penting untuk disukai oleh kaisar dan pemimpin provinsi. Pada tahun 325 M , Konstantinus (26,229) , kaisar Kristen pertama, melarang pertempuran gladiator dengan alasan terlalu haus darah untuk masa damai. Namun, bukti literatur, epigrafik, dan arkeologis menunjukkan bahwa permainan gladiator berlanjut setidaknya sampai pertengahan abad kelima Masehi.

Seperti dalam kasus hiburan teater, tempat paling awal untuk permainan gladiator di Roma adalah bangunan kayu sementara. Pada awal 218 SM , menurut Livy, kontes gladiator dipentaskan di ruang terbuka Forum Romawi yang memanjang, dengan tribun kayu untuk penonton. Struktur sementara ini mungkin menyediakan prototipe untuk amfiteater monumental, jenis bangunan yang dicirikan oleh area tempat duduk elips yang menutupi ruang pertunjukan yang datar.

Amfiteater batu pertama yang dapat didata dengan aman adalah yang ada di Pompeii, dibangun pada 80–70 SM Seperti kebanyakan amfiteater awal, contoh Pompeian memiliki penampilan yang sederhana dan fungsional, dengan kursi yang sebagian ditopang pada tanggul tanah.

Amfiteater batu paling awal di Roma dibangun pada 29 SM oleh T. Statilius Taurus, salah satu jenderal paling tepercaya dari kaisar Augustus . Bangunan ini terbakar selama kebakaran besar tahun 64 M dan digantikan oleh Colosseum (59.570.426) , yang didedikasikan oleh kaisar Titus pada tahun 80 M dan masih menjadi salah satu landmark Roma yang paling menonjol.

Tidak seperti amfiteater sebelumnya, Colosseum menampilkan fasilitas ruang bawah tanah yang rumit , termasuk kandang hewan dan elevator mekanis, serta sistem kompleks substruktur beton berkubah. The fasad terdiri dari tiga ceritadari arkade yang diapit oleh kolom-kolom yang terlibat dari ordo Tuscan, Ionic, dan Corinthian.

Representasi bangunan pada koin kuno menunjukkan bahwa patung dewa dan pahlawan kolosal berdiri di arkade atas. Dimasukkannya perintah kolumnar Yunani dan salinan patung-patung Yunani mungkin mencerminkan keinginan untuk mempromosikan amfiteater, jenis bangunan Romawi yang unik, ke tingkat yang sama dalam hierarki arsitektur sebagai teater, dengan preseden Yunani yang terhormat.

Baca Juga : Berikut Perusahaan Teater Yang Berdiri Di Chicago

Selain kontes gladiator, amfiteater menyediakan tempat untuk venationes, tontonan yang melibatkan pembantaian hewan oleh pemburu terlatih yang disebut venatores atau bestiarii. Venationes mahal untuk dipasang dan karenanya berfungsi untuk mengiklankan kekayaan dan kemurahan hati pejabat yang mensponsori mereka. Masuknya spesies eksotis (singa, macan kumbang, badak, gajah, dll.) juga menunjukkan jangkauan kekuasaan Romawi yang luas.

Jenis tontonan ketiga yang terjadi di amfiteater adalah eksekusi publik. Penjahat yang dihukum dibunuh dengan cara disalibkan, dikremasi, atau diserang oleh binatang buas, dan terkadang dipaksa untuk menghidupkan kembali mitos-mitos yang mengerikan.

Yang Perlu Diketahui Tentang Pergi Ke Teater Di Italia
Theater

Yang Perlu Diketahui Tentang Pergi Ke Teater Di Italia

Yang Perlu Diketahui Tentang Pergi Ke Teater Di Italia – Italia tentu memiliki bakat untuk dramatis. Sangat masuk akal bahwa Teater berasal dari sini. Verdi dan Puccini menulis cerita yang penuh dengan melodrama dan patah hati. Teater pertama diproduksi di Florence pada tahun 1598, dengan piagam asli sedang dikembangkan di ruangan sebenarnya yang merupakan bagian dari apartemen La Camerata Fiorentina dari Italy Perfect.

toscanaspettacolo

Yang Perlu Diketahui Tentang Pergi Ke Teater Di Italia

toscanaspettacolo – Bentuk seni mencapai puncak popularitasnya pada tahun 1800-an. Jangan lupa sapu tangan untuk menghapus air mata Anda atas kematian tragis Floria Tosca dan penguasaan musik dan emosi O Mio Babbino Caro . Panduan kami memiliki semua yang perlu Anda ketahui, mulai dari alamat gedung Teater terbaik di Italia hingga apa yang harus dikenakan dan cara mendapatkan tiket.

Apa yang harus dipakai ke Teater di Italia

Malam di Teater adalah waktu untuk memakai sepatu gemerlap dan gaun manis yang telah Anda simpan. Tidak ada yang lebih dari Milan. Bersahaja, tetapi sangat elegan, adalah kode berpakaian di sana. Pria harus mengenakan setelan gelap dan wanita mengenakan pakaian terbaik mereka. Semakin sederhana kursinya, semakin tidak formal pakaian Anda yang dibutuhkan, tetapi ini bukan tempat untuk celana pendek, t-shirt, dan tank top. Pernah.

Baca Juga : Bagaimana Memulai Karir Dengan Seni Teater

Cara mendapatkan tiket ke Teater di Italia

Setiap gedung Teater yang didirikan di Italia memiliki tiket online. Anda juga dapat mampir ke box office, tetapi ketahuilah bahwa banyak tanggal dan pertunjukan paling populer terjual habis jauh sebelumnya. Tamu Italy Perfect dapat menggunakan pramutamu lokal yang dapat membantu dengan saran dan logistik.

MILAN: Teatro ALLa Scala

Malam pembukaan La Scala , gedung Teater di Milan, adalah malam yang setara dengan beberapa acara Hollywood yang paling gemerlap. Itu selalu pada tanggal 7 Desember, yang merupakan hari raya Santo Ambrosius, santo pelindung Milan. Musim berlangsung hingga akhir November. Ada aturan berpakaian di La Scala. Ingat, orang Milan sangat elegan. Tur dilakukan dengan perjanjian di Lokakarya Ansaldo di mana Anda dapat melihat kostum dan set.

Teater Di Venesia

Gedung Teater Venesia Teatro La Fenice telah menghadapi tantangan yang tak terhitung. Itu telah mengalami kebakaran dan banjir berulang kali sesuai dengan namanya La Fenice , yang diterjemahkan menjadi burung mitos phoenix. Giuseppe Verdi menayangkan banyak Teaternya, termasuk Rigoletto dan La Traviata , di teater yang megah ini.

Di sinilah penyanyi sopran terkenal Maria Callas memulai debutnya. Musim di La Fenice dimulai pada bulan November, dengan pertunjukan Teater dan balet sepanjang tahun. Sorotan musim ini adalah konser Tahun Baru. Itu bagian pertunjukan orkestra dan bagian melodrama.

Konser selalu diakhiri dengan “Va’ Pensiero” dari Nabucco dan toast “Libiam ne’ lieti calici” dariLa Traviata oleh Giuseppe Verdi. Jika Anda tidak dapat menghadiri pertunjukan, Anda masih dapat mengikuti tur teater bersejarah. Bahkan ada aplikasi untuk itu!

Di Grand Canal Italy Perfect menjamu tamu di apartemen yang indah ini: Alloro , Menta dan Zenzero .

Untuk pengalaman Teater yang lebih santai dan interaktif, lihat pertunjukan oleh Musica a Palazzo . Pertunjukan malam bergilir antara La Traviata , The Barber of Seville dan Rigoletto di kamar palazzo Barbarigo Minotto abad ke-15 di Grand Canal. Tidak ada panggung, sebaliknya penonton duduk di antara lukisan dinding oleh Tiepolo dan karya plesteran oleh Tencalla, dan bergerak di antara ruangan yang berbeda di antara babak.

Roma: Teatro dell’Teater di Roma

Musim Teater di Teatro dell’Teater di Roma berlangsung dari Oktober hingga Mei. Sesuai untuk Kota Abadi, Teater Costanzi dibangun di lokasi rumah seorang kaisar kuno. Fasad dan foyer bergaya Fasis yang parah dirancang oleh Marcello Piacentini dan memungkiri teater berornamen di dalamnya, dengan kotak-kotak berjenjang, lukisan dinding, karya plesteran, dan akustik yang sangat baik.

Pengunjung musim panas ke Roma memiliki kemungkinan yang menyenangkan. Pemandian Romawi kuno, Terme di Caracalla, diubah menjadi teater terbuka selama bulan Juli dan Agustus. Ada pertunjukan Teater dan balet (dan sesekali konser pop!)

NAPOLI: Teatro di San Carlo

The Teatro di San Carlo adalah langkah dari dramatis Piazza del Plebiscito dan istana kerajaan mantan Kings Bourbon. Dibangun pada tahun 1737, ini adalah tempat Teater tertua yang terus aktif di Eropa.

Teater di Tuscany

Festival Puccini

Satu-satunya festival yang didedikasikan hanya untuk Giacomo Puccini adalah Festival Puccini tahunan . Itu diadakan setiap musim panas di Torre del Lago, dengan pertunjukan akhir pekan dari karya-karyanya yang paling terkenal. Desa Tuscan ini, tidak jauh dari Lucca, menghadap ke Danau Massaciuccol, adalah tempat tinggal dan bekerja sang seniman. Anda dapat mengunjungi rumah Puccini dan melihat piano-piano tempat ia menggubah beberapa Teater terkenalnya termasuk Tosca dan Madam Butterfly . Ini adalah kegiatan yang luar biasa jika Anda tinggal di Villa Papavero di dekatnya .

Setahun sekali, ladang kosong di pedesaan Tuscan diubah menjadi teater terbuka. Tenor terkenal Andrea Bocelli menciptakan Teatro del Silenzio, dekat desa Lajatico, tempat ia lahir dan masih tinggal. Pertunjukan ini merupakan ekstravaganza bintang dan koreografi internasional. Tempatnya berada di pedesaan yang indah dengan berkendara dari salah satu vila kami di Chianti San Casciano.

Parma dan Verona: Arena

Jika Anda menginap di vila Italy Perfect di Emilia Romagna dekat Parma maka Anda pasti ingin mengunjungi rumah Verdi. Selama bulan September dan Oktober adalah Festival Verdi , yang mencakup perayaan makanan, anggur, dan budaya daerah tersebut.

Di Verona, pengalaman yang benar-benar tak terlupakan adalah malam di Teater di amfiteater terbuka yang dibangun pada abad pertama. Arena berada di pusat kota Verona, dan musim Teater dimulai pada pertengahan Juni dan berlangsung hingga minggu pertama bulan September.

Menawarkan kekayaan gedung opera yang bersejarah dan megah, Italia bukan hanya tempat kelahiran opera , tetapi masih merupakan salah satu tempat terbaik di dunia untuk melihat pertunjukan bentuk seni ini. Meskipun opera awalnya untuk para elit, pada akhirnya opera menemukan jalannya ke massa dan sekarang dianggap sebagai pengalaman budaya dan representasi seni yang sangat baik.

Baca Juga : Beberapa Tempat Teater Yang Dekat Dengan Chicago Park

Jika Anda ingin melihat pertunjukan tertentu, atau mengunjungi teater tertentu, pastikan untuk membeli tiket opera terlebih dahulu. Karena musim baru diumumkan sekitar tahun ini, ini adalah waktu yang tepat untuk menelusuri jadwal acara dan memesan tiket.

Bahkan jika Anda tidak memiliki kesempatan untuk menyaksikan satu atau dua aria di gedung opera ini, arsitektur dan sejarahnya akan membuat teater ini menjadi kunjungan yang berharga saat berada di Italia.

Bagaimana Memulai Karir Dengan Seni Teater
Theater

Bagaimana Memulai Karir Dengan Seni Teater

Bagaimana Memulai Karir Dengan Seni Teater – Apakah Anda seorang seniman teater berdasarkan profesi atau hasrat, atau mungkin sedang mempertimbangkan untuk belajar seni teater dan Anda bertanya-tanya apa prospek pekerjaannya? Ini mungkin menjadi perhatian banyak orang di dunia seni teater, terutama karena persaingan ketat yang saat ini mencekik pasar kerja.

toscanaspettacolo

Bagaimana Memulai Karir Dengan Seni Teater

toscanaspettacolo – Dalam artikel panjang ini, kami bertujuan untuk menjawab banyak pertanyaan yang mungkin Anda miliki tentang bertahan hidup di industri seni teater yang sangat kompetitif. Kami juga menyajikan cetak biru untuk meningkatkan peluang Anda untuk sukses. Jika Anda mengikuti panduan di sini, itu akan memajukan tujuan Anda untuk menjadi seniman berprestasi berikutnya dalam ceruk seni teater tertentu yang Anda pilih. Jadi di mana Anda harus mulai?

Memiliki Pemahaman yang Komprehensif tentang Lapangan

Seni teater adalah bidang yang luas dan pilihan kariernya luas. Seniman teater biasanya bekerja sama dalam satu produksi. Setiap film atau musik yang Anda kenal menyatukan keterampilan seniman dari beragam profesi. Ada dramawan, pemain, desainer, dan ahli adegan.

Baca Juga : Yang Perlu Anda Ketahui Tentang Pentas Commedia Dell’Arte

Itulah sebabnya teater mungkin yang paling komprehensif di antara semua seni, dan juga yang paling menantang dan mengasyikkan karena hanya membutuhkan kegagalan satu kelompok seniman untuk merusak keseluruhan pertunjukan.

Untuk mempersiapkan diri Anda dengan lebih baik, setelah gelar Anda disarankan untuk melakukan setidaknya satu magang dalam seni teater, menjalani pelatihan atau studi lebih lanjut, menjadi sukarelawan dengan organisasi terkait dalam mengajar drama, atau menjadi bagian dari beberapa kru produksi. Anda juga harus antusias dan memiliki sikap positif terhadap karir yang Anda kejar, karena kreativitas membutuhkan semangat, ketekunan, dan kesabaran, untuk membuahkan hasil.

Memahami Lanskap Industri

Anda harus mendekati karir ini dengan pengakuan bahwa memiliki gelar sarjana di salah satu jurusan teater tidak berarti karir yang sukses di industri. Ada terlalu banyak seniman dan orang-orang berbakat untuk mendapatkan tempat di dunia teater.

Namun, memiliki gelar sarjana adalah cara terbaik untuk mempersiapkan diri Anda untuk berkinerja baik dan juga meningkatkan kemampuan kerja Anda di pasar kerja. Dengan ketatnya persaingan yang harus dihadapi para seniman agar bisa sukses, Anda harus bersiap untuk menempatkan diri Anda di atas pesaing untuk membuatnya.

Perlu Anda ketahui, banyak seniman teater sukses yang tidak mengenyam pendidikan formal seni teater. Dan Anda juga akan bersaing dengan mereka. Tetapi fakta bahwa Anda memiliki gelar atau rencana untuk memilikinya di Seni teater memberi Anda keunggulan yang mungkin tidak dimiliki pesaing Anda. Misalnya, siswa yang mengambil jurusan seni Teater lebih cepat menguasai seni setelah memiliki beberapa pengalaman.

Mereka akan muncul dengan lebih banyak pengetahuan, kepercayaan diri, kepekaan yang lebih, dan kesadaran akan pendorong utama kesuksesan di industri ini. Ini karena program gelar Anda di Seni Teater harus memaparkan Anda pada ekspresi drama kreatif, terutama di depan penonton langsung.

Anda akan mengetahui berbagai pertunjukan artistik di TV, institusi, teater, film, dll., dengan pilihan untuk berspesialisasi dalam akting, penyutradaraan, penulisan naskah drama, desain, dan lainnya.

Memiliki gelar dalam Seni Teater seharusnya membekali Anda dengan keterampilan organisasi dan komunikasi yang hebat yang dapat Anda gunakan dalam berbagai profesi.

Untuk bekerja secara efektif dengan sesama seniman, Anda perlu mengembangkan keterampilan presentasi yang kuat, memiliki kendali penuh atas suara dan tubuh Anda saat tampil di depan umum, dapat berkonsentrasi secara intens, menjadi pendengar yang baik, mengamati dengan cermat, kreatif dalam memecahkan masalah, dan berpikir kritis.

Anda juga harus memiliki semangat kerja tim, mampu bekerja sendiri di bawah tekanan, memenuhi tenggat waktu, dan menjaga ketenangan saat menghadapi situasi yang tidak terduga.

Gelar dalam Seni Teater tidak berarti Anda harus bekerja di industri film. Anda dapat mengambil pekerjaan yang baik dalam mengajar, manajemen seni, hubungan masyarakat dan terapi drama, dan banyak lagi.

Seperti yang saya sebutkan sebelumnya, kunci untuk memulai karir dengan gelar di bidang seni teater tergantung pada hasrat Anda untuk bidang dan tingkat persiapan tertentu. Saya akan menjelaskan delapan pilihan karir untuk lulusan Seni Teater dan memberikan tip tentang cara mempersiapkan diri untuk sukses di salah satu dari mereka.

Seni Pertunjukan

Gelar Seni Pertunjukan adalah perpaduan antara bakat kreatif dan aspek praktis dari promosi diri, ditambah manajemen seni. Jika Anda ingin memasuki dunia pertunjukan, itu adalah karakteristik yang paling tidak dimiliki: bakat kreatif, promosi diri praktis, dan manajemen seni.

Langkah pertama setelah gelar Anda adalah untuk mendapatkan beberapa pengalaman kerja. Terlibat dalam kegiatan sukarela dan untuk meningkatkan pengetahuan kreatif Anda. Ada banyak proyek sukarelawan di pusat komunitas yang dekat dengan Anda, dan Anda dapat menemukannya dengan bertanya-tanya atau mencari di internet. Sebagai cara untuk mendapatkan pengalaman, Anda juga dapat membantu para profesional dalam mengembangkan proses kreatif mereka.

Ini tidak berarti bahwa Anda harus selalu berharap menemukan organisasi yang sudah mapan untuk membawa Anda. Dalam kasus di mana proyek sukarelawan tersebut tidak tersedia atau memenuhi syarat, Anda dapat mempertimbangkan untuk mengorganisir beberapa lokakarya akting atau tari dan kelompok kreatif untuk membantu diri Anda sendiri dan orang lain.

Jika Anda berhasil membuat beberapa program sukarelawan, Anda bahkan dapat memperoleh dana dari pemerintah, lembaga lain, atau perusahaan. Selalu ada opsi pendanaan yang tersedia. Anda perlu melamar sebanyak yang Anda anggap perlu untuk memenuhi kebutuhan organisasi Anda. Desas-desus mengatakan bahwa banyak seniman telah mencapai ketenaran dengan memulai perusahaan mereka sendiri di sekitar bentuk seni tertentu yang ingin mereka fokuskan dan jelajahi. Anda bisa menjadi pahlawan berikutnya.

Meskipun mungkin tidak ada imbalan uang untuk berpartisipasi dalam proyek sukarelawan, sebagian besar proyek yang tidak dibayar akan membantu membuat kaki Anda basah di dunia teater dengan menyempurnakan apa yang Anda pelajari, bertukar ide dan belajar lebih banyak dari organisasi lain semacam itu, dan meningkatkan peluang kerja Anda karena banyak profesional industri sering mengunjungi forum dan pertunjukan ini.

Pengusaha Khas Artis Pertunjukan

Berikut adalah pemberi kerja artis pertunjukan yang paling umum:

  • Organisasi Sukarela
  • Organisasi Seni
  • Perusahaan Rekreasi
  • Pemerintah lokal
  • Institusi pendidikan
  • Organisasi Layanan Kesehatan Nasional

Anda juga harus mencari kontrak lepas jangka pendek atau jangka panjang yang memenuhi syarat Anda bahkan di bidang yang berbeda. Bergerak di antara bidang dan organisasi yang berbeda menghasilkan lebih banyak peluang kerja melalui jaringan, menghadiri lelang, berkolaborasi dengan orang lain, dan meningkatkan peluang terlihat oleh beberapa profesional industri.

Anda harus berusaha menampilkan diri Anda sebaik mungkin saat mengambil bagian dalam pertunjukan apa pun karena Anda tidak tahu siapa yang mungkin mengawasi Anda. Dan tutup telinga Anda tentang apa yang terjadi di industri karena banyak peluang kerja dapat terjadi di tempat yang paling tidak biasa.

Jadi dalam mempersiapkan diri untuk memajukan karir di bidang seni pertunjukan, Anda perlu mengembangkan CV Anda dengan sempurna poin-poin berikut:

Stamina, Percaya Diri, Menerima kritik yang adil, presentasi diri, kerja tim dan kolaborasi, terorganisir dan tepat waktu, kesadaran diri, disiplin diri, berpikiran terbuka tentang pembelajaran, komunikasi yang kuat, analitis, kritis, dan keterampilan penelitian.

Anda juga harus mempertimbangkan untuk menyewa agen, terutama ketika Anda mulai membangun momentum. Agen berpengalaman sering kali memiliki daftar kontak jaringan yang bermanfaat bagi Anda. Agen yang memenuhi syarat juga membantu Anda menghindari kesalahan pemula dan mendapatkan audisi yang mungkin berada di luar jangkauan Anda tanpa bantuan tersebut. Tidak semua aktor akan memiliki agen, tetapi jika Anda ingin bekerja dengan perusahaan teater dan film besar, maka Anda memerlukannya.

Dramawan

Dramawan yang juga disebut dramawan adalah orang yang bertanggung jawab untuk menulis naskah untuk produksi teater. Anda akan menyusun aktor dialog yang tampil dalam konteks teater. Penulis naskah dengan jelas menentukan tujuan dan pokok bahasan drama tersebut. Mereka juga mengembangkan struktur dramatis dan menciptakan karakter drama. Untuk menjadi penulis naskah yang sukses, Anda harus menjadi penulis yang produktif dan pendongeng yang baik.

Orang sering salah mengeja dramawan sebagai penulis drama. Ejaan yang benar adalah dramawan. Itu terbentuk dari dua kata: play & wright. Kata “wright” berarti pengrajin dan sering datang sebagai akhiran dalam beberapa kata majemuk untuk mewakili orang-orang yang menciptakan hal-hal tertentu. Misalnya, ada suatu masa ketika pembuat roda umumnya disebut sebagai pembuat roda.

Apa yang Dibutuhkan untuk Menjadi Penulis Drama

Untuk berhasil dalam perdagangan ini, Anda harus bersemangat menulis, karena Anda akan menghasilkan naskah yang mendikte dialog dan tindakan. Anda juga harus memiliki keterampilan menulis yang kuat dan kemampuan untuk membuat dialog yang meyakinkan.

Penulisan naskah memiliki karakteristik yang luas dengan naskah untuk film. Tetapi ada perbedaan penting. Skrip film mungkin berisi skrip yang dapat menyertakan efek khusus yang luar biasa, seperti ledakan. Tetapi karena seorang penulis naskah selalu harus menghasilkan sesuatu untuk diimplementasikan di teater, jumlah efek yang mereka masukkan terbatas. Misalnya, Anda tidak dapat menampilkan adegan bom di teater. Itu akan meledakkan segalanya dan bahkan menakuti penonton.

Masalah dengan penulisan naskah drama adalah bahwa seni itu tampaknya tidak bergairah, meskipun masih dipraktikkan di seluruh dunia. Biasanya, seorang seniman akan membuat naskah dan mengirimkannya ke bioskop yang berbeda untuk dibeli. Jika naskahnya cukup bagus, teater membeli dan memproduksinya. Kadang-kadang penulis drama mungkin terlibat dalam produksi dan pertunjukan.

Jadi, jika Anda mengembangkan kemampuan untuk menulis naskah yang bagus, Anda sebenarnya dapat menghasilkan banyak uang dengan menjual ke bioskop dan perusahaan film. Beberapa dari perusahaan ini bahkan akan menjadikan Anda karyawan tetap jika mereka memang menyukai bakat Anda.

Itulah sebabnya Anda harus melakukan semua yang diperlukan untuk menguasai seni ini sebelum mencoba menghasilkan keuntungan darinya. Anda harus benar-benar baik untuk mencari nafkah dengan menulis drama, jika tidak, Anda tidak akan menghasilkan banyak.

Pendorong kunci lain dari keberhasilan penulis naskah adalah lokasi mereka. Mereka yang berada di kota-kota dengan bioskop besar dan perusahaan film memiliki peluang lebih baik untuk menjual karya seni mereka. Biasanya, lebih sulit mencari nafkah hanya dengan menulis drama. Kebanyakan penulis drama memiliki sumber pendapatan lain.

Sutradara Film

Dengan gelar sarjana di bidang film atau bioskop, yang Anda butuhkan hanyalah pengalaman dan beberapa kualitas lain untuk menjadi Sutradara Film yang sukses. Sebagai sutradara, Anda akan mengawasi dan mengelola beberapa artis berbeda yang terlibat dalam produksi film, mulai dari anggaran hingga aktor, kru kamera dan pencahayaan, desainer, dan editor.

Banyak sutradara bekerja di perusahaan film, tetapi mayoritas tidak bekerja di sana. Anda dapat menemukan direktur yang mengelola artis untuk perusahaan produksi televisi atau video, industri periklanan, dan hampir semua film bergerak.

Tanggung jawab seorang Direktur

Dalam industri film, sutradara film mengawasi setiap keputusan kreatif yang digunakan untuk memproduksi seni gerak, mulai dari konsepsi hingga pengeditan akhir. Mereka adalah yang kedua setelah produser eksekutif, yang memiliki kata terakhir pada setiap elemen produksi.

Bagaimana Mempersiapkan Kesuksesan sebagai Sutradara

Ini adalah suatu keharusan untuk memiliki beberapa pengalaman kerja sebelum memulai karir ini – karena itu akan menjadi faktor besar dengan majikan mana pun yang Anda dekati. Anda dapat memperoleh pengalaman melalui menulis, akting, atau membantu direktur yang sudah mapan.

Anda juga harus bekerja untuk mengembangkan keterampilan manajemen dan kepemimpinan Anda, menjadi kreatif, dan berkomunikasi secara efektif. Kualitas-kualitas ini sangat penting untuk berhasil tidak hanya sebagai sutradara tetapi juga di sebagian besar bidang industri film. Karena kemampuan Anda untuk mempertahankan pekerjaan itu tergantung pada seberapa baik kinerja Anda. Dan kurangnya kepribadian, kualifikasi, atau pengalaman dapat menjadi penghalang serius dalam jangka panjang.

Baca Juga : 3 Tempat Perusahaan Produksi Teater Ternama

Pekerjaan untuk Sutradara Film

Anda dapat bekerja di berbagai industri, bukan hanya industri film. Faktanya, sebagian besar sutradara film profesional tidak bekerja di industri film meskipun itu mungkin industri yang paling menguntungkan bagi sutradara film.

Anda dapat mengarahkan produksi untuk stasiun TV regional atau lokal dan perusahaan produksi video, iklan kreatif, film pelatihan, dan mengarahkan perusahaan film skala kecil. Anda juga dapat beralih dari penyutradaraan ke penulisan, produksi, pengembangan naskah, pengajaran, pengulas, atau kritikus. Mereka juga merupakan pilihan untuk memulai bisnis pribadi kecil Anda sendiri dalam penyediaan kostum, bisnis persewaan atau pencahayaan, sekolah akting, dan banyak lainnya.

Yang Perlu Anda Ketahui Tentang Pentas Commedia Dell’Arte
Theater

Yang Perlu Anda Ketahui Tentang Pentas Commedia Dell’Arte

Yang Perlu Anda Ketahui Tentang Pentas Commedia Dell’Arte – Dellarte Commedia merupakan wujud awal pentas profesional, yang berawal dari Italia, yang terkenal di Eropa dari era ke- 16 sampai ke- 18. Commedia dellarte tadinya disebut komedi Italia dalam bahasa Inggris serta pula diketahui sebagai commedia alla maschera, commedia improvviso, serta commedia dellarte allimprovviso.

toscanaspettacolo

Yang Perlu Anda Ketahui Tentang Pentas Commedia Dell’Arte

toscanaspettacolo – Ciri khusus commedia dell’arte adalah lazzi. Pintu masuk dan keluar karakter ditulis. Sebuah lazzo adalah lelucon atau “sesuatu yang bodoh atau cerdas”, biasanya dikenal para pemain dan sampai batas tertentu rutin scripted. Karakteristik lain dari commedia dell’arte adalahpantomim , yang banyak digunakan oleh karakter Arlecchino (Harlequin).

Kepribadian dari commedia umumnya menggantikan jenis sosial serta kepribadian persediaan yang senantiasa, semacam orang berumur yang bego, pelayan yang licik, ataupun opsir militer yang penuh dengan keberanian palsu. Karakternya merupakan” sifat jelas” yang dilebih- lebihkan, semacam dokter yang ketahui segalanya bernama Il Dottore, seseorang pria tua tamak bernama Pantalone, ataupun ikatan sempurna semacam Innamorati.

Baca Juga : Teater Kontemporer Italia Menjadi Penampilan Terbaik Dalam Dunia Seni

Banyak rombongan dibentuk untuk menampilkan commedia dell’arte , termasuk I Gelosi (yang memiliki aktor seperti Isabella Andreini, dan suaminya Francesco Andreini ), Confidenti Troupe, Desioi Troupe, dan Fedeli Troupe. Commedia dell’arte sering dilakukan di luar panggung atau di area populer seperti piazza. Bentuk teater berasal dari Italia, tetapi menyebar ke seluruh Eropa dan bahkan ke Moskow.

The Commedia usul mungkin terkait dengan karnaval di Venesia, di mana, oleh 1570, penulis / aktor Andrea Calmo telah menciptakan karakter Il Magnifico, prekursor ke vecchio (orang tua) Pantalone. Dalam skenario Flaminio Scala , misalnya, Il Magnifico bertahan dan dapat dipertukarkan dengan Pantalone, hingga abad ketujuh belas. Sementara karakter Calmo (yang juga termasuk Capitano Spanyol dan tipe dottore ) tidak bertopeng, tidak pasti pada titik mana karakter tersebut mengenakan topeng.

Namun, hubungannya dengan karnaval (periode antara Epiphany dan Rabu Abu) akan menyarankan bahwa masking adalah konvensi karnaval dan diterapkan di beberapa titik. Tradisi di Italia Utara berpusat di Mantua, Florence, dan Venesia, di mana perusahaan-perusahaan besar berada di bawah perlindungan berbagai adipati.

Tradisi Neapolitan muncul di selatan dan menampilkan tokoh panggung terkemuka Pulcinella . Pulcinella telah lama diasosiasikan dengan Napoli dan diturunkan menjadi berbagai jenis di tempat lain—yang paling terkenal sebagai karakter boneka Punch (dari pertunjukan Punch dan Judy eponymous ) di Inggris.

Meskipun Commedia dell’arte berkembang di Italia selama periode Mannerist , ada tradisi lama yang mencoba membangun anteseden sejarah di zaman kuno. Meskipun dimungkinkan untuk mendeteksi kesamaan formal antara commedia dell’arte dan tradisi teater sebelumnya, tidak ada cara untuk memastikan asal usulnya. Beberapa tanggal asal ke periode Republik Romawi ( tipe Plautine ) atau Kekaisaran ( Atellan Farces ). The Atellan Farces of the Roman Empire menampilkan “tipe” kasar yang mengenakan topeng dengan fitur yang terlalu dibesar-besarkan dan plot improvisasi.

Beberapa sejarawan berpendapat bahwa karakter stok Atellan, Pappus, Maccus+Buccus, dan Manducus, adalah versi primitif dari karakter Commedia Pantalone , Pulcinella , dan il Capitano. Catatan yang lebih baru membangun tautan ke jongleur abad pertengahan, dan prototipe dari moralitas abad pertengahan, seperti Hellequin (sebagai sumber Harlequin, misalnya).

Pertunjukan commedia dell’arte pertama yang direkam datang dari Roma pada awal tahun 1551. Commedia dell’arte dilakukan di luar ruangan di tempat-tempat sementara oleh aktor profesional yang berkostum dan bertopeng, berbeda dengan commedia erudita , yang ditulis komedi, disajikan di dalam ruangan oleh aktor yang tidak terlatih dan tidak bertopeng. Pandangan ini mungkin agak meromantisasi sejak pencatatan menggambarkan Gelosi melakukan Tasso ‘s Aminta , misalnya, dan banyak yang dilakukan di pengadilan bukan di jalan.

Pada pertengahan abad ke-16, kelompok komedi tertentupemain mulai bergabung, dan pada tahun 1568 Gelosi menjadi perusahaan yang berbeda. Sesuai dengan tradisi Akademi Italia, I Gelosi mengadopsi dewa Romawi bermuka dua Janus sebagai lambang mereka . Janus melambangkan baik datang dan perginya rombongan perjalanan ini dan sifat ganda dari aktor yang menyamar sebagai “yang lain”. Gelosi tampil di Italia Utara dan Prancis di mana mereka menerima perlindungan dan perlindungan dari Raja Prancis.

Meskipun fluktuasi Gelosi mempertahankan stabilitas untuk pertunjukan dengan “sepuluh biasa”: “dua vecchi (laki-laki tua), empat innamorati (dua laki-laki dan dua kekasih perempuan), dua zanni , seorang kapten dan servetta (pelayan pelayan)”. Commedia sering tampil di dalam teater atau aula pengadilan, dan juga di beberapa teater tetap seperti Teatro Baldrucca di Florence.

Flaminio Scala, yang pernah menjadi pemain kecil di Gelosi menerbitkan skenario commedia dell’arte sekitar awal abad ke-17, benar-benar dalam upaya untuk melegitimasi bentuk—dan memastikan warisannya. Skenario ini sangat terstruktur dan dibangun di sekitar simetri dari berbagai jenis di duet: dua ZANNI , vecchi , inamorate dan inamorati , dll

Di commedia dell’arte , peran wanita dimainkan oleh wanita, didokumentasikan pada awal tahun 1560-an, menjadikan mereka aktris profesional pertama yang dikenal di Eropa sejak zaman kuno. Lucrezia Di Siena , yang namanya tercantum dalam kontrak aktor dari 10 Oktober 1564, telah disebut sebagai aktris Italia pertama yang diketahui namanya, dengan Vincenza Armani dan Barbara Flaminia sebagai primadona pertama dan aktris pertama yang terdokumentasi dengan baik di Italia ( dan Eropa).

Pada tahun 1570-an, kritikus teater Inggris umumnya merendahkan kelompok tersebut dengan aktor wanita mereka (beberapa dekade kemudian, Ben Jonson merujuk pada salah satu pemain wanita dari commediasebagai “pelacur yang jatuh”). Pada akhir tahun 1570-an, para uskup Italia berusaha untuk melarang artis perempuan namun, pada akhir abad ke-16, aktris menjadi standar di panggung Italia.

Cendekiawan Italia Ferdinando Taviani telah menyusun sejumlah dokumen gereja yang menentang munculnya aktris itu sebagai semacam pelacur, yang pakaiannya yang minim dan gaya hidup yang bebas merusak para pemuda, atau setidaknya menanamkan keinginan duniawi kepada mereka. Istilah negativa puitis Taviani menggambarkan ini dan praktik-praktik lain yang menyinggung gereja, sambil memberi kita gambaran tentang fenomena pertunjukan commedia dell’arte .

Pada awal abad ke-17, komedi zanni bergerak dari pertunjukan jalanan improvisasi murni ke tindakan dan karakter yang ditentukan dan digambarkan dengan jelas. Tiga buku yang ditulis selama 17 century- Cecchini ini [ itu ] Fruti della moderne Commedia (1628), Niccolò Barbieri ‘s La supplica (1634) dan Perrucci ini Dell’arte rapresentativa (1699- “membuat rekomendasi tegas mengenai melakukan praktek.”

Katritzky berpendapat, bahwa sebagai hasilnya, commedia direduksi menjadi akting yang diformulasikan dan bergaya, sejauh mungkin dari kemurnian asal improvisasi satu abad sebelumnya Di Prancis, pada masa pemerintahan Louis XIV , Comedie-Italienne menciptakan repertoar dan menggambarkan topeng dan karakter baru, sambil menghapus beberapa pendahulu Italia, seperti Pantalone.

Penulis naskah drama Prancis, khususnya Moliere , dipetik dari plot dan topeng dalam menciptakan pengobatan asli. Memang, Molière berbagi panggung dengan Comédie-Italienne di Petit-Bourbon , dan beberapa bentuknya, misalnya omelan , adalah turunan dari commedia ( tirata ).

Commedia dell’arte pindah ke luar batas kota ke theatre de la foire , atau teater yang adil, pada awal abad ke-17 karena berkembang ke arah gaya yang lebih pantomim. Dengan pengiriman komedian Italia dari Perancis pada tahun 1697, bentuk transmogrified pada abad ke-18 sebagai genre seperti comédie larmoyante memperoleh daya tarik di Prancis, terutama melalui drama Marivaux . Marivaux sangat melunakkan commedia dengan membawa emosi yang sebenarnya ke atas panggung. Harlequin mencapai lebih menonjol selama periode ini.

Ada kemungkinan bahwa akting improvisasi semacam ini diturunkan dari generasi ke generasi Italia hingga abad ke-17 ketika itu dihidupkan kembali sebagai teknik teater profesional. Namun, seperti yang saat ini digunakan, istilah commedia dell’arte diciptakan pada pertengahan abad ke-18.

Anehnya, commedia dell’arte sama jika tidak lebih populer di Prancis, di mana ia melanjutkan popularitasnya sepanjang abad ke-17 (sampai 1697), dan di Prancislah commedia mengembangkan repertoarnya yang mapan. Commedia berkembang menjadi berbagai konfigurasi di seluruh Eropa, dan setiap negara mengakulturasi bentuk sesuai dengan keinginannya.

Misalnya, pantomim , yang berkembang pada abad ke-18, berasal dari jenis karakter komedi , khususnya Harlequin . Pertunjukan boneka Punch dan Judy , yang populer hingga hari ini di Inggris, didasarkan pada topeng Pulcinella yang muncul di Neapolitanversi formulir. Di Italia, topeng dan plot komedi masuk ke dalam opera buffa , dan plot Rossini , Verdi , dan Puccini .

Selama pendudukan Napoleon di Italia, penghasut reformasi dan kritikus pemerintahan Kekaisaran Prancis (seperti Giacomo Casanova ) menggunakan topeng karnaval untuk menyembunyikan identitas mereka sambil mengobarkan agenda politik, menantang aturan sosial, dan melontarkan hinaan dan kritik terang-terangan kepada rezim. Pada tahun 1797, untuk menghancurkan gaya karnaval dadakan sebagai platform partisan, Napoleon melarang commedia dell’arte. Itu tidak dilahirkan kembali di Venesia sampai 1979 karena ini.

Compagnie , atau perusahaan, adalah sekelompok aktor, yang masing-masing memiliki fungsi atau peran tertentu. Aktor berpengalaman dalam sejumlah besar keterampilan, dengan banyak yang bergabung dengan rombongan tanpa latar belakang teater. Beberapa adalah dokter, yang lain pendeta, yang lain tentara, terpikat oleh kegembiraan dan prevalensi teater di masyarakat Italia.

Aktor diketahui berpindah dari grup ke grup “dengan status pinjaman”, dan perusahaan akan sering berkolaborasi jika disatukan oleh satu pelindung atau tampil di lokasi umum yang sama. Anggota juga akan terpecah untuk membentuk kelompok mereka sendiri, seperti yang terjadi pada Ganassa dan Gelosi.

Ini compagnie perjalanan di seluruh Eropa dari periode awal, dimulai dengan Soldati , saat itu, Ganassa, yang melakukan perjalanan ke Spanyol, dan terkenal karena bermain gitar dan bernyanyi tidak pernah terdengar lagi dan rombongan terkenal dari Zaman Keemasan (1580–1605): Gelosi , Confidenti , Accessi.

Nama-nama yang menandakan keberanian dan usaha ini diambil dari nama-nama akademi—dalam arti tertentu, untuk memberikan legitimasi. Namun, setiap rombongan memiliki kesan (seperti lambang) yang melambangkan sifatnya. Gelosi, misalnya, menggunakan wajah berkepala dua dewa Romawi Janus , untuk menandakan kedatangan dan kepergiannya dan hubungannya dengan musim Karnaval, yang terjadi pada bulan Januari. Janus juga menandakan dualitas aktor, yang memainkan karakter atau topeng, sambil tetap menjadi diri sendiri.

Hakim dan ulama tidak selalu menerima perjalanan yang compagnie (perusahaan), terutama selama periode wabah, dan karena sifat keliling mereka. Aktor, baik pria maupun wanita, dikenal telanjang hampir, dan alur cerita biasanya turun ke situasi kasar dengan seksualitas terbuka, dianggap tidak mengajarkan apa-apa selain “cabul dan perzinahan dari kedua jenis kelamin” oleh Parlemen Prancis.

Istilah vagabondi digunakan mengacu pada comici , dan tetap menjadi istilah yang menghina sampai hari ini ( vagabond). Hal ini mengacu pada sifat nomaden dari rombongan, sering dipicu oleh penganiayaan dari Gereja, otoritas sipil, dan organisasi teater saingan yang memaksa perusahaan untuk berpindah dari satu tempat ke tempat lain.

Sebuah rombongan sering kali terdiri dari sepuluh penampil dari tipe bertopeng dan tidak bertopeng yang sudah dikenal, dan termasuk wanita. Perusahaan akan mempekerjakan tukang kayu, ahli alat peraga, pelayan, perawat, dan pembisik, yang semuanya akan bepergian dengan perusahaan.

Mereka akan bepergian dengan kereta besar yang sarat dengan persediaan yang diperlukan untuk gaya nomaden mereka, memungkinkan mereka untuk berpindah dari satu tempat ke tempat lain tanpa harus khawatir tentang kesulitan relokasi. Sifat nomaden ini, meskipun dipengaruhi oleh penganiayaan, juga sebagian besar disebabkan oleh kelompok-kelompok yang membutuhkan penonton baru (dan berbayar).

Baca Juga : 3 Tempat Teater Produksi Terpopuler Asal Chicago

Mereka akan memanfaatkan pameran dan perayaan publik, paling sering di kota-kota kaya di mana kesuksesan finansial lebih mungkin terjadi. Perusahaan juga akan menemukan diri mereka dipanggil oleh pejabat tinggi, yang akan menawarkan perlindungan sebagai imbalan untuk tampil di tanah mereka untuk jangka waktu tertentu.

Perusahaan sebenarnya lebih suka untuk tidak tinggal di satu tempat terlalu lama, sebagian besar karena takut tindakan itu menjadi “basi.” Mereka akan pindah ke lokasi berikutnya saat popularitas mereka masih aktif, memastikan kota-kota dan orang-orang sedih melihat mereka pergi, dan akan lebih mungkin untuk mengundang mereka kembali atau membayar untuk menonton pertunjukan lagi jika rombongan itu kembali.

Harga tergantung pada keputusan rombongan, yang dapat bervariasi tergantung pada kekayaan lokasi, lama tinggal, dan peraturan yang ditetapkan pemerintah untuk pertunjukan dramatis.

Theatre Foundation Mempromosikan Teater Luar Ruangan Gratis
Theater

Theatre Foundation Mempromosikan Teater Luar Ruangan Gratis

Theatre Foundation Mempromosikan Teater Luar Ruangan Gratis – Northwest Indiana Excellence in Theatre Foundation (NIETF) adalah organisasi nirlaba dan ciri seni di Wilayah. Jangkauan NIETF meluas untuk membantu teater di seluruh Northwest Indiana, termasuk teater di Hammond, Schererville, St. John, Lake Station, Portage, Michigan City, dan banyak lagi. Misi organisasi adalah untuk membangun komunitas yang kuat, mendukung produksi berkualitas, dan mendorong keunggulan dan kegembiraan teater di Northwest Indiana.

toscanaspettacolo

Theatre Foundation Mempromosikan Teater Luar Ruangan Gratis

toscanaspettacolo – Becky Jascoviak telah menjadi presiden NIETF selama lebih dari delapan tahun. Peran Jascoviak adalah berkolaborasi di antara kelompok teater untuk membawa visi ke Wilayah dan menjadi pusat bagi para aktor untuk menemukan audisi dan bagi teater untuk menemukan sumber daya. Dia mengarahkan dalam berbagai peran dan melayani di papan teater bersama suaminya.

Jascoviak menekankan pentingnya teater bagi Wilayah dan bagaimana teater yang diproduksi dan didukung dengan baik menambah kualitas hidup di seluruh Indiana Barat Laut. “Dewan Kualitas Kehidupan Northwest Indiana telah melakukan survei selama dekade terakhir, dan di dalamnya, indikator kualitas hidup yang terus menempati peringkat lebih tinggi daripada yang lain adalah seni dan budaya,” kata Jascoviak. “Kami benar-benar berkontribusi pada kualitas hidup daerah kami dengan menjadi tempat yang menarik untuk tinggal, bekerja, dan bermain, yang membuat Daerah menarik bagi orang-orang yang pindah ke daerah tersebut.”

Teater lokal tidak hanya menambah kualitas hidup di seluruh Wilayah, tetapi juga mencerminkan perkembangan ekonomi. Produksi lokal ini adalah rute pendapatan bagi bisnis dan seniman lokal.

Baca Juga : Pertanyaan Mencuat Kepada Para Seniman Theater Poughkeepsie

“Kami memiliki teater di komunitas yang sangat kecil dan teater di komunitas yang lebih besar,” kata Jascoviak. Kebanyakan orang berpikir bahwa Anda harus pergi ke Chicago untuk hiburan yang luar biasa, tetapi kami berada di ujung jalan dengan teman dan tetangga Anda melakukan hal-hal luar biasa.”

NIETF dikenal untuk mendukung program teater luar ruangan di seluruh Wilayah, termasuk produksi teater di lokasi seperti Chesterton Amphitheatre Coffee Creek Watershed Preserve, Centennial Park di Munster, Park Plays di Indiana Dunes State Park, dan banyak lagi. Setiap lokasi menawarkan tantangan dan latar belakang baru bagi para pemain dan kru, dan penonton dapat menikmati menonton teater regional yang luar biasa di lingkungan yang ramai. Pertunjukan ini terjadi sepanjang musim semi, musim panas, dan musim gugur.

Jascoviak juga menyoroti beberapa pertunjukan keliling saat ini dan lokasi yang telah digunakan oleh produksi teater luar ruang selama bertahun-tahun.

Gary Shakespeare Company adalah salah satu grup teater yang tampil di seluruh Wilayah. Saat ini, perusahaan sedang melakukan “A Midsummer Night’s Dream.” Dalam beberapa minggu ke depan, rombongan ini akan tampil di Lake Hills Park Amphitheatre di St. John, Chesterton Amphitheatre, Founders Square Amphitheatre di Portage, dan banyak lagi.

Favorit regional, Chesterton Amphitheatre di Coffee Creek adalah lokasi yang nyaman langsung dari Route 49 di Chesterton. “Saya suka itu langsung dari jalan raya, tetapi Anda merasa benar-benar seperti berada di lingkungan asli. Tenang,” kata Jascoviak.  Tidak hanya Coffee Creek lokasi yang nyaman, itu adalah salah satu yang indah.

“Saya juga suka bahwa itu dibangun ke dalam pengaturan alami,” kata Jascoviak. “Ada banyak gaya amfiteater di banyak taman di Indiana Barat Laut. Itu trendi bahwa taman diletakkan di amfiteater ini, tetapi ini adalah pengaturan yang sangat alami dengan kolam dan air mancur tepat di belakangnya. ”

Centennial Park di Munster adalah lokasi yang mirip dengan Coffee Creek karena merupakan amfiteater berbasis taman di luar jalan utama yang nyaman, Calumet Avenue. “Yang menarik dari lokasi ini adalah sudah ada suara dan lampu serta bangku taman,” kata Jascoviak. “Anda tidak perlu membawa kursi sendiri, yang berguna untuk orang-orang.”

Centennial Park berukuran besar dan menawarkan ruang untuk banyak kegiatan di samping amfiteater.

“Ini adalah area taman raksasa, jadi ada banyak aktivitas,” kata Jascoviak. “Apa yang kami temukan menarik adalah bahwa orang-orang yang mungkin belum pernah melihat teater atau tidak memilih untuk pergi ke teater akan mampir dan menonton pertunjukan karena semua aktivitas lain yang terjadi di taman ini.”

Founders Square Amphitheatre di Portage adalah lokasi lain di mana NIETF mendukung kelompok teater yang tampil di luar ruangan. Amfiteater gaya taman lainnya, lokasi ini dikenal dengan aksesibilitasnya. “Sangat mudah bagi orang-orang yang membutuhkan ruang yang dapat diakses karena semuanya beton,” kata Jascoviak.

Taman ini terletak di Central Avenue di Portage, sehingga berlokasi strategis dengan banyak fasilitas di kota. Park Plays berlangsung di Taman Negara Bagian Indiana Dunes. Lokasi ini merupakan kemitraan dengan Dunes Arts Foundation dan menawarkan pemandangan danau dan pantai yang prima selama pertunjukan.

“Park Plays ada di paviliun, dan baru saja direnovasi besar-besaran,” kata Jascoviak. Ada area boardwalk dan pertunjukannya berada tepat di sebelah barat paviliun di area terbuka beton besar tak jauh dari pantai. Jascoviak mengungkapkan kekagumannya pada lokasi yang indah di Bukit Pasir.

“Yang saya sukai dari venue ini adalah saat pertunjukan berlangsung, Anda bisa menyaksikan matahari terbenam tepat di belakangnya,” kata Jascoviak. “Sangat indah, indah, dan menenangkan. Untuk alasan yang sama bahwa Centennial Park menarik orang dari segala jenis, orang pergi ke pantai dan tidak berharap menemukan kelompok improvisasi atau pertunjukan teater. Kami benar-benar dapat membawa teater ke massa di sana karena ini adalah taman yang sangat, sangat sibuk.”

Sementara NIETF selalu bertujuan untuk membawa teater ke luar ruangan dan membuatnya lebih mudah diakses oleh publik, model teater tuan rumah sangat cocok untuk pemulihan setelah puncak pandemi.

“Covid meningkatkan kesempatan untuk berada di luar. Orang-orang merasa lebih nyaman berada di luar sehingga penyebarannya lebih sedikit, Anda bisa bersosialisasi lebih jauh, dan ada sirkulasi udara,” kata Jascoviak.

Organisasi telah melakukan teater luar ruangan selama bertahun-tahun, tetapi selalu ada tantangan. Di luar tantangan khas mencari tahu set, alat peraga, dan kostum, semuanya harus disesuaikan dengan alam bebas.

“Kami tampil di Dunes minggu lalu melakukan ‘Treasure Island,’ yang diatur di atas kapal. Kami memiliki layar besar ini dan benar-benar tidak bisa menggunakannya karena sangat berangin,” kata Jascoviak. “Selalu ada adaptasi yang harus Anda lakukan di teater langsung. Untuk aktor, itu adalah keterampilan besar untuk diingat bahwa Anda harus mendengarkan dan beradaptasi dan bekerja dengan situasi dan lingkungan di sekitar Anda.”

Selain menjadi pengalaman yang menarik bagi penonton, pertunjukan di luar ruangan ini menawarkan sesuatu yang tak ternilai bagi penonton teater: teater gratis. Pertunjukan secara gratis menciptakan aksesibilitas bagi orang-orang yang mungkin tidak mampu membayar atau melakukan perjalanan ke pengalaman teater di kota yang lebih besar. Menjadi tuan rumah drama di taman lokal secara gratis mengundang penonton baru untuk menghargai dan menikmati teater yang mungkin belum pernah ada sebelumnya.

Di tengah pandemi, Jascoviak mengingatkan penonton bahwa entertainer adalah salah satu kelompok yang membantu masyarakat tetap bertahan selama pandemi. Begitu banyak orang harus lebih sering tinggal di rumah, penonton beralih ke streaming online TV, film, dan bahkan drama.

Baca Juga : Thekla, Kapal Kargo Yang Disulap Menjadi Gedung Teater

“Keluar dari COVID, banyak teater kita yang kesulitan. Mereka semua harus menutup, memutar, dan membuat produksi online,” kata Jascoviak. “Banyak yang ditutup tanpa pemberitahuan dan tanpa uang dan berada di tengah pertunjukan. Apa yang kebanyakan orang tidak sadari adalah bahwa biaya tiket untuk pergi ke pertunjukan hanya mencakup sekitar setengah dari biaya produksi teater sebenarnya. Jadi, ketika Anda tidak memulihkan semua biaya Anda melalui penjualan tiket, Anda membutuhkan donatur, sponsor, hibah, dan dukungan dari komunitas untuk mewujudkan teater.”

Bioskop tidak hanya kehilangan penjualan tiket selama pandemi, tetapi juga kehilangan banyak donasi. Biasanya, uang produksi untuk dimasukkan ke dalam satu pertunjukan didanai oleh yang sebelumnya. Tanpa pertunjukan atau donasi apa pun, teater akan kacau balau.

“Kami mendorong orang untuk memasukkan teater dalam pemberian filantropi mereka. Kami mendorong orang untuk memikirkan hal-hal yang mereka lihat selama pandemi, ”kata Jascoviak. “Banyak orang beralih ke hiburan untuk mengisi kekosongan, dan kami ingin terus menjadi hiburan langsung dan langsung di masa depan.”

Pertanyaan Mencuat Kepada Para Seniman Theater Poughkeepsie
Theater

Pertanyaan Mencuat Kepada Para Seniman Theater Poughkeepsie

Pertanyaan Mencuat Kepada Para Seniman Theater Poughkeepsie  – Untuk Michael R. Jackson , pertanyaannya cukup spesifik. Garis bawah seperti apa yang Anda tulis untuk musikal melodramatis namun serius yang terinspirasi oleh sinetron, film Seumur Hidup, dan “Law and Order: SVU”?

toscanaspettacolo

Pertanyaan Mencuat Kepada Para Seniman Theater Poughkeepsie

toscanaspettacolo – Jackson telah mengembangkan musikalnya, “White Girl in Danger,” sejak 2017, melalui begitu banyak lokakarya dan bacaan sehingga dia hampir tidak bisa menyebutkan semuanya. Dia sudah memakukan plotnya, tentang seorang pemain kulit hitam di sabun surealis yang merencanakan, dari “tanah hitam,” untuk mengungguli bintang-bintang putih dan mendapatkan ceritanya sendiri.

Sekarang dia perlu memikirkan sesuatu yang lebih kecil tetapi penting: bagaimana menerapkan sengatan organ, monoton yang tidak menyenangkan, dan pengental plot instrumental lainnya yang akan menggarisbawahi sindiran dan membuat penonton tetap pada jalurnya.

Itulah alasan dia menghabiskan dua minggu baru-baru ini di kampus Marist College yang megah di sini, bekerja di ruang latihan gratis dan tidur di ranjang asrama sarjana. Dia adalah tamu New York Stage and Film , inkubator drama dan musikal baru (dan skenario dan skrip televisi) yang menawarkan lokakarya dan residensi sepanjang tahun. Dan meskipun musim teaternya setiap musim panas harus dilihat di industri ini, bahkan itu lebih menghadap ke dalam daripada ke luar, dengan hanya beberapa pertunjukan dari setiap pertunjukan dan tidak ada ulasan yang diizinkan.

Baca Juga : Penantian Yang di Tunggu-tunggu Seni Teater di St. Paul Bertajuk “Glensheen”

Sebut saja layanan pramutamu untuk pekerjaan yang sedang berjalan.

“Hari-hari ini luar biasa dan tak ternilai harganya,” kata Jackson kepada saya minggu lalu ketika “White Girl” sedang mempersiapkan debutnya di bawah tenda terbuka di sepanjang Sungai Hudson. Dia tidak mengacu pada pundi-pundi festival; musim Marist adalah bayar apa yang Anda bisa. Sebaliknya, seperti semua artis yang saya ajak bicara, dia senang dengan apa yang telah dia pelajari dalam latihan, dan dengan apa yang dia harapkan untuk dipelajari dari para penonton akhir pekan itu ketika mereka tertawa, tersentak, bersorak, atau terdiam.

“Pertanyaan apa yang kamu tanyakan yang tidak bisa kamu tanyakan di tempat lain?” kata Chris Burney , direktur artistik Stage and Film, membahas apa yang dilihatnya sebagai misi organisasi. “Apa proyek impian besar Anda? Itu sebabnya kami berada di sini, di luar batas teater komersial.”

Di luar batasnya, mungkin, tapi tidak asing baginya. Banyak pertunjukan yang dikembangkan di Stage and Film dalam 37 musimnya memiliki kehidupan setelah yang panjang dan menguntungkan. Yang paling terkenal adalah “Hamilton,” yang muncul sebagai “The Hamilton Mixtape” pada tahun 2013, tetapi Poughkeepsie juga menjadi perhentian dalam perjalanan “The Wolves,” oleh Sarah DeLappe, “The Humans,” oleh Stephen Karam dan “A Sejarah Musik Populer 24 Dekade,” oleh Taylor Mac.

Itu adalah karya besar, dan begitu juga “Gadis Putih”: Panggung dan Film menjadi tuan rumah Jackson dan perusahaan yang terdiri dari 22 orang, sambil memberikan saran, dukungan, ruang, dan dua magang berbayar. Jackson, yang memenangkan Hadiah Pulitzer 2020 untuk musikalnya “A Strange Loop,” sekarang menuju Broadway, adalah nama besar juga, dan “White Girl” sudah berada di jalur untuk produksi New York, setelah beberapa lokakarya selesai dua tahun terakhir di Vineyard Theatre.

Tapi pertunjukan musim yang lebih kecil, oleh artis yang belum terlalu terkenal, mendapat perlakuan yang sama ketika mereka mulai menjawab pertanyaan-pertanyaan aneh mereka sendiri. Meskipun saya tidak bisa melihat “Selatan,” oleh Florencia Iriondo , yang mengubah musikal lima karakternya menjadi pertunjukan solo sehingga dapat dilakukan dengan lebih mudah di lingkungan pandemi, saya melihat empat produksi lainnya yang ditawarkan, tiga di tenda dan satu online, dengan bintang besar, Billy Porter, terpasang.

Pada tahap apa pun dalam evolusi mereka, dari tempat yang hampir selesai hingga hampir selesai, pertunjukan menerima penayangan yang sama dengan hati-hati dan terlindung. Penonton termasuk beberapa profesional teater tetapi mereka tidak membawa perasaan rumah kaca yang begitu sering dan tidak membantu tergantung pada pekerjaan pembangunan di New York City.

Nah, tenda itu panas, terutama di pertunjukan siang. (Penerimaan termasuk pemeriksaan suhu untuk berjaga-jaga serta kipas kertas yang meriah.) Dan suasananya lebih informal daripada musim-musim sebelumnya, yang diadakan di teater-teater di kampus Vassar College di dekatnya.

Namun, sakelar itu bukan pilihan estetika. Dua minggu sebelum Burney mengumumkan musim pertamanya sebagai direktur artistik, pada Maret 2020, pandemi melanda. Vassar ditutup di tengah liburan musim semi, yang berarti bahwa Panggung dan Film, meskipun berfungsi pada musim panas, tidak dapat melakukannya di sana; asrama yang biasanya menampung seniman dipenuhi dengan barang-barang bekas siswa.

Program Vassar dibatalkan, tetapi beberapa produksi paling menjanjikan musim ini muncul dari bencana. Salah satunya adalah ” Mexodus ,” oleh Brian Quijada dan Nygel D. Robinson, yang dimulai ketika Quijada “menggulir Facebook lama yang bagus bertahun-tahun yang lalu,” katanya kepada saya, dan menemukan sedikit sejarah yang belum pernah dia pelajari, tentang ribuan Orang kulit hitam yang lolos dari perbudakan bukan melalui rute utara yang sudah dikenal, tetapi melalui rute selatan, menuju Meksiko.

“Orang tua saya” yang berasal dari El Salvador “keduanya menyeberang di tahun 70-an,” kata Quijada, yang berarti dari Meksiko ke Amerika Serikat. “Saya ingin menjelajahi cerita perbatasan terbalik ini tetapi tidak tahu bagaimana saya akan melakukannya sendiri.”

Dia tidak harus; Robinson, yang ditemuinya di sebuah konferensi, hadir saat Quijada membagikan idenya; mereka mulai riffing pada ide-ide pada hari berikutnya, termasuk salah satu yang menjadi lagu pertama .

“Itu bisa menjadi proyek gairah kecil,” kata Robinson, “jika Stage and Film tidak menaruh api di bawahnya.”

Api datang dalam bentuk tawaran, kata Quijada, yang pernah bekerja dengan lembaga tersebut sebelumnya: “Mereka berkata, ‘Apakah ada yang ingin Anda lakukan? Kami punya dana.’”

Ini bukan jenis pertanyaan yang biasanya didengar oleh para artis, tidak peduli seberapa berpengalamannya, dari produser. Ketika Quijada dan Robinson mengangkat rahang mereka dari lantai, mereka membagikan ide mereka, yang belum memiliki plot atau struktur.

Stage dan Film menyukainya, menyarankan agar keduanya menulis lagu setiap bulan dari karantina mereka di kota yang berbeda saat mereka membangun cerita menjadi album konsep virtual. Kemudian, ketika teater langsung kembali, Burney berjanji untuk membawa mereka ke Poughkeepsie untuk mengerjakannya secara langsung. “Mereka bahkan mengirimi saya busur baru untuk bass saya,” kata Robinson.

Pada saat kedua pria itu tiba di sini pada bulan Juli, skornya dalam kondisi baik untuk menceritakan kisah yang telah mereka selesaikan, tentang seorang pria kulit hitam yang diperbudak (diperankan oleh Robinson) yang menyeberangi Rio Grande ke Meksiko setelah membunuh seorang pria kulit putih yang telah memperkosa adiknya. Dia hampir mati dalam perjalanan tetapi dirawat kembali oleh seorang petani Meksiko (Quijada) dengan masa lalunya yang bermasalah.

Pertanyaan spesifik yang perlu dijawab oleh penulis adalah teknis: Bagaimana mereka bisa menampilkan musik yang mereka buat secara elektronik selama pandemi, termasuk pengulangan yang sering, di lingkungan langsung?

Ketika saya melihat “Mexodus,” mereka masih menyusun koreografi yang rumit itu, tetapi tidak pernah menghalangi jalan cerita, atau umpan balik yang diterima artis dari penonton.

Pencipta ” Interstate ,” musik pop-rock yang lebih tradisional — jika tentang karakter nontradisional — ingin mengatasi masalah yang lebih tradisional itu sendiri: Bagaimana babak kedua mereka dapat mengembangkan tema yang pertama? Setelah sembilan tahun bekerja, pengaturannya, tentang seorang lesbian dan seorang pria transgender yang melakukan tur sebagai duo bernama Queer Malady, berjalan dengan baik. Tetapi ketika produksi pengembangan di Minneapolis ditutup oleh pandemi, Melissa Li dan Kit Yan merasa bahwa sisa pertunjukan mereka, yang berfokus pada konflik duo dan penggemar yang putus asa, masih membutuhkan pekerjaan. Panggung dan Film masuk.

Presentasi yang saya lihat melewatkan satu jam pertama, memulai hanya dua lagu di bawah jeda yang biasanya. Jika perpendekan itu berarti bertemu dengan karakter di pertengahan arc, itu membuat penonton merasa bertemu dengan pertunjukan di pertengahan arc juga; seperti produksi lainnya di Stage and Film, itu mengungkapkan dirinya sendiri sebelum menjadi batu.

Baca Juga : 5 Gedung Opera Sekaligus Tempat Pertunjukan Teater

Itu sensasi yang cukup unik untuk model pengembangan ini. Namun, produksi statis dari karya baru juga bisa mendebarkan. Itulah yang terjadi dengan acara Porter, ” Sanctuary ,” di mana dia menulis buku, tentang seorang diva pop dengan masalah besar, dan Kurt Carr menulis skor Injil.

Video yang diputar selama lima hari baru-baru ini tidak menyertakan dialog apa pun; Porter mengatakan bahwa karyanya dengan Stage and Film ditujukan untuk mencari tahu nada adegan buku dalam konteks musik yang luar biasa. (Para solois termasuk Deborah Cox dan Ledisi ; Broadway Inspirational Voices adalah paduan suara yang mewah.) Jika itu tidak cukup panggung dan tidak cukup film, “Sanctuary” tetap merupakan jenis Panggung dan Film yang paling baik: membiarkan Anda mengalami pekerjaan baru sebelumnya semua pertanyaannya terjawab.

Penantian Yang di Tunggu-tunggu Seni Teater di St. Paul Bertajuk “Glensheen”
Theater

Penantian Yang di Tunggu-tunggu Seni Teater di St. Paul Bertajuk “Glensheen”

Penantian Yang di Tunggu-tunggu Seni Teater di St. Paul Bertajuk “Glensheen” – Ketika COVID-19 melanda, Teater Sejarah St. Paul membatalkan kembalinya hit terbesarnya, “Glensheen,” dan tur yang telah lama ditunggu-tunggu ke tempat-tempat di Greater Minnesota. Penayangan perdana dunia “Not for Sale” dan “Runestone! A Rock Musical” ditunda, begitu juga dengan versi baru dari “Not in Our Neighborhood.” Rencana pada saat itu adalah untuk membawa kembali “Glensheen” untuk musim mainstage 2020-21, tetapi tidak ada.

toscanaspettacolo

Penantian Yang di Tunggu-tunggu Seni Teater di St. Paul Bertajuk “Glensheen”

toscanaspettacolo – Sementara itu, teater menjangkau penontonnya dengan serangkaian program virtual “Teater Sejarah di Rumah”: pertunjukan streaming dari arsip (“Rez Road 2000,” “Coco’s Diary,” “Sweet Land, the Musical”), “ Raw Stages: New Works Festival” dari naskah baru yang sedang dikembangkan oleh seniman Minnesota, dan percakapan yang disebut “Spilling the HT.”

Pada Jumat sore, kami mengetahui bahwa pertunjukan langsung akan kembali ke panggung History Theatre pada 14 Oktober. Tidak ada “Glensheen” – setidaknya tidak pada jadwal yang diumumkan tetapi barisan drama dan musikal yang solid yang terinspirasi oleh sejarah dan rakyat. Tiket musiman tersedia sekarang.

Baca Juga : Banyak Referensi Teater Musikal Dibalik Lagu-Lagu Schmigadoon

14-24 Oktober: “Tidak di Lingkungan Kami! Sebuah Kisah Keberanian, Iman dan Cinta.” Richard D. Thompson akan mengarahkan drama Tom Fabel dan Eric Wood tentang Nellie dan William Francis, pasangan kulit hitam yang berani membeli rumah pada tahun 1924 di Groveland Park yang serba putih. Pemeran akan mencakup Erin Nicole Farste, Darius Dotch dan James Craven.

20 November-Desember 19: “Natal Ayunan: Pertunjukan USO The Andrews Sisters.” Sebuah konsep ulang klasik liburan History Theatre, diisi dengan lagu-lagu Natal, lagu-lagu Natal, lagu-lagu ayunan, dan penampilan khusus oleh Bing Crosby dan Abbott & Costello. Versi ini membawa surat-surat dari pria dan wanita yang melayani di luar negeri selama Perang Dunia II, pengingat bangsa bersatu untuk kebaikan bersama. Direktur Artistik Ron Peluso akan mengarahkan.

5-27 Februari 2022: “Tidak untuk Dijual: Perumahan Terpisah di Kota Kembar (bukan kecelakaan) atau A Redlining Play.” Edina Realty akan mensponsori kisah Kim Hines dan Barbara Teeds tentang Arnold Weigel, bintang yang sedang naik daun dalam bisnis real estat yang mewakili keluarga kulit berwarna yang mencoba membeli rumah di lingkungan serba putih selama akhir 1950-an dan awal 1960-an. Pemeran akan mencakup Andrew Wheeler, Charity Jones dan Monica Scott. Peluso akan mengarahkan.

19 Maret-10 April: “Taman: Potret Artis Muda.” Kami sudah tidak sabar menunggu drama baru Harrison David Rivers tentang Gordon Parks muda. Kami senang mengetahui bahwa Talvin Wilks akan menyutradarai, Seitu Jones akan melakukan desain pemandangan, dan para pemerannya akan mencakup Dwight Leslie, James A. Williams, JuCoby Johnson, AJ Friday, Ivory Doublette, Mikell Sapp, dan Pearce Bunting.

07-29 Mei: “Batu Rune! Musikal ‘Rock’ .” Kutipan di sekitar “rock” mengisyaratkan apa yang kita inginkan: musikal tentang runestone Kensington Minnesota sendiri. Asli atau palsu? Tyler Michaels King akan mengarahkan “musik rock ‘n roll yang aneh” dengan buku dan lirik oleh Mark Jensen, musik dan lirik oleh Gary Rue, dan Sasha Andreev yang serba bisa sebagai Olaf.

NEA menamai 2022 Jazz Masters

Kembali pada tahun 2011, ketika produser Broadway Rocco Landesman memimpin National Endowment for the Arts , dia pikir itu akan menjadi ide yang baik untuk menghapus beberapa penghargaan seni NEA, membuang semua seni menjadi dua tumpukan dan membagikan sesuatu yang disebut Penghargaan NEA American Artists of the Year, masing-masing dalam Seni Pertunjukan dan Seni Visual.

Sesaat sebelumnya, Landesman mengatakan dalam konferensi teater bahwa AS memiliki terlalu banyak organisasi seni, dibandingkan dengan jumlah penontonnya. “Permintaan tidak akan meningkat,” tambahnya, “jadi sekarang saatnya berpikir untuk mengurangi pasokan.”

Pemotongan anggaran NEA berakhir dalam proposal anggaran 2012 Presiden Barack Obama. Jika mereka diterima, penghargaan NEA Jazz Masters, penghargaan tertinggi bangsa dalam jazz selama 30 tahun, akan memudar, karena sepasti Tuhan menciptakan ayunan, seorang seniman jazz tidak akan pernah memenangkan kategori Seni Pertunjukan. Bahkan jika penghargaan American Artists of the Year bahkan bertahan lebih dari satu atau dua tahun.

Ajaibnya, Panitia Alokasi DPR menolak program Jazz Masters yang ditiadakan. Dan itulah mengapa kita dapat merayakan tahun ke-39 dari penghargaan bergengsi ini. Oscar jazz, jika Anda mau, atau Kennedy Center Awards jazz, baru saja menambahkan master tahun ini ke jajarannya. Mereka adalah bassis Stanley Clarke, drummer Billy Hart, dan vokalis Cassandra Wilson, semuanya bernama 2022 NEA Jazz Masters, dan pemain saksofon Donald Harrison Jr., penerima 2022 AB Spellman NEA Jazz Masters Fellowship for Jazz Advocacy.

Masing-masing akan menerima penghargaan uang tunai $25.000, dan semua akan dihormati dalam konser gratis 31 Maret 2022, yang diproduksi oleh SFJAZZ di San Francisco di hadapan penonton langsung dan streaming langsung online.

V untuk virtual, L untuk live dan tatap muka.

V Streaming sekarang di pbs.org: American Experience: “Freedom Summer.” Aktivis, guru aljabar dan tentara salib yang bersuara lembut, Bob Moses sedang mengajar sekolah menengah di New York City ketika Komite Koordinasi Non-Kekerasan Siswa (SNCC) mengirimnya ke Mississippi untuk mendaftarkan pemilih kulit hitam. Dia membantu mengatur kampanye sipil akar rumput terbesar yang pernah ada di negara itu. Moses meninggal hari Minggu di rumahnya di Hollywood, Florida. Dia berusia 86 tahun. Program ini awalnya ditayangkan pada tahun 2014. Tonton di situs web atau aplikasi video PBS.

L Rabu, 28 Juli, 19:30 di Icehouse : Tall Tales: acara perilisan album “Taller Tales”. Album eponim mereka keluar pada tahun 2015 di label jazz kolektif lokal Shifting Paradigm Records . Sekarang gitaris Dean Granros dan Zacc Harris, Chris Bates pada bass dan Jay Epstein pada drum kembali dengan volume 2 musik yang tidak dapat diprediksi, semuanya belum pernah dirilis sebelumnya: dreamy, playful, woozy, dengan “I Mean You” Monk diselipkan. Bayar sampul $20 dan dapatkan kartu unduh album gratis. Ini adalah rilis digital saja. Pertunjukan dalam ruangan. Pintu jam 6 sore FMI.

L Rabu sampai Jumat, 28-30 Juli, 19:30 di Como Lakeside Pavilion : Opera di Danau Menghadirkan Operetta Di Bawah Bintang.Penyanyi sopran kelahiran Minnesota, Wina, Anne Wieben membuat kejutan di musim panas 2019 dengan debut perusahaannya dan produksi terbuka Strauss “Die Fledermaus.” Dia akan kembali pada tahun 2020 tetapi Anda tahu.

Alih-alih mempersembahkan satu karya, persembahan tahun ini akan menjadi kumpulan aria, duet, dan ansambel dari “Fledermaus”, “Die Lustige Witwe” (Janda Merry) karya Lehar, “Die Czardasfüstin” karya Kalman (Putri Czardas, Putri Gipsi atau Gadis Riviera, tergantung pada siapa Anda bertanya) dan banyak lagi. Pemain termasuk Wieben, Alicia O’Neill, Ariana Strahl, KrisAnne Weiss, Justin Spenner dan David Walton, dengan pianis Lindsey Huff Breitschaedel dan Direktur Musik Marco Real d’Arbelles pada biola. FMI dan tiket ($25).

Baca Juga : Sejarah Prince’s Teater Bristol, Gedung Yang Dihancurkan Oleh Pengeboman

L Kamis, 29 Juli, 18: 00-20 : 00 di Galeri Bockley : Peluncuran buku “Jim Denomie Sketch Work”. Ke-174 sketsa yang dibuat selama beberapa dekade merupakan gambaran sekilas tentang imajinasi, perjalanan, mimpi, kehilangan, dan proses kreatif Denomie. Sketsa disertai dengan esai oleh seniman Andrea Carlson dan kurator Robert Cozzolino. Buku ini diterbitkan pada tahun 2020 dan akhirnya akan terlambat diluncurkan.

Denomie akan hadir untuk menandatangani buku dan cetakan baru dari sketsa terpilih. Hanya pada hari Kamis, 14 cetakan sketsa (16″ x 20″) akan tersedia seharga $50 masing-masing. Galerinya kecil, kita berada dalam gelombang panas, dan varian delta tidak main-main. Yang pasti, pakai masker kalau belum divaksin. Err di sisi hati-hati dan memakai satu bahkan jika Anda.

Banyak Referensi Teater Musikal Dibalik Lagu-Lagu Schmigadoon
Theater

Banyak Referensi Teater Musikal Dibalik Lagu-Lagu Schmigadoon

Banyak Referensi Teater Musikal Dibalik Lagu-Lagu Schmigadoon – Tersesat di hutan dalam perjalanan backpacking yang dimaksudkan untuk menghidupkan kembali hubungan mereka, Melissa Cecily Strong dan Josh Keegan-Michael Key mengembara ke kota ajaib yang terdengar agak akrab: Schmigadoon.

toscanaspettacolo

Banyak Referensi Teater Musikal Dibalik Lagu-Lagu Schmigadoon

toscanaspettacolo – Jika Anda akrab dengan musikal, seperti Melissa, Anda mungkin mengenali judul itu sebagai sandiwara di Brigadoon , pertunjukan Lerner dan Loewe tentang kota Skotlandia yang muncul setiap 100 tahun sekali. Anda juga mungkin menyadari bahwa, segera setelah semua orang mulai bernyanyi di Melissa dan Josh (sangat mengganggu Josh), mereka semua terdengar seperti berasal dari musikal abad pertengahan zaman keemasan lainnya juga.

Saat serial Apple TV baru dibuka, Melissa dan Josh menemukan diri mereka berada di tengah serangkaian alur cerita, solo, dan nomor produksi yang saling bersilangan yang dengan gembira merujuk semuanya dari Oklahoma!to Guys and Dolls dan The Music Man , dibawakan oleh sekelompok aktor komedi dan teater pilihan, termasuk Kristin Chenoweth, Ariana DeBose, dan Aaron Tveit.

Baca Juga : Awal Mula Sejarah Teater Bolshoi

“Saya diserang dari semua sudut oleh teater musikal pada usia yang cukup dini,” kata Cinco Paul, yang membuat serial tersebut bersama Ken Daurio , kepada Vulture. Paul tumbuh dengan menonton musikal bersama ibunya, dan menulis semua lagu untuk Schmigadoon! berdasarkan keakrabannya dengan genre; ada juga orkestrasi oleh Doug Besterman, pengawasan musik oleh David Chase, dan musik oleh Christopher Willis.

Setiap angka di Schmigadoon!lahir dari jenis lagu tertentu dalam musikal tahun 1930-an hingga 1960-an seperti permohonan penjaja karnaval nakal kepada seorang wanita yang baru saja ditemuinya, ode istri yang penuh kasih untuk suaminya yang bermasalah, atau nomor grup tentang kesenangan puding — meskipun berputar menjadi langkah komedi sendiri. “Satu hal yang saya lakukan sejak awal adalah saya mendapatkan skor untuk semua musikal ini dan memainkannya dengan piano sehingga saya memilikinya di tulang saya,” kata Paul, “sehingga saya akan meniru mereka tetapi tidak sepenuhnya meniru mereka.”

Dengan enam episode musim pertama yang sekarang ditayangkan di Apple TV+, kami meminta Paul untuk berbicara kepada kami tentang asal usul nomor musik di setiap episode, dan cerita di balik referensi mereka. Kami akan memperbarui posting ini sebagai episode perdana baru, jadi periksa kembali sebagai Schmigadoon! muncul kembali dari kabut setiap minggu.

Episode 1: ‘Schmigadoon!’

“Schmigadoon!,” episode pertama Schmigadoon!, memperkenalkan kota Schmigadoon dengan nomor grup tentang, yah, Schmigadoon khususnya, betapa hebatnya itu. Pikirkan “Camelot” dari Camelot , atau “Oklahoma” dari Oklahoma! , atau “Ini Hari Biasa” dari Li’l Abner. Paul memulai di sini dengan apa yang dia anggap sebagai “versi malas dari lagu teater musikal,” yang mereka gunakan dalam menampilkan pertunjukan, tetapi kemudian berputar kembali untuk menulis ulang versi lengkap dari lagu tersebut setelah proyeknya menyala hijau.

“Saya benar-benar memutuskan itu perlu memanggil Rodgers dan Hammerstein lebih banyak daripada versi pertama yang saya lakukan, karena ini adalah lagu pertama di sini,” kata Paul. Untuk itu, lagu tersebut kini diakhiri dengan sangat Oklahoma! pelajaran mengeja semua orang meneriakkan “S! C! H! M! SAYA! G! SEBUAH! D! Hai! Hai! N!”

“Saya menelepon Doug dan David dan berkata, ‘Jangan bangkrut, perpanjang itu selama Anda bisa,'” kata Paul. “Mereka menambahkan ‘schmiga!, schmiga!, schmiga!’ dan ejaannya, yang jenius, karena semakin lama semakin menyiksa Josh. Awalnya enam atau tujuh menit, tapi ada garis tipis antara menyiksa Josh dan menyiksa seluruh penonton Anda.”

“You Can’t Tame Me”

Schmigadoonian pertama yang mendapatkan lagunya sendiri adalah pemenang Tony Award yang tak terelakkan di masa depan, Aaron Tveit sebagai Danny Bailey, seorang carny yang kasar-dan-jatuh (dalam istilah teater musikal) yang sangat mirip dengan Carousel ‘ s tragis Billy Bigelow . Danny menggoda Melissa seolah-olah dia sedang memerankan “adegan bangku” yang terkenal di Carousel (perhatikan bunga), dengan dia mengomentari nyanyiannya saat itu terjadi, tidak sepenuhnya tertarik ke dalam musikal. Seperti halnya “Schmigadoon”, Paul telah menulis versi yang lebih umum dari lagu cinta untuk Danny Bailey saat mengajukan pilot serial TV, tetapi kemudian merevisinya menjadi riff yang lebih spesifik untuk pertunjukan tersebut.

“Dengan ‘You Can’t Tame Me,’ saya menyadari bahwa saya perlu menggali dunia Billy Bigelow ini, dan jika Anda akrab dengan Carousel , Anda dapat melihat referensi itu dengan jelas,” kata Paul. “Semakin otentik lagu-lagunya, semakin baik karya komedinya.”

“Corn Puddin’”
Asal-usul grup besar yang konyol ini sederhana saja, menurut Paul: “Lagu apa yang akan paling mengganggu Josh? Jika seseorang membenci musikal, lagu apa yang paling membuat mereka gila?”

Secara kebetulan, nomor yang dihasilkan, yang mengacu pada tarian kelompok Seven Brides for Seven Brothers dan omong kosong murni “Shipoopi”, juga merupakan lagu yang pertama kali didengar oleh Paul. “Saya ingat berjalan di jalan di Upper West Side dan berpikir, ‘Anda memasukkan jagung ke dalam puding dan puding di mangkuk dan mangkuk di perut Anda dan itu baik untuk jiwa,'” kata Paul, “dan kemudian Saya pikir, Ada sesuatu di sana .” Meski lagunya adalah earworm yang membuat Anda mendambakan camilan berkarbohidrat, Paul memang harus mengakui, “Saya belum pernah benar-benar mencicipi puding jagung, jadi saya hanya tahu secara konseptual.”

Episode 2: ‘Lovers’ Spat’

Setelah diberitahu oleh penyanyi leprechaun yaitu Martin Short di akhir episode pertama bahwa mereka tidak dapat meninggalkan Schmigadoon tanpa cinta sejati, Melissa dan Josh beralih ke pertengkaran kekasih, yang dibesar-besarkan oleh penduduk kota di belakang mereka . Ada beberapa koreografer memukul (referensi ke kekerasan dalam rumah tangga dimaafkan di Carousel ), sementara musik referensi lagu Pasifik Selatan ‘s ‘Ada Apakah Nothin’ Seperti Dame,’ Pajama permainan ‘s ‘Sekali-a-Tahun-Day,’ dan, seperti menempatkan Paulus itu, “yang relatif tidak jelas” dan kurang sukses secara komersial Rodgers dan Hammerstein kolaborasi Pipe Mimpi ‘s ‘Partai itu kita akan punya Besok Malam.’Saat-saat “dia bilang” dan “dia bilang”? Itu mungkin mengingatkan Anda pada “Ini Hari yang Sangat Panjang” dari Cara Sukses Bisnis Tanpa Benar-benar Berusaha.

“Suatu Tempat Cinta Sedang Menunggumu”

Saat Melissa mulai mengenal kota dengan lebih baik, dia akhirnya mencari nasihat dari Walikota Alan Cumming Menlove, yang menyanyikan tentang cinta tak berbalas dalam istilah yang membuatnya jelas bahwa dia benar-benar mencintai pria. “Gagasan mendasar dari awal adalah bahwa ada karakter berkode queer dari musikal yang tidak sepenuhnya diizinkan menjadi diri mereka sendiri selama zaman keemasan,” kata Paul, “dan Melissa sebagai karakter yang suka memperbaiki keadaan. akan berusaha memperbaikinya.”

Untuk lagu Menlove, Paul menulis solo yang megah “dalam mode operet” dengan cara yang sesuai dengan karakter Menlove yang agak kuno, dan sebagai anggukan pada asal-usul bentuk musiknya.

“Enjoy the Ride”

Saat godaan Melissa dengan Danny Bailey berlanjut, dia bisa menyanyikan lagu lengkap pertamanya bersamanya (sampai sekarang, dia baru saja mengumpulkan beberapa sajak untuk berpartisipasi dalam “Corn Pudding”). Pada titik ini dalam pertunjukan, Josh dengan tegas menolak untuk bernyanyi, tetapi Melissa telah mulai terlibat dengan dunia Schmigadoon, bahkan jika itu semua masih ada untuknya. “Dia melihat Guys and Dolls dan tahu ‘If I Were a Bell’ dan itu sangat sadar,” kata Paul. “Dia berbicara tentang itu sebagai ‘mudah, tanpa usaha,’ tapi itu kebalikan dari tanpa usaha.” Ketika lagu itu diulang di akhir musim, itu menandakan saat ketika Melissa berada di titik terendahnya dan benar-benar mulai bernyanyi dari hatinya.

Baca Juga : 4 Gedung Pertunjukan Teater di Bristol

Saat Melissa dan Danny bernyanyi bersama, Schmigadoon! juga memasukkan sebuah syair dari Dove Cameron, yang memerankan putri seorang petani muda yang usianya tidak pasti. (Alih-alih “menikmati perjalanan,” dia bernyanyi tentang menunggu “sampai aku menjadi pengantin.”) “Dia sangat Ado Annie,” kata Paul, merujuk pada karakter muda, polos dan seksi dari Oklahoma! “Tapi kami juga bermain dengan gagasan bahwa aktris yang memerankan remaja dalam musikal sangat jauh dari masa remaja mereka.”

Awal Mula Sejarah Teater Bolshoi
Theater

Awal Mula Sejarah Teater Bolshoi

Awal Mula Sejarah Teater Bolshoi – The Bolshoi Theater adalah teater bersejarah di Moskow , Rusia , awalnya dirancang oleh arsitek Joseph Bové , yang memegang balet dan opera pertunjukan. Saat sebelum Revolusi Oktober itu merupakan bagian dari Teater Imperial dari Imperium Rusia bersama dengan Maly Theater( Pentas Kecil) di Moskow serta sebagian bioskop di Saint Petersburg( Pentas Hermitage, Pentas Bolshoi( Kamenny), setelah itu Pentas Mariinsky serta yang lain).

toscanaspettacolo

Awal Mula Sejarah Teater Bolshoi

toscanaspettacolo – The Bolshoi Ballet serta Bolshoi Opera merupakan satu di antara balet serta opera industri tertua serta sangat populer di bumi. Ini merupakan industri balet terbanyak di dunia, dengan lebih dari 200 penari. Teater merupakan industri benih dari Perguruan tinggi Balet Bolshoi, sekolah balet terkenal yang populer di dunia. Beliau mempunyai cabang di Sekolah Teater Bolshoi di Joinville, Brasil.

Gedung penting teater, yang dibentuk kembali serta direnovasi sebagian kali sepanjang sejarahnya, ialah landmark Moskow serta Rusia( faade neoklasiknya yang ikonik ditafsirkan pada uang kertas 100 rubel Rusia).

Baca Juga : Mengenal Semua Tentang Teater Globe Shakespeare

Pada 28 Oktober 2011, Bolshoi dibuka kembali sehabis penyempuraan megah sepanjang 6 tahun. Bayaran sah penyempuraan merupakan 21 miliyar rubel($688 juta). Tetapi, daulat Rusia yang lain serta orang lain yang terpaut dengannya mengklaim lebih banyak uang khalayak yang dihabiskan. Penyempuraan tercantum memperbaiki akustik ke kualitas aslinya( yang sudah lenyap sepanjang Masa Soviet), dan memperbaiki riasan Imperial asli Bolshoi.

Perusahaan ini didirikan pada tanggal 28 Maret [OS 17 Maret] 1776, ketika Catherine II memberikan izin kepada Pangeran Peter Urusov untuk menyelenggarakan pertunjukan teater, bola, dan bentuk hiburan lainnya. Urusov mendirikan teater bekerja sama dengan pejalan kaki tali Inggris Michael Maddox.

Awalnya, ia mengadakan pertunjukan di rumah pribadi, tetapi memperoleh Teater Petrovkadan pada 30 Desember 1780, ia mulai memproduksi drama dan opera, sehingga mendirikan apa yang akan menjadi Teater Bolshoi.

Api menghancurkan Teater Petrovka pada tanggal 8 Oktober 1805, dan Teater Kekaisaran Arbat Baru menggantikannya pada tanggal 13 April 1808, namun juga terbakar selama invasi Prancis ke Moskow pada tahun 1812.

Teater pertama dibangun antara tahun 1821 dan 1824, dirancang dan diawasi hingga selesai oleh arsitek Joseph Bové berdasarkan desain pemenang kompetisi awal yang dibuat oleh arsitek Rusia yang berbasis di Petersburg Andrei Mikhailov yang dianggap terlalu mahal untuk diselesaikan.

Bové juga secara bersamaan merancang Teater Maly di dekatnya dan Alun-Alun Teater di sekitarnya , Gedung baru dibuka pada 18 Januari 1825 sebagai Teater Bolshoi Petrovsky dengan pertunjukan balet Fernando Sor , Cendrillon . Awalnya hanya menampilkan karya-karya Rusia, tetapi komposer asing memasuki repertoar sekitar tahun 1840.

Renovasi pada abad ke-19

Pada tahun 1843, rekonstruksi teater berskala besar dilakukan dengan menggunakan rancangan A. Nikitin, tetapi kebakaran pada tahun 1853 menyebabkan kerusakan parah dan oleh karena itu rekonstruksi lebih lanjut dilakukan, oleh Alberto Cavos , putra komposer opera Catterino Cavos . Pada 20 Agustus 1856, Teater Bolshoi dibuka kembali. Perbaikan lain dari bangunan terjadi pada tahun 1896.

Abad ke-20

Pada tanggal 7 Desember 1919, rumah itu berganti nama menjadi Teater Bolshoi Akademik Negara . Namun, hanya beberapa hari kemudian, pada 12 Desember, ada upaya yang gagal untuk menutup lembaga itu sepenuhnya. Beethoven Hall dibuka pada 18 Februari 1921. Ivan Rerberg mengarahkan rekonstruksi teater lebih lanjut antara tahun 1921 dan 1923. Sebuah bom merusak struktur selama Perang Dunia II, tetapi ini segera diperbaiki.

Tahap baru tahun 2002

Sebuah panggung baru untuk Teater Bolshoi, yang disebut Panggung Baru, mulai beroperasi pada 29 November 2002, dibangun di sebelah kiri panggung utama bersejarah teater itu. Bersama dengan bangunan tambahan bangunan abad ke-17 yang telah dipugar, dua aula latihan, dan ruang rekreasi seniman bangunan ini membentuk satu kompleks teater, Teater Bolshoi Rusia . Bangunan baru itu berada di atas bukit alami yang hingga saat ini berbagi blok rumah-rumah tua dengan apartemen komunal.

Pembangunan kembali dan renovasi besar-besaran (2005–2011)

Dari Juli 2005 hingga Oktober 2011 teater ditutup untuk restorasi. Itu telah mengalami banyak renovasi pada masanya, tetapi tidak ada yang ekstensif. Bangunan, yang arsitekturnya menggabungkan tiga gaya berbeda , rusak dan renovasi cepat tampaknya diperlukan.

Perbaikan awalnya diperkirakan mencapai 15 miliar rubel ($610 juta) tetapi para insinyur menemukan bahwa lebih dari 75% struktur tidak stabil, dan sebagai hasilnya, perkiraan biaya melonjak menjadi 25,5 miliar rubel (sekitar $850 juta).

Namun, pada penyelesaian pekerjaan, diumumkan bahwa hanya 21 miliar rubel ($688 juta) yang telah dihabiskan. Menurut The Moscow Times , biaya sebenarnya mungkin dua kali lipat, dan Der Spiegel mengutip angka $1,1 miliar. Pembangunan kembali dan renovasi didanai sepenuhnya oleh pemerintah federal.

Selama periode rekonstruksi yang panjang, perusahaan terus meningkatkan produksi, dengan pertunjukan yang diadakan di Panggung Baru dan di atas panggung Istana Kremlin Agung .

Renovasi tersebut termasuk peningkatan akustik, untuk mencoba meniru suara yang diyakini telah ada pada zaman pra-Soviet, dan restorasi dekorasi Imperial yang asli. Pondasi bangunan dan tembok bata direset secara menyeluruh.

Di dalam, seluruh ruang dilucuti dari bawah ke atas. Perlengkapan kayu abad ke-19, tirai panggung perak, dan perjamuan beludru merah buatan Prancis dipindahkan untuk diperbaiki di bengkel spesialis. Di luar, di atas fasad, elang berkepala dua dari lambang Rusia asli dipasang di tempat palu dan arit Soviet telah dipasang selama beberapa dekade.

Akhirnya, pada tanggal 28 Oktober 2011, Teater Bolshoi dibuka kembali dengan konser yang menampilkan artis internasional dan perusahaan balet dan opera. Opera pertama yang dipentaskan, Ruslan dan Lyudmila , segera menyusul.

Balet dan opera

Bolshoi adalah sebuah teater perbendaharaan , yang berarti bahwa ia menarik dari daftar produksi, salah satu yang dapat dilakukan pada malam tertentu. Ini biasanya memperkenalkan dua hingga empat produksi balet atau opera baru setiap musim dan menahan jumlah yang sama.

Set dan kostum untuk sebagian besar produksi dibuat di bengkel Bolshoi sendiri. Para penampil diambil terutama dari balet reguler dan perusahaan opera Bolshoi, dengan pertunjukan tamu sesekali.

Sejak pembubaran Uni Soviet, ada beberapa upaya untuk mengurangi ketergantungan tradisional teater pada subsidi negara yang besar. Sponsor perusahaan terjadi untuk beberapa produksi, tetapi pendanaan negara masih menjadi sumber kehidupan perusahaan.

Bolshoi telah dikaitkan sejak awal dengan balet. Tchaikovsky ‘balet s Swan Lake perdana di teater pada tanggal 4 Maret 1877. staples lain dari repertoar Bolshoi termasuk Tchaikovsky The Sleeping Beauty dan The Nutcracker , Adam Giselle , Prokofiev ‘ s Romeo dan Juliet , dan Khachaturian ‘s Spartacus.

Kepala konduktor balet dari tahun 1923 hingga 1963 adalah Yuri Fayer

Setelah kematian Joseph Stalin , perusahaan melakukan tur internasional dan menjadi sumber prestise budaya yang penting, serta pendapatan mata uang asing. Akibatnya, “Balet Bolshoi” menjadi nama terkenal di Barat.

Namun, Bolshoi menderita kerugian melalui serangkaian pembelotan para penarinya. Kejadian pertama adalah pada 23 Agustus 1979, dengan Alexander Godunov diikuti oleh Leonid Kozlov dan Valentina Kozlova pada 16 September 1979; dan kasus-kasus lain di tahun-tahun berikutnya. Bolshoi terus melakukan tur secara teratur dengan produksi opera dan balet di era pasca-Soviet.

Perusahaan opera mengkhususkan diri dalam klasik opera Rusia seperti Mussorgsky ‘s Boris Godunov, Glinka ‘ s A Life untuk Tsar , dan Rimsky-Korsakov ‘s The Tsar Bride , serta opera Tchaikovsky. Banyak opera karya komponis barat juga dipentaskan, terutama karya komponis Italia seperti Rossini, Verdi, dan Puccini.

Sampai pertengahan 1990-an, sebagian besar opera asing dinyanyikan dalam bahasa Rusia, tetapi bahasa Italia dan bahasa lainnya lebih sering terdengar di panggung Bolshoi dalam beberapa tahun terakhir.

Beberapa opera, seperti Borodin’s Prince Igor , menyertakan rangkaian balet yang ekstensif. Banyak produksi, terutama opera klasik Rusia, dilakukan dalam skala besar, dengan puluhan penyanyi dan penari berkostum di atas panggung untuk adegan keramaian atau festival.

Orkestra

Orkestra Teater Bolshoi adalah ansambel virtuoso dalam dirinya sendiri. Ini memberikan konser sesekali musik simfoni di teater dan di tempat lain, dan telah membuat rekaman. Selama beberapa dekade, ia telah melakukan tur ke luar negeri sebagai “Orkestra Teater Bolshoi”, “Orkestra Simfoni Bolshoi” dan, yang terbaru, sebagai “Orkestra Bolshoi”.

Baca Juga : Arnolfini, Pusat Seni Teater Internasional

Direktur musik dan kepala konduktor, Vassily Sinaisky , berhenti tiba-tiba pada awal Desember 2013, setelah 41 bulan masa jabatan, dengan alasan perlunya menghindari konflik.

Direktur Jenderal Vladimir Urin segera menerima pengunduran dirinya dan memilih Tugan Sokhiev sebagai penggantinya. Kontrak empat tahun Sokhiev, diselesaikan pada 20 Januari 2014 dan segera berlaku efektif. Kepala baru juga memegang konduktor di Toulouse dan Berlin.

Mengenal Semua Tentang Teater Globe Shakespeare
Theater

Mengenal Semua Tentang Teater Globe Shakespeare

Mengenal Semua Tentang Teater Globe Shakespeare – Globe Theatre , teater London yang terkenal di mana setelah tahun 1599 dramaWilliam Shakespeare dilakukan. Pada awal tahun 1599 Shakespeare, yang telah berakting dengan Lord Chamberlain’s Men sejak 1594, membayar ke kas perusahaan sejumlah uang sebesar 12,5 persen dari biaya pembangunan Globe.

toscanaspettacolo

Mengenal Semua Tentang Teater Globe Shakespeare

toscanaspettacolo – Ia melaksanakannya sebagai pemegang saham penting di industri, serta dengan melaksanakan itu ia menolong membuat wujud pembedahan menguntungkan yang istimewa serta berhasil untuk para bintang film dikala itu. Pemodalan ini berikan Shakespeare serta aktor- aktor terkenal yang lain bagian dalam profit industri serta bagian dalam rumah main mereka.

Pada saat ini, rumah bermain yang disetujui secara resmi dan perusahaan akting yang disetujui secara resmi telah ada di London hanya selama lima tahun.

The Lord Chamberlain’s Men adalah salah satu dari hanya dua perusahaan yang memiliki izin untuk tampil di dalam batas kota London. (Untuk lebih lanjut tentang subjek ini, lihat Sidebar: Shakespeare and the Liberties .) Perusahaan lain menggunakan playhouse Rose , yang dimiliki oleh seorang impresario dan mantan menantu aktornya.

Baca Juga : 10 Fakta Menarik Tentang Teater Yunani Kuno

Rumah bermain terbaik kedua

Industri Shakespeare membuat Globe cuma sebab tidak bisa memakai sarana beratap spesial, Teater Blackfriars, ituJames Burbage( ayah dari bintang film penting mereka, Richard Burbage) sudah dibentuk pada tahun 1596 buat itu di dalam kota.

Burbage yang lebih tua memiliki sejarah panjang sebagai pengusaha teater . Pada tahun 1576 ia membangun amfiteater pertama yang sukses , yang dikenal sebagai TheTeater , di pinggiran kota London.

Dua puluh tahun kemudian, ketika sewa tanah The Theatre hampir habis, ia membangun teater di Blackfriars sebagai penggantinya. Tapi penduduk kaya Blackfriars membujuk pemerintah untuk memblokir penggunaannya untuk drama, jadi ibukota Burbage dikunci. Dia meninggal pada awal tahun 1597, rencananya untuk masa depan teater di London gagal.

Dengan demikian, para anggota Lord Chamberlain’s Men terpaksa menyewa rumah bermain. Pada akhir 1598, mereka memutuskan untuk membangunnya sendiri. Karena warisan putra Burbage, Cuthbert dan Richard, terikat di Blackfriars, mereka membentuk konsorsium dengan Shakespeare dan empat aktor lainnya, yang menjadi pemilik bersama Globe baru.

Kekurangan uang yang serupa membuat asosiasi tradisionalis sungkan; mereka membebaskan ilham pentas dalam ruangan di kota. Rumah main lama merupakan salah satu dari sedikit pangkal energi mereka yang tertinggal, namun mereka tidak bisa memakainya di tempat sebab era sewanya sudah selesaia, jadi mereka membongkarnya, mengutip kusen( dengan cara bawah tangan) buat membuat kerangka amfiteater terkini mereka, serta menjaga auditorium dasar. wujud Teater buat bangunan terkini.

Kesuksesan Globe

Untuk semua pembangunannya yang terburu-buru pada tahun 1599, Globe terbukti menang. Dekade pertama penggunaan membuatnya menjadi favorit tidak hanya dengan generasi berikutnya dari penonton teater tetapi dengan perusahaan itu sendiri. Di tahun-tahun berikutnya, rombongan itu membayar banyak untuk mempertahankannya.

Paling tidak 2 kondisi membagikan fakta buat statment ini. Pada tahun 1608, istimewa tidak cuma selaku ilustrasi sangat populer dini James Burbage buat Blackfriars, para badan memilah, dengan cara boros, buat melaksanakan 2 pentas bersama- sama, memakai Globe terbuka di masa panas serta Blackfriars beratap di masa dingin.

Jika mereka memilih, mereka dapat dengan mudah menyewa salah satu bangunan ke perusahaan lain, karena ada kekurangan rumah bermain di London pada periode ini. Tapi mereka menyimpan keduanya untuk diri mereka sendiri.

Mereka diberi kesempatan kedua untuk pindah penuh waktu ke Blackfriars pada tahun 1613,Henry VIII . Pada saat itu Blackfriars sudah mulai menghasilkan keuntungan yang lebih baik daripada Globe, karena ukuran rumah yang lebih kecil lebih dari kompensasi dengan harga yang lebih tinggi.

Sebagai gantinya, menanggung biaya dari sentimen dan loyalitas tradisional, anggota perusahaan merogoh kocek dalam-dalam dan membangun kembali Globe dengan lebih indah dari sebelumnya.

Dengan cara teknis, Globe 1599 serta penggantinya tahun 1614 melingkupi masa dalam asal usul konsep pentas. Globe awal, bersumber pada kerangka Teater asli tahun 1576, istimewa tidak cuma selaku ilustrasi sangat populer dari wujud konsep pentas yang abnormal serta dewasa pendek, namun sebab itu sesungguhnya yang awal dibentuk spesial buat akting yang terdapat industri serta dibiayai oleh industri itu sendiri.

Shakespeare dirancang Seperti yang Anda Suka , Hamlet , Twelfth Night , Othello , Semua Baik Itu Berakhir dengan Baik , Ukuran untuk Ukuran , King Lear , Macbeth , Antony dan Cleopatra , Coriolanus, Pericles , dan The Winter’s Tale , belum lagi Troilus dan Cressida dan Timon of Athens , untuk pertunjukan di sana.

Desain Globe

Desain Teater asli menanggapi campuran tradisi. Namanya, yang hingga saat itu telah digunakan untuk atlas (seperti Mercator’s) dan bukan untuk gedung pertunjukan, menarik perhatian pada tradisi teater Romawi.

Bentuknya yang melingkar, bagaimanapun, tidak mencerminkan bentuk-D dari amfiteater Romawi tetapi kumpulan orang banyak dalam lingkaran di sekitar para aktor di pasar kota, tempat semua pemain tahun 1576 mendapatkan pelatihan mereka.

Konsep membangun scaffold dengan galeri tiga tingkat yang mengelilingi halaman melingkar menirukan penataan rumah-rumah bearbaiting dan bullbaiting yang sudah ada. Panggung, platform yang dipasang di halaman, adalah jenis hal yang didirikan oleh perusahaan perjalanan di halaman penginapan.

Teater lama adalah struktur 20-sisi, sedekat mungkin dengan lingkaran yang dibuat oleh tukang kayu Elizabeth. Tingginya lebih dari 30 kaki (9 meter), dengan tiga tingkat tempat duduk di galerinya.

Akses penonton bisa melalui dua lorong sempit di bawah galeri ke ruang berdiri halaman di sekitar panggung atau naik dua menara tangga eksternal ke bagian belakang galeri. Lima dari 20 teluk galeri terputus oleh adegan frons, atau dinding rumah yang melelahkan, di belakangnya para aktor menyimpan perlengkapan, kostum, dan buku pedoman mereka dan mempersiapkan diri untuk penampilan mereka.

Panggung adalah platform setinggi 5 kaki (1,5 meter) yang menonjol dari rumah yang melelahkan ke tengah halaman. Dua pos berdiri menutupi panggung yang melindungi para pemain dan kostum mahal mereka dari hujan. Penonton yang berdiri di halaman tidak memiliki penutup, meskipun saat hujan mereka bisa membayar lebih dan berlindung di galeri paling bawah.

The Globe mereproduksi bentuk lama ini, dengan beberapa inovasi terutama dalam lukisan segar dan dekorasi area panggung. Masing-masing dari empat amfiteater London yang paling dikenal oleh para sarjana, theMawar , ituSwan , Globe, danFortune , memiliki ruang auditorium dengan ukuran tertentu, sekitar 10 kaki 6 inci (kira-kira 3 meter) dari depan ke belakang dan lebar rata-rata 14 kaki (sekitar 4 meter).

Globe dan Fortune, dan mungkin Swan, semuanya memiliki 20 teluk, sedangkan Rose yang lebih kecil memiliki 14. Tempat duduk dalam bentuk derajat (bangku kayu disapu ke atas ke belakang), bersama dengan atap di atas galeri paling atas, disediakan semua kenyamanan tanpa bantal yang diharapkan Elizabethans.

Beberapa kamar disediakan untuk yang paling istimewa di balkon panggung itu sendiri. Termasuk ruang untuk hampir seribu pelanggan untuk berdiri di halaman di sekitar panggung, Rose kecil memiliki total kapasitas sekitar 2.400 orang, sementara perkiraan kontemporer dari total kapasitas penonton di Swan and the Globe mengklaim 3.000 orang.

Panggungnya besar, lebarnya 43 atau 44 kaki (sekitar 13 meter) dan dalamnya 27 kaki atau lebih (sekitar 8 meter). Dua tiang panggung sangat besar, karena mereka harus menopang penutup besar, atau surga, yang memiliki pintu jebakan di dalamnya dengan mesin kerek untuk memutar anak laki-laki yang bermain dewa ke atas panggung.

Di bawah pintu jebakan langit ada satu di panggung, yang berfungsi sebagai titik masuk untuk hantu Raja Hamlet dan kuburan untuk Ophelia. Dinding rumah yang melelahkan memiliki dua pintu di sisinya untuk pintu masuk dan keluar dan bukaan tengah, biasanya ditutupi oleh satu set gantungan (arras Polonius) yang menyembunyikan peti mati di The Merchant of Venice dan patung Hermione di The Winter’s Tale Di atas tiga bukaan, sebuah balkon membentang selebar dinding panggung, ruang tengah yang digunakan untuk pemandangan yang membutuhkan jendela atas atau balkon atau dinding kota.

Bermain di Globe

Pengalaman menonton pertunjukan di Globe sangat berbeda dengan pengalaman menonton Shakespeare modern di layar. Drama dipentaskan di sore hari, menggunakan cahaya siang hari, dan penonton mengelilingi panggung di semua sisi.

Baca Juga : Tempat Pertunjukan Teater Boneka di Budapest

Tidak ada pemandangan yang digunakan, kecuali untuk perangkat lambang sesekali seperti singgasana atau tempat tidur. Hampir tidak mungkin untuk tidak melihat separuh penonton lainnya berdiri di belakang para pemain. Akibatnya, sebagian besar pementasan adalah metatheatrical, mengakui sifat ilusi dari permainan bermain dan membuat sedikit kepura-puraan realisme panggung.

10 Fakta Menarik Tentang Teater Yunani Kuno
Theater

10 Fakta Menarik Tentang Teater Yunani Kuno

10 Fakta Menarik Tentang Teater Yunani Kuno – Teater Yunani kuno, yang berkembang dari sekitar 550 SM hingga 220 SM , meletakkan dasar bagi teater di dunia barat. Teater Yunani dapat ditelusuri ke festival Dionysia di Athena , yang merupakan pusat budaya Yunani Kuno.

toscanaspettacolo

10 Fakta Menarik Tentang Teater Yunani Kuno

toscanaspettacolo – Genre teatrikal tragedi, komedi dan satir semua muncul di festival ini. Yang terpenting dari ketiga genre ini adalah tragedi Yunani , yang kemudian sangat mempengaruhi teater Roma Kuno dan Renaisans.

Ada banyak penulis drama Yunani yang berpengaruh. Dari ini Aeschylus dan Aristophanes umumnya dianggap sebagaiayah dari tragedi Yunani dan komedi masing-masing . Popularitas dan pengaruh teater Yunani dapat diukur dari fakta bahwa banyak drama Yunani kuno masih dimainkan di teater-teater di seluruh dunia . Ketahui lebih banyak tentang teater Yunani kuno melalui 10 fakta menarik ini.

Baca Juga : Teater Tak Hanya Seni Peran, Ternyata Ada Beberapa Film Dokumenter Didalamnya

1. Berasal dari festival Yunani Kuno yang Disebut Dionysia

Asal teater di A ncient Yunani dapat ditelusuri ke festival besar di Athena dikenal sebagai Dionysia . Festival ini diadakan untuk menghormati Dionysus , dewa panen anggur, anggur, dan kesuburan Yunani.

Itu adalah festival terpenting kedua di Yunani Kuno setelah Panathenaia , di mana permainan diadakan. Dionysia terdiri dari dua festival terkait, Dionysia Pedesaan dan Dionysia Kota . Dionysia Pedesaan diadakan di musim dingin dan acara utamanya adalah prosesi pompe.

Dionysia Kota diadakan dibulan Maret dan April , kemungkinan besar untuk merayakan akhir musim dingin dan panen tanaman tahun ini . Acara utama di City Dionysia adalah pertunjukan dramatis . The genre tragedi, komedi dan satir semua dikatakan telah dikembangkan di festival ini . Jadi teater barat modern dapat ditelusuri ke teater di Yunani kuno.

2. Tragedi Yunani sangat mempengaruhi teater barat

Tragedi , genre yang berfokus pada penderitaan manusia , adalah bentuk teater yang paling dihargai di Yunani kuno . Pertunjukan pertama tragedi di Dionysia dikaitkan dengan dramawan dan aktor Thespis.

Dia dikatakan telah menerima sebagai hadiah seekor kambing . Kata “tragedi” , yang berarti “lagu kambing” dalam bahasa Yunani klasik, kemungkinan berasal dari hadiah yang diterima Thespis.

Selain itu, kata thespian bahkan digunakan sampai sekarang untuk merujuk pada seniman teater. Tragedi Yunani sangat memengaruhi teater Roma Kuno dan Renaisanssejauh itu dikatakan telah memainkan peran penting secara historis dalam definisi diri peradaban Barat.

Selain tragedi, bentuk dramatik utama lainnya dalam teater Yunani adalah komedi , pertunjukan yang mengadu dua kelompok dalam konflik yang lucu; dan satir , sebuah drama berdasarkan mitologi Yunani yang penuh dengan kemabukan palsu, seksualitas kurang ajar, pranks, lelucon penglihatan dan kegembiraan umum.

3 Tiga dramawan Berkompetisi di Dionysia Menghadirkan tiga tragedi dan satu drama satir

Abad ke-5 SM dianggap sebagai Zaman Keemasan drama Yunani. Pada saat ini lima hari festival Dionysia dikhususkan untuk pertunjukan teater . Setidaknya tiga hari ini dikhususkan untuk drama tragis.

Ada kompetisi antara tiga dramawan di mana masing-masing menampilkan set tiga tragedi dan satu drama satir pada hari-hari berturut-turut. Sebagian besar tragedi Yunani yang masih hidup dilakukan selama Dionysia.

Selain tragedi, ada juga kompetisi antara lima penulis komik yang masing-masing menampilkan satu drama. Meskipun komedi adalah kepentingan sekunder dan tidak dijunjung tinggi seperti tragedi, merupakan kehormatan besar untuk memenangkan hadiah komedi terbaik di City Dionysia.

4. Gedung teater Yunani terdiri dari orkestra, skene, dan teater

Bangunan teater Yunani memiliki tiga elemen utama : orkestra , skene , dan theatron . Orkestra adalah area di tengah teater di mana pertunjukan sebenarnya akan berlangsung . Itu biasanya persegi panjang atau lingkaran.

Skene adalah bangunan yang terletak tepat di belakang orkestra . Itu digunakan sebagai belakang panggung di mana para aktor akan mengganti kostum dan topeng teater Yunani mereka. Skene yang awalnya merupakan bangunan sementara seperti tenda atau gubuk, kemudian menjadi bangunan permanen yang terbuat dari batu.

Dalam banyak kesempatan, skene dicat dan dijadikan sebagai latar belakang drama tersebut . Itutheatron , yang berarti “tempat melihat”, mengacu pada area tempat duduk dari mana penonton melihat pertunjukan tersebut . Juga, orkestra biasanya terletak di teras datar di kaki bukit sehingga lereng akan menghasilkan teater alami .

5. Topeng drama yang Terkenal dapat ditelusuri ke teater Yunani Kuno

The topeng drama, yang kini telah datang untuk melambangkan teater , berasal Yunani Kuno . Kedua topeng bersama-sama mewakili Komedi dan Tragedi; yang dua genre utama teater Yunani . Topeng Komedi dikenal sebagai Thalia , inspirasi komedi dalam mitologi Yunani sedangkan topeng Tragedi dikenal sebagai Melpomene , inspirasi tragedi.

Topeng teater Yunani telah digunakan sejak abad ke-6 SM . Topeng adalah salah satu ciri khas teater Yunani klasik. Ada alasan praktis untuk menggunakan masker. Topeng besar membantu membesar-besarkan emosiaktor dan fitur wajah mereka.

Di bioskop yang menampung ribuan orang, ini adalah suatu keharusan. Para aktor mengenakan topeng gelap untuk tragedi dan topeng berwarna cerah selama komedi . Topeng-topeng itu terbuat dari bahan-bahan organik sehingga tidak ada bukti fisik topeng teater Yunani yang masih bertahan . Topeng dimaksudkan baik untuk aktor dan paduan suara. Karena paduan suara mewakili karakter yang sama, mereka semua mengenakan topeng yang sama.

6. Wanita tidak diizinkan berakting di teater Yunani Kuno

Pada tahun-tahun awal, tragedi Yunani hanya memiliki satu aktor . Aktor ini mengenakan kostum dan topeng dan akan menyamar sebagai dewa . Ini mungkin hubungan paling dekat antara drama dan ritual keagamaan dari mana mereka berasal.

Thespis di 520 SM menciptakan konsep paduan suara, dan aktor akan berbicara dengan pemimpin paduan suara . Paduan suara hanya akan bernyanyi dan menari, dan tidak akan berbicara.

Aktor itu kemudian mulai mengganti kostum di skene, memungkinkan drama itu dibagi menjadi beberapa episode. Setelah beberapa tahun, jumlah aktor yang diizinkan dalam drama itu meningkat menjadi tiga.

Itu hanya dengan abad ke-5 SM yang lebih aktor diizinkan dalam bermain. Semua bagian dalam drama teater Yunani dimainkan oleh laki-laki . Wanita tidak berperan dalam drama Yunani Kuno dan masih diperdebatkan apakah mereka bahkan datang untuk menonton drama tersebut .

7. Paduan suara adalah bagian integral dari drama Yunani awal

Paduan suara adalah fitur unik dari drama teater Yunani dan, pada tahun-tahun awal, itu adalah bagian penting dari drama itu . Anggota paduan suara memiliki kostum mewah yang dirancang untuk menarik perhatian.

Paduan suara bisa mewakili hampir semua hal dari lebah raksasa hingga ksatria hingga peralatan dapur . Namun, sering memainkan karakter kelompok . Itu juga bisa memberikan komentar, ringkasan dan informasi yang bukan bagian dari dialog.

Dalam beberapa kasus, anggota paduan suara bahkan mengartikulasikan pikiran rahasia dan ketakutan para karakter. Paduan suara berbicara serempakatau bernyanyi . Itu adalah teknik penting yang digunakan ketika hanya ada satu hingga tiga aktor di panggung teater Yunani. Namun, pada abad ke-5 SM , pentingnya paduan suara mulai menurun dan tidak lagi menjadi bagian integral dari drama utama .

8. Kematian tidak dapat digambarkan di atas panggung di teater Yunani Kuno

Tragedi Yunani sering kali berurusan dengan pertanyaan moral dan dilema tidak menang yang tragis. Plot tragedi Yunani hampir selalu terinspirasi oleh mitologi Yunani, yang merupakan bagian dari agama Yunani.

Ada ciri-ciri khusus tertentu dalam tragedi Yunani. Misalnya, ada batasan tertentu dalam hal penggambaran kematian dan kekerasan. Kekerasan benar-benar dilarang di atas panggung. Apalagi, karakter selalu mati di belakang layar di skene dan hanya suaranya yang bisa didengar.

Ini karena membunuh di depan penonton dianggap tidak pantas . Juga, pada tahun-tahun awal, penyair dilarang menggunakan drama mereka untuk membuat pernyataan tentang politik zaman.

Namun, seiring berjalannya waktu, teater digunakan untuk menyuarakan ide dan masalah dari kehidupan demokrasi, politik, dan budaya di Yunani kuno. Penulis drama sering menggunakan mitos sebagai metafora untuk mengangkat kekhawatiran tentang masa kini.

9. Komedi Yunani dibagi menjadi empat bagian

Komedi Yunani kuno dibagi menjadi empat bagian . Bagian pertama disebut parados , di mana paduan suara , yang terdiri dari 24 pemain, masuk dan bernyanyi dan menari . Bagian kedua dikenal sebagai agonis.

Biasanya melibatkan duel verbal antara aktor utama . Adegan berubah dengan cepat, plotnya sering memiliki elemen fantastis dan ada ruang untuk improvisasi. Pada bagian ketiga, parabasis , chorus ditujukan kepada penonton.

Bagian terakhir dari drama ini adalah exodos di mana paduan suara biasanya menampilkan lagu dan tarian yang menggetarkan. Karena sifatnya yang kurang formal, drama komik di Yunani kuno memungkinkan penyair mengomentari peristiwa terkini dengan cara yang menyindir .

10. Aeschylus dan Aristophanes dikenal sebagai Bapak Tragedi dan Komedi Yunani

Aeschylus, Sophocles dan Euripides adalah tiga tragedi Yunani kuno yang sejumlah besar dramanya bertahan. Akibatnya mereka adalah tiga tragedi Yunani yang paling terkenal . Aeschylus saat ini terkenal sebagai “ Bapak Tragedi ”.

Melalui karya-karyanya, pengetahuan tentang genre tragedi dimulai. Selain itu, ia adalah dramawan pertama yang dikenal untuk menyajikan drama sebagai trilogi . Sophocles dianggap sebagai dramawan paling terkenal pada masanya dan dramanya Oedipus Rex dinilai oleh banyak sarjana sebagai mahakarya tragedi Yunani kuno.

Baca Juga : Mengulas Tentang 3 Sutradara Teater Sekaligus Aktor Didalamnya

Euripides, dianggap sebagai “penyair paling tragis”, menjadi yang paling populer dari ketiganya karena lebih banyak dramanya bertahan daripada gabungan Aeschylus dan Sophocles. Komedi di Yunani kuno dibagi menjadi tiga periode: Komedi Lama, Komedi Tengah dan Komedi Baru.

Sementara Komedi Tengah sebagian besar hilang, Aristophanes dan Menander masing-masing adalah perwakilan paling terkenal dari Komedi Lama dan Baru. Sebelas drama Aristophanes bertahan dan dia sering disebut “Bapak Komedi” .

Teater Tak Hanya Seni Peran, Ternyata Ada Beberapa Film Dokumenter Didalamnya
Theater

Teater Tak Hanya Seni Peran, Ternyata Ada Beberapa Film Dokumenter Didalamnya

Teater Tak Hanya Seni Peran, Ternyata Ada Beberapa Film Dokumenter Didalamnya – Produksi Donmar 2012 dari Phyllida Lloydmenunjukkan apa yang diperoleh Julius Caesar dari pengaturan penjara. Film dokumenter dari tahun yang sama ini, disutradarai oleh saudara Paolo dan Vittorio Taviani, melangkah lebih jauh.

toscanaspettacolo

Teater Tak Hanya Seni Peran, Ternyata Ada Beberapa Film Dokumenter Didalamnya

toscanaspettacolo – Ini mengikuti pementasan drama sehari-hari oleh narapidana di penjara Rebibbia Roma yang memiliki pengalaman pembunuhan, pengkhianatan, dan pembalasan mereka sendiri. “Rasanya seperti Shakespeare tinggal di jalanan kota saya,” kata salah satu orang.

Dunia permainan dan penjara saling bercampur: kadang-kadang Anda tidak yakin apakah mereka berbicara dari drama, mendiskusikan Shakespeare, atau merenungkan kehidupan mereka.

Baca Juga : 15 Keunggulan Khusus yang Dimiliki Mayor Teater

Kamera dan komposisi dinilai dengan brilian, dengan arsitektur yang ditangkap dari sudut yang mencolok, dan seluruh penjara berfungsi sebagai satu set saat kita melihat para pria berlatih baris-baris tentang kehidupan sehari-hari mereka. Baris terakhir tentang kualitas budaya yang membebaskan sangat menghancurkan:

Bathtubs Over Broadway

Anda akan menyebutnya obsesi yang tidak sehat jika hal itu tidak membawa kebahagiaan yang nyata bagi Steve Young. Young adalah pemuja salah satu sudut paling aneh dalam sejarah teater: “musik industri”.

Pertunjukan ini, dengan pemeran besar dan lagu serta koreografi orisinal, adalah fitur umum di konvensi dan pertemuan penjualan pada 1950-an dan 60-an. Perusahaan besar seperti McDonald’s atau Xerox akan menugaskan mereka dan itu akan dilakukan untuk karyawan, bukan masyarakat umum.

Young (mantan penulis komedi di acara obrolan David Letterman) dalam film 2018 ini melacak bintang lagu dan tari yang menciptakan penghormatan ini untuk Oldsmobiles dan lemari es. Beberapa, seperti Susan Stroman dan Sheldon Harnick, menjadi Broadwaylegenda; yang lain tetap berada di ceruk pasar yang menguntungkan ini dan tampaknya benar-benar tersentuh untuk mengetahui semangat Young untuk kreasi mereka.

Itu semua bakat untuk menjadi hit. Stephen Sondheimmenganggapnya sebagai “gagasan besar”; Hal Prince tidak pernah merasa lebih yakin akan kesuksesan. Tapi pertunjukan mereka tahun 1981 Merrily We Roll Along dibom di Broadway, ditutup setelah 16 pertunjukan.

Apa yang salah? Anggota pemeran asli Lonny Price melihat ke belakang dalam film dokumenter 2016 dan berbicara dengan para pemain utama termasuk Jason Alexander dari Seinfeld dan James Weissenbach, yang digantikan sebagai aktor utama setelah preview pertama yang membawa bencana.

Pemeran terbuka tentang bagaimana kegagalannya memengaruhi karier mereka. Acara ini menceritakan kisah persahabatan secara terbalik, dimulai dengan karakter letih di usia paruh baya dan bergerak kembali 25 tahun ke diri mereka yang lebih optimis.

Ada simetri yang rapi dalam melihat aktor-aktor itu sekarang, di usia 60-an, di samping rekaman arsip audisi mereka dan bahkan rekaman Sondheim memainkan lagu di pesta ulang tahun Price.

The Space: Theatre of Survival

Selama tujuh tahun pada 1970-an, Space di Cape Town menjadi bukti nyata kekuatan teater protes. Ini dengan berani menyajikan drama mendesak yang menantang rasisme struktural rezim apartheid dan menggunakan teater sebagai “senjata untuk perubahan”, seperti yang dikatakan salah satu orang yang diwawancarai dalam film dokumenter Mark Street dan Dan Poole tahun 2019.

Dinarasikan oleh James Earl Jones, film ini menangkap bagaimana rasanya menjalankan teater (tanpa subsidi, terus-menerus diawasi oleh cabang khusus polisi Afrika Selatan), bagaimana rasanya berakting di sana (seperti yang diingat oleh John Kani, Richard E Grant dan lain) dan suasana elektrik penonton (di mana, seperti di atas panggung, segregasi ditentang).

Produksi, termasuk Athol FugardHit internasional Sizwe Banzi Is Dead, dihidupkan kembali dengan materi arsip dan kenangan dari salah satu pendiri Space Brian Astbury, penulis drama Fatima Dike dan Fugard yang memperingatkan bahwa pembuat teater harus selalu tetap waspada, di mana pun mereka bekerja. Sebuah studi menarik tentang teater politik yang tidak hanya mencerminkan berita utama tetapi juga membuatnya sendiri.

It Takes a Lunatic

Wynn Handmandiberitahu “dibutuhkan orang gila” untuk menjalankan teater nirlaba. Tetapi pada tahun 1963 ia membuka teater American Place di bekas gereja di New York, dengan misi untuk menjadikannya benteng dari drama eksperimental dan sangat orisinal tanpa takut pada subjek yang sulit seperti Killer’s Head oleh Sam Shepard dan drama holocaust George Tabori The Cannibals.

Disutradarai oleh Billy Lyons, Kim Ferraro dan Seth Isler, film 2019 ini membagi fokusnya antara pekerjaan Handman sebagai direktur artistik di sana dan sebagai guru akting. Mantan murid yang membayar iuran mereka termasuk Michael Douglas, Alec Baldwin, Richard Gere dan James Caan, yang melakukan pekerjaan sambilan sebagai pengganti biaya. Handman dipuji karena menghormati kerentanan aktor muda dan memberi mereka keberanian.

“Bimbangi dirimu dalam kenyataan,” dia mengajar, “lalu lempar dirimu ke laut. ” American Place menonjol karena komitmennya terhadap keragaman pada saat teater AS sangat kulit putih dan sangat laki-laki.

Dael Orlandersmith, Frank Chin, dan John Leguizamo termasuk di antara mereka yang berbagi kenangan dan kita melihat Handman, yang meninggal pada usia 97 pada tahun 2020, bekerja sama dengan siswa di tahun-tahun terakhirnya.

Between Fences

Di studio latihan darurat, sebuah kelompok memerankan peran pengungsi dalam adegan keputusasaan, ancaman, dan prasangka yang sudah dikenal. Tapi aktor pemula ini adalah pencari suaka sejati dan pengalaman tergelap mereka melarikan diri dari perang dan bahaya yang sedang ditinjau kembali di ruangan yang dipenuhi cahaya di gurun Israel dekat perbatasan Mesir.

Dalam film 2016 ini, pembuat dokumenter Avi Mograbi dan sutradara teater Chen Alon mengadakan serangkaian lokakarya dengan orang-orang dari Eritrea dan Sudan yang diadakan di pusat penahanan Holot.

Bersama-sama mereka membuat drama yang pada akhirnya akan melakukan tur keliling Israel. Difilmkan diam-diam, dengan beberapa puitis berkembang, improvisasi panjang kelompok mengeksplorasi struktur kekuasaan dan permainan kekuasaan, dan itu mengejutkan untuk melihat para pengungsi mencoba peran diktator dan pihak berwenang.

Oyun (Permainan)

“Di desa ini, segalanya harus berubah.” Demikian kata salah satu dari sembilan wanita Turki, semuanya adalah aktor pemula, memainkan permainan gratis di sekolah dasar untuk menyuarakan pengalaman ketidakadilan mereka.

Film dokumenter Pelin Esmer 2005 mengikuti para wanita saat mereka membentuk naskah dengan seorang guru, berbelanja alat peraga, melakukan pemasaran mereka sendiri, dan memiliki keributan malam pembukaan yang mengancam untuk menggagalkan pertunjukan.

Sepanjang jalan para perempuan menimbang peran yang mereka perankan, di dalam dan di luar panggung, dan berbicara secara terbuka tentang kekerasan yang mereka derita, ketidaksetaraan dan aspirasi mereka untuk generasi muda.

Teater memiliki efek transformatif tidak hanya pada wanita tetapi pada keluarga mereka. Semua manfaat drama – termasuk agensi, empati, dan ekspresi diri – terbukti, bersama dengan debat langsung tentang etika menggambar teater di kehidupan nyata.

The Last Impresario

Tidak semua orang tahu nama Michael White. Tanpa dia, banyak yang tidak akan tahu nama beberapa seniman terbesar abad ke-20. Dokumentasi Gracie Otto 2013 dipicu oleh pertemuannya yang tidak disengaja dengan produser maverick di Cannes dia berbicara kepadanya tentang karirnya yang didokumentasikan melalui foto pribadi bertabur bintang dan kepala pembicaraan dari Barry Humphries, Naomi Watts, Anna Wintour dan Michael Billington yang memanggilnya “diaghilev mini dari masyarakat permisif”.

White memiliki mata yang tajam untuk bakat, pikiran terbuka dan pandangan internasional: dia membawa Merce Cunningham dan Pina Bausch ke London, membawa Dame Edna ke New York, mengubah Rocky Horror menjadi sensasi dan membantu melepaskan teater Inggris dari cengkeraman kejam. sensor Lord Chamberlain. Pemula pesta yang lazim, dia tidak menolak mengambil risiko dan ada posisi terendah yang menyakitkan di antara yang tertinggi.

Spettacolo

Setiap desa memiliki dramanya sendiri tetapi Monticchiello (pop. 136), di Tuscany, telah menggunakan kehidupan penduduknya sebagai dasar produksi teater di piazzanya selama beberapa dekade. Desa pegunungan kuno dulunya memainkan drama klasik tetapi mengembangkan bentuk “teater otomatis” sendiri yang dibuat oleh penduduknya yang sudah lanjut usia.

Dibuka dengan kecepatan tinggi, film Jeff Malmberg dan Chris Shellen 2017 melihat kembali drama masa lalu mereka, mendokumentasikan produksi mereka saat ini tentang ekonomi lokal dan “akhir dunia” dan mempertimbangkan masa depan tradisi, yang terlihat goyah ketika penduduk desa yang lebih muda lebih suka bermain sepak bola. Perayaan teater amatir yang megah dan komunitas yang unik.

A Year Full of Drama

Bagaimana jika seseorang yang belum pernah ke teater dibayar untuk menonton dan menulis tentang setiap produksi baru di negara mereka selama setahun penuh? Itulah posisi di mana Alissiya menemukan dirinya dalam film Marta Pulk 2019 yang mengikutinya ke tempat-tempat di seluruh Estonia saat dia berpartisipasi dalam eksperimen untuk menentukan apa yang dilakukan seni dalam dosis besar terhadap seseorang.

Baca Juga : Mengulas Tokoh Montazur Rahman Akbar Dalam Dunia Teater

Alissiya mendapati dirinya secara bergantian frustrasi, kesal, terpesona, dan terinspirasi oleh 224 produksi yang dia ikuti. Terkadang kita takut akan kesejahteraannya saat dia menganggap tempatnya di dunia dengan kejujuran yang luar biasa.

Pengalamannya di kios-kios bisa dihubungkan: dari kesuraman duduk melalui komedi yang semua orang kecuali Anda anggap lucu hingga keterkejutan yang Anda dapatkan dari melihat karakter yang dilema pribadinya mencerminkan diri Anda sendiri.

15 Keunggulan Khusus yang Dimiliki Mayor Teater
Theater

15 Keunggulan Khusus yang Dimiliki Mayor Teater

15 Keunggulan Khusus yang Dimiliki Mayor Teater – Berikut adalah daftar dua puluh lima keterampilan, sifat, dan kualitas kepribadian yang biasanya berkembang dengan baik pada individu yang menyelesaikan empat tahun studi teater sarjana. Perhatikan mereka secara khusus. Mereka lebih luas dan penting daripada yang mungkin Anda kenal.

toscanaspettacolo

15 Keunggulan Khusus yang Dimiliki Mayor Teater

toscanaspettacolo – Saat Anda memikirkannya, pertimbangkan berapa banyak keunggulan ini yang unik untuk jurusan teater–dan bahwa Anda memiliki lebih banyak keuntungan daripada jurusan di sebagian besar disiplin ilmu lainnya.

1. Keterampilan Komunikasi Lisan

Banyak siswa menemukan bahwa teater membantu mereka mengembangkan kepercayaan diri yang penting untuk berbicara dengan jelas, lugas, dan penuh perhatian.

Baca Juga : Melihat Pandemi Masa Lalu untuk Menentukan Masa Depan Teater

Bertindak di atas panggung mengajarkan Anda bagaimana menjadi nyaman berbicara di depan banyak penonton, dan beberapa kelas teater Anda akan memberi Anda pengalaman tambahan berbicara dengan kelompok.

Selain itu, pekerjaan Anda di kru telah mengajarkan Anda bahwa komunikasi lisan yang jelas, tepat, dan terorganisir dengan baik adalah yang terbaik. Keterampilan komunikasi lisan sangat penting bagi beberapa pemberi kerja sehingga mereka sering mengirim peserta pelatihan manajemen ke lokakarya khusus. Anda sudah memiliki keuntungan.

2. Kemampuan Pemecahan Masalah Kreatif

Kebanyakan orang mengharapkan siswa teater untuk menunjukkan kreativitas di bidang-bidang seperti akting, desain, drama atau penyutradaraan, dan banyak perusahaan merekrut pemikir kreatif.

Tetapi majikan tidak selalu menyadari bahwa pengalaman teater juga membantu Anda mempelajari teknik pemecahan masalah yang kreatif yang berlaku untuk banyak pekerjaan. Memberitahu mereka!

Misalnya, pekerjaan teater teknologi membangun pemandangan, lampu gantung, membuat alat peraga, menjalankan pertunjukan, dan sebagainya–adalah cara yang sangat baik untuk mempelajari cara berpikir, mengidentifikasi masalah, mengevaluasi berbagai kemungkinan solusi, dan mencari tahu apa yang harus dilakukan.

Hal yang sama berlaku untuk hampir semua aspek teater. mengarahkan. Rancangan. akting. Penulisan naskah drama. Pengelolaan. Dan banyak lagi.

Intinya di sini adalah bahwa kemampuan kreatif Anda, apa yang telah Anda pelajari tentang menggunakan proses kreatif untuk memecahkan masalah, dapat langsung diterapkan ke hampir semua pekerjaan yang mungkin Anda miliki.

Sebagian besar perusahaan besar percaya bahwa pemecah masalah yang kreatif akan menjadi karyawan yang baik. Itu kamu.

3. Lebih dari “menyelesaikan”

Tetapi siswa teater belajar bahwa “menyelesaikan” saja tidak cukup. Tidak semuanya. Ini lebih dari itu. Anda belajar melakukannya dengan benar. Di teater kita belajar bahwa hanya “mendapatkan pertunjukan di papan” adalah liga semak murni dan sama sekali tidak dapat diterima.

Apa pun pekerjaan teater anda teknologi, pertunjukan, penelitian, manajemen–itu harus dilakukan dengan benar . Anda belajar untuk bangga dalam melakukan hal-hal di tingkat terbaik Anda. Tentu saja seorang majikan akan menghargai sifat itu.

4. Motivasi dan Komitmen

Terlibat dalam produksi teater dan kelas menuntut komitmen dan motivasi. Ini adalah kualitas yang mungkin sudah dimiliki oleh anggota fakultas teater perguruan tinggi dan, dalam beberapa hal, Anda dan teman-teman Anda.

Sebagai contoh, kami saling mengajari bahwa kesuksesan datang kepada mereka yang berkomitmen pada tugas yang ada. Beberapa disiplin ilmu lain yang Anda pelajari akan sangat membantu Anda mengembangkan motivasi dan komitmen.

Banyak siswa teater belajar mentransfer atribut itu dari teater ke aktivitas lain seperti kelas dan pekerjaan. Bagi pengusaha, sikap positif itu penting.

5. Kesediaan untuk Bekerja Secara Kooperatif Pekerjaan

Anda di perusahaan teater mengajarkan Anda bagaimana bekerja secara efektif dengan berbagai tipe orang—seringkali tipe yang sangat berbeda!

Teater menuntut agar para peserta bekerja sama secara kooperatif untuk keberhasilan produksi; tidak ada ruang untuk perilaku “kita” versus “mereka”; diva “bintang” adalah sesuatu dari masa lalu. Rekan kerja Anda biasanya akan memberi tahu Anda jika Anda melanggar semangat tim produksi.

Di teater, penting bahwa setiap individu mendukung orang lain yang terlibat. Pengusaha akan senang mengetahui bahwa Anda memahami bagaimana menjadi pemain tim.

6. Kemampuan untuk Bekerja

Secara Mandiri Di teater, Anda sering diberi tugas yang harus Anda selesaikan tanpa pengawasan. Kepala kru. mengarahkan. Menyatukan flat ini, menemukan penyangga itu, mengerjakan karakterisasi di luar latihan. Terserah Anda untuk mencari tahu cara terbaik untuk mencapai tujuan. Kemampuan untuk bekerja secara mandiri adalah sifat yang dicari majikan dalam diri pekerjanya.

7. Keterampilan Menganggarkan Waktu

Ketika Anda seorang pelajar, terlibat dalam teater memaksa Anda untuk belajar bagaimana menganggarkan waktu Anda. Anda perlu menjadwalkan hari-hari Anda dengan sangat hati-hati jika Anda ingin menjaga nilai Anda saat Anda sibuk dengan latihan, panggilan kerja, dan tuntutan lain yang dibuat teater pada waktu Anda. Keterampilan manajemen waktu yang baik sangat penting bagi pemberi kerja.

8. Inisiatif

Manajer personalia menyebut orang-orang yang mendekati pekerjaan dengan inisiatif dan usaha “pemula sendiri”, orang yang melakukan apa yang perlu dilakukan tanpa menunggu diminta, tanpa perlu diberi tahu.

Kompleksitas produksi teater menuntut individu yang mau secara sukarela melakukan tugas apa pun yang perlu dilakukan agar produksi berhasil. Di teater, kita semua pemula. Kami belajar bagaimana mengambil inisiatif, memindahkan proyek dari konsep awal ke finalitas dan melakukannya dengan baik.

9. Ketepatan dan Menghormati Tenggat Waktu

Keterlambatan tidak pernah diterima di teater karena menunjukkan kurangnya disiplin diri, dan yang lebih penting, kurangnya pertimbangan terhadap orang lain. Terlambat untuk latihan atau panggilan kerja atau gagal menyelesaikan tugas yang diberikan tepat waktu merusak produksi dan berdampak buruk pada pekerjaan banyak orang lain. Teater menuntut agar Anda belajar untuk datang tepat waktu dan memenuhi tenggat waktu yang dijadwalkan.

Itu keterampilan kerja. Pengusaha menghargai pekerja yang tepat waktu dan melakukan pekerjaan mereka sesuai jadwal.

10. Penerimaan Aturan

Di teater Anda bekerja dalam struktur seperangkat prosedur dan aturan yang menangani segala hal mulai dari keselamatan toko hingga perilaku saat audisi, latihan, dan panggilan kerja. Anda belajar bahwa Anda harus menjadi “pengikut yang baik”. Teater mengajarkan Anda pentingnya aturan, sebuah konsep yang dihargai dalam organisasi mana pun.

11. Kemampuan Belajar dengan Cepat

Siswa teater, baik yang sedang menghafal baris-baris maupun yang sedang mempelajari aspek teknis suatu produksi, harus memiliki kemampuan menyerap materi dalam jumlah besar dengan cepat dan akurat .

Pekerjaan Anda di teater perguruan tinggi akan menunjukkan bahwa Anda memiliki kemampuan untuk memahami hal-hal kompleks dalam waktu singkat, suatu sifat yang sangat dihargai oleh pemberi kerja.

Perhatikan bahwa bagian dari kemampuan ini adalah sifat penting lainnya: mengetahui cara mendengarkan. Jika Anda tidak mendengarkan, kemungkinan besar Anda akan membuat beberapa kesalahan besar yang akan merusak produksi. Mendengarkan adalah keterampilan untuk pekerjaan apa pun dan majikan akan menghargai kemampuan Anda untuk mendengarkan dan memahami.

12. Menghormati Kolega

Di teater Anda menemukan bahwa produksi yang sukses membutuhkan kontribusi dari semua orang yang terlibat. Saling menghormati itu penting. Mengerjakan sebuah produksi mengajarkan kita untuk menghormati dan mempercayai kemampuan dan bakat rekan kerja kita. Seorang calon majikan akan menghargai kenyataan bahwa Anda telah belajar pentingnya menghormati rekan kerja Anda.

13. Menghormati Otoritas

Hanya satu orang yang dapat bertanggung jawab atas bagian tertentu dari suatu produksi. Direktur. Mandor toko. Direktur teknologi. Desainer. Teater mengajarkan Anda untuk rela menerima dan menghormati otoritas. Itu adalah sifat yang dicari majikan pada pekerja mereka.

14. Kemampuan Beradaptasi dan Fleksibilitas

Siswa teater harus mampu beradaptasi dan fleksibel. Anda harus mau mencoba ide-ide baru, menerima tantangan baru, dan memiliki kemampuan untuk beradaptasi dengan situasi dan kondisi yang terus berubah.

Dalam satu produksi Anda mungkin menjadi anggota kru prop; berikutnya mungkin Anda bertanggung jawab atas tata rias, publisitas, atau box office; dalam produksi ketiga Anda mungkin memiliki peran utama.

Seorang pekerja yang serba bisa dan fleksibel sangat dihargai oleh sebagian besar pemberi kerja; kedua sifat tersebut membuktikan bahwa Anda mampu dan mau belajar hal baru.

Baca Juga : Mengulas 2 Festival Teater Tertua yang Masih Berproduksi

15. Kemampuan untuk Bekerja di Bawah Tekanan

Pekerjaan teater sering kali menuntut jam kerja yang panjang. Ada tekanan sering kali, seperti yang Anda ketahui dengan baik, banyak tekanan. Penting bagi setiap orang yang terlibat dalam produksi untuk dapat mempertahankan sikap kooperatif dan antusias di bawah tekanan.

Kemampuan untuk tetap tenang di bawah ketegangan seperti itu dalam aset yang akan membantu Anda mengatasi stres di bagian lain kehidupan Anda, termasuk pekerjaan Anda.

Melihat Pandemi Masa Lalu untuk Menentukan Masa Depan Teater
Theater

Melihat Pandemi Masa Lalu untuk Menentukan Masa Depan Teater

Melihat Pandemi Masa Lalu untuk Menentukan Masa Depan Teater – Sepanjang sebagian besar sejarah Barat, drama biasanya terhenti saat wabah melanda. Tapi bisakah desainer kontemporer, atau mungkin pengaturan luar ruangan atau kursi dengan jarak tertentu, memberikan solusi baru?

toscanaspettacolo

Melihat Pandemi Masa Lalu untuk Menentukan Masa Depan Teater

toscanaspettacolo – Musim semi yang lalu, Berliner Ensemble , perusahaan teater terkemuka Jerman yang didirikan pada tahun 1949 oleh Bertolt Brecht dan istrinya, Helene Weigel, memberi penonton masa depan gambaran tentang seperti apa teater langsung ketika pandemi telah berlalu dan gedung teater dibuka kembali untuk bisnis.

Dalam sebuah foto yang diposting ke akun media sosial perusahaan, 70 persen kursi di Teater am Schiffbauerdamm yang terkenal berornamen hilang, sebagian besar telah dicabut dari tanah seperti akar untuk menghadirkan pengalaman teater langsung yang bersih dan jauh secara sosial. musim gugur, ketika ansambel berharap untuk membuka.

Baca Juga : Sejarah Dari Teater Renaissance Italia Yang Banyak Melahirkan Seni Dunia

Gambar-gambar itu membuat pemandangan yang pahit: Ada konstruksi neo-Baroque mewah Schiffbauerdamm yang sangat disukai Brecht, penuh dengan patung, kolom, lengkungan dan mewah merah, penuh dengan sejarah hari-hari tenang bentuk itu.

Dan kemudian ada realitas kita saat ini, tercermin dalam pengaturan tempat duduk profilaksis yang baru di teater, semacam koleksi lajang dan pasangan yang bergerigi, masing-masing berjarak setidaknya lima kaki per peraturan pemerintah Jerman.

Membayangkan bagaimana itu akan tampak terisi, terutama bagi penampil yang akhirnya melihat ke penonton hanya untuk melihat lebih banyak ruang lantai daripada wajah, tampaknya merupakan laknat bagi bentuk seni yang tumbuh subur pada sirkulasi energi yang berbeda dan tidak dapat direproduksi antara aktor dan penonton. Tetapi alternatifnya, tentu saja, bukanlah teater sama sekali.

Ketidakramahan sebagian besar arsitektur teater kontemporer yang dibangun khusus dengan keharusan fisik jauh dari Covid-19 – fakta lokasi mereka di daerah perkotaan yang padat dan keinginan yang lebih mendasar untuk rasa pertukaran artistik yang dihasilkan hanya oleh kedekatan adalah pertanyaan tentang kesehatan masyarakat dan konvensi arsitektur.

“Ini sangat ironis,” kata Richard Olcott, seorang arsitek yang merancang Balai Konser Bing Universitas Stanford, yang dibuka pada tahun 2013, di antara banyak bangunan lainnya. “Inti dari bangunan itu adalah keintiman, dan membuat semua orang sedekat satu sama lain dan para musisi.”

Dengan demikian, teater hari ini, seperti selama berbagai wabah wabah di abad ke-16 dan ke-17, dan sekali lagi selama wabah flu Spanyol tahun 1918, harus menutup pintunya dan menghadapi kehancuran finansial yang cukup besar, dirasakan paling sulit oleh perusahaan-perusahaan yang beroperasi tanpa subsidi pemerintah, yang mencakup sebagian besar bioskop Amerika. Liga Broadway, asosiasi perdagangan nasional industri, mengatakan bahwa pertunjukan tidak akan dilanjutkansebelum Januari 2021.

Sedikit yang didokumentasikan secara historis tentang cara orang-orang Yahudi paling awal menavigasi pandemi yang menimpa masyarakat mereka, dari Wabah Athena di Yunani Kuno, yang muncul pada tahun 430 SM, dengan lonjakan berikutnya pada tahun 428 dan 426, hingga Wabah Justinian selama Kekaisaran Romawi.

Yang dimulai pada 541 M dan berlangsung sekitar 200 tahun. Tetapi dalam hubungan antara arsitektur teater kuno dan alam, orang dapat melihat dalam aliran pemikiran Yunani-Romawi minat khusus dalam menciptakan kondisi untuk pengalaman drama yang menyehatkan, meskipun konsep jarak fisik tidak diakui saat itu, karena sekarang, sebagai cara paling jitu untuk mencegah penularan penyakit. Sebaliknya, teater terbuka dimaksudkan untuk mendorong hubungan antara drama dan alam.

Orang bisa menyimpulkan asosiasi teater dengan sifat paliatif di Epidaurus, kota Yunani kuno di mana tempat-tempat suci penyembuhan – kuil untuk Asklepios, dewa penyembuhan dan putra Apollo – berfungsi sebagai rumah sakit de facto.

Di dekat kuil-kuil ini akan ada teater terbuka yang luas yang diperkirakan dirancang oleh arsitek Polykleitos the Younger dan dirayakan oleh penjelajah Yunani Pausanias karena simetri dan akustiknya yang sempurna, sensasi “nada virtual” dimungkinkan, sebagai tahun 2007 belajar oleh Institut Teknologi Georgia mengungkapkan, dengan struktur batu kapur bergelombang yang diukir di sisi bukit, yang bertindak sebagai filter gelombang suara pada frekuensi tertentu.

Prasasti kuno menunjukkan teater tersebut menjadi tuan rumah kompetisi sastra, musik dan atletik dan bahkan drama misteri. Sebagai contoh yang masih ada dari teater luar ruangan terpencil yang disiram dengan udara segar, Epidaurus telah menjadi titik sentuh bagi produser teater, perancang, dan sejarawan yang melihat ke masa lalu untuk menemukan jalan ke depan.

“Pandemi telah membuka mata kami terhadap kemungkinan bahwa arsitektur yang kami terima lahir dari waktu yang berbeda dan imperatif yang berbeda,” kata perancang panggung terkenal Inggris Es Devlin, 48, yang terkenal dengan “patung panggung” yang ia rancang untuk Beyoncé dan Kanye West dan desain set imajinatif yang dia buat untuk produksi teater ” The Lehman Trilogy ,” ” Betrayal ,” ” American Psycho ” dan banyak lagi lainnya.

Devlin menyarankan sejumlah inovasi yang tidak hanya akan mengarahkan teater kita ke arah aturan kesehatan masyarakat, tetapi juga membuatnya lebih ramah dan berwawasan sipil, seperti ruang pertunjukan yang terbuka ke jalan (perpanjangan kaca dan aluminium ditambahkan ke Teater Nasional London pada tahun 2015 adalah salah satu contoh yang dia kutip), mengundang udara segar atau konsep ulang yang lebih komprehensif tentang bagaimana kami menggunakan teater yang ada dan dibangun khusus, yang sebagian besar masih hanya buka untuk satu pertunjukan di malam hari, membuat mereka sangat bergantung pada penjualan tiket.

“Saya pikir sangat masuk akal untuk melihat kembali teater-teater asli Yunani, yang sangat terhubung dengan alam. Jika Anda melihat Epidaurus, desain setnya adalah hutan dan bukit di luar langit, dan efek pencahayaan terbesar adalah matahari terbenam, ”katanya.

“Ini akan menjadi kewajiban kita sekarang,” tambah Devlin, “untuk meluangkan waktu sementara kita tidak dapat menggunakan bangunan untuk mengarahkan kembali sebagian energi kita ke hubungan antara teater dan lingkungan, teater dan alam, teater dan langit. ” Bagaimanapun, sebuah penelitian baru-baru ini di Jepang menyimpulkan bahwa seseorang hingga 20 kali lebih mungkin tertular Covid-19 di dalam ruangan daripada di luar ruangan.

Dalam risalah mani “De Architectura,” dianggap telah ditulis antara 30 dan 15 SM, arsitek Romawi Vitruvius prihatin dengan koneksi tersebut, menekankan pentingnya membangun teater di lingkungan yang sehat, dari tingkat “udara menyehatkan” yang beredar di dalam mereka untuk orientasi mereka ke arah matahari.

Jatuhnya Kekaisaran Romawi pada 476 M menyebabkan penurunan signifikan dalam drama dan ruang-ruang yang menampungnya; selama berabad-abad, sebagian besar pertunjukan adalah drama liturgi abad pertengahan yang berlangsung di gereja, di kereta atau di platform di jalan.

Tetapi, seperti yang dikatakan oleh profesor sejarah teater Universitas Maryland, Frank Hildy, 67, pada saat teater sekuler muncul kembali pada abad ke-16 dengan Renaisans Inggris, karya cetak Vitruvius, diterbitkan pada tahun 1486, yang menyediakan semacam cetak biru untuk ledakan di gedung-gedung baru yang dibangun khusus di seluruh Eropa, bahkan ketika beberapa kualitas yang dia kaitkan dengan kemegahan arsitektur Romawi hilang dalam terjemahan tanpa manfaat dari cetak biru bergambar.

Dalam deskripsi Vitruvius tentang struktur tripartit teater Romawi yang tersebar menyebar ke luar, bukan ke atas orang Elizabeth menafsirkan galeri tiga bagian yang ditumpuk secara vertikal yang menjadi ciri ruang seperti Shakespeare’s Globe, struktur melingkar dan terbuka yang secara unik generatif dari suasana khusus di mana teater hidup tumbuh subur.

Namun, ketika wabah melanda Eropa, teater mereka tidak merancang cara yang aman dan bersih untuk mempertahankan pengalaman teater, melainkan menerima bahwa gedung pertunjukan harus ditutup.

Selama wabah pes di awal abad ke-17, pertunjukan di London dibatalkan karena jumlah korban tewas melebihi 30 orang per minggu. Dan dalam bukunya tahun 2009 tentang penyair, ” William Shakespeare ,” William Baker menulis bahwa dari tahun 1603 hingga 1613 penutupan teater berjumlah 78 bulan total karena wabah dan infeksi.

“Anda tidak melihat perubahan signifikan dalam desain bangunan setelah itu, karena tidak ada yang mengerti perubahan seperti apa yang akan membantu. Penonton sendiri perlu membangkitkan energi ketika komponen yang berbeda bermain melawan dan saling mengisi,” kata Hildy.

“Untuk mengakomodasi gagasan bahwa Anda harus menjauhkan orang-orang selama pandemi, yang kami coba lakukan hari ini, tidak benar-benar berhasil, karena ada beberapa prinsip dasar yang terlibat.” Yang utama di antara prinsip-prinsip itu, katanya, adalah bahwa teater tumbuh subur ketika penonton dan pemain sedekat mungkin satu sama lain.

Dimana langkah telah dibuat dalam kesehatan teater, maka, mereka telah memperhatikan hal-hal seperti sanitasi, ventilasi dan pencegahan kebakaran. Insinyur sanitasi William Paul Gerhard, menulis pada tahun 1899 di Popular Science Monthly, menyerukan perbaikan di saluran pembuangan, drainase, karpet dan ruang ganti, menyerukan sebagai “sumber bahaya yang produktif” kuman patogen tuberkulosis yang dibuang dan “dihirup oleh para pengunjung,” bahkan karena pasal tersebut tidak menyebutkan keharusan menjaga jarak.

Dengan demikian, perombakan yang lebih komprehensif dari arsitektur teater dan merangkul bentuk arsitektur kuno terbuka sebagai sumber inspirasi – belum datang, sebagian karena konsekuensi keuangan dari apa yang kita sebut sebagai jarak sosial atau teater berkapasitas rendah.

Aliran pendapatan teater, terutama Broadway, sangat bergantung pada penjualan tiket dan pariwisata, yang keduanya terhenti. Tapi, seperti yang dicatat Devlin, usaha seperti produksi “Kabaret” Sam Mendes tahun 1993 di Gudang Donmar London, di mana penonton duduk berkelompok di meja kabaret, atau produksi panggung danau tahun 2017 “Carmen” di Festival Bregenz, yang Devlin sendiri set dirancang dalam konser dengan elemen, menunjukkan kapasitas dasar teater untuk elastisitas dan provokasi.

Namun, tidak seperti di beberapa pandemi sebelumnya, kita sekarang memahami isolasi diri sebagai salah satu, jika bukan cara teraman untuk mencegah penularan. Fakta ini menempatkan teater bentuk seni yang paling bergantung pada kebersamaan dan kedekatan dalam ikatan yang berpotensi sulit dipecahkan, setidaknya tanpa adanya konsep ulang arsitektur teater yang nyata.

Tempat terbuka, ventilasi canggih, filtrasi canggih, layar tanpa sentuh, minuman yang dipesan sebelumnya, dan pemanas berseri-seri, semuanya menyediakan area penting untuk peningkatan.

Tapi teater langsung tetap menjadi tempat komuni massal. Untuk alasan ini, arsitek Steve Tompkins, 60, yang tahun lalu dinobatkan sebagai orang paling berpengaruh di teater Inggris oleh The Stage dalam daftar tahunannya, percaya teater harus melewati periode perkembangan yang terhenti ini, seperti yang dilakukan oleh para pendahulu kita.

“Saya pikir akan ada bentuk lain: teater imersif dengan penonton yang kurang padat, kembali ke model teater abad pertengahan yang bergerak, di mana aktor dan penonton bergerak daripada statis.

Festival luar ruangan dan teater terbuka serta ruang semi tertutup akan muncul kembali, ”kata Tompkins. Tetapi terlepas dari apa yang dapat dilihat sebagai kesempatan untuk improvisasi dan semacam perjalanan waktu, Tompkins menambahkan, “bagi saya sendiri, teater yang jauh secara sosial mungkin merupakan kontradiksi dalam hal, jadi saya pikir kita perlu mengatasi ini.”

Namun, sementara itu, pertunjukan berjalan tertatih-tatih, seperti yang terjadi pada musim panas ini di halaman di luar Theater am Schiffbauerdamm, di mana Berliner Ensemble mengadakan pertunjukan gratis untuk kelompok yang terdiri dari 50 orang selama bulan Juni sebagai bagian dari pembukaan sementara program udara.

Baca Juga : National Arts Festival, Festival Teater Tahunan Yang Digelar di Afrika Selatan

Ansambel secara resmi dibuka kembali untuk musim gugur pada 4 September dan dipandang sebagai ujian lakmus untuk teater di masa mendatang, yang dilakukan untuk penonton kecil, dengan kesenjangan yang luar biasa besar antara kelompok orang dan tindakan pencegahan sanitasi yang telah lama tertunda.

Tapi mungkin saja masa lalu, salah satu drama yang dilakukan di udara terbuka, dalam jenis lingkungan sehat yang dibayangkan Vitruvius, lebih baik mencontohkan jalan ke depan.

Sejarah Dari Teater Renaissance Italia Yang Banyak Melahirkan Seni Dunia
Theater

Sejarah Dari Teater Renaissance Italia Yang Banyak Melahirkan Seni Dunia

toscanaspettacolo.com

Sejarah Dari Teater Renaissance Italia Yang Banyak Melahirkan Seni Dunia – Renaisans Italia melahirkan banyak inovasi dalam arsitektur teater dan desain pemandangan, termasuk panggung lengkung proscenium, sayap dan daun jendela datar yang dicat, dan sistem tiang dan kereta mekanis Torelli. Selain itu, Renaisans Italia melihat perkembangan aturan neoklasik struktur dramatis, dan opera dan Commedia dell’arte.

Sejarah Dari Teater Renaissance Italia Yang Banyak Melahirkan Seni Dunia

toscanaspettacolo – Sekitar tahun 1485, penguasa Italia mulai membiayai produksi drama Romawi dan tiruannya. Hal ini mendorong minat untuk menulis ulang drama Romawi ke dalam bahasa Italia serta menulis drama baru.

Salah satu tragedi vernakular penting pertama adalah Sofonisha oleh Giangiorgio Trissino. Sebuah paduan suara dari 15 digunakan, sesuai dengan nomor dalam paduan suara Romawi.

Baca Juga : 25 Keunggulan Khusus Yang Dimiliki Mayor Teater

Antara abad 14 dan 16 drama Renaisans berkembang di Italia, menandai berakhirnya praktik abad pertengahan dan pelepasan cara tradisional Romawi dalam menyajikan drama.

Cita-cita neoklasik terbentuk di Italia dan menyebar ke seluruh Eropa. Yang ideal ini ditandai dengan minat dalam teori sastra dan keinginan untuk membaca dan memahami karya teoritis seperti Horace Art of Puisi dan Aristoteles Poetics.

Cita-cita neoklasik menuntut versimilitude yang berurusan dengan penampilan kebenaran yang kuat. Karena versimilitude, elemen fantasi dan supernatural dihindari dalam drama neoklasik. Paduan suara dan solilokui juga tidak dianjurkan. Realitas ditekankan dalam drama bersama dengan drama yang mengajarkan pelajaran moral.

Di Italia pementasan dipopulerkan dengan menggunakan arsitektur perspektif dan lukisan. Metode ini memberi penonton ilusi jarak dan kedalaman. Pemandangan dan panggung digaru atau dimiringkan untuk meningkatkan ilusi dan menciptakan pengaturan perspektif.

Buku-buku seperti The Two Rules of Perspective Practice oleh Barozzi da Vignola dan Nicola Sabbattini’s Manual for Constructing Theatrical Scenes and Machines adalah panduan untuk pementasan di Italia dan seluruh Eropa.

Orang Italia juga menemukan metode baru untuk mengubah pemandangan menggunakan sayap dan penutup kanvas yang dicat. Kereta dan sistem tiang dari pemandangan yang bergeser diciptakan oleh Giacomo Torelli pada tahun 1641, dan sangat populer sehingga digunakan di teater-teater lain di seluruh Eropa.

Orang Italia juga tertarik dengan arsitektur teater itu sendiri. Teatro olympico dibangun antara tahun 1580 dan 1584 dan digunakan untuk banyak produksi. Teatro farnese di Parma dianggap sebagai prototipe panggung modern, dan memiliki lengkungan proscenium besar.

Orang Italia dan menari di sebagian besar upacara, festival, dan presentasi teater mereka. Festival-festival itu penting dan menghidupkan kembali sebagian besar tontonan yang hilang di zaman Romawi.

Commedia dell’arte

Commedia dell’arte adalah komedi pemain profesional. Ini terpisah dari drama amatir karena tingkat pertunjukannya yang tinggi. Setiap aspek drama adalah yang teratas dari skrip hingga kostum. Dua aspek Commedia dell’arte adalah improvisasi dan karakter stok.

Beberapa alasan mengapa improvisasi dilakukan dengan sangat baik adalah karena aktor akan memainkan karakter yang sama sepanjang hidup mereka. Reputasi yang kuat dari perusahaan membawa banyak penonton.

Bentuk seni yang penuh warna dan sangat teatrikal ini didasarkan pada interaksi karakter stok tradisional dalam skenario improvisasi yang memfasilitasi plot komik untuk mencapai klimaks yang lucu.

Commedia dell’arte (komedi seniman) berasal dari jalan-jalan dan pasar dari awal Renaisans Italia, meskipun Akarnya dapat ditelusuri sejauh Teater Yunani dan Romawi Kuno.

Penampil jalanan Italia ini, mengenakan topeng dengan fitur komik yang berlebihan untuk menarik perhatian tambahan pada diri mereka sendiri dan melengkapi keterampilan fisik dan akrobatik mereka, akhirnya bekerja sama dalam kelompok aktor yang sering kali melakukan perjalanan untuk menetapkan commedia sebagai genre tersendiri oleh pertengahan 1500-an.

“Rombongan media” ini tampil untuk dan dapat diakses oleh semua orang. Bahasa bukanlah penghalang, dengan pantomim mereka yang terampil, karakter stok stereotip, lazzi tradisional (pertunjukan khas, lelucon, dan lelucon), topeng, gerakan fisik yang lebar, dialog improvisasi, dan badut, mereka diterima secara luas di mana pun mereka bepergian.

Di seluruh Eropa, akhirnya mengadopsi pengaruh besar Prancis di mana banyak skenario ditulis ke dalam drama bergaya komedi. Gaya dan formula komedi sekarang bertahan hingga akhir abad ke-20 dan melampaui tradisi sebagai institusi artistik di mana aktor berbakat menciptakan beberapa karakter fisik bersejarah yang paling berkesan yang pernah dilihat teater.

Ini adalah dari dunia Commedia di mana karakter seperti Arlechinno (Harlequin), Columbina, Pulcinella (Punch), The Doctor, The Captain dan Pantalone muncul untuk memerintah di teater selama berabad-abad. Aktor, penulis, komposer, karakter fisik bersejarah yang pernah dilihat teater.

Ini adalah dari dunia Commedia di mana karakter seperti Arlechinno (Harlequin), Columbina, Pulcinella (Punch), The Doctor, The Captain dan Pantalone muncul untuk memerintah di teater selama berabad-abad. Aktor, penulis, komposer, karakter fisik bersejarah yang pernah dilihat teater.

Ini adalah dari dunia Commedia di mana karakter seperti Arlechinno (Harlequin), Columbina, Pulcinella (Punch), The Doctor, The Captain dan Pantalone muncul untuk memerintah di teater selama berabad-abad. Aktor, penulis, komposer,

Inovasi Renaisans Italia dalam arsitektur teater dan desain pemandangan tidak tertandingi dalam sejarah teater. Selama 200 tahun ke depan, siapa pun yang menghadiri teater di mana pun di Eropa akan berada di playhouse proscenium-lengkungan menonton aksi panggung dari lubang, kotak, atau galeri.

Pemandangannya akan terdiri dari sayap dan daun jendela yang dicat datar yang dapat digeser baik oleh sistem tiang-dan-kereta mekanis Torelli atau seperti di Inggris, Belanda dan Amerika Serikat-oleh tangan panggung yang menariknya ke dalam alur.

Renaissance Italia juga menghasilkan Opera, Commedia dell’arte, dan aturan neoklasik dari struktur dramatis. Meskipun periode ini meninggalkan teater tidak ada drama yang signifikan, aturan neoklasik yang kaku membantu membentuk banyak drama yang disajikan di seluruh dunia selama abad ke-18.

Latar Belakang

Sepanjang periode Gotik di abad pertengahan, ketika arsitektur di Prancis dan Inggris didominasi oleh arsitektur yang dieksekusi pada skala termegah dalam sejarah Barat, dengan katedral besar dan lapang yang mewakili salah satu titik tertinggi kejeniusan arsitektur Eropa, arsitektur Italia tidak terinspirasi dan urusan yang relatif kecil.

Meskipun ada arsitektur Gotik di Italia, sapuan, kejeniusan, dan keagungan tampaknya telah melewati negara-kota itu. Renaisans, bagaimanapun, melihat perkembangan arsitektur baru dari abad kelima belas hingga keenam belas yang merupakan arsitektur “modern” pertama. Ketika kita melihat bangunan Renaissance, mereka tampak akrab, hampir seolah-olah dibangun seratus tahun yang lalu.

Para arsitek Renaisans memperoleh arsitektur mereka sebagian dari minat yang dihidupkan kembali pada reruntuhan Romawi dan Yunani, dari perubahan teks-teks klasik tentang arsitektur, khususnya sepuluh buku penulis Romawi Vitruvius tentang arsitektur. Mereka juga, bagaimanapun, menemukan bentuk-bentuk baru dan bahasa visual baru yang tidak berasal dari periode klasik. Dalam prosesnya, para arsitek, humanis, dan pelukis Renaisans (karena arsitektur dianggap sebagai seni universal di Renaisans) menemukan ide baru tentang ruang publik di mana kebanggaan dan organisasi sipil akan diatur dalam skala kota.

Dalam Renaisans, arsitektur dipandang sebagai seni tertinggi. Ahli teori arsitektur percaya bahwa desain arsitektur muncul dari pengalaman manusia, seperti semua seni, tetapi juga mewakili pencapaian artistik tertinggi yang bisa dicapai manusia.

Arsitektur, bagaimanapun, tidak dianggap sebagai profesi spesialis, seperti sekarang. Desain arsitektur dilakukan oleh arsitek profesional, pelukis, pematung (seperti Michelangelo), humanis, tukang batu, dan amatir biasa dengan banyak waktu dan uang.

Filippo Brunelleschi (1377-1466)

Penemuan gaya Italia yang unik dalam arsitektur Renaisans biasanya diberikan kepada Filippo Brunelleschi (1377-1466), yang juga dianggap sebagai penemu prinsip-prinsip perspektif linier dalam menggambar dan melukis.

Pada 1419, ia ditugaskan untuk membangun kubah di atas katedral di Florence, yang telah dimulai pada 1296. Pada 1419, bangunan itu masih belum selesai karena tidak ada yang tahu bagaimana membangun kubah itu.

Brunelleschi memecahkan masalah dengan menciptakan jenis kubah baru. Alih-alih belahan bumi, kubah Brunelleschi berbentuk kerucut dan tinggi. Ini memiliki delapan sisi dan Brunelleschi membangun rusuk putih di luar kubah untuk menarik perhatian ke delapan sisi ini.

Leon Battista Alberti (1404-1472)

Selain Brunelleschi, arsitek terpenting pada masa itu adalah Leon Battista Alberti, yang juga seorang ahli teori politik dan humanis sipil yang signifikan. Dia terkenal karena buku-bukunya tentang arsitektur dalam buku-buku ini, ia menyusun teori perencanaan kota dan ruang publik.

Kota idealnya dipenuhi dengan bangunan-bangunan monumental yang terisolasi, semuanya dengan sempurna menyeimbangkan satu sama lain. Sementara Brunelleschi dikreditkan dengan menemukan bahasa arsitektur Renaisans, Alberti umumnya dianggap telah menyempurnakannya dalam hal simetri dan disposisi.

Dua tulisan arsitektur utama Alberti adalah “De Pictura” (1435), di mana ia dengan tegas menyatakan pentingnya lukisan sebagai dasar arsitektur dan “De Re Aedificatoria” (1450) karya teoretisnya.

Seperti “Sepuluh Buku tentang Arsitektur” karya Vitruvius, “De Re Aedificatoria” dibagi lagi menjadi sepuluh buku. Tidak seperti buku Vitruvius, Alberti memberi tahu arsitek bagaimana bangunan harus dibangun, bukan bagaimana mereka dibangun. “De Re Aedificatoria” tetap menjadi risalah klasik tentang arsitektur dari abad keenam belas hingga abad kedelapan belas.

Seni

Selama Renaissance Italia, seni ada di mana-mana. Pelanggan seperti keluarga Medici di Florence mensponsori proyek besar dan kecil, dan artis yang sukses menjadi selebritas dengan hak mereka sendiri.

Seniman dan arsitek Renaisans menerapkan banyak prinsip humanis pada karya mereka. Misalnya, arsitek Filippo Brunelleschi menerapkan elemen arsitektur Romawi klasik—bentuk, kolom, dan terutama proporsi pada bangunannya sendiri.

Kubah delapan sisi yang megah yang ia bangun di katedral Santa Maria del Fiore di Florence adalah sebuah kemenangan teknik – lebarnya 144 kaki, beratnya 37.000 ton dan tidak memiliki penopang untuk menopangnya – serta yang estetis.

Baca Juga : Perkembang Seni Theater Modern Di Indonesia

Brunelleschi juga menemukan cara menggambar dan melukis menggunakan perspektif linier. Artinya, dia menemukan cara melukis dari sudut pandang orang yang melihat lukisan itu, sehingga ruang akan tampak surut ke dalam bingkai.

Setelah arsitek Leon Battista Alberti menjelaskan prinsip-prinsip di balik perspektif linier dalam risalahnya Della Pittura (Pada Lukisan), itu menjadi salah satu elemen paling penting dari hampir semua lukisan Renaisans. Belakangan, banyak pelukis mulai menggunakan teknik yang disebut chiaroscuro untuk menciptakan ilusi ruang tiga dimensi di atas kanvas datar.

25 Keunggulan Khusus Yang Dimiliki Mayor Teater
Theater

25 Keunggulan Khusus Yang Dimiliki Mayor Teater

25 Keunggulan Khusus Yang Dimiliki Mayor Teater – Berikut adalah daftar dua puluh lima keterampilan, sifat, dan kualitas kepribadian yang biasanya berkembang dengan baik pada individu yang menyelesaikan empat tahun studi teater sarjana. Perhatikan mereka secara khusus. Mereka lebih luas dan penting daripada yang mungkin Anda kenal.

25 Keunggulan Khusus Yang Dimiliki Mayor Teater25 Keunggulan Khusus Yang Dimiliki Mayor Teater

toscanaspettacolo.com – Saat Anda memikirkannya, pertimbangkan berapa banyak dari keuntungan ini yang unik untuk jurusan teater–dan bahwa Anda memiliki lebih banyak keuntungan daripada jurusan di sebagian besar disiplin ilmu lainnya.

1. Keterampilan Komunikasi Lisan

Banyak siswa menemukan bahwa teater membantu mereka mengembangkan kepercayaan diri yang penting untuk berbicara dengan jelas, lugas, dan penuh perhatian.

Dilansir dari kompas.com, Bertindak di atas panggung mengajarkan Anda bagaimana menjadi nyaman berbicara di depan banyak penonton, dan beberapa kelas teater Anda akan memberi Anda pengalaman tambahan berbicara dengan kelompok.

Baca Juga : Terbaik dari Teater Musim Panas 2021, ‘Merry Wives’ hingga ‘Seven Deadly Sins’

Selain itu, pekerjaan Anda di kru telah mengajarkan Anda bahwa komunikasi lisan yang jelas, tepat, dan terorganisir dengan baik adalah yang terbaik. Keterampilan komunikasi lisan sangat penting bagi beberapa pemberi kerja sehingga mereka sering mengirim peserta pelatihan manajemen ke lokakarya khusus. Anda sudah memiliki keuntungan.

2. Kemampuan Pemecahan Masalah Kreatif

Kebanyakan orang mengharapkan siswa teater untuk menunjukkan kreativitas di bidang-bidang seperti akting, desain, dramawan atau penyutradaraan, dan banyak perusahaan merekrut pemikir kreatif.

Tetapi majikan tidak selalu menyadari bahwa pengalaman teater juga membantu Anda mempelajari teknik pemecahan masalah yang kreatif yang dapat diterapkan pada banyak pekerjaan

3. Memberitahu mereka!

Misalnya, pekerjaan teater teknologi membangun pemandangan, lampu gantung, membuat alat peraga, menjalankan pertunjukan, dan sebagainya–adalah cara yang sangat baik untuk mempelajari cara berpikir, mengidentifikasi masalah, mengevaluasi berbagai kemungkinan solusi, dan mencari tahu apa yang harus dilakukan.

Hal yang sama berlaku untuk hampir semua aspek teater. mengarahkan. Rancangan. akting. Penulisan naskah drama. Pengelolaan. Dan banyak lagi.

Intinya di sini adalah bahwa kemampuan kreatif Anda, apa yang telah Anda pelajari tentang menggunakan proses kreatif untuk memecahkan masalah, dapat langsung diterapkan ke hampir semua pekerjaan yang mungkin Anda miliki.

Sebagian besar perusahaan besar percaya bahwa pemecah masalah yang kreatif akan menjadi karyawan yang baik. Itu kamu.

4. Lebih dari “selesaikan”

Tetapi siswa teater belajar bahwa “menyelesaikannya” saja tidak cukup. Tidak semuanya. Ini lebih dari itu. Anda belajar melakukannya dengan benar. Di teater kita belajar bahwa hanya “mendapatkan pertunjukan di papan” adalah liga semak murni dan sama sekali tidak dapat diterima.

Apa pun pekerjaan teater Anda teknologi, pertunjukan, penelitian, manajemen–itu harus dilakukan dengan benar . Anda belajar untuk bangga dalam melakukan hal-hal di tingkat terbaik Anda. Tentu saja seorang majikan akan menghargai sifat itu.

5. Motivasi dan Komitmen

Terlibat dalam produksi teater dan kelas menuntut komitmen dan motivasi. Ini adalah kualitas yang mungkin sudah dimiliki oleh anggota fakultas teater perguruan tinggi dan, dalam beberapa hal, Anda dan teman-teman Anda.

Sebagai contoh, kami saling mengajari bahwa kesuksesan datang kepada mereka yang berkomitmen pada tugas yang ada. Beberapa disiplin ilmu lain yang Anda pelajari akan sangat membantu Anda mengembangkan motivasi dan komitmen.

Banyak siswa teater belajar mentransfer atribut itu dari teater ke aktivitas lain seperti kelas dan pekerjaan. Bagi pengusaha, sikap positif itu penting.

6. Kesediaan untuk Bekerja Sama

Pekerjaan Anda di perusahaan teater mengajarkan Anda bagaimana bekerja secara efektif dengan tipe orang yang berbeda–seringkali tipe yang sangat berbeda!

Teater menuntut agar para peserta bekerja sama secara kooperatif untuk keberhasilan produksi tidak ada ruang untuk perilaku “kita” versus “mereka”; diva “bintang” adalah sesuatu dari masa lalu. Rekan kerja Anda biasanya akan memberi tahu Anda jika Anda melanggar semangat tim produksi.

Di teater, penting bahwa setiap individu mendukung orang lain yang terlibat. Pengusaha akan senang mengetahui bahwa Anda memahami bagaimana menjadi pemain tim.

7. Kemampuan untuk Bekerja Secara Mandiri

Di teater, Anda sering diberi tugas yang harus diselesaikan tanpa pengawasan. Kepala kru. mengarahkan. Menyatukan flat ini, menemukan penyangga itu, mengerjakan karakterisasi di luar latihan. Terserah Anda untuk mencari tahu cara terbaik untuk mencapai tujuan. Kemampuan untuk bekerja secara mandiri adalah sifat yang dicari majikan dalam diri pekerjanya.

8. Keterampilan penganggaran waktu

Ketika Anda seorang pelajar, terlibat dalam teater memaksa Anda untuk belajar bagaimana mengatur waktu Anda. Anda perlu menjadwalkan hari-hari Anda dengan sangat hati-hati jika Anda ingin mempertahankan nilai Anda saat Anda sibuk dengan latihan, panggilan kerja, dan tuntutan lain yang dibuat teater pada waktu Anda. Keterampilan manajemen waktu yang baik sangat penting bagi pemberi kerja.

9. Prakarsa

Manajer personalia menyebut orang yang mendekati pekerjaan dengan inisiatif dan usaha sebagai “pemula sendiri”, orang yang melakukan apa yang perlu dilakukan tanpa menunggu untuk diminta, tanpa perlu diberi tahu.

Kompleksitas produksi teater menuntut individu yang mau secara sukarela melakukan tugas apa pun yang perlu dilakukan agar produksi berhasil. Di teater, kita semua pemula. Kami belajar bagaimana mengambil inisiatif, memindahkan proyek dari konsep awal ke finalitas–dan melakukannya dengan baik.

10. Ketepatan dan Menghormati Tenggat Waktu

Keterlambatan tidak pernah diterima di teater karena menunjukkan kurangnya disiplin diri, dan yang lebih penting, kurangnya pertimbangan terhadap orang lain.

Terlambat untuk latihan atau panggilan kerja atau gagal menyelesaikan tugas yang diberikan tepat waktu merusak produksi dan berdampak buruk pada pekerjaan banyak orang lain. Teater menuntut agar Anda belajar untuk datang tepat waktu dan memenuhi tenggat waktu yang dijadwalkan.

Itu keterampilan kerja. Pengusaha menghargai pekerja yang tepat waktu dan melakukan pekerjaan mereka sesuai jadwal.

11. Penerimaan Aturan

Di teater Anda bekerja dalam struktur seperangkat prosedur dan aturan yang menangani segala hal mulai dari keselamatan toko hingga perilaku saat audisi, latihan, dan panggilan kerja. Anda belajar bahwa Anda harus menjadi “pengikut yang baik”. Teater mengajarkan Anda pentingnya aturan, sebuah konsep yang dihargai dalam organisasi mana pun.

12. Kemampuan untuk Belajar dengan Cepat–DAN dengan Benar

Pelajar teater, baik yang sedang menghafal baris-baris maupun yang sedang mempelajari aspek teknis suatu produksi, harus memiliki kemampuan menyerap materi dalam jumlah besar dengan cepat dan akurat.

Pekerjaan Anda di teater perguruan tinggi akan menunjukkan bahwa Anda memiliki kemampuan untuk memahami hal-hal yang kompleks dalam waktu singkat, suatu sifat yang sangat dihargai oleh majikan.

Perhatikan bahwa bagian dari kemampuan ini adalah sifat penting lainnya: mengetahui cara mendengarkan. Jika Anda tidak mendengarkan, kemungkinan besar Anda akan membuat beberapa kesalahan besar yang akan merusak produksi. Mendengarkan adalah keterampilan untuk pekerjaan apa pun dan majikan akan menghargai kemampuan Anda untuk mendengarkan dan memahami.

13. Menghormati Kolega

Di teater Anda menemukan bahwa produksi yang sukses membutuhkan kontribusi dari semua orang yang terlibat. Saling menghormati itu penting. Mengerjakan sebuah produksi mengajarkan kita untuk menghormati dan mempercayai kemampuan dan bakat rekan kerja kita. Seorang calon majikan akan menghargai kenyataan bahwa Anda telah belajar pentingnya menghormati rekan kerja Anda.

14. Menghormati Otoritas

Hanya satu orang yang dapat bertanggung jawab atas bagian produksi tertentu. Direktur. Mandor toko. Direktur teknologi. Desainer. Teater mengajarkan Anda untuk rela menerima dan menghormati otoritas. Itu adalah sifat yang dicari majikan dalam diri pekerjanya.

15. Adaptasi dan Fleksibilitas

Siswa teater harus mudah beradaptasi dan fleksibel. Anda harus mau mencoba ide-ide baru, menerima tantangan baru, dan memiliki kemampuan untuk beradaptasi dengan situasi dan kondisi yang terus berubah.

Dalam satu produksi Anda mungkin menjadi anggota kru prop; berikutnya mungkin Anda bertanggung jawab atas tata rias, publisitas, atau box office; dalam produksi ketiga Anda mungkin memiliki peran utama.

Seorang pekerja yang serba bisa dan fleksibel sangat dihargai oleh sebagian besar pemberi kerja; kedua sifat tersebut membuktikan bahwa Anda mampu dan mau belajar hal baru.

16. Kemampuan untuk Bekerja Di Bawah Tekanan

Pekerjaan teater sering menuntut jam kerja yang panjang. Ada tekanan–sering kali, seperti yang Anda ketahui dengan baik, banyak tekanan. Penting bagi setiap orang yang terlibat dalam produksi untuk dapat mempertahankan sikap kooperatif dan antusias di bawah tekanan.

Kemampuan untuk tetap tenang di bawah ketegangan seperti itu dalam aset yang akan membantu Anda mengatasi stres di bagian lain kehidupan Anda, termasuk pekerjaan Anda.

17. Citra Diri yang Sehat

Untuk bekerja di teater, Anda harus tahu siapa Anda dan bagaimana memproyeksikan individualitas Anda. Tetapi pada saat yang sama, penting untuk mengenali kebutuhan untuk menjadikan diri Anda sekunder dari pentingnya sebuah produksi. Ini adalah keseimbangan rumit yang, meskipun sulit dicapai, merupakan sifat berharga yang dihargai oleh majikan.

18. Penerimaan Kekecewaan–Dan Kemampuan untuk Bangkit Kembali

Orang teater belajar menghadapi harapan dan penolakan yang pupus secara teratur. Siapa yang tidak gagal mendapatkan peran yang benar-benar diinginkannya atau tempat yang didambakan di kru teknologi? Anda belajar menerima kekecewaan semacam itu dan terus maju. Anda mencoba lagi. Pengusaha membutuhkan pekerja yang cukup tangguh untuk bangkit kembali dari frustrasi semacam ini.

19. Disiplin Diri

Teater menuntut Anda belajar bagaimana mengendalikan hidup Anda. Lebih dari siswa lain, Anda dipaksa untuk membuat pilihan antara memenuhi tanggung jawab dan melakukan hal-hal yang Anda lebih suka lakukan. Anda belajar mengatur diri sendiri. Majikan akan menghormati kemampuan itu.

20. Pendekatan Berorientasi pada Tujuan untuk Bekerja

Banyak aspek teater melibatkan pengaturan dan pencapaian tujuan tertentu. Dalam istilah majikan, Anda telah belajar untuk berorientasi pada tugas dan mampu menemukan cara praktis untuk mencapai tujuan.

21. Konsentrasi

Siswa teater yang sibuk, terlibat dalam produksi atau proyek teater lainnya sementara juga mengambil beban akademis yang berat, harus belajar berkonsentrasi jika ingin berhasil. Kelas akting dalam konsentrasi stres tertentu, dan setelah Anda mempelajari keterampilan itu sebagai aktor, keterampilan itu dapat ditransfer ke aktivitas lain.

22. Dedikasi

Saat Anda bekerja di teater, Anda belajar untuk mendedikasikan diri Anda – untuk melakukan yang terbaik untuk menciptakan produksi yang sukses. Ada dedikasi untuk pertunjukan itu … ke teater rumah anda ke teater sebagai seni.

Banyak siswa teater menemukan bahwa berkomitmen pada tugas yang diberikan sangat bermanfaat. Pengusaha menghormati pekerja yang telah mempelajari nilai dedikasi.

23. Kesediaan untuk Menerima Tanggung Jawab

Siswa teater terkadang memiliki kesempatan yang jarang diberikan kepada siswa dalam disiplin ilmu lain—kesempatan untuk mengambil tanggung jawab tunggal untuk proyek khusus. Menjadi manajer tahap produksi seorang desainer, seorang kepala kru. seorang sutradara.

Siswa dengan jurusan lain jarang memiliki sesuatu yang dekat dengan pelajaran ini. Anda dapat mengharapkan majikan untuk menghargai kemampuan yang tidak biasa ini.

24. Skill kepemimpinan

Sebagai mahasiswa teater, Anda memiliki banyak kesempatan untuk mengambil peran kepemimpinan. Anda dapat, misalnya, membantu seorang direktur atau desainer dan memimpin sukarelawan lain, melayani sebagai kepala kru, atau bahkan merancang atau mengarahkan produksi sendiri.

Baca Juga : Sejarah Asal Muasal Dari Teater Era Romawi Berasal

Dalam lingkungan teater yang memelihara, fakultas membantu Anda belajar dari kesalahan sehingga Anda menjadi pemimpin yang lebih baik. Pelatihan kepemimpinan seperti ini dapat membuka kemungkinan untuk peluang yang sebanding di perusahaan yang mempekerjakan Anda. Bisakah Anda memikirkan jurusan lain yang menawarkan kesempatan ini?

25. Percaya diri

Pelatihan teater mengajarkan Anda kepercayaan diri. Prestasi Anda di teater menunjukkan bahwa Anda dapat menangani berbagai pekerjaan, tekanan, kesulitan, dan tanggung jawab. Anda mengembangkan “Ya, saya bisa!” sikap. Tentu saja majikan akan menghargai itu.

Kenikmatan “Ini Menyenangkan!”

Anda sudah menemukan bahwa orang teater membingungkan warga sipil ketika kami mengatakan kami bersenang-senang. Orang-orang non-teater menggelengkan kepala ketika kita mengatakan itu, dan mereka bertanya bagaimana mungkin untuk “bersenang-senang” dalam pekerjaan yang membuat kita bekerja malam demi malam, kadang-kadang sampai lewat tengah malam, melakukan sesuatu yang membutuhkan latihan keras atau jadwal kerja hari demi hari, yang membuat kita rindu pergi ke bioskop atau konser. “Itu menyenangkan?”

Terbaik dari Teater Musim Panas 2021, ‘Merry Wives’ hingga ‘Seven Deadly Sins’
Theater

Terbaik dari Teater Musim Panas 2021, ‘Merry Wives’ hingga ‘Seven Deadly Sins’

Terbaik dari Teater Musim Panas 2021, ‘Merry Wives’ hingga ‘Seven Deadly Sins’ – Kami bingung, jumlahnya menurun, Broadway dan Tony Awards kembali ramai di bulan September. Tebak ini berarti kita bisa keluar dan… bermain? Semoga saja begitu, karena 15 bulan terakhir penarikan panggung telah menjadi neraka. Pekerjaan khusus situs yang dijauhkan secara sosial dan drama streaming langsung berfungsi sebagai metadon dramaturgi, tetapi guncangannya kembali, buruk.

Terbaik dari Teater Musim Panas 2021, ‘Merry Wives’ hingga ‘Seven Deadly Sins’Terbaik dari Teater Musim Panas 2021, 'Merry Wives' hingga 'Seven Deadly Sins'

toscanaspettacolo.com – Untungnya, pembuat teater di New York City – dan di seluruh dunia – sudah mulai menggulung kostum dan mengibaskan wig untuk mengantisipasi kembalinya. Dalam daftar pilihan di bawah ini, masih ada pilihan digital tanpa kontak, tetapi juga banyak acara tatap muka yang bertanggung jawab. Ini mengasyikkan, bukan? Dan menakutkan. Aman, periksa protokol tempat, dan bermurah hati dengan tepuk tangan meriah — kecuali Anda sudah berdiri.

Baca Juga: Sejarah Produksi Internasional Dan Tur Dari Mamma Mia

Seven Deadly Sins dipersembahkan oleh Tectonic Theatre Project dan Madison Wells Live (22 Juni – 18 Juli)

Dilansir dari laman kompas.com Beberapa pergi ke Distrik Pengepakan Daging untuk mendapatkan gaun tangki sendok Teori; Anda pergi untuk kutukan abadi. Moisés Kaufman (The Laramie Project) menggelar tur jalan kaki luar ruangan di tujuh etalase toko yang menampilkan diorama-drama tentang boo-boos fana: Nafsu, Kerakusan, Kemurkaan, dll. Jika teologi bukan hobi Anda, periksa peringatan pemicu: ketelanjangan, dewasa bahasa, simulasi seks, simulasi kekerasan seksual, simulasi pekerjaan seks, dan kematian. Setan menyembuhkan.

The Watering Hole dipersembahkan oleh Signature Theatre Company (22 Juni – 25 Juli)

Dramawan Dua Kali Pulitzer Lynn Nottage adalah penggerak utama di balik instalasi ini yang membentang di atas kompleks Teater Signature di 42nd Street. Berkolaborasi dengan sutradara Miranda Haymon, penulis naskah Christina Anderson dan Matt Barbot, koreografer-penampil nicHi douglas dan lainnya, Nottage membawa penonton dalam tur melalui lobi, di atas panggung, dan ruang ganti untuk meditasi tentang cerita dan ruang.

Whore’s Eye View dipersembahkan oleh Kraine Theatre (Minggu sampai Juni)

Penyanyi solo Kaytlin Bailey membawa kita melewati sepuluh ribu tahun sejarah manusia dari POV pekerja seks. Mengambil bentuk kuliah 75 menit — BEDTalk, jika Anda mau — pelajaran sejarah komedi stand-up ini mengeksplorasi bagaimana wanita menukar seks — baik atau buruk — untuk mendapatkan agensi di dunia yang tidak adil. Acara mingguan Frigid New York ini dikembangkan dan disutradarai oleh Carole Montgomery.

I Dream a Dream That Dreams Back at Me disajikan oleh Lincoln Center (19 Juni)

Meminjam kutipan Toni Morrison untuk judulnya, kurator/penulis/pemain Carl Hancock Rux mengatur perayaan Juneteenth yang dipenuhi lagu di luar ruangan di kampus Lincoln Center. Kontes sejarah empat bagian “mengambil inspirasi dari narasi orang-orang yang diperbudak mencari dan menemukan kebebasan” menampilkan pertunjukan oleh vokalis Nona Hendryx, Marcelle Davies-Lashley, dan Helga Davis.

Musuh Rakyat dipersembahkan oleh Park Avenue Armory (22 Juni – 25 Juli)

Mendapatkan peningkatan dari musuh wanita menjadi semua masyarakat, aktris karakter Ann Dowd (The Handmaid’s Tale) mengambil panggung besar-besaran di Park Avenue Armory untuk menyalurkan setiap karakter dalam penyulingan solo drama Ibsen ini. Diadaptasi dan disutradarai oleh minimalis-modernis Inggris Robert Icke, cerita ini menyangkut seorang dokter kota kecil yang memperingatkan krisis kesehatan di kotanya, hanya untuk dikucilkan karena alasan komersial dan politik.

Tiny House dipersembahkan oleh Westport County Playhouse (29 Juni – 18 Juli)

Dalam lelucon streaming langsung ini, pasangan muda telah melarikan diri dari kota dan mendeklarasikan hidup mereka demi rumah impian pabrikan. Kemudian, tentu saja, orang-orang aneh pedesaan muncul, termasuk para bertahan hidup dan orang gila Renaissance Faire. Apakah Anda melarikan diri ke Catskills atau Anda keluar dari pandemi di Brooklyn, semua orang dapat masuk ke permainan Michael Gotch, disutradarai oleh veteran panggung Mark Lamos.

Ice Factory Festival dipersembahkan oleh New Ohio Theatre (30 Juni – 14 Agustus)

Salah satu inkubator suara baru yang paling dicintai dan andal di teater pusat kota kembali untuk tujuh karya kecil selama tujuh minggu yang mengeksplorasi berbagai topik, termasuk pengalaman AAPI, agensi wanita melalui pahlawan wanita Shakespeare, karya yang terinspirasi oleh avant-garde Polandia, dan tarian . Ini berani, eklektik, ber-AC.

Merry Wives dipersembahkan oleh Teater Umum (6 Juli–28 Agustus)

Bahkan para fanatik Shakespeare meragukan tentang film komedi situasi Merry Wives of Windsor yang kuno, tetapi penulis drama Jocelyn Bioh adalah artis makeover untuk persembahan Shakespeare di Taman ini. Adaptasinya membuat lelucon perkawinan di South Harlem di antara para imigran Afrika Barat. Saheem Ali mengarahkan remake yang bersemangat dan menggembirakan dengan penekanan pada kegembiraan Hitam.

The Dumb Waiter dipersembahkan oleh The Old Vic (7-10 Juli)

Lebih suka tinggal di dalam ruangan tetapi mendapatkan sensasi permainan kelas satu? Inilah pilihan yang sangat baik dari London. Dua tangan Harold Pinter yang tegang dan lucu tentang pembunuh bayaran yang menunggu instruksi mengalir langsung dari Old Vic. Daniel Mays dan David Thewlis (I’m Thinking of Ending Things) mengisi jeda Pinter yang terkenal itu. Bagian dari seri In Camera yang hebat dari Old Vic.

The Wake of Dorcas Kelly disajikan oleh spit&vigor (8–28 Juli)

Drama Sara Fellini tampaknya ditujukan untuk para penggemar Bridgerton, The Great, dan Harlots: periode seks-positif dengan rasa keadilan sosial. Saat itu tahun 1762 dan nyonya rumah bordil Dublin yang dieksekusi sedang dihormati. Jalan-jalan penuh dengan perusuh dan pelayat Dorcas berjuang dengan dorongan cinta, ketakutan, dan kemarahan yang bersaing atas pemimpin mereka yang telah meninggal dalam menjajakan daging.

Desa Pembelajaran Mesin Atau, Text Like Daggers yang dihadirkan oleh Brick (22–27 Juli)

Teater Brick Williamsburg yang berani akan kembali dengan acara langsung dan streaming langsung (di saluran YouTube-nya), dan yang ini terdengar menarik. Salah satu penonton duduk dikelilingi oleh layar, di mana entitas komputer melakukan versi talk-show Hamlet yang glitchy, interaktif. AI atau bukan AI, itulah pertanyaannya.

Most Happy in Concert dipersembahkan oleh Bard SummerScape (5–7) Agustus

Penasihat perjalanan: Yang ini di bagian utara Bard College. Mengemudi atau menemukan mobil dengan seorang teman: usaha akan sia-sia. Iconoclast Daniel Fish, sutradara di balik Oklahoma! tahun 2019, komedi romantis tahun 1956 karya Frank Loesser, menggunakan tujuh suara wanita dan non-biner yang didukung oleh tiga belas musisi.

Seni Akan Kembali Musim Panas Ini, hanya Langkah Luar.

Jalan kembali untuk seni pertunjukan di Amerika berkelok-kelok melalui tempat parkir di Los Angeles, arena pacuan kuda Formula 1 di Texas, dan rumah musim panas Shakespeare di Central Park New York.

Ketika pandemi virus corona perlahan-lahan melonggarkan cengkeramannya, teater, orkestra, dan perusahaan opera di seluruh negeri menuju ke luar, meraih ruang apa pun yang dapat mereka temukan saat mereka mati-matian mencari jalan kembali ke panggung.

Tanda terbaru dari kebangkitan budaya: Pada hari Selasa, Teater Umum Kota New York mengatakan bahwa mereka akan berusaha untuk menghadirkan Shakespeare di Taman sekali lagi musim panas ini, memulai kembali tradisi kota yang dihargai yang tahun lalu digagalkan untuk pertama kalinya dalam sejarahnya.

“Orang-orang ingin merayakannya,” kata Oskar Eustis, direktur artistik teater, yang termasuk di antara 29 juta orang Amerika yang telah terinfeksi virus corona. “Ini adalah salah satu cara hebat agar teater bisa membuat perayaan.”

Pekerjaan dalam ruangan skala besar masih jauh di sebagian besar negara, karena produsen tidak hanya menunggu kekebalan kawanan, tetapi juga untuk tanda-tanda bahwa pelanggan seni siap untuk kembali dalam jumlah yang signifikan. Broadway, misalnya, diperkirakan tidak akan dilanjutkan hingga musim gugur.

Tetapi di seluruh negeri, perusahaan yang biasanya memproduksi di luar ruangan tetapi tidak dapat melakukannya tahun lalu membuat rencana untuk membuka kembali, sementara mereka yang biasanya bermain untuk orang banyak di dalam ruangan mencari cara untuk membawa pertunjukan di luar.

Ini bukan bisnis seperti biasanya. Banyak produksi tidak akan dimulai sampai pertengahan musim panas, untuk memungkinkan tingkat vaksinasi meningkat dan tingkat infeksi turun. Batasan ukuran audiens mungkin terjadi.

Dan peserta, seperti mereka yang mengunjungi Opera Santa Fe, akan menemukan perubahan di luar panggung (sistem kamar mandi tanpa sentuhan) dan di: Orang dewasa (semoga divaksinasi), bukan anak-anak, akan memainkan paduan suara peri dalam produksi opera “A Midsummer Night’s” Britten Mimpi.”

Masih ada rintangan yang harus diatasi: Banyak tempat masih perlu mendapatkan izin dari pejabat lokal dan merundingkan kesepakatan dengan serikat pekerja. Tapi tanda-tanda kehidupan sekarang tidak terbantahkan.

Di Los Angeles, Fountain Theatre akan mulai membangun panggung di tempat parkir Hollywood Timur di mana diharapkan pada bulan Juni untuk membuka produksi pertama kota itu “An Octoroon,” sebuah drama komedi yang terkenal tentang balapan oleh Branden Jacobs-Jenkins.

Austin Opera bulan depan bertujuan untuk tampil di luar ruangan untuk pertama kalinya, menampilkan “Tosca” di amfiteater di arena pacuan kuda Formula 1, sementara di bagian utara New York, Festival Glimmerglass berencana untuk mendirikan panggung di halamannya.

Organisasi yang sudah memiliki ruang luar sudah memulai, dan ingin menggunakannya.

Mark Volpe, presiden dan kepala eksekutif Boston Symphony Orchestra, mengatakan bahwa akhir bulan ini dia akan meminta dewannya untuk menyetujui rencana mengadakan pertunjukan sekali lagi musim panas ini di Tanglewood, kampus luar ruangan perusahaan di Massachusetts Barat.

Musim, jika disetujui, hanya akan berlangsung enam minggu, sebagian besar pada akhir pekan, dengan program tanpa jeda yang berlangsung tidak lebih dari 80 menit, dan tidak ada pekerjaan paduan suara karena kekhawatiran bahwa nyanyian dapat menyebarkan virus.

Baca Juga : Sejarah Asal Muasal Dari Teater Era Romawi Berasal

Jumlah penonton masih belum diketahui – peraturan Massachusetts saat ini hanya mengizinkan 12 persen dari kapasitas 18.000 orang Tanglewood – dan Volpe mengatakan bahwa, bahkan jika peraturan dilonggarkan, “kita akan menjadi sedikit konservatif.” Meskipun demikian, prospek untuk sekali lagi mendengarkan musik live di halaman rumput yang luas sangat mendebarkan.

“Memiliki orkestra kembali ke panggung dengan penonton,” kata Volpe, “Saya hanya bisa membayangkan betapa emosionalnya itu.”

The Muny, sebuah organisasi nirlaba St. Louis yang merupakan produser teater musik luar ruang terbesar di negara itu, berharap dapat menampung 10.000 penonton berkapasitas penuh untuk musim yang sedikit tertunda, mulai 5 Juli, dengan tujuh musikal lengkap, meskipun dengan gips yang sedikit lebih kecil dari biasanya.

“Semua orang putus asa untuk kembali bekerja,” kata Mike Isaacson, direktur artistik dan produser eksekutif teater. “Dan nomor perpanjangan kami gila, yang mengatakan kepada saya bahwa orang ingin berada di sana.”

Sejarah Produksi Internasional Dan Tur Dari Mamma Mia
Theater

Sejarah Produksi Internasional Dan Tur Dari Mamma Mia

Sejarah Produksi Internasional Dan Tur Dari Mamma Mia – Mamma Mia! (dipromosikan sebagai Benny Andersson & Björn Ulvaeus ‘Mamma Mia!) adalah musik jukebox yang ditulis oleh dramawan Inggris Catherine Johnson, berdasarkan lagu-lagu ABBA yang digubah oleh Benny Andersson dan Björn Ulvaeus, mantan anggota band.

Sejarah Produksi Internasional Dan Tur Dari Mamma MiaSejarah Produksi Internasional Dan Tur Dari Mamma Mia

toscanaspettacolo.com – Judul musikal ini diambil dari pemuncak tangga lagu tahun 1975 grup “Mamma Mia”. Ulvaeus dan Andersson, yang menggubah musik asli untuk ABBA, terlibat dalam pengembangan pertunjukan sejak awal. Penyanyi Anni-Frid Lyngstad terlibat secara finansial dalam produksi dan dia juga hadir di banyak pemutaran perdana di seluruh dunia.

Dilansir dari kompas.com, Musikal tersebut mencakup hits seperti “Super Trouper”, “Lay All Your Love on Me”, “Dancing Queen”, “Knowing Me, Knowing You”, “Take a Chance on Me”, “Thank You for the Music”, ” Uang, Uang, Uang “,” Pemenang Membawa Semuanya “,” Voulez-Vous “,” SOS “dan” Mamma Mia “. Lebih dari 65 juta orang telah menonton pertunjukan tersebut, yang telah meraup $ 4 miliar di seluruh dunia sejak debutnya pada tahun 1999.

Baca Juga : Antonin Artaud dan Teater Kekejaman

Adaptasi film yang dibintangi oleh Meryl Streep, Colin Firth, Pierce Brosnan, Amanda Seyfried, Christine Baranski, Stellan Skarsgård dan Julie Walters dirilis pada Juli 2008 dan diikuti oleh film sekuel pada Juli 2018.

Pada tahun 2020, pertunjukan tersebut memiliki produksi di West End London, di mana itu adalah pertunjukan terpanjang ketujuh dalam sejarah West End, serta berbagai produksi internasional. Inkarnasinya di Broadway ditutup pada 12 September 2015, setelah 14 tahun berjalan, menjadikannya pertunjukan terpanjang kesembilan dalam sejarah Broadway.

Mamma Mia! didasarkan pada lagu-lagu ABBA, grup pop / dance Swedia yang aktif dari tahun 1972 hingga 1982 dan salah satu grup pop internasional paling populer sepanjang masa, memuncaki tangga lagu berulang kali di Eropa, Amerika Utara dan Selatan, serta Australia.

Menyusul pemutaran perdana musikal di London pada 1999, ABBA Gold kembali menduduki puncak tangga lagu di Inggris. Musikal ini adalah gagasan produser Judy Craymer. Dia bertemu penulis lagu Björn Ulvaeus dan Benny Andersson pada tahun 1983 ketika mereka bekerja dengan Tim Rice di Catur.

Itu adalah lagu “The Winner Takes It All” yang menyarankan kepadanya potensi teater dari lagu-lagu pop mereka. Para penulis lagu tidak antusias, tetapi mereka tidak sepenuhnya menentang gagasan tersebut.

Pada tahun 1997, Craymer menugaskan Catherine Johnson untuk menulis buku musikal tersebut. Pada tahun 1998, Phyllida Lloyd menjadi sutradara pertunjukan tersebut.

Berbagai pengulas telah mencatat kemiripan dalam plot antara Mamma Mia dan film tahun 1968 Buona Sera, Mrs. Campbell, yang juga berkisah tentang seorang wanita yang tidak tahu siapa di antara tiga pria yang merupakan ayah dari putrinya, yang kini adalah seorang wanita muda. Beberapa bahkan mengklaim bahwa Mamma Mia secara resmi didasarkan pada film tahun 1968. Kritikus John Simon berspekulasi bahwa Mamma Mia berlatar di Yunani dan bukan Italia (yang mungkin lebih cocok dengan judul musikal) untuk membuat hubungan dengan film menjadi kurang jelas. Namun, Johnson membantah terinspirasi oleh Buona Sera, Nyonya Campbell.

Produksi West End asli

Musikal dibuka di West End di Prince Edward Theatre pada tanggal 6 April 1999, dan dipindahkan ke Teater Prince of Wales pada tanggal 9 Juni 2004, di mana ia diputar sampai September 2012, ketika dipindahkan ke Teater Novello. Disutradarai oleh Phyllida Lloyd dengan koreografi oleh Anthony Van Laast, pemeran aslinya menampilkan Siobhan McCarthy, Lisa Stokke, dan Hilton McRae.

Produksi Broadway dan AS yang asli

Sebelum pertunangan musikal Broadway, itu dibuka di Toronto di Royal Alexandra Theatre pada Mei 2000, di mana itu diputar selama lima tahun. Debutnya di AS adalah di San Francisco, California, di Teater Orpheum dari 17 November 2000 hingga 17 Februari 2001, pindah ke sebelah Los Angeles, California, di Teater Shubert dari 26 Februari 2001 hingga Mei 12, 2001, dan akhirnya ke Chicago, Illinois, di Teater Istana Cadillac dari 13 Mei 2001 hingga 12 Agustus 2001.

Kota New York dijalankan

Musikal dibuka di Broadway di Winter Garden Theatre pada 18 Oktober 2001, setelah pratinjau dimulai pada 5 Oktober. Sutradaranya adalah Phyllida Lloyd dengan koreografi oleh Anthony Van Laast.

Pada Oktober 2017, ini adalah pertunjukan Broadway terpanjang kesembilan dan musik jukebox terlama dalam sejarah Broadway. Pada 18 April 2013, diumumkan bahwa Mamma Mia! akan pindah dari rumahnya di Winter Garden Theatre ke Broadhurst Theatre akhir tahun itu untuk memberi jalan bagi adaptasi musik Rocky.

Pertunjukan ini memainkan pertunjukan terakhirnya di Teater Taman Musim Dingin pada tanggal 19 Oktober 2013 dan mulai pertunjukan di Teater Broadhurst pada tanggal 2 November 2013.

Diumumkan pada tanggal 9 April 2015 bahwa pertunjukan tersebut akan ditutup pada tanggal 5 September 2015. Pada 21 April 2015, kemudian diumumkan bahwa pertunjukan akan diputar satu minggu lagi dan akan ditutup pada 12 September 2015. Mamma Mia! memainkan 5.773 pertunjukan di Broadway sebelum penutupan.

Mamma Mia! telah dimainkan di lebih dari 50 negara di 6 benua, termasuk Argentina, Australia, Austria, Belgia, Brasil, Bulgaria, Kanada, Chili, Cina, Kolombia, Kroasia, Republik Ceko, Denmark, Republik Dominika, Jerman, Estonia, Finlandia, Prancis, Yunani, Hongaria, Islandia, Indonesia, Irlandia, Israel, Italia, Jepang, Yordania, Latvia, Lituania, Malaysia, Malta, Meksiko, Monako, Belanda, Selandia Baru, Norwegia, Panama, Peru, Filipina, Polandia, Portugal, Qatar , Rumania, Rusia, Serbia, Singapura, Slovakia, Slovenia, Afrika Selatan, Korea Selatan, Spanyol, Sri Lanka, Swedia, Swiss, Taiwan, Thailand, Turki, Uni Emirat Arab, Inggris Raya, dan Amerika Serikat, dan telah diterjemahkan ke dalam bahasa berbagai bahasa. Lebih dari 65 juta orang telah menonton pertunjukan di seluruh dunia dan telah menetapkan rekor penayangan perdana di lebih banyak kota lebih cepat daripada musikal lainnya dalam sejarah.

Kota pertama yang memproduksi pertunjukan setelah London adalah Toronto, yang berlangsung dari 23 Mei 2000 hingga 22 Mei 2005, menjadi pemutaran perdana Mamma Mia! Di Amerika Utara. Pemeran asli termasuk Louise Pitre sebagai Donna dan Tina Maddigan sebagai Sophie, yang keduanya kemudian reprised peran mereka dalam tur AS pertama dan pemutaran perdana Broadway.
Mamma Mia! dimainkan di Las Vegas, dibuka di Mandalay Bay pada Februari 2003 dan ditutup pada 4 Januari 2009. Pada bulan Juni 2005, Mamma Mia! memainkan pertunjukan ke-1000 di Las Vegas, menjadi pertunjukan musik West End / Broadway yang paling lama tayang di Las Vegas.

Pakaian dan skenario dari produksi ini sekarang digunakan di Brasil. Pertunjukan tersebut kembali ke Las Vegas pada 16 Mei 2014 di Tropicana Hotel & Casino, tetapi mengumumkan penutupannya segera setelah itu pada 22 Juli.

Tur Amerika Utara pertama dimulai di San Francisco, California, pada tanggal 15 November 2000, dan ditutup di Boston, Massachusetts, pada tanggal 29 Agustus 2004. Tur nasional kedua dibuka di Providence, Rhode Island pada 26 Februari 2002, dan ditutup di Appleton, Wisconsin pada 26 Agustus 2012. Ini diikuti oleh tur non-Ekuitas yang dibuka di Orange, Texas pada 28 September 2016, dan ditutup di St. Louis, Missouri pada 30 Juli 2017.

Versi non-Inggris pertama dari pertunjukan tersebut memulai debutnya di Hamburg di Operettenhaus, di mana itu berlangsung dari 3 November 2002 hingga 8 September 2007. Dengan produksi Stuttgart (2004) dan Essen (2007), Mamma Mia! menjadi musikal besar pertama yang dimainkan secara bersamaan di tiga kota Jerman.

Pertunjukan tersebut telah (dan dalam beberapa kasus, masih memiliki) produksi permanen di London, Toronto, Melbourne, New York, Hamburg, Tokyo (kemudian dipindahkan ke Osaka, Fukuoka dan Nagoya), Las Vegas, Utrecht, Seoul (kemudian dipindahkan ke Seongnam dan Daegu), Stuttgart, Madrid (kemudian dipindahkan ke Barcelona), Stockholm (kemudian dipindahkan ke Gothenburg), Antwerpen, Moskow, Essen, Berlin, Oslo, Mexico City, Milan (kemudian dipindahkan ke Roma), Kopenhagen (kemudian dipindahkan ke Aarhus) , Paris, São Paulo, Shanghai, Buenos Aires, Wina dan Helsinki.

Sejak pemutaran perdana di Dublin pada 9 September 2004 (dengan Helen Hobson sebagai Donna) tur internasional telah dilihat oleh 5 juta orang. Selain itu, ada beberapa produksi tur di seluruh dunia, termasuk Australia / Asia (2002–2005), Australia (2009–2010), China (2011-2012, 2013-2014, dan 2018), Prancis (2012–2013), Jerman, Jepang, Belanda (2009–2010), Spanyol (2009–2011 dan 2016–2017), Afrika Selatan (2010–2011), Korea Selatan, Inggris Raya (2016–2018 dan 2019-2021), dan Denmark (2020).

Aktris Belanda Lone van Roosendaal telah memerankan Donna di tiga negara berbeda: Belanda, Belgia dan Jerman.

Dalam Pemeran Kopenhagen Asli Denmark Tivoli sebenarnya Kristine Yde Eriksen sebagai Sophie dan Nadia Barbara Abrahamsen sebagai Ali. Tetapi ketika produksi pindah ke Aarhus Stine Louise Henriksen mengambil alih untuk Kristine Yde Eriksen sebagai Sophie dan Nadin Reiness mengambil alih untuk Nadia Barbara Abrahamsen sebagai Ali. Stine Louise Henriksen sebenarnya adalah murid Kristine di Tivoli, Kopenhagen dan begitu pula Nadin Reiness untuk Nadia.

Tur Afrika Selatan, yang dilakukan di Artscape Theatre di Cape Town pada 11 Agustus 2010 dan 3 bulan kemudian di The Teatro, Montecasino di Johannesburg, menampilkan semua pemain lokal.

Produksi Tiongkok pertama dibuka pada 11 Juli 2011 di Shanghai Grand Theatre dan ditutup pada 18 Januari 2012 di Shanghai Cultural Square setelah tur kecil, menandai pertama kalinya musikal kontemporer Barat disajikan dalam bahasa Mandarin di Shanghai (ada produksi Mandarin sebelumnya dari Beauty and the Beast di Beijing pada tahun 1999). Itu disaksikan oleh 250.000 orang di enam tempat, dengan total 190 pertunjukan.

Dua aktris Tiongkok, Tian Shui, dan Shadow Zhang keduanya berperan sebagai Donna secara bergantian. Pada tahun-tahun berikutnya, produksi melakukan tur keliling Tiongkok dari waktu ke waktu, menampilkan 100 ~ 150 pertunjukan per tahun, hingga 2017.

Kebangkitan produksi ini sekarang sedang tur di Tiongkok lagi, dengan peran Donna dimainkan oleh Adia Chan Chung Ling, Bintang TV / film Hong Kong dan penyanyi pop terkenal pada 1980 ~ 90 ‘.

Pada 24 Januari 2012, Mamma Mia! dibuka di Manila di Teater Utama Pusat Kebudayaan Filipina sebagai bagian dari Tur internasional. Pertunjukan tersebut awalnya ditetapkan untuk tetap hanya selama seminggu tetapi dengan tanggapan positif, penyelenggara memutuskan bahwa itu akan diputar hingga 19 Februari 2012.

Pertunjukan tersebut menampilkan Sara Poyzer sebagai Donna Sheridan dan Charlotte Wakefield sebagai Sophie. Pemerannya juga termasuk Kate Graham (Tanya), Jenny Dale (Rosie) dan David Roberts (Sky).

Produksi tur Mamma Mia di Selandia Baru! dibuka di Auckland Civic Theatre pada 4 Maret 2014, menampilkan desain set baru oleh John Harding. Bintang teater internasional Deliah Hannah berperan sebagai Donna, dan ikon hiburan Selandia Baru yang populer Jackie Clark berperan sebagai Rosie. Tur NZ mengunjungi 11 kota pada tahun 2014-2016.

Baca Juga : Sejarah Asal Muasal Dari Teater Era Romawi Berasal

Musikal ini awalnya dilakukan pada pelayaran Royal Caribbean’s Quantum of the Seas tetapi kemudian dipindahkan ke Allure of the Seas. Tidak seperti pertunjukan musikal kapal pesiar lainnya, pertunjukan ini ditampilkan secara utuh.

Di Praha, ibu kota Republik Ceko, pertunjukan musikal itu ditayangkan perdana pada 12 Desember 2014. Bahasa Ceko adalah bahasa ketujuh belas yang digunakan dalam pertunjukan musikal tersebut. Pada tanggal pemutaran perdana rekor 70.000 tiket terjual.

Antonin Artaud dan Teater Kekejaman
Theater

Antonin Artaud dan Teater Kekejaman

Antonin Artaud dan Teater Kekejaman – The Theatre of Cruelty, yang dikembangkan oleh Antonin Artaud, bertujuan untuk mengejutkan penonton melalui gerak tubuh, gambar, suara, dan pencahayaan. Natasha Tripney menggambarkan bagaimana ide-ide Artaud terbentuk, dan melacak pengaruhnya terhadap sutradara dan penulis seperti Peter Brook, Samuel Beckett dan Jean Genet.

Antonin Artaud dan Teater KekejamanAntonin Artaud dan Teater Kekejaman

toscanaspettacolo.com – Salah satu ahli teori teater paling berpengaruh di abad ke-20 dan tokoh kunci avant garde Eropa, Antonin Artaud (1896–1948) mengembangkan gagasan di balik Theatre of Cruelty.

Theatre of Cruelty adalah filosofi dan disiplin. Artaud ingin mengganggu hubungan antara penonton dan pemain. ‘Kekejaman’ dalam tesis Artaud bersifat inderawi, itu ada dalam kapasitas karya untuk mengejutkan dan menghadapi penonton, melampaui kata-kata dan terhubung dengan emosi: untuk membangunkan saraf dan hati.

Dilansir dari laman kompas.com, Dia percaya isyarat dan gerakan lebih kuat daripada teks. Suara dan pencahayaan juga bisa digunakan sebagai alat gangguan sensorik. Penonton, menurutnya, harus ditempatkan di tengah sebuah pertunjukan. Teater harus menjadi tindakan ‘anarki terorganisir’.

Baca Juga : Asal Muasal Teater Romawi, Roma Kuno

‘Bahasa teatrikal baru dari totem dan isyarat’

Itu adalah bagian dari teater Bali yang dilihat Artaud di Pameran Kolonial Paris pada tahun 1931 yang mulai membentuk ide-idenya tentang gerak tubuh dan pertunjukan. Dia tertarik pada penggunaan ekspresi wajah dan relatif tidak pentingnya kata yang diucapkan.

Gestur, menurutnya, dapat mengomunikasikan niat bawah sadar dan sadar seorang seniman dengan cara yang tidak dapat diungkapkan oleh kata-kata (meskipun seorang penulis sendiri, ia percaya bahwa kata-kata hanya dapat melakukan banyak hal).

Gesture bisa membuat hal-hal tersebut terlihat di atas panggung. ‘Semua perasaan yang benar pada kenyataannya tidak dapat diterjemahkan. Mengekspresikannya berarti mengkhianatinya.

Tetapi menerjemahkannya berarti menyebarkannya… Itulah mengapa gambar, alegori, figur yang menutupi apa yang akan diungkapkannya memiliki makna yang lebih penting bagi jiwa daripada kejernihan ucapan dan analitiknya ‘.

Tak lama kemudian ia menerbitkan ‘Manifesto Pertama untuk Teater Kekejaman’ di La Nouvelle Revue Française; itu kemudian akan muncul sebagai bab dalam buku mani nya The Theatre and Its Double.

Di dalamnya ia menggambarkan niatnya untuk menciptakan ‘bahasa teatrikal baru dari totem dan gerak tubuh – bahasa ruang tanpa dialog yang akan menarik semua indra’.

Gambar mendominasi teori teater Artaud. Dia menggambarkan ‘penonton yang ditangkap oleh teater sebagai oleh angin puyuh kekuatan yang lebih tinggi’.

Dia percaya bahwa banyak konvensi teater, teks permainan preskriptif – ‘kata-kata’, dia merasa, ‘harus memiliki arti penting dalam mimpi’ – dan lengkungan proscenium, bekerja melawan apa yang dia lihat sebagai keajaiban bentuk, ritual teater.

Dia percaya pada penghapusan auditorium dan panggung untuk menciptakan satu ruang bermain tanpa batasan antara penonton dan pemain.

Selama masa hidupnya, teori Artaud tetap menjadi teori utama tetapi pengaruhnya cukup besar. Meskipun dapat dikatakan bahwa gagasan Artaud tidak selalu koheren atau konsisten, dapat dikatakan bahwa teorinya telah mengubah arah teater kontemporer.

Karyanya berdampak besar pada generasi penulis Eropa termasuk Jean Genet dan Samuel Beckett. Sutradara Peter Brook adalah pendukung utama ide-ide Artaud, yang diungkapkan dalam bukunya The Empty Space.

Produksinya tentang Raja Lear dan Marat / Sade secara eksplisit dipengaruhi oleh pemikiran Artaud. Ide-idenya tersebar di luar dunia panggung.

Jim Morrison, penyanyi utama band Amerika tahun 1960-an The Doors, terinspirasi oleh tulisannya tentang ritual dan tontonan dalam pertunjukan. John Cage, Merce Cunningham dan The Living Theatre semuanya telah mengakui hutang kepada Artaud.

Susan Sontag terkenal menulis bahwa pengaruhnya begitu besar sehingga ‘jalannya semua teater baru-baru ini di Eropa Barat dan Amerika dapat dikatakan terbagi menjadi dua periode – sebelum Artaud dan setelah Artaud’.
Marat / Sade

Peter Brook adalah sutradara yang sangat dipengaruhi oleh teori Artaud. Ini mungkin yang paling jelas dalam produksi terkenalnya pada tahun 1964 dari drama Peter Weiss – judul lengkapnya adalah The Persecution and Assassination of Marat as Performed by the Inmates of the Asylum of Charenton di bawah Arahan Marquis de Sade – untuk Royal Shakespeare Company Musim Teater Kekejaman.

Produksi ini, menurut kritikus Michael Coveney, secara efektif meluncurkan ‘teater pinggiran dan alternatif di negara ini, mewakili persimpangan antara teori Eropa dan radikalisme baru Inggris.’

Tidak ada alat peraga, soundtracknya bergerigi dan riuh, panggung dipenuhi oleh orang gila dan ember darah tumpah ke selokan. Efeknya sangat membebani indra.

Jet Darah

Seringkali dianggap tidak dapat dipentaskan, drama pendek Artaud Jet of Blood, atau Spurt of Blood seperti yang kadang-kadang dikenal, ditulis pada tahun 1925, tetapi tidak dilakukan selama hidupnya. Teksnya jarang dan petunjuk panggungnya tidak nyata.

Adegan kehancuran berlimpah. Ada gempa bumi, tangan raksasa – dan semburan darah. Kalajengking merangkak keluar dari vagina wanita. Mayat dibiarkan berserakan di atas panggung.

Ini pertama kali disajikan oleh RSC sebagai bagian dari musim Theatre of Cruelty pada tahun 1964; versi film, The Spurt of Blood, oleh Albie Thomas, diikuti pada tahun 1965.

Sebuah produksi tahun 2006 di Theatreworks di Melbourne terdiri dari ‘serangkaian adegan oneiric yang menyapu teater dengan iringan soundtrack yang memar’, menurut kritikus Alison Croggon. Dalam pandangannya, Artaud menawarkan ‘katalisator dan provokasi, bukan model’.

The Changeling

Produksi Joe Hill Gibbins atas Thomas Middleton dan The Changeling at the Young Vic karya William Rowley menggunakan metode Artaud untuk menciptakan visinya tentang rumah gila yang dihuni oleh orang-orang aneh.

Karakternya bercanda dan menggiring bola saat Hill Gibbins bersuka ria dalam ‘kekacauan tubuh’. Jeli dan es krim berceceran dengan cepat, dan produksi berakhir dengan pengulangan disorientasi, baris yang sama diulangi ke mikrofon sampai kata-kata tidak lagi memiliki arti.

Siapa Artaud?

Artaud lahir di Marseilles, Prancis, pada tahun 1896. Dia mengidap meningitis tulang belakang saat kecil dan menghabiskan waktu lama di sanatorium selama masa mudanya. Sementara dia banyak membaca selama ini, dia juga mengembangkan ketergantungan laudanum yang mengakibatkan ketergantungan seumur hidup pada opiat.

Pada 1920, dia pindah ke Paris dengan niat untuk mengejar karir sebagai penulis, tetapi dia menjadi tertarik pada dunia teater avant-garde dan mulai berlatih dan tampil dengan sutradara, termasuk Charles Dullin dan Georges Pitoeff. Dia terus menulis puisi dan esai selama ini.

Dia memiliki minat yang besar pada sinema dan menulis skenario untuk film surealis awal oleh sutradara Germaine Dulac, The Seashell and the Clergyman (1928).

Film ini memberi pengaruh pada surealis Salvador Dalí dan Luis Buñuel, yang membuat Un Chien Andalou yang ikonik, dengan adegan mengiris bola matanya yang terkenal, pada tahun 1929.

Artaud muncul di lebih dari 20 film. Dia memerankan Jean-Paul Marat dalam Abel Gance’s Napoleon (1927) dan seorang biarawan dalam The Passion of Joan of Arc (1928) karya Carl Theodor Dreyer.

Merasa dikucilkan, ia ikut mendirikan Teater Alfred Jarry bersama Roger Vitrac dan Robert Aron; selama periode singkat operasinya dikunjungi oleh sejumlah seniman, penulis dan pemikir terkemuka, termasuk penulis pemenang Nobel André Gide.

Adaptasi dari Percy Bysshe Shelley The Cenci ditayangkan perdana pada tahun 1935, dengan satu set yang dirancang oleh Bauhaus, tetapi itu adalah kegagalan komersial, dan sebagian besar ulasannya bermusuhan atau acuh tak acuh.

Segera setelah itu, Artaud pergi ke Meksiko, di mana dia belajar dan tinggal selama beberapa waktu dengan orang-orang Tarahumaran, bereksperimen dengan peyote.

Setelah episode aneh dan bencana di mana dia melakukan perjalanan ke Irlandia dan dideportasi dengan jaket ketat – dia telah memperoleh tongkat yang dia yakini suci dan dicari penciptanya, sebuah episode yang berakhir dengan pertengkaran dengan polisi – The Theatre and Its Double diterbitkan pada tahun 1938.

Sudah berperilaku tidak menentu dan semakin terpesona dengan sihir dan astrologi, Artaud menghabiskan sebagian besar Perang Dunia Kedua di rumah sakit jiwa dan rumah sakit jiwa. Perawatan kejut listrik diberikan.

Selama periode ini dia mulai menulis dan menggambar lagi. Dia menulis studi tentang Van Gogh dan merekam Pour en Finir avec le Jugement de dieu (To Have Done With the Judgment of God) pada tahun 1947.

Karena konten politik dan kualitasnya yang riuh – termasuk gerutuan dan rintihan – sebuah panel dipasang untuk mendiskusikan manfaat dari karya tersebut.

Meskipun mereka mendukungnya, itu tidak pernah disiarkan di radio Prancis. Pada tahun 1948, Artaud didiagnosis menderita kanker dan dia meninggal tak lama kemudian pada usia 51 tahun.

Dalam paragraf berikut, saya ingin berbicara tentang cita-cita Artaudian yang saya perhatikan dalam teater Jerman kontemporer dengan memusatkan perhatian pada mise-en-scene serta penggunaan musisi sebagai bagian dari pengalaman teater.

Baca Juga : Sejarah Asal Muasal Dari Teater Era Romawi Berasal

Pertama-tama, menarik untuk diamati bahwa nama umum dari jenis teater yang terlihat di panggung Jerman disebut “Teater pidato” (Engl .: Teater pidato).

Ini jelas menandai relevansi kata dan bahasa lisan dalam dasar-dasar teater. Meskipun demikian, bahasa drama Jerman dan konsepsi panggung dapat dengan mudah dilihat dalam hubungannya dengan visi Artaudian tentang mise-en-scene.

Spasi biasanya digunakan dengan cara yang sangat abstrak — tidak selalu memberikan referensi yang tepat ke naskah atau alur cerita.

Saya telah melihat panggung kosong dengan hanya satu item di atasnya, lanskap luas dan nyata yang terbuat dari bahan yang tidak dapat diidentifikasi atau hujan buatan turun ke atas para aktor di seluruh pertunjukan.

Berkenaan dengan musik, dapat dikatakan bahwa Anda biasanya tidak akan menemukan produksi apa pun di panggung besar Jerman mana pun tanpa musisi live yang dimasukkan ke dalam konsep (panggung).

Kadang-kadang, duduk dengan tidak sopan di sudut panggung atau dalam kasus Romeo dan Juliet karya Jette Steckel (dipentaskan di Teater Thalia pada tahun 2014), sebuah grand piano diputar pada platform melingkar di seluruh pertunjukan.

Sepertinya tidak ada batasan; dimensi, kekuatan dan pesan dari drama dan sering bereaksi langsung terhadap peristiwa politik saat ini.

Bertentangan dengan Teater Kekejaman thatre Artaud Jerman kontemporer akan menghindari pakaian kontemporer: “… karena sangat jelas terlihat jelas kostum kuno tertentu dari tujuan ritual, meskipun dulunya modis, mempertahankan keindahan dan penampilan karena kedekatannya dengan tradisi yang memunculkan mereka ”(Artaud, 1995 p74).

“Boneka, topeng besar, objek dengan proporsi aneh muncul dengan hak yang sama dengan citra verbal, menekankan aspek fisik dari semua citra dan ekspresi — dengan konsekuensi bahwa semua objek yang membutuhkan representasi stereotip akan dibuang atau disamarkan” (Artaud, 1995 hal75).

Sebagai penyelidikan terakhir tentang pengaruh warisan Artaud terhadap dunia di luar teater dan pertunjukan, saya ingin memperkenalkan secara singkat dua sosiolog yang tertarik pada penelitian mengikuti jejak Artaud: Brook dan Goffman.

Gagasan Artaud bahwa teater dan kehidupan tidak dapat dipisahkan dikembangkan lebih lanjut dan diekspresikan dalam sebuah publikasi oleh sosiolog Inggris Peter Brook ‘The Empty Space’ di mana dia mengatakan bahwa “Saya dapat mengambil ruang kosong dan menyebutnya panggung kosong.

Seorang pria berjalan melintasi ruang kosong ini sementara seseorang yang lain mengawasinya, dan hanya inilah yang diperlukan untuk sebuah aksi teater yang akan dilibatkan ”(Brook, 1968 p1).

‘The Presentation of Self in Everyday life’ karya Ervin Goffman menggunakan citra teater untuk menggambarkan pentingnya interaksi sosial manusia (Goffman, 1956).

Ini menjadi lebih jelas dalam judul Jerman “Teater Wir alle spielen” (Engl .: kita semua bermain teater). Paralel dengan pemikiran Artaudian tentang kehidupan dan teater lebih dari tampak dan bahkan berhasil membangunnya dalam konteks psikologi.

Goffman memaksudkan buku ini sebagai semacam laporan di mana dia membingkai kinerja teater yang berlaku untuk interaksi tatap muka. Dia percaya bahwa:

Ketika seseorang melakukan kontak dengan orang lain, orang tersebut akan mencoba untuk mengontrol atau membimbing kesan yang mungkin dibuat orang lain tentang dirinya dengan mengubah atau memperbaiki tatanan, penampilan dan sikapnya.

Pada saat yang sama, orang yang berinteraksi dengan individu tersebut mencoba membentuk dan memperoleh informasi tentang individu tersebut. (Trevino, 2003 p35)