Para penggemar teater pasti langsung mau kalau diajak nonton pertunjukan di Italia. Bagaimana tidak? Negara yang satu ini memang terkenal akan keseniannya termasuk kesenian teater. Bahkan kalau tidak menonton pertunjukanpun pasti tetap mau diajak berkeliling gedung teaternya. Tapi ingat, saat memasuki gedung teaternya, berhenti sejenak ya dari permainan slot hanabero. Supaya fokus menikmati keindahan gedungnya.

• Teatro Olimpico Bikin Terperangah Seperti Untung dari Slot Online Hanabero

Mengunjungi kerajaan Romawi di masa lalu bukanlah mimpi. Kunjungi saja Teatro Olimpico. Begitu menginjakkan kaki di teater ini, kamu pasti akan merasa dibawa ke masa lalu. Dinding-dindingnya dihiasi dengan patung-patung serta ornamen kerajaan Romawi. Membuat tempat ini terlihat megah. Jangan heran kalau kamu langsung terperangah ketika melihatnya, seperti memenangkan jackpot utama permainan slot.

Lokasi satu ini juga pernah muncul dalam Ripley’s Game dan membuatnya menjadi salah satu destinasi wisata wajib. Di teater ini terdapat light show yang menyorot panggung dan sekitarnya. Jadi kalau ingin kunjungannya lebih spektakuler lagi, pastikan datang saat light shownya tengah berlangsung atau datang untuk menyaksikan pertunjukan di gedung ini. Jangan sampai kelewatan untuk berkunjung ke sini kalau ke Vicenza. Main slotnya berhenti sebentar dan kagumi keindahan yang bertahan dari abad ke 16 ini.

Teatro Olimpico

• Main Slot Hanabero Bisa Berhenti Sejenak Kalau Lihat Teatro La Fenice

Sedang berkunjung ke Venesia? Pastikan berkunjung juga ke Teatro La Fenice. Gedung teater ini sangat terlihat mewah dan tidak kehilangan nilai sejarahnya walaupun sudah berulang kali direnovasi. Teatro La Fenice mengalami beberapa kali kebakaran, tapi sekarang sudah direnovasi dengan baik. Seperti pemain judi slot yang bangkit kembali walaupun mengalami kerugian.

Untuk masuk ke sini, pengunjung harus membayar biaya tiket 11 euro dan sudah termasuk dengan audio guide. Pengunjung bisa dengan bebas menjalajahi area publik di teater ini dan menikmati keindahannya. Sangat disarankan untuk bisa menonton pertunjukan di teater ini karena keindahan bangunannya seiring dengan keindahan suara pertunjukannya. Combo yang tepat seperti di permainan agen slot online yang bisa menghibur sekaligus memberikan keuntungan.

• Bak Istana, Il Vittoriale degli Italiani Bikin Pemain Teralihkan dari Agen Slot Hanabero

Vittoriale degli Italiani

Museum sekaligus teater satu ini terletak di Gardone Riviera. Kompleks ini terlihat bak istana lengkap dengan amphiteaternya. Semuanya tampak terawat dan bersih sehingga semua yang berkunjung kesini pasti bisa menikmatinya dengan maksimal. Mulailah dengan jalan-jalan di taman dan hirup udara segarnya. Semacam pemanasan kalau main slot, jalan-jalan di taman Il Vittoriale bisa membuat pikiran fresh dan siap menikmati keindahan selanjutnya.

Museum di sini berisi aneka koleksi sejarah, kesenian, dan juga sastra yang sayang untuk dilewatkan. Jika berkunjung di saat ada pertunjukan dijadwalkan, jangan sampai terlewat ya. Pertunjukan di amphiteaternya memberikan kesan yang berbeda dari menonton pertunjukan di gedung teater lainnya. Sangat disarankan untuk mengenakan alas kaki yang nyaman jika kesini karena pasti ingin melihat semua yang ada di sini. Pastikan juga untuk mengosongkan jadwalmu karena tidak cukup hanya satu dua jam saja kalau di sini. Gunakan beberapa jam tersebut untuk behenti main slot dan nikmati semuanya yang ada di sini. Setelah fresh, pasti semakin semangat main slotnya.

Sudah tahu mau mengunjungi yang mana? Masih ada banyak sekali gedung teater yang tersebar di negara ini lho dan semuanya memiliki keunikannya masing-masing. Jika punya budget lebih, sempatkan juga untuk menonton pertunjukannya. Pastinya akan jadi pengalaman tak terlupakan seperti saat dapat jackpot dari slot hanabero.

Sejarah Gedung Opera Garnier Teater Yang Menjadi Tempat Romantis Paris
Theater

Sejarah Gedung Opera Garnier Teater Yang Menjadi Tempat Romantis Paris

Sejarah Gedung Opera Garnier Teater Yang Menjadi Tempat Romantis Paris – Opera Garnier adalah struktur yang luar biasa bahkan dari kejauhan. Pada tahun 1860, Napoleon III mengadakan kompetisi untuk membangun Opera House di Paris dan arsitek muda Jean Louis Charles Garnier, yang saat itu berusia 35 tahun, memenangkan kompetisi tersebut. Sebuah proyek besar terjadi dan setelah 15 tahun bangunan yang indah dan menarik ini dibuat. Dalam gaya era Napoleon III, tidak ada satu ruangan pun yang dibiarkan tanpa hiasan.

toscanaspettacolo

Sejarah Gedung Opera Garnier Teater Yang Menjadi Tempat Romantis Paris

toscanaspettacolo – Karena Charles Garnier telah belajar secara intensif di Roma dan melakukan perjalanan secara ekstensif ke seluruh Eropa, ia bermaksud untuk menggabungkan banyak gaya arsitektur yang berbeda dalam satu bangunan. Beberapa ahli menyebut bangunan ini “kue pengantin besar” karena bentuk dan gayanya yang unik. Opera Garnier juga dianggap sebagai salah satu dari 5 gedung opera terbaik di dunia.

Opera Garnier: Konstruksi

Untuk sepenuhnya memenuhi preferensi dan persyaratan Presiden Republik Prancis, kompetisi antar arsitek diadakan untuk menemukan desain terbaik dari istana baru. Perhatikan bahwa gedung opera dan balet masa depan akan menjadi teater ketiga belas berturut-turut di Paris. Secara mengejutkan Charles Garnier memenangkan kompetisi ini di mana para profesional terbaik berpartisipasi. Arsitek yang belum mapan itu baru berusia 35 tahun saat itu.

Seperti yang dikatakan, batu pertama untuk pembangunan gedung itu diletakkan pada tahun 1860. Dokumen itu berisi fakta yang agak menarik, di mana dikatakan bahwa istri Napoleon III tertarik pada pembangunan istana. Dia, merasa sangat tertarik, pernah bertanya kepada suaminya: “Dengan gaya apa bangunan itu harus dibangun: Yunani atau Romawi?” Untuk pertanyaan ini, ia menerima jawaban yang agak mengejutkan: “Gedung baru untuk opera dan balet, Bu, akan dibangun dengan gaya baru, dengan cara Napoleon III!”

Rencananya, seperti biasa, muluk-muluk. Namun, pembangunan Opéra Garnier memakan waktu 15 tahun! Alasan pertama untuk konstruksi yang begitu panjang adalah kekhasan tanah, dalam komposisinya terlihat seperti rawa yang tebal.

Baca Juga : Theater Terbesar Broadway Dibuka Kembali

Charles Garnier, terlepas dari usianya, ternyata adalah orang yang sangat pemarah dan tidak sabaran. Karena kegagalan berulang dalam meletakkan fondasi, ia berulang kali memutuskan untuk berhenti mengerjakan proyeknya. Ketika rawa dikeringkan, arsitek menghadapi masalah lain – ternyata ada danau bawah tanah besar di lokasi konstruksi. Dan bahkan kemudian, pekerjaan tidak berhenti: selama delapan bulan, sebuah pompa raksasa memompa air sampai kapasitas danau memungkinkan, bahkan sebelum pekerjaan dimulai.

Tampaknya semua masalah telah dikesampingkan ketika perang Prancis-Prusia pecah, di mana semua uang dari anggaran kota digunakan untuk tentara. Selain itu, tak lama setelah perang berakhir, Kekaisaran runtuh dan Komune Prancis muncul sebagai gantinya. Kaum revolusioner tidak punya waktu untuk seni yang hebat: oleh karena itu konstruksi jarang dilakukan, dan Garnier lebih dari satu kali mendengar bahwa pembangunan istana akan dihentikan sama sekali.

Tidak dapat dibayangkan bahwa emosi arsitek melonjak selama masa-masa sulit ini, yang meletakkan dasar untuk prestasi dan merevolusi arsitektur dan konstruksi pada waktu itu. Berkat pemeliharaan bangunan dari atas, di tanggal 29 Oktober tahun 1873, para ahli serta tim konstruksi mendapatkan perintah yang tak terduga: agar menyelesaikan pembangunan istana secepat mungkin.

Penyebab curah hujan yang tinggi menyebabkan kebakaran dan menghancurkan bangunan Opera Paris, yang menjadi tuan rumah pertunjukan paling penting. Juga, di Prancis, seperti di seluruh Eropa, ada mode yang disebut balet romantis.

Pada bulan Desember 1874, Charles Garnier melaporkan bahwa opera baru dan teater balet di Paris hampir selesai. Hanya satu ruang merokok dan beberapa bangunan luar yang tersisa. Omong-omong, ruang merokok tidak pernah berakhir; Hari ini, itu tidak lagi ditemukan di gedung opera Paris Garnier yang legendaris.

Pembangunan istana yang megah, dilengkapi dengan opera dan balet house, dimulai atas perintah Napoleon III, yang masih menolak untuk mengunjungi Le Peletier yang terkenal setelah serangannya yang gagal

GRAND ESCALIER

adalah salah satu hal pertama yang Anda temui ketika kamu masuk. Terinspirasi oleh Grand Théâtre de Bordeaux dan dibangun dengan marmer putih dari Italia, marmer hijau dari Swedia dan marmer merah antik, lantai dua menampilkan kesan gaya dan keanggunan yang luar biasa. , menjadikannya salah satu ruang yang paling mengesankan. oleh Opera Garnier. Charles Nuitter, komposer opera, menyebut tangga ini “arsitektur dalam arsitektur”.

SHOWROOM

Pada malam hari ada beberapa pertunjukan seperti orkestra, opera dan balet. Hari ini ada lebih banyak pertunjukan balet. Di dalam teater, dekorasi emas dan kursi merah sangat indah dan mengesankan. Ketika Charles Garnier membangun teater ini, dia ingin penonton tidak hanya datang untuk melihat pertunjukan, tetapi melihat seluruh teater.

GAMBAR MARC CHAGALL TENTANG LANGIT

Opera Garnier terkenal karena penampilannya “Panthom of the Opera“. Tapi yang membuatnya paling terkenal adalah lukisan Chagall di langit-langit teater. Lahir di Rusia, Chagall telah tinggal di Paris sejak usia dua puluhan dan mengatakan bahwa “seni saya membutuhkan Paris seperti tanaman membutuhkan air”.

Ketika diminta untuk melukis gambar di langit-langit Opera Garnier, dia setuju untuk melakukannya secara gratis dengan cinta dan terima kasih kepada Paris. Pada tahun 1965, 2 tahun setelah diminta untuk bekerja di sana, ia menyelesaikan karya ini dengan penari opera dan balet serta kehidupan Paris. Lukisan multi-warna ini cocok dengan latar belakang teater dan mengundang Anda ke dunia maya.

GRAND FOYER

Bagian paling indah dari Opéra Garnier. Ruangan ini berukuran besar dengan panjang 154 meter, tinggi 18 meter dan lebar 13 meter. Dirancang untuk elit untuk beristirahat atau bersosialisasi. Untuk melengkapi ruang ini, Charles Garnier berkolaborasi dengan pelukis Paul Baudry.

Gambar di atas adalah bagian dari lukisan langit-langit oleh Paul Baudry dan masing-masing mewakili sejarah musik. Ruangan ini berisi patung Carlotta Grisi, seorang balerina Italia dari Kroasia. Dia memainkan ‘Giselle’ dalam penampilan pertamanya tahun di Opera Garnier. Dia dianggap sebagai balerina representatif dari era balet romantis.

PERPUSTAKAAN

Di galeri dan perpustakaan mereka menyimpan lukisan karya Opéra Garnier dan beberapa buku. Anda dapat melihat lukisan pelajaran balet, potret Charles Garnier, dan banyak lagi.

PAMERAN KHUSUS

Setiap kali, pameran khusus yang berbeda. Hingga 16 September 2018 mereka menggelar pameran khusus. Salah satu seniman terbesar abad ke-20, Picasso menjelajahi banyak bidang untuk mengekspresikan alam semesta artistiknya. Sejak 1910, ia telah terlibat dalam produksi kostum dan set balet dan telah meninggalkan kesan yang kuat pada sejarah balet.

CATATAN O`BON PARIS

Di dalam Opéra Garnier ada banyak hal untuk dilihat dan ruangannya besar, jadi kami sarankan untuk tiba di sana dengan waktu yang cukup. Sebelum masuk, Anda dapat memilih antara tur berpemandu dan tur mandiri. Dengan tur berpemandu, Anda bisa mendapatkan informasi lebih detail dengan mengikuti panduan tertentu. Dengan tur mandiri, Anda masih dapat menyewa pemandu audio dalam bahasa Prancis, Inggris, Spanyol, Jerman, Italia, Portugis, Rusia, Cina, Cina, Jepang, dan Korea. Kostumnya benar-benar digunakan untuk pertunjukan opera, dekorasi emas dan interior yang indah menjadikan ini tempat foto yang ada di mana-mana.

Theater Terbesar Broadway Dibuka Kembali
Theater

Theater Terbesar Broadway Dibuka Kembali

Theater Terbesar Broadway Dibuka Kembali – Beberapa pertunjukan terbesar di teater musikal, termasuk ” The Lion King ,” ” Wicked ” dan ” Hamilton ,” kembali tampil pada Selasa malam, 18 bulan setelah pandemi virus corona memaksa mereka untuk tutup.

toscanaspettacolo

Theater Terbesar Broadway Dibuka Kembali

toscanaspettacolo – Mereka bukan pertunjukan pertama yang dimulai kembali, atau satu-satunya, tetapi mereka adalah pembangkit tenaga teater besar yang datang untuk melambangkan kekuatan dan jangkauan industri, dan kembalinya mereka ke panggung adalah sinyal bahwa teater kembali. “Orang-orang sudah siap,” kata Julie Taymor, direktur “The Lion King,” “dan inilah saatnya.”

Tentu saja, momen ini datang dengan tanda bintang yang substansial. Pandemi belum berakhir. Turis tidak kembali. Dan tidak ada yang tahu berapa lama tanpa teater langsung dapat mempengaruhi perilaku konsumen.

Tetapi pemilik teater, produser, organisasi nirlaba, dan serikat pekerja secara kolektif telah memutuskan bahwa inilah saatnya untuk bergerak maju. Dan orang banyak yang memadati pertunjukan di seluruh Broadway Selasa malam bersyukur berada di sana. Ada tepuk tangan meriah dan, kadang-kadang, air mata.

“Kami terbuka untuk apa pun,” kata Erica Chalmers, yang diwawancarai di stan TKTS yang baru dibuka Selasa sore, “agar saya bisa memiliki pengalaman pertunjukan Broadway itu.” Dia memilih drama, “Lackawanna Blues,” yang memiliki pertunjukan Broadway pertamanya Selasa malam.

Pembukaan kembali Broadway terjadi saat berbagai tempat pertunjukan seni lainnya, di New York dan di seluruh negeri, juga melanjutkan pertunjukan langsung di dalam ruangan: Di hari-hari dan minggu-minggu mendatang Metropolitan Opera, New York Philharmonic, New York City Ballet, Carnegie Hall, dan Brooklyn Academy of Music semuanya akan memulai musim baru mereka.

“Broadway, dan semua seni dan budaya kota, mengekspresikan kehidupan, energi, keragaman, semangat Kota New York,” kata Wali Kota Bill de Blasio pada konferensi pers Selasa . “Itu ada di hati dan jiwa kami. Itu juga banyak hal yang dilakukan orang untuk mencari nafkah di kota ini. Dan itu membuat kita hebat. Jadi, ini adalah malam besar untuk kembalinya New York City.”

Baca Juga : Aturan yang Harus Dipatuhi Setiap Orang Teater

Mereka yang menghadiri pertunjukan di Broadway mendapati pengalamannya berubah: setiap pertunjukan memerlukan bukti vaksinasi (pelanggan di bawah 12 tahun dapat memberikan tes virus corona negatif) dan setiap pengunjung harus bermasker.

Bahkan sebelum malam ini, empat pertunjukan telah dimulai: ” Springsteen on Broadway ,” yang memiliki 30 pertunjukan antara Juni dan September, serta sebuah drama baru, ” Pass Over ,” dan dua musikal yang kembali, ” Hadestown ” dan ” Pelayan ,” semuanya diantaranya masih berjalan. Tidak ada yang melewatkan pertunjukan; “Pelayan” berhasil melanjutkan bahkan setelah anggota pemeran dinyatakan positif dengan mengerahkan pengganti.

Pembukaan blockbuster kembali malam ini diikuti oleh “Chicago,” musikal tercinta yang tahun ini menandai 25 tahun di Broadway, dan produksi baru “Lackawanna Blues,” sebuah drama otobiografi oleh Ruben Santiago-Hudson. Dan lebih banyak lagi sedang dalam perjalanan lebih dari dua lusin lagi sebelum akhir tahun.

Yang dipertaruhkan adalah kesehatan industri yang, sebelum pandemi, telah menikmati ledakan yang berkelanjutan. Selama musim Broadway penuh terakhir sebelum wabah, dari 2018 hingga 2019, 14,8 juta orang menghadiri pertunjukan — itu lebih banyak orang daripada gabungan kehadiran untuk Mets, Yankees, Rangers, Islanders, Knicks, Liberty, Giants, Jets, Devils, dan Nets , menurut Liga Broadway. Dan kehadiran itu diterjemahkan menjadi uang sungguhan industri ini meraup $ 1,83 miliar musim itu.

Musim ini pasti berbeda. Liga cukup khawatir tentang pendapatan yang telah memutuskan untuk tidak mengungkapkan pendapatan box office musim ini.

Tiga jam sebelum pertunjukan, Lin-Manuel Miranda — pencipta “ Hamilton ” yang menulis musik, buku, dan lirik untuk musikal hit itu keluar dari pintu depan Teater Richard Rodgers dengan pengeras suara dan disambut dengan teriakan dan tepuk tangan. kerumunan berkumpul di West 46th Street.

Dia ada di sana untuk memimpin sekelompok pemain Broadway dalam membawakan lagu “Tema Dari ‘New York, New York,'” lagu yang dipopulerkan oleh Frank Sinatra, menciptakan semacam pembukaan pengaturan suasana hati untuk malam mendatang.

“Dapatkan masker, dapatkan vaksinasi dan datang menonton teater langsung!” kata Miranda, yang juga memerankan Alexander Hamilton dalam pemeran asli Broadway.

Penampilan itu tidak dipublikasikan sampai sekitar jam 4 sore, ketika Miranda men-tweet foto dari dalam teater dan mengumumkan apa yang disebut Ham4Ham, yang, sebelum pandemi, adalah pertunjukan oleh anggota pemeran “Hamilton” di luar teater yang disertai dengan undian untuk tiket untuk melihat pertunjukan. (Tidak akan ada tiket gratis hari ini, kata Miranda.)

Superfans yang lewat dan Broadway bergegas ke tempat kejadian segera setelah mereka melihat pengumuman media sosial.

Eva Ferreira, seorang penggemar “Hamilton” berusia 10 tahun yang telah menghafal hampir setiap kata musikal itu, menonton bersama orang tuanya, yang telah membawanya ke New York City untuk ulang tahunnya.

Empat remaja — semua calon pemain Broadway yang menghabiskan hari di kelas di Steps Conservatory berlari ke teater dari kereta bawah tanah setelah mereka melihat tweet Miranda. Mereka berdiri di tengah kerumunan dengan kagum pada sekelompok pemain jenis yang mereka harapkan suatu hari nanti.

Jessica Payne dan suaminya lari dari kamar hotel mereka untuk mengejar Miranda dan para penampil lainnya. Perjalanan musim semi 2020 mereka dibatalkan karena pandemi, jadi mereka terbang dari Colorado baru-baru ini untuk melihat delapan pertunjukan Broadway dalam enam hari setelah “satu setengah tahun patah hati” ketika industri sedang berhenti.

“Kami berdua menangis ketika pesawat mendarat,” kata Jessica Payne, mendaftar acara yang direncanakan pasangan itu (“Jahat” ada di jadwal malam ini).

Lindiwe Dlamini telah menghabiskan 24 tahun hidupnya dengan “The Lion King.” Dia bersama pertunjukan itu ketika dicoba di Minneapolis, dan telah berada di produksi Broadway untuk seluruh pertunjukannya.

Tak perlu dikatakan, 18 bulan terakhir telah menggelegar, dan dia senang bisa kembali.

“Ya Tuhan – malam ini sangat besar,” katanya. “Saya senang dan cemas dan setiap emosi yang dapat Anda pikirkan. Sebagian besar sangat menarik untuk kembali. Kami sudah lama pergi.”

Dalam industri yang mencintai superlatif, “The Lion King” memiliki lebih dari bagiannya. Ini adalah pertunjukan terlaris dalam sejarah Broadway (hampir $1,7 miliar) dan pendapatan kotornya di seluruh dunia (lebih dari $9,3 miliar) melebihi film, pertunjukan Broadway, atau judul hiburan lainnya dalam sejarah.

Pada hari Selasa, itu dibuka kembali, ke rumah yang meriah dan penuh sesak, dengan penonton yang termasuk alumni acara Disney, banyak penggemar, ditambah Gloria Steinem, Salman Rushdie dan Kristin Chenoweth (yang memiliki malam yang sibuk, berbicara sebelumnya pada pembukaan kembali “Wicked,” di mana dia memulai peran Glinda).

“Ini seperti air di padang pasir,” kata Chenoweth dalam sebuah wawancara saat istirahat di “The Lion King,” topengnya berkilauan dan matanya lembab. “Jika ini bukan argumen bahwa seni dapat mengubah hidup, maka saya tidak tahu apa itu.”

Penonton sangat gembira, memberikan tepuk tangan meriah kepada sutradara Julie Taymor di awal pertunjukan, dan menyapa setiap karakter, manusia atau boneka, dengan tepuk tangan lagi. “Ini adalah keajaiban pertama kali – saya pikir saya melihatnya setidaknya tiga kali,” Steinem, yang hidupnya menjadi subjek film yang disutradarai Taymor, mengatakan dalam sebuah wawancara. “Dan saya pikir Julie Taymor bisa melakukan apa saja.”

Taymor, dalam pidatonya kepada penonton sebelum pertunjukan dimulai, mengatakan bahwa dia menghargai mereka yang telah berani menghadapi momen menegangkan untuk kembali ke teater.

“Saya ingin memuji penonton ini, malam ini, pembukaan kembali kami, karena Anda semua memiliki keinginan, antusiasme, keberanian untuk memimpin,” katanya. “Karena seperti yang kita ketahui teater di New York adalah urat nadi dan jiwa kota.”

Banyak di antara hadirin yang hadir berulang kali (Taymor meminta mengacungkan tangan), tetapi ada juga banyak pendatang baru. Heather Teta membawa kedua putrinya, usia 9 dan 6 tahun, untuk melihatnya untuk pertama kalinya; pada hari Minggu mereka diuji untuk virus corona karena mereka terlalu muda untuk divaksinasi.

“Kami akan melakukan apa pun yang kami butuhkan untuk kembali,” kata Teta. “Ini malam pembukaan kembali mengapa kita tidak berada di sini? Dan untuk datang dan mendukung komunitas Broadway juga.”

Musikal, yang dibuka pada tahun 1997 (dan memenangkan enam Tony Awards, termasuk musik terbaik), adalah pertunjukan Broadway terlama ketiga (setelah “The Phantom of the Opera” dan “Chicago”) dan Dlamini adalah satu-satunya anggota asli cast masih tampil di acara itu. Dia menjadi warga negara Amerika melalui pertunjukan (dia berasal dari Afrika Selatan), menikah dengan anggota pemeran lain dan mencari nafkah di sekitar pekerjaannya di sini dia ada di ansambel, dan pada pembukaan memainkan hyena, singa betina, sekawanan burung dan sabana persegi.

Bagaimana rasanya keluar dari pertunjukan untuk pertama kalinya? “Itu aneh,” katanya. “Saya telah melakukan ini selama 24 tahun sekarang, dan berhenti begitu saja! Saya sedang berada di bus, dalam perjalanan ke tempat kerja, ketika saya mendapat telepon, dan saya harus turun di halte berikutnya.”

Penutupan itu juga traumatis. Suami, anak perempuan, anak laki-laki dan saudara perempuannya semuanya terkena Covid (mereka sembuh), dan di Afrika Selatan, seorang sepupu dan suaminya meninggal karena penyakit tersebut.

“Saya sangat khawatir dengan orang-orang di rumah, dan saya tidak bisa pulang dan berkumpul dengan keluarga saya,” katanya. “Itu sulit, dan itu sangat emosional.”

Dan bagaimana rasanya kembali? “Sungguh, sangat emosional,” katanya. “Ini adalah bagian besar dari hidup saya.”

“The Lion King” selama bertahun-tahun memiliki 25 produksi di seluruh dunia yang telah diputar untuk hampir 110 juta orang; telah dilakukan di setiap benua (kecuali Antartika) dan dalam sembilan bahasa (Inggris, Jepang, Jerman, Korea, Prancis, Belanda, Mandarin, Spanyol, dan Portugis).

Sembilan produksi yang berjalan saat pandemi ditutup. Dengan pembukaan kembali Broadway malam ini, sekarang ada lima produksi “The Lion King” yang berjalan, dan pada Januari seharusnya sudah ada 10, di New York, London, Paris, Hamburg, Tokyo dan Madrid

Aturan yang Harus Dipatuhi Setiap Orang Teater
Theater

Aturan yang Harus Dipatuhi Setiap Orang Teater

Aturan yang Harus Dipatuhi Setiap Orang Teater – Teater penuh dengan tradisi, ritual, dan takhayul yang menambah mistisisme dan magisnya. Selama berabad-abad, banyak kebiasaan telah menjadi bagian yang tidak diragukan lagi dari bisnis yang kami sebut pertunjukan.

toscanaspettacolo

Aturan yang Harus Dipatuhi Setiap Orang Teater

toscanaspettacolo – Sementara sebagian besar tahu itu “nasib buruk untuk mengatakan keberuntungan pada malam pembukaan” (atau pernah), kami menggali sejarah teater untuk menggali asal-usul aturan ini.

Mengapa nasib buruk untuk mengatakan “keberuntungan” kepada seorang aktor? Beberapa thespians percaya ada hantu teater atau peri yang suka membuat kerusakan dengan membuat kebalikan dari apa yang Anda inginkan terjadi.

Frasa seperti “patahkan kaki” dan “merde” dimaksudkan untuk membingungkan peri teater ini dan mengalahkan cara mereka yang keras kepala. Keinginan untuk sesuatu yang buruk akan menghasilkan sesuatu yang baik dari mereka.

Tapi mengapa secara khusus ingin “mematahkan kaki?” Penjelasan yang diterima secara luas adalah bahwa “kaki” yang dimaksud bukanlah embel-embel manusia, melainkan tirai yang menggantung di sayap, menutupi bagian belakang panggung.

Patah kaki berarti Anda telah menembus penghalang ini dan berhasil mencapainya di atas panggung! Beberapa bukti menunjukkan frasa ini lahir dengan vaudeville awal ketika para pemain menunggu di belakang panggung dan diputuskan pada saat itu apakah tindakan mereka akan dilanjutkan pada pertunjukan itu. Jika mereka dikirim, kaki mereka patah. (Kemudian mereka hanya harus berhati-hati terhadap kailnya.)

Baca Juga : Panduan Utama Tempat Duduk Teater Untuk Acara

Teori lain mendukung bahwa “patah kaki” berjalan lebih jauh ke belakang, mungkin ke Elizabethan Inggris, di mana penonton membuang uang ketika mereka menikmati pertunjukan (buah dan sayuran untuk yang buruk). Aktor harus membungkuk untuk mengumpulkan hadiah mereka, sehingga mematahkan garis kaki mereka. Uang = Patah kaki = Sukses.

Jangan bersiul di teater

Pada 1600-an, teater mulai menggunakan mekanisme untuk menerbangkan pemandangan, alat peraga, dan terkadang aktor. Rigging sistem terbang teater sangat mirip dengan banyak kapal layar. Jadi hanya masalah waktu sebelum pelaut menemukan pekerjaan di kru teater.

Di laut, pelaut berkomunikasi satu sama lain melalui kode bersiul. Ketika mereka mulai bekerja di teater, alat komunikasi ini mengikuti. Kombinasi peluit tertentu bisa berarti instruksi untuk menaikkan atau menurunkan pemandangan.

Jika seorang aktor kebetulan melintasi panggung bersiul, operator sistem fly mungkin dengan mudah mengacaukan lagu mereka untuk isyarat jelas berbahaya bagi siapa pun di bawahnya yang mungkin dihancurkan oleh perubahan adegan yang dieksekusi secara salah. Terlepas dari munculnya headset (dan fakta bahwa kita tidak lagi bersiul) tradisi adalahtradisi.

Jangan pernah menyebut ” Macbeth” di teater.

Bahkan membisikkan nama salah satu drama paling berdarah William Shakespeare di dalam teater adalah hal yang paling tabu. Bahkan, untuk melakukannya akan meningkatkan kemarahan sebagian besar teater rakyat menjadi panik.

Ada berbagai spekulasi mengapa penyebutan nama lakon di teater dianggap membawa sial. Satu kemungkinan asal usul takhayul ini berasal dari mantra tiga penyihir di Macbeth. Diyakini bahwa Shakespeare mengadaptasi mantra-mantra ini dari buku-buku ilmu hitam yang sebenarnya. Hal ini membuka drama tersebut untuk kekuatan kegelapan yang seharusnya mengganggu produksi dari apa yang sekarang disebut sebagai “The Scottish Play.”

Teori lain mengklaim bahwa aktor yang memerankan Macbeth dalam produksi aslinya meninggal dalam kecelakaan, dan Shakespeare sendiri harus menggantikannya. Diyakini bahwa semua produksi berikutnya sekarang dihantui oleh aktor ini dan nasibnya yang menyedihkan.

Jika Anda membuat kesalahan dengan mengatakan “Macbeth ” di teater, ada beberapa kutukan untuk menangkal malapetaka. Pergi ke luar teater, berputar dalam lingkaran tiga kali dan meludah.

Penangkal lain: Ucapkan baris apa pun dari Two Gentlemen of Verona (dianggap sebagai permainan keberuntungan) atau baris ini dari A Midsummer Night’s Dream : “Jika kita bayangan telah tersinggung, pikirkan tetapi ini dan semua ini diperbaiki, bahwa Anda hanya tertidur di sini, sementara ini penglihatan memang muncul.”

Hindari menempatkan bulu merak di atas panggung.

Mengapa sedikit bulu hias yang indah membawa sial dalam produksi teater? Pola pada bulu merak menciptakan mata, atau (menurut legenda) mata jahat, yang membawa juju buruk ke produksi. Gagasan tentang mata jahat yang tersembunyi di dalam benda-benda meluas hingga ke Yunani Kuno.

Bulu merak juga ditakuti oleh orang Eropa awal karena merupakan bagian dari ornamen gerombolan Mongol yang menyerbu bagian benua selama Abad Pertengahan. Untuk waktu yang lama, bulu merak dipandang oleh orang Eropa sebagai bagian dari sejarah yang kelam dan berdarah. Sama seperti kutukan Macbeth , Anda tidak ingin kebiadaban dan kejahatan seperti itu terkait dengan produksi.

Nyalakan lampu

Jangan pernah meninggalkan panggung yang sepenuhnya gelap. Jangan lakukan itu. Kepraktisan mungkin menjadi bagian dari itu, karena selalu ada banyak rintangan (perabotan, pintu jebakan, dan lubang orkestra) yang dapat menyebabkan kecelakaan dalam kegelapan.

Tapi ada penjelasan akal sehat kedua. Ketika teater pertama kali dinyalakan pada awal 1800-an sebelum listrik lampunya ditenagai oleh gas. Gas, tentu saja, mudah terbakar dan dapat meningkatkan tekanan di dalam saluran gas.

Menjalankan nyala lampu hantu di teater selama waktu non-pertunjukan membakar kelebihan gas dan menghilangkan tekanan yang mungkin mengakibatkan ledakan. Meskipun kami tidak lagi menggunakan gas untuk menyalakan teater kami, tradisi ini tetap utuh. Orang teater yang lebih percaya takhayul juga percaya bahwa lampu hantu membantu menjaga roh, termasuk hantu Thespis (aktor pertama), mencegah mereka dari bermain pranks nakal. Ambil Thespis itu!

Jangan memberikan hadiah bunga sebelum pertunjukan

Hadiah bunga hanya boleh diberikan kepada pemain, sutradara dan penulis drama setelah pertunjukan diputar di depan penonton dan artis telah mendapatkan penghargaan mereka. Untuk melakukannya sebelumnya menggoda nasib untuk menengahi dan memastikan pertunjukan yang tidak bersemangat.

Ada juga tradisi yang agak suram yang telah memudar dari waktu ke waktu, yang melibatkan pemberian karangan bunga kepada wanita terkemuka dan sutradara yang dicuri dari kuburan pada penutupan pertunjukan melambangkan kematian pertunjukan.

Larangan biru di atas panggung

Meskipun keberhasilan The Blue Man Group tampaknya telah meniadakan takhayul ini, itu masih tetap menjadi hal yang umum. Beberapa abad yang lalu, pewarna biru mahal dan sulit dibuat. Keberhasilan rombongan teater sering dinilai dari kemampuannya untuk membeli kostum biru.

Dalam upaya untuk menipu penonton agar percaya bahwa mereka lebih sukses daripada yang sebenarnya, rombongan yang gagal akan menghabiskan uang yang mereka miliki untuk mendapatkan kostum biru. Untuk membuat perbedaan, rombongan yang sukses mulai memasangkan kostum biru dengan perhiasan perak, karena hanya rombongan yang berkembang yang mampu membeli kemewahan seperti itu. Hari ini, biru masih dianggap sebagai tanda kegagalan dan warna kostum sial dan hanya dapat diterima jika dipasangkan dengan perak.

Latihan gaun yang buruk berarti malam pembukaan yang hebat

Siapa pun yang pernah bermain atau bermain musik tahu takhayul bahwa gladi bersih yang buruk seharusnya menjamin pembukaan yang sukses. Pemikiran yang penuh angan-angan, harapan, dan sentuhan penyangkalan tampaknya menjadi dasar dari garis pemikiran ini.

Teater jelas merupakan pengalaman ajaib bagi banyak orang, tetapi keberhasilannya tumbuh dari perencanaan yang cermat dan kerja keras. Latihan berpakaian yang buruk bisa jadi merupakan hasil dari kelelahan para pemain dan kru yang bekerja keras melalui pertunjukan terakhir dari sebuah pertunjukan yang telah berlatih selama beberapa minggu. Penonton malam pembukaan, ditambah sedikit adrenalin, menyemangati para pengisi acara sehingga perencanaan yang matang dan kerja keras tiba-tiba menyatu. Bagaimana itu untuk beberapa logika pintar?

Panduan Utama Tempat Duduk Teater Untuk Acara
Theater

Panduan Utama Tempat Duduk Teater Untuk Acara

Panduan Utama Tempat Duduk Teater Untuk Acara – Tempat duduk teater adalah gaya tata letak acara yang umum digunakan, terdiri dari kursi yang disejajarkan dalam barisan lurus yang berurutan, umumnya menghadap ke satu arah. Kadang-kadang disebut tempat duduk stadion atau tempat duduk auditorium.

toscanaspettacolo

Panduan Utama Tempat Duduk Teater Untuk Acara

toscanaspettacolo – Di sini kami mengeksplorasi jenis acara di mana tempat duduk teater paling baik digunakan, format pengaturan standar, berbagai penyesuaian yang dapat Anda terapkan untuk mencapai tujuan acara Anda, dan beberapa keuntungan dan kerugian dari pengaturan tempat duduk yang unik ini. Plus, cara mengaturnya! Baca terus untuk melihat apakah gaya teater adalah tata letak bagan tempat duduk yang sempurna untuk acara Anda berikutnya.

Apa itu tempat duduk teater?

Tempat duduk bergaya teater adalah susunan kursi dalam barisan, busur atau lingkaran yang semuanya menghadap ke arah yang sama di ruang venue. Tidak ada meja, meja, atau furnitur tambahan yang digunakan dalam tempat duduk bergaya teater.

Banyak acara menggunakan gaya ini karena paling sederhana untuk diterapkan, karena umumnya mencerminkan tempat duduk default yang sudah ada di tempat yang dipilih, seperti teater, stadion, atau bioskop.

Temukan jenis tempat duduk teater untuk acara:

Tata letak tempat duduk auditorium dapat diatur sebagai lorong ganda atau kontinental. Pengaturan lorong ganda akan memiliki maksimum 14–16 kursi per baris dengan akses ke lorong di kedua ujungnya.

Baca Juga : Hal Yang Belum Kalian Ketahui Peran Penting Dalam Penampilan Seni Teater

Jika sebuah lorong hanya dapat dicapai dari satu ujung baris saja, maka jumlah kursi dapat dibatasi hingga 7 atau 8. Jumlah maksimum selalu ditentukan oleh peraturan bangunan yang mengatur, yang merupakan sesuatu yang akan diketahui oleh venue.

Dalam pengaturan kontinental, semua kursi terletak di bagian tengah. Dalam gaya kontinental, Anda dapat memuat lebih banyak kursi per baris daripada pengaturan beberapa lorong. Untuk mengimbangi panjang baris yang lebih besar yang diizinkan, kode bangunan umumnya memerlukan jarak baris yang lebih lebar, lorong yang lebih lebar, dan pintu keluar yang berlokasi strategis.

Untuk perencanaan awal, rata-rata 7,5 kaki persegi per orang dapat digunakan. Mungkin mengejutkan, pengaturan kontinental seringkali dapat menampung lebih banyak tempat duduk dalam ruang yang sama.

Terlepas dari pengaturan yang Anda pilih, saat menyiapkan gaya teater, Anda dapat lebih lanjut memposisikan kursi dengan berbagai cara seperti dalam baris lurus, baris melingkar, baris setengah lingkaran, dan baris sudut menuju titik fokus acara. Dan kustomisasi tidak harus berhenti di situ. Ada beberapa cara Anda dapat menyesuaikan tempat duduk teater Anda:

  • Berikan tamu pandangan yang jelas bahkan jika seseorang yang lebih tinggi duduk di depan mereka, dengan mengimbangi barisan satu sama lain.
  • Pastikan tamu memiliki tempat duduk yang nyaman dengan menyisakan ruang di antara setiap kursi perjamuan karena kursi tersebut biasanya lebih sempit dari tubuh rata-rata orang.
  • Permudah tamu untuk masuk dan keluar dari barisan mereka untuk pergi ke kamar mandi, pergi lebih awal, dll dengan membuat jarak minimal 24 inci di antara barisan.
  • Pertimbangkan di mana presenter akan berada. Ini akan membantu menentukan garis pandang dan membantu penempatan kursi pertama kursi terjauh ke kiri saat berdiri di antara penonton.

Berikut adalah jenis acara yang menggunakan tempat duduk bergaya teater:

Tempat duduk teater adalah gaya pengaturan praktis untuk banyak acara. Tata letak gaya teater sangat ideal untuk acara di mana para tamu hadir untuk menjadi penonton dan mengamati, bukan berpartisipasi. Ini juga sangat cocok untuk acara di mana peserta Anda tidak membutuhkan banyak ruang untuk melakukan hal-hal seperti makan, membuat catatan, atau berbaur satu sama lain.

Tempat duduk bergaya teater sangat cocok untuk:

  • Konferensi
  • Kuliah
  • Presentasi
  • Upacara pernikahan
  • Peluncuran produk

Misalnya, Cvent baru-baru ini mengadakan pertemuan di seluruh perusahaan di Warner Theater Washington DC . Ini adalah acara setengah hari di mana karyawan mempelajari semua tentang rencana perusahaan untuk tahun depan. Karena tujuan acara ini adalah pembelajaran dan perayaan, tempat duduk bergaya teater membantu semua orang tetap fokus pada presentasi di tengah ruangan.

TEDTalks adalah contoh bagus lainnya karena fokusnya adalah pada penyaji, bukan pada mendorong diskusi dari anggota audiens. Dan akhirnya, ini juga sangat cocok untuk peluncuran produk seperti peluncuran iPhone Apple, dan konferensi seperti Cvent CONNECT dan INBOUND Hubspot .

Tempat duduk bergaya teater tidak cocok untuk:

  • Klub buku
  • Pesta ulang tahun
  • Pertemuan curah pendapat

Cara membuat tempat duduk baris teater dengan Tabel Sosial:

Menggunakan tabel tempat duduk cerdas Tabel Sosial , tempat duduk baris teater mudah dibuat dalam beberapa menit. Tempat duduk bergaya melengkung dan Chevron cepat dan mudah saat menggunakan fitur template kami. Anda akan berada di jalan menuju sukses dalam waktu singkat jika Anda mengikuti langkah-langkah berikut:

Berikut cara membuat tempat duduk bergaya teater melengkung:

  • Dari panel kiri, klik pada tab Template dan pilih Theater sebagai jenis template Anda
  • Dari panel kanan, edit jumlah kursi per baris, arah yang Anda inginkan untuk menghadap kursi, serta jarak kursi, baris, dan kolom
  • Klik ke denah lantai, sambil menahan penunjuk kiri mouse Anda dan seret keluar kotak, karena templat akan terisi di dalam area itu
  • Terakhir, dari panel kanan, gerakkan penggeser Curve untuk menerapkan kurva ke template Anda

Anda bahkan dapat mengatur pengukuran default untuk menghemat waktu!

Dengan default template baris teater, Anda bahkan dapat membuat standar dan mengatur pengukuran untuk baris teater, yang akan menghemat waktu Anda di setiap penyiapan. Default template Theatre Row dapat ditemukan sebagai opsi di dropdown Template di dalam tab Default di Pengaturan Administrator. Setelah Anda membuat beberapa perubahan di sini, Anda akan menemukan default baru Anda sebagai opsi di menu Jenis Template setiap kali Anda menambahkan default template baris teater.

Hal Yang Belum Kalian Ketahui Peran Penting Dalam Penampilan Seni Teater
Theater

Hal Yang Belum Kalian Ketahui Peran Penting Dalam Penampilan Seni Teater

Hal Yang Belum Kalian Ketahui Peran Penting Dalam Penampilan Seni Teater – Apa saja jenis-jenis seni teater? Jenis. Seni teater dapat mencakup tari, musik, opera, teater dan teater musikal, sihir, ilusi, pantomim, kata-kata yang diucapkan, boneka, seni sirkus, seni teater. Ada juga bentuk khusus seni rupa, di mana para seniman melakukan pekerjaan mereka secara langsung kepada penonton.

toscanaspettacolo

Hal Yang Belum Kalian Ketahui Peran Penting Dalam Penampilan Seni Teater

toscanaspettacolo – Jelaskan apa yang dimaksud dengan seni teater beserta contohnya? Seni teater pada dasarnya adalah seni atau keterampilan yang membutuhkan teater di depan khalayak umum. Contohnya adalah akting, menyanyi dan menari. Bentuk lain dari Seni teater termasuk opera, teater, teater sulap atau ilusi, pantomim, kata-kata yang diucapkan, pembacaan dan berbicara di depan umum.

Apa itu seni teater? Seni teater adalah bentuk kegiatan kreatif yang dilakukan di depan penonton, yang meliputi drama, musik, dan tari. Gelar yang berpusat pada seni pentas amat efisien, serta dengan cara aktif membenamkan Kamu dalam aplikasi interdisipliner canggih yang menyiapkan Kamu buat merambah pabrik yang bersaing.

Apa nama yang berbeda untuk seni teater? Seni Rupa, Seni Konseptual, dan Teater adalah beberapa nama yang berbeda untuk Seni teater.

  • APA SAJA JENIS-JENIS SENI teater?
  • Apa 3 kategori utama seni teater?

Jenis utama seni teater termasuk musik, opera, tari, drama, dan kata-kata yang diucapkan.

Apa pentingnya seni teater?

Selain mengajarkan ekspresi diri, seni teater membantu masyarakat secara keseluruhan dalam pengetahuan dan pemahaman diri. Teater dan seni teater mengajarkan masyarakat tentang dirinya sendiri, dengan harapan dapat menunjukkan sikap dan pola pikir masyarakat saat ini. Ini bisa menjadi alat yang digunakan untuk mengedukasi masyarakat tentang kondisi mereka saat ini.

Baca Juga : Mengenal Pentingnya Sejarah Seni Teater dan Skenografi

Apa saja 7 bentuk seni yang berbeda?

Jawabannya sangat subjektif dan selalu berubah. Namun, tujuh bentuk seni yang paling jelas menunjukkan kepada kita bagaimana sejarah dan masyarakat telah berubah dari waktu ke waktu tidak diragukan lagi adalah sinema, lukisan, arsitektur, patung, sastra, teater, dan musik.

Apa itu teater seni langsung?

Istilah seni hidup mengacu pada teater atau acara yang dilakukan atau dipentaskan oleh seorang seniman atau sekelompok seniman sebagai sebuah karya seni, biasanya inovatif dan eksploratif.

Apa saja komponen seni teater?

Ini bisa berupa situasi apa pun yang melibatkan empat elemen dasar: waktu, ruang, tubuh pemain, atau kehadiran dalam media, dan hubungan antara pemain dan penonton. Seni teater dapat terjadi di mana saja, di semua jenis tempat atau latar dan untuk waktu yang lama.

Apa itu seni teater di sekolah menengah?

Sekolah menengah seni teater memungkinkan aktor muda untuk berlatih dan mengembangkan kerajinan mereka dalam suasana yang dinamis dan kreatif.

Apa pentingnya seni teater dalam pendidikan?

Seni teater menjadi bagian integral dari pendidikan memberikan siswa kesempatan untuk melibatkan pikiran, tubuh, dan emosi. Siswa dapat mengeksplorasi dan mengekspresikan tema dan ide hebat melalui penampilan mereka. Hal ini memungkinkan anak-anak untuk mengembangkan kepercayaan diri dan kepercayaan diri mereka.

Apa saja 9 bagian dari sebuah panggung?

Sebuah panggung dibagi menjadi sembilan bagian: kiri atas panggung, kanan atas panggung, tengah atas panggung, tengah, kiri tengah, kanan tengah, kiri bawah panggung, kanan bawah panggung, dan tengah bawah panggung.

Apa itu akhir di atas panggung?

Pementasan akhir sangat mirip dengan lengkungan proscenium, tetapi tanpa bingkai lengkungan di sekitar ruang panggung. Banyak studio kotak hitam didirikan dengan pementasan end-on, artinya ruang panggung berada di satu sisi ruangan dan penonton duduk di sisi yang berlawanan.

Apa jenis panggung yang paling umum?

Bentuk yang paling umum ditemukan di Barat adalah panggung proscenium. Pada tipe ini, penonton ditempatkan di satu sisi panggung dengan sisi-sisi lainnya disembunyikan dan digunakan oleh para pemain dan teknisi.

Apa yang bisa disebut seni?

Seni, disebut juga (untuk membedakannya dari bentuk seni lainnya) seni rupa, suatu objek visual atau pengalaman yang secara sadar diciptakan melalui ekspresi keterampilan atau imajinasi. Istilah seni mencakup beragam media seperti lukisan, patung, seni grafis, menggambar, seni dekoratif, fotografi, dan instalasi.

Apa saja 10 jenis seni tersebut?

Mayoritas “seni”, tergantung pada bagaimana Anda mendefinisikannya, dapat secara luas diurutkan ke dalam 10 kategori ini: lukisan, desain grafis, ilustrasi, patung, sastra, arsitektur, film, musik, teater, dan mode.

  • Apa bentuk seni tertinggi?
  • Sastra Tetap Bentuk Seni Tertinggi
  • Apa yang disebut teater pertama?
  • Definisi pemutaran perdana
  • teater publik pertama dari sebuah drama atau film.
  • Bagaimana ruang menjadi sebuah seni?

Ruang memberikan referensi kepada pemirsa untuk menafsirkan sebuah karya seni. Misalnya, Anda dapat menggambar satu objek lebih besar dari yang lain untuk menyiratkan bahwa itu lebih dekat ke pemirsa. Demikian pula, sebuah karya seni lingkungan dapat dipasang dengan cara yang mengarahkan pemirsa melalui ruang.

Apa perbedaan antara seni instalasi dan seni teater?

Sementara seni instalasi adalah kerabat dekat seni teater, keduanya sedikit berbeda. Performance art terkadang menyertakan elemen suara atau video, tetapi yang membedakan performance art dari seni instalasi adalah bahwa artis hadir dan merupakan bagian integral dari menciptakan teater langsung untuk penonton.

Apakah akting itu keterampilan atau bakat?

Akting adalah keterampilan. Seperti kebanyakan keterampilan itu dibantu oleh bakat alami, tapi itu tidak cukup. Buat kamu yang merasa tidak bisa berakting setiap hari, begini caranya. Saya akan membahas semua bidang utama pekerjaan akting termasuk: suara, gerakan, pengetahuan, pekerjaan teks, dan akting.

Apa yang membuat drama sukses?

Dalam karyanya, “Poetics,” ia mengatakan bahwa drama yang baik memiliki enam karakteristik: plot, karakter, tema, bahasa, musik, dan tontonan. Elemen-elemen ini telah membentuk tulang punggung drama yang sukses selama berabad-abad dan terus menjadi penting bagi penulis drama hari ini.

Apa saja kualitas dan unsur seni teater?

kualitas kinerja. unsur-unsur mon dan sifat-sifat tari, musik, teater, dan seni rupa. Unsur-unsur seni ini, seperti warna, garis, bentuk, ritme, ruang, waktu, gerakan, suasana hati, dll., adalah bahan dari mana karya seni dibuat.

Apa sekolah menengah nomor 1 di Amerika?

Thomas Jefferson High School for Science and Technology di Virginia adalah No. 1 di peringkat nasional Best High Schools, serta di antara sekolah magnet.

Kenapa Menjadi Artis Bukan Pekerjaan?

Pertama, ini memberi tekanan pada seniman untuk tetap menggunakan sistem yang lebih mirip dengan bermain lotre, yang juga bukan pekerjaan – meskipun orang menghasilkan uang darinya. Mereka mungkin menghasilkan uang, atau mereka mungkin kehilangan uang. Mereka mungkin memiliki beberapa keterampilan, tetapi mereka mengakui bahwa mereka memainkan permainan kebetulan.

Mengenal Pentingnya Sejarah Seni Teater dan Skenografi
Theater

Mengenal Pentingnya Sejarah Seni Teater dan Skenografi

Mengenal Pentingnya Sejarah Seni Teater dan Skenografi – Perlu dicatat bahwa konsep skenografi yang sudah lama dan kompleks tidak hanya berkaitan dengan studi teater dan pertunjukan, tetapi juga dengan desain, arsitektur, teknologi, dan yang tak kalah pentingnya sejarah seni.

toscanaspettacolo

Mengenal Pentingnya Sejarah Seni Teater dan Skenografi

toscanaspettacolo – Misalnya, di Swedia tempat saya tinggal dan bekerja, studi skenografi telah menjadi sub-bidang sejarah seni yang terpinggirkan sejak tahun 1960-an. 1 Edisi khusus Jurnal Sejarah Senimengeksplorasi relevansi skenografi saat ini dengan sejarah seni secara lebih luas dan melihat cara di mana sejarah seni dan skenografi dapat berinteraksi dan sebaliknya.

Sesi “Skenografi dan Sejarah Seni” yang memunculkan edisi khusus ini diadakan pada konferensi NORDIK 2018 di Kopenhagen, dan diselenggarakan bersama oleh saya, dan rekan saya Viveka Kjellmer, keduanya sejarawan seni di Universitas Gothenburg di Swedia.

Sementara kontribusi individu dalam edisi khusus ini berasal dari sesi NORDIK, saya di sini akan membahas perkembangan terbaru dalam teori skenografi, dan mengusulkan pendekatan yang diharapkan dapat menjadi inspirasi dan berguna bagi sejarawan seni serta sarjana dari disiplin terkait seperti studi visual. .

Baca Juga : Teater Dunia Kontroversial Huang Yong Ping

Dalam dialog dengan skenografi

Kata Yunani skenographia menggabungkan skēnē (bangunan kecil, gubuk atau tenda di atas panggung) dan graphia (menulis, atau mungkin menggambar atau melukis) menjadi sebuah kata yang biasanya diterjemahkan sebagai “tulisan pemandangan”.

Namun, seperti yang ditunjukkan oleh misalnya sejarawan teater Arnold Aronson dan sarjana skenografi Rachel Hann, terjemahan ini tetap tidak jelas dan tidak memahami kompleksitas dan potensi kritis skenografi. Alih-alih terganggu oleh etimologi yang tidak jelas, saya menyarankan agar skenografi lebih baik dianut sebagai konsep yang bergerak, dalam wujud. Memang, seperti yang diungkapkan oleh sejarawan seni dan ahli teori Marsha Meskimmon:

Etimologi yang menyenangkan terkadang membantu kita bekerja menuju bentuk pemikiran baru tentang fenomena yang sudah dikenal. Pemahaman konvensional tentang skenografi cocok untuk revisi kritis semacam itu, dan menjadikan skenografi latar depan sebagai aktif, daripada membiarkannya di latar belakang, pasif.

Menggambar skenografi ke tahap penulisan untuk mengeksplorasi agensinya menimbulkan pertanyaan signifikan seputar metodologi dan disiplin. Ini adalah pertanyaan yang sama yang telah ditanyakan tentang seni dan sejarah seni, teori dan praktik, dan implikasinya mendalam dalam kedua kasus tersebut.

Yang muncul di sini adalah ruang produktif yang mendesak para sejarawan seni dan lainnya untuk berkontribusi lebih jauh dalam mengembangkan skenografi sebagai konsep akademik dan ranah keilmuan. Harus ditekankan bahwa ini tidak ada hubungannya dengan merampas atau mengklaim skenografi semata-mata untuk sejarah seni rupa.

Alih-alih, terlibat dalam pertemuan dialogis lintas disiplin yang mengenali dan memanfaatkan perbedaan, kita dapat membuka terminologi, memobilisasi parameter teoretis, dan mengembangkan metode dan model penyelidikan baru yang memungkinkan kita merangkul serta meneliti peran seni dan kreativitas. dalam masyarakat.

Pendekatan dialogis ini meliputi peninjauan kembali topik sejarah seni rupa konvensional, pendekatan dan objek kajian, yang selaras dengan teori skenografi baru. Bentuk seni berkebun memberikan contoh yang tepat tentang apa yang dapat disumbangkan oleh pendekatan skenografis multiindrawi dan holistik terhadap sejarah seni.

Karena taman adalah peristiwa yang penting, kejadian yang berlangsung lama, dirasakan dan dialami dengan semua indera, dapat dikatakan bahwa metode dan teori multiindrawi yang diberikan oleh pendekatan skenografi akan membantu melawan marginalisasi topik dalam sejarah seni.

Contoh lain dari sejarah seni adalah setting seperti ruang perkotaan (memang kejadian multisensorik termasuk orang, tindakan dan arsitektur), gereja (di mana bau, tubuh, gambar dan arsitektur menciptakan suasana afektif), atau seni instalasi yang mendorong pengalaman ko-kreatif yang bersifat durasi dan holistik ( seperti pameran termasuk bau).

Dalam artikelnya “Scented scenographics and olfactory art”, Kjellmer yang disebutkan di atas, memobilisasi pemahaman skenografi yang diperluas dan multisensor sebagai alat untuk mengeksplorasi peristiwa penciuman.

Meninggalkan pendekatan visual tradisional untuk pameran, ia bergerak ke sebuah lanskap bau, menggunakan seluruh tubuhnya sebagai instrumen ilmiah. Ketika udara menjadi media estetika dan temporal, tubuh Kjellmer, khususnya hidungnya, mengamati, mempengaruhi, dan dipengaruhi oleh kejadian skenografis.

Pendekatannya masuk ke dalam perdebatan lama dan berkelanjutan tentang sensorial dalam sejarah seni, studi visual dan domain ilmiah terkait. Ketika membayangkan kembali karya seni penciuman sebagai peristiwa skenografi holistik, artikel Kjellmer melambangkan salah satu tujuan utama dari edisi khusus ini: untuk memberikan contoh manfaat meninggalkan sikap pengamatan visual jarak jauh dan alih-alih terlibat dalam multisensori, merasa, pertemuan dengan seni atau lainnya acara.

Dari representasi ke materialisasi

Untuk sejarah seni rupa, sikap multiindrawi, menyiratkan bahwa skenografi, yang telah lama menderita karena dipahami sebagai objek, latar belakang teater, atau bentuk seni yang lebih rendah, sekarang dapat dimajukan sebagai agen aktif dari segala macam peristiwa dan sebagai cara berpikir yang berguna untuk menganalisis kejadian seni multisensor, durasi, dan holistik.

Menurut sejarawan seni dan pemain Amelia Jones, kita perlu mengembangkan pendekatan yang cukup dapat menjelaskan perasaan, dan seringkali “perwujudan berantakan yang membentuk hubungan kita dengan ruang dan benda.” Edisi khusus ini menunjukkan bahwa teori skenografi multisensor dan holistik memberikan model yang berguna untuk mengeksplorasi keterkaitan antara tubuh, objek, dan pengaturan.

Meninggalkan pemahaman tentang skenografi sebagai “hal” representasional statis dengan demikian membuka eksplorasi ke dalam apa yang dilakukannya , bagaimana hal itu penting secara aktif, bagaimana sumber daya dimobilisasi dan makna ditempa dan dirasakan. Dalam studi skenografi baru-baru ini serta dalam sejarah seni, kita menemukan peralihan dari representasi ke materialisasi, pembuatan makna , dan artikulasi. Meskimmon merangkum pergeseran ini sebagai berikut:

Seni tentu saja dapat mewakili subjek dan objek, konsep dan dunia. Namun lebih dari itu, seni dapat membuat subjek dan objek, konsep dan dunia. Agensi visual, spasial, dan materialnya melampaui logika representasi, di mana itu menyiratkan bahwa seni adalah cermin bisu ke dunia. Sebaliknya, seni adalah salah satu bentuk di mana dunia muncul, menjadi bermakna, dalam arus intra-aktivitas di celah waktu, ruang, dan tubuh.

Sebagai pengakuan atas pola pikir yang dialogis, terletak, diwujudkan dan multiindrawi ini, saya akan menyajikan pilihan cara memahami dan menggunakan konsep skenografi yang baru-baru ini muncul.

Memperluas konsep skenografi

Secara khusus, penelitian artistik dan berbasis praktik telah berkontribusi untuk memindahkan skenografi keluar dari teater untuk mencakup pada dasarnya setiap kejadian dalam pengaturan apa pun yang dibangun atau alami. Mari kita lihat dulu sisi positif dari ekspansi. Dua pendukung perintis pendirian ini, dramaturg Sodja Zupank Lotker dan pakar pertunjukan Richard Gough, mengungkapkan kekuatan pembebasan dari pemahaman skenografi yang diperluas sebagai berikut:

Kami melakukan skenografi dan mereka melakukan kami. Peran kami berubah dengan skenario ini. Lingkungan bersekongkol dan berkolusi untuk membangun skenario untuk tindakan kita, dan situs, tempat dan lokasi ditumbangkan, dikooptasi, diduduki, diterjemahkan dan dimutasi untuk kebutuhan pertunjukan kita. Semua yang kami lakukan dan hampir semuanya memahami formasi pemandangan lanskap, situs, dan latar tetapi juga cara membangun lingkungan fisik, persepsi, dan emosional dari/untuk acara tersebut.

Apa yang mendasari penjelasan ini adalah mobilisasi teori-teori yang berusaha untuk bergerak melampaui pemikiran biner, untuk mengatasi pemisahan antara “objektif” seperti dalam pengamatan visual yang jauh dan tanpa tubuh, dan “subyektif” seperti dalam partisipasi dan pengalaman seni dan kreativitas bersama segala macam acara.

Seseorang dapat berbicara tentang generasi baru seniman dan akademisi yang bergabung untuk mencari dan mengembangkan cara baru dan alternatif untuk memperhitungkan perbedaan, posisi, dan kekakuan ilmiah. Sikap ini diwujudkan dalam karya kunci baru-baru ini, Scenography Expanded: An Introduction to Contemporary Performance Design (2017), sebuah antologi yang diedit oleh pakar skenografi Joslin McKinney dan Scott Palmer.

Di antara pendekatan teoretis yang ditemukan di dalamnya dapat disebutkan pengaruh, teori materialis dan pasca-manusia baru, semua digunakan untuk menekankan materi, pertemuan multi-lipat dan pengalaman seperti dalam dimensi kejadian skenografis yang dirasakan dan diproduksi bersama.

Untuk sejarah seni, saya menyarankan akan sangat menarik untuk terlibat dengan pendekatan McKinney dan Palmer terhadap pengalaman peristiwa seni yang terletak dan diwujudkan. Mereka menekankan bahwa

cara-cara di mana skenografi menarik perhatian penonton melalui organisasi dan transformasi ruang, melalui pemilihan dan manipulasi gambar dan melalui aksi bahan skenografi itu sendiri – seringkali tidak langsung dan miring; pengalaman atau serangkaian potensi daripada pesan tunggal.

Scenography Expanded tidak hanya menyediakan aplikasi yang berguna dari teori non-representasional, tetapi juga membuka untuk menerapkan pendekatan skenografi pada objek studi sejarah seni, seperti intervensi artistik dalam pengaturan perkotaan atau seni instalasi imersif.

Penerapan pendekatan ini dicontohkan dalam artikel seniman dan ahli studi warisan kritis Alda Terracciano “Seni Instalasi dan Masalah Gentrifikasi: Menjelajahi skenografi yang diperluas dari Pintu Zelige di Jalan Golborne” termasuk dalam edisi khusus ini.

Sementara instalasi imersif membahas masalah gentrifikasi di London, Terracciano melihat ke dalam dramaturgi skenografinya, dengan fokus khusus pada keterlibatan peserta dalam proses desain. Hal ini menunjukkan bagaimana desain skenografi partisipatif tidak hanya berhasil memberdayakan peserta masyarakat lokal di masa sulit, tetapi juga dapat mengekspos dan membantu operasi kontra gentrifikasi.

Dengan memobilisasi teori skenografi, Terracciano secara konstruktif berkontribusi untuk mengatasi ortodoksi akademis yang membagi perspektif orang dalam dan orang luar, untuk memperdebatkan pentingnya seni dalam masyarakat yang diperebutkan. Penempatan Terracciano tentang dirinya sebagai seorang sarjana dan seniman, dalam konteks skenografi, bukan bias yang mendiskualifikasi,

Penting untuk dicatat bahwa gagasan skenografi yang diperluas telah disambut dengan kritik (sangat sejalan dengan apa yang terjadi pada konsep performativitas) bahwa jika suatu konsep dapat diterapkan pada segala hal, ia akan kehilangan kejelasan akademisnya. Masalah ini sebenarnya sudah diatasi pada tahun 2005, oleh sejarawan seni Magdalena Holdar, ketika dia menunjukkan “jika seluruh dunia adalah panggung, yang kita lihat hanyalah skenografi.”

Pada bagian berikutnya, saya akan memperkenalkan teori skenografi yang dikembangkan baru-baru ini oleh sarjana skenografi Rachel Hann, yang menanggapi masalah konseptual dengan skenografi yang diperluas.

Teater Dunia Kontroversial Huang Yong Ping
Theater

Teater Dunia Kontroversial Huang Yong Ping

Teater Dunia Kontroversial Huang Yong Ping – Huang Yong Ping adalah seorang seniman kontemporer, lahir dan besar di Xiamen, China . Dalam beberapa dekade terakhir, ia telah menciptakan banyak karya seni yang kontroversial dan konfrontatif. Huang dikenal sebagai salah satu seniman kontemporer Tiongkok yang paling berpengaruh.

toscanaspettacolo

Teater Dunia Kontroversial Huang Yong Ping

toscanaspettacolo – Karya-karyanya meliputi patung, instalasi, dan lukisan. Ia menjadi ikon di dunia seni rupa karena karya-karyanya yang provokatif, surealis, dan kebinatangan yang dibuatnya sejak tahun 1980-an. Karyanya dapat dikategorikan ke dalam empat periode: anti-artistik afeksi, anti-ekspresi diri, semut-seni, dan anti-sejarah.

Huang bersekolah di Sekolah Seni di Hangzhou dan lulus pada tahun 1982. Beberapa karya seninya yang paling awal terinspirasi oleh orang-orang seperti John Cage, Marcel Duchamp, dan Joseph Beuys1 . Beberapa tahun setelah kelulusannya, ia membentukXiamen Dada2 .

Pada tahun 1989, ia menjadi terkenal secara internasional pada usia 35 tahun ketika ia melakukan perjalanan ke Paris untuk berpartisipasi dalam pameran berpengaruh yang dikenal sebagai Magiciens de la Terre (The Magicians of the Earth) . Pada saat ini, dia telah menerima banyak pujian di kancah seni Tiongkok.

Baca Juga : Sejarah Teater Dokumenter AS dalam Tiga Tahap

Pindah ke Prancis & Penghargaan

Beberapa tahun setelah ini, Huang bermigrasi ke Prancis dan telah tinggal di sana sejak itu. Pada tahun 1999, ia adalah seniman tepercaya Prancis untuk mewakili negara itu di Venice Biennale. Empires karya 2016-nya yang mengesankan3 dipilih untuk pameran Monumenta Biennial di Grand Palais di Paris.

Teater Dunia

The Theatre of the World memiliki dua kandang-seperti struktur yang reptil tuan rumah, amfibi, dan serangga, termasuk kumbang, kecoa, kadal, kodok, ular, dan kura-kura.

Inspirasi dibaliknya

Karya ini dinamai menurut salah satu kreasi seniman lainnya. Struktur kandang seperti ular yang dikenal sebagai The Bridge (1995) melengkung di atas struktur kandang seperti kura-kura yang juga dikenal sebagai Theatre of the World .

Dalam karya seni aslinya, kura-kura hidup dan ular hidup bersama. Pada saat yang sama, beberapa tokek, ular, dan kodok berinteraksi dengan banyak serangga di struktur di bawah Jembatan . Hal ini menyebabkan beberapa dari mereka memakan yang lain.

Kritik & Tekanan Publik

Karya Huang Theatre of the World menghadapi kritik internasional. Sebuah petisi online mengumpulkan hampir 800.000 tanda tangan, dan aktivis hak-hak hewan setempat memprotes sebelum debutnya di New York . Para aktivis berpendapat bahwa ada beberapa contoh kekejaman terhadap hewan, dan karenanya, mereka membutuhkan pameran yang bebas dari kekejaman.

Huang dan Guggenheim menyerah pada tekanan sengit4 untuk menghapus instalasi, yang menampilkan reptil dan serangga hidup. Mereka juga harus meninggalkan pameran lain yang menampilkandua anjing berkelahi satu sama lain5 .

Pameran Guggenheim

Theatre of the World dipamerkan di Museum Solomon R. Guggenheim di New York antara Oktober 2017 dan Januari 2018. Di samping karya ini, Huang menunjukkan karya-karya lain yang juga berasal dari tahun-tahun Dadaisnya.

Pameran besar ini, yang terbesar dari jenisnya di Amerika Utara, mencakup karya dari tahun 1989 hingga 2008, periode yang dikenal sebagai periode paling transformatif seni kontemporer Tiongkok. Karya-karya tersebut menawarkan survei interpretatif tentang pengaruh perang dingin, kebangkitan China, dan penyebaran globalisasi, singkatnya, semua transformasi sosial yang membawa China ke peta global.

Guggenheim Bilbao

Terlepas dari tantangan yang dihadapi karya seni saat ini, Bilbao Guggenheim mengatakan bahwa mereka perlu menampilkan karya tersebut, dengan alasan untuk berekspresi. Manajemen museum tahu bahwa beberapa orang akan menentang pameran tersebut, dan mereka menghormati protes mereka. Namun, mereka menyatakan bahwa museum memiliki tanggung jawab untuk melindungi karya seniman.

Analisis

Pekerjaan itu tampaknya berbicara tentang sejarah panjang China yang mencakup segala hal mulai dari perang hingga kerukunan, jangkauan global hingga keterisolasian pikiran sempit, kekayaan dan kelangkaan, dan banyak hal lainnya.

Huang menerobos perbedaan antara Peradaban Tiongkok dan sejarah Tiongkok modern dan, lebih luas lagi, kehidupan modern secara umum. Banyak seniman Cina mencampuradukkan temporalitas dengan cara yang tepat untuk mempertanyakan kembalinya dunia seni dari masa lalu.

Karya seni tersebut mengkaji bagaimana seniman China telah menskalakan kedatangan China sebagai manifestasi global sebagai proksi dan sinis. Karyanya membuat penonton menghadapi kekerasan dan sandiwara kekuasaan.

Teater Dunia merupakan titik balik dalam karya seni pasca-sosialis. Ini juga menunjukkan penampilan suara artistik yang tiada tara. Ini memikirkan kembali dan mentranspos karya seni Tiongkok kontemporer. Ini menjadi karya seni yang penting, membuktikan bahwa pemisahan antara timur dan barat hanya menjadi pertanyaan bagaimana memunculkan era novel yang berani.

Sejarah Teater Dokumenter AS dalam Tiga Tahap
Theater

Sejarah Teater Dokumenter AS dalam Tiga Tahap

Sejarah Teater Dokumenter AS dalam Tiga Tahap – Secara umum, teater dokumenter Amerika (juga kadang-kadang disebut dokudrama, etnodrama, teater verbatim, teater pengadilan, teater saksi, atau teater fakta) adalah pertunjukan yang biasanya dibangun oleh individu atau kolektif seniman dari bahan sejarah dan/atau arsip.

toscanaspettacolo

Sejarah Teater Dokumenter AS dalam Tiga Tahap

toscanaspettacolo – Seperti transkrip persidangan, wawancara tertulis atau rekaman, pelaporan surat kabar, gambar visual atau rekaman video pribadi atau ikonik, dokumen pemerintah, biografi dan otobiografi, bahkan makalah akademis dan penelitian ilmiah.

Saya menemukan tiga momen penting inovasi dalam bentuk, isi, dan tujuan pertunjukan dokumenter selama 100 tahun terakhir sejarah dan praktik teater Amerika. Yang pertama ditandai dengan karya yang dihasilkan di bawah naungan Proyek Teater Federal (1935-1939), khususnya “koran hidup”, sebuah bentuk yang dipinjam dari agitprop dan teater pekerja di Eropa Barat dan Rusia.

Sementara isi dari drama dokumenter Amerika awal ini diambil dari kehidupan sehari-hari, khususnya pengalaman imigran kelas pekerja generasi pertama dan kedua, bentuknya jelas modernis, merangkul kolase, montase, ekspresionisme, dan minimalisme dalam hubungan simbiosis dengan bentuk baru seni visual, sinema awal, dan komposisi musik atonal.

Baca Juga : Teater Monroe Dibuka Kembali Untuk Acara Publik Setelah Renovasi

Drama-drama ini terkadang dibangun dengan masukan dari komunitas di mana seniman-pekerja ditempatkan sebagai bagian dari FTP dan Administrasi Kemajuan Pekerjaan. Tetapi sebagian besar seniman membuat dan menampilkannya sebagai layanan edukatif atau budaya, menggunakan teknik yang mungkin atau mungkin tidak beresonansi dengan penonton yang mencerminkan cerita atau karakter yang digambarkan. Ketegangan antara konten etnografi dan bentuk artistik modern atau postmodern ini tetap menjadi ciri khas pertunjukan dokumenter, baik yang ditentukan oleh fitur atau praktik.

Jika kita menandai dimulainya sejarah pertunjukan dokumenter Amerika di awal 1930-an, mudah untuk melihat sentralitas krisis sosial dan politik pada fokus konten dan properti estetikanya.

Pada garis waktu ini, momen kunci kedua perkembangan terjadi pada akhir 1960-an, ketika gerakan Hak Sipil, Perang Vietnam, pergolakan ekonomi global, dan media massa televisual yang baru dominan mengundang atau memaksa generasi baru kolektif teater untuk mengeksplorasi, menggunakan , dan meledakkan sifat formal dan estetika dokumenter.

Perusahaan seperti Teater Hidup , Teater Terbuka , Teater Roti dan Boneka , Teatro Campesino , dan San Francisco Mime Troupemempertanyakan media dominan dan narasi negara seputar penindasan ekonomi dan sosial, demokrasi, kesetaraan, dan supremasi hukum.

Mata pelajaran ini tidak sepenuhnya baru bagi pembuat teater. Pada abad ke-19, seniman dalam genre naturalisme dan realisme yang muncul juga merupakan reformis sosial dan mengambil inspirasi baik dalam isi maupun bentuk dari pengalaman hidup dan perjuangan sosial/politik orang-orang “biasa”, sejarah pribadi mereka, dan lingkungan mereka.

Tetapi pada tahun 1960-an dan 70-an, ketika definisi tradisional tentang rumah, keluarga, bangsa, dan ciptaan diperebutkan dengan semangat baru, energi bergeser dari drama dan ruang teater yang terstruktur dan diproduksi secara konvensional menuju peristiwa yang tidak terbatas dan tidak tertulis (“kejadian”) juga sebagai instalasi multimedia yang sangat terkontrol dan karya berdurasi panjang yang menguji kemampuan fisik seniman dan penonton. Pada saat yang sama dorongan untuk membuat dunia teater dari kehidupan nyata, pengalaman, dan tempat berkembang menjadi lebih mentah,

Peralihan ke artis sebagai bahan sumber ini menandai perkembangan sejarah ketiga dalam teater dokumenter Amerika, khususnya dalam karya Anna Deavere Smith. Dalam karya Smith, keunggulan tertulis, dokumen arsip mengambil kursi belakang untuk bahan-bahan berbasis wawancara yang dikumpulkan seniman.

Smith juga berfungsi sebagai performer, menghadirkan tubuh dan suara yang dipelajari dengan susah payah dan setia (lintas ras, etnis, dan gender) menggunakan tubuhnya sendiri sebagai tabula rasa, mengaktifkan pertanyaan baru tentang kebenaran dan keaslian.

Seniman lain pada akhir 1980-an, awal 1990-an, termasuk Tim Miller, Holly Hughes , Spalding Gray, Karen Finley, dan kolektif Pomo Afro Homos, menceritakan lebih banyak kisah pribadi tentang pembentukan identitas, perjuangan melawan ideologi agama yang menindas, hierarki sosial yang diskriminatif, dan sistem politik yang tidak adil.

Dramaturgi dari dokumenter monolog ini sering menggemakan organisasi kolase dan elemen ekspresionistis dari surat kabar hidup tahun 1930-an, menghindari pendekatan realistis terhadap waktu dan tempat. Sebaliknya, realitas emosional pemain membentuk alur cerita dan pengalaman penonton tentang sejarah sosial saat bertemu dengan kehidupan individu.

Mungkin naskah yang paling menonjol dari era ketiga ini adalah The Laramie Project (2000), sebuah drama tiga babak yang mengambil pembunuhan mahasiswa Matthew Shepard sebagai peristiwa katalisnya.

Kami melihat sejarah konstruksi drama pada saat pembukaannya, ketika anggota perusahaan menggambarkan bagaimana mereka melakukan perjalanan dengan sutradara/penulis Moises Kaufman dari New York City ke Laramie, Wyo., di mana mereka melakukan wawancara dengan anggota masyarakat setelah adanya anti- kejahatan kebencian gay yang membawa perhatian internasional ke kota AS Barat yang relatif kecil dan terisolasi ini. Menggunakan teknik “moment work” Kaufman, wawancara Tectonic menjadi inti dari naskah mereka.

Kaufman telah mengembangkan “kerja momen” untuk karya teater verbatim sebelumnya, Ketidaksenonohan Bruto: Tiga Percobaan Oscar Wilde , yang menggelar tiga persidangan yang akhirnya membawa tuntutan hukuman Wilde atas ketidaksenonohan (diturunkan dari sodomi).

Sementara drama itu, diinformasikan oleh investasi dalam mengungkap homofobia dalam domain hukum dan sosial, meneruskan gagasan bahwa penuntutan Wilde adalah kegagalan keadilan, itu juga mendramatisasi bagaimana kesombongan Wilde, hak rasial dan kelas, dan selera berkontribusi pada kejatuhannya dari publik. anggun dan selebriti. Drama itu bahkan menjadi tuan rumah debat di atas panggung tentang peran artis dan sejarawan untuk memerangi, mengungkapkan, atau mengabaikan ketidakadilan sosial.

Sementara kepenulisan Kaufman adalah tunggal di Gross Indecency , ia menempatkan ansambel akting, yang ia sebut “narator,” sebagai negosiator sentral dari gagasan kompleks drama itu tentang seksualitas, estetika, dan otoritas.

Namun dalam The Laramie Project , para aktor menjadi rekan penulis yang bekerja sebagai pemain dan lawan bicara, dan struktur dramaturgi sentral drama itu adalah tiga kali lipat tindakan menyaksikan, mengingat, dan bersaksi.

Meta-teater semacam itu—mengungkapkan mekanisme proses pengumpulan, penciptaan, dan pertunjukan teater—bukanlah fitur baru atau tunggal dari drama dokumenter. Dengan kesuksesan dan pengaruh The Laramie Project, bagaimanapun, itu telah menjadi kesombongan estetika sentral dari karya yang dibangun dari wawancara, terutama jika wawancara tersebut dilakukan oleh seniman yang sama yang kemudian membangun dan menampilkan naskah dokumenter.

Namun, seperti yang dicatat oleh Carol Martin, seorang profesor di NYU, dalam beberapa buku dan esai tentang apa yang dia sebut sebagai “teater nyata”, teater dokumenter Amerika memperoleh lebih banyak perhatian publik untuk subjek yang disajikannya daripada inovasi estetika atau kritiknya kompleksitas.

Sementara banyak seniman yang bekerja di domain ini berharap untuk mempertanyakan pemahaman bersama tentang istilah-istilah seperti “nyata” dan “fakta,” untuk Martin dan kritikus dan sejarawan lainnya, interogasi semacam itu ada pada tingkat yang berbeda berdasarkan sejauh mana pembuat teater dokumenter menghubungkan mereka politik pertunjukan hingga estetikanya.

Dalam bukunya Dramaturgy of the Real on the World Stage tahun 2014 , Martin berpendapat seniman yang bekerja di “teater yang nyata,” sering kali di luar AS, melakukan pemeriksaan yang luas dan sadar diri tentang bagaimana teater “berpartisipasi dalam obsesi budaya yang lebih besar dengan menangkap ‘nyata’ untuk konsumsi, bahkan sebagai apa yang kita memahami sebagai nyata terus direvisi dan diciptakan kembali.

Martin meninggalkan kita dengan pertanyaan kunci tentang kapan dan bagaimana, bahkan jika kita, sebagai seniman atau penonton, dapat “secara pasti menentukan di mana realitas berhenti dan representasi dimulai.”

Pada saat kontemporer, ketika kekaburan antara yang nyata dan yang terwakili terjadi setiap hari, sistemik, dan menyeluruh, perusahaan seperti Civilians, yang menyebut karyanya sebagai “teater investigasi,” sengaja menghindari label “dokumenter,” dengan alasan teater mereka mengajukan lebih banyak pertanyaan daripada menjawab, tidak menekan agenda politik atau aksi penonton tertentu, dan merangkul perangkat teater seperti musik dan tarian untuk mengungkap dimensi absurditas, hiperbola, dan non-linearitas—alat penting untuk memahami kekuatan sosial, politik, dan budaya kompleks yang membentuk kehidupan kita sehari-hari.

Momen baru dalam perkembangan teater dokumenter ini ditandai dengan perpaduan antara urgensi, intensitas, dan hibriditas. The Civilians, misalnya, menyampaikan konten mereka di berbagai platform media, termasuk namun tidak terbatas pada teater dan konser, termasuk melalui podcast.

Yang terakhir menerangi dimensi aural komunikasi yang teater dokumenter lebih luas mengeksplorasi (atau kembali ke). Dalam lima tahun terakhir, platform cerita berbasis audio dan acara khusus situs (seperti tur jalan kaki bernarasi, podcast dan drama smartphone, bahkan permainan mobil), telah memperluas dimensi sehari-hari dari “panggung” teater dan kinerja serta resepsinya.

Dengan latar belakang ini, kita dapat melihat mengapa perdebatan tentang apakah kategori “dokumenter” adalah genre formal atau serangkaian praktik dan politik telah bergejolak di antara pembuat film selama beberapa dekade.

Kebangkitan dan proliferasi reality TV, teater yang dirancang, dan sekarang podcasting atau cerita audio serial telah mengintensifkan diskusi ini di berbagai bidang dan industri. Ditawarkan sebagai penangkal drama naskah yang tenang di mana kontrol naratif ada di tangan penulis atau tim penulis, reality TV telah dipasarkan sebagai tanpa filter dan murni, mengungkap aliran emosi yang tersedia dalam aliran kehidupan sehari-hari yang berisiko dan tidak terkendali.

Sejak awal 2000-an, teater yang dirancang, yang mencakup praktik-praktik yang memiliki banyak nama di era sebelumnya, telah disebut-sebut membawa (atau mengembalikan) demokrasi ke ruang latihan, menyetarakan teks tertulis dalam proses pembuatan teater dan memungkinkan seniman dari semua latar belakang dan keterampilan untuk menjadi penulis naskah pertunjukan, mengubah konvensi naratif untuk menceritakan kisah ide, individu, atau peristiwa apa pun.

Pertunjukan semacam ini dapat dibangun oleh kolektif seniman, tetapi juga dapat diakses oleh komunitas non-seniman, sehingga menggeser otoritas estetika kepada mereka yang memiliki pengalaman langsung atas pelatihan artistik.

Desakan dua kali lipat untuk mempertanyakan dan membentuk realitas memberi teater dokumenter karakternya yang unik, apakah seseorang memprioritaskan konten atau bentuknya.

Pertama, dengan mendramatisasi aspek-aspek yang kurang dikenal atau kontra-narasi dari pengalaman yang diperebutkan atau dianggap stabil, teater dokumenter meresahkan apa yang kami pikir kami ketahui dalam upaya untuk menjungkirbalikkan hak istimewa, membalikkan margin dan pusat, dan menginterogasi struktur otoritas.

Kedua, teater menawarkan kesempatan unik untuk pengalaman tubuh-ke-tubuh di ruang materi bersama, yang menjadikannya seni yang rumit dan berbahaya apa pun bentuknya.

Sementara teater hanya bisa menjadi faksimili dari yang nyata, untuk menciptakan dunia dan menghuninya adalah tindakan imajinasi dan perlawanan yang kuat. Akibatnya, seniman dokumenter mendapat sorotan dan kritik publik tertentu karena pengaruh mereka terhadap pemilihan, bentuk, dan penerimaan karya mereka.

Paradoks teater dokumenter sebagai nyata dan representasional, multivokal namun jelas, langsung, dan koheren, kritis terhadap kebenaran terpadu namun dapat dipercaya dan menarik, adalah bagian dari sejarahnya yang kompleks, inovatif, dan terus berkembang.

Teater Monroe Dibuka Kembali Untuk Acara Publik Setelah Renovasi
Theater

Teater Monroe Dibuka Kembali Untuk Acara Publik Setelah Renovasi

Teater Monroe Dibuka Kembali Untuk Acara Publik Setelah Renovasi – Sebuah teater tua di jantung pusat kota Monroe memiliki kehidupan baru. Dowd Center Theatre yang sekarang bernama telah menjadi penyewa lama di 100 blok South Main Street, duduk di sebelah toko sandwich dan di seberang restoran lain.

toscanaspettacolo

Teater Monroe Dibuka Kembali Untuk Acara Publik Setelah Renovasi

toscanaspettacolo – Awalnya dibuka sebagai bioskop pada tahun 1940, ditutup pada tahun 1991 dan belum dibuka kembali sejak itu, mengubah pemilik dan rencana renovasi di sepanjang jalan, menurut Kota Monroe.

Pada tahun 2013, kota membeli bangunan tersebut dan memutuskan kombinasi dana swasta dan publik dapat membantu mengembalikannya.

“Mengapa kita harus pergi ke kota yang berbeda dan kota yang berbeda untuk mendapatkan hal-hal yang baik? Kami adalah kota yang hebat, kami memiliki banyak hal untuk ditawarkan,” kata Peter Hovanec, direktur komunikasi dan pariwisata kota tersebut.

Baca Juga : 7 Keterampilan Yang Anda Butuhkan Untuk Berhasil Dalam Seni Teater

Hovanec membantu dewan kota untuk membeli gedung dan menyelamatkannya setelah upaya lain gagal membuat kemajuan. Setelah suntikan dana publik dan swasta sebesar $7 juta dolar ke dalam renovasi, mimpi kota itu berubah menjadi kenyataan.

“Kami memiliki banyak sekali bangunan yang bagus, kami memiliki banyak sejarah. Kami membutuhkan orang-orang, kami membutuhkan orang-orang setelah jam kerja. Anda membawa orang-orang masuk setelah jam kerja, Anda mendapatkan lebih banyak restoran, Anda mendapatkan lebih banyak kehidupan malam, ”kata Hovanec di ruang teater baru.

Menampilkan kursi baru, ruang interior, ruang ganti, kamar mandi yang lebih bagus, dan fasilitas lain yang ditingkatkan, teater perlahan kembali ke acara publik. Pada 15 Oktober, Sierra Hull, seorang penyanyi, penulis lagu dan instrumentalis akan naik ke atas panggung.

Dalam beberapa minggu terakhir, teater telah dibuka kembali untuk pameran seni, acara donor pribadi dan Union Symphony Orchestra.

Kota membeli teater dan gedung di sebelahnya, menggunakan ruang tambahan untuk membuka lobi samping, yang dapat digunakan untuk acara khusus, galeri seni, dan kebutuhan lainnya. Dua tahun konstruksi, dengan beberapa penundaan terkait pandemi, mendorong kembali pembukaan publik resmi ke tahun ini.

Hovanec mengatakan ruang itu akan digunakan untuk musisi, konser, komedian, teater dan ya, film sesekali. Saat penonton tiba di Dowd Center Theatre, mereka harus berjalan melewati meja Lynn Price untuk mendapatkan tempat duduk mereka.

Harga tidak asing dengan teater Monroe.

“Jenis teater terlihat sama bagi saya sedikit, tetapi semuanya sangat baru dan terlihat sangat bagus,” kata Price dari mejanya.

Price adalah salah satu karyawan baru teater dengan gelar resmi asisten layanan pelindung. Dia juga penduduk Monroe seumur hidup dan ingat datang ke teater pada tahun 1960-an.

“Saya ingat, khususnya, ibu saya akan memasukkan kami ke dalam mobil, dan ayah saya akan mengantar saya dan saudara laki-laki saya ke sini pada jam 11, dan dia akan menjemput kami kembali pada jam 5 karena itu adalah hari bebas. Tapi itu bagus, karena ada banyak teman dan anggota keluarga di sini. Dan, kami baru saja menghabiskan waktu bersama,” Price merenungkan ruang lama.

Pada saat itu, teaternya terpisah, jadi dia berjalan menaiki tangga untuk melihat pertunjukan dari balkon. Sekarang, di gedung yang telah direnovasi, tangga terbuka dan sebuah plakat di dekatnya menyambut semua orang untuk menikmati seni dan hiburan.

“Gerbang Perubahan: Pintu masuk ini dulunya diperlukan untuk orang kulit berwarna. Sekarang, ini adalah ruang terpadu dan inklusif untuk semua. Untuk mengenang masa lalu dan dengan pandangan optimis tentang masa depan, Kota Monroe menyambut semua orang untuk menikmati seni dan hiburan di Teater Dowd Center,” demikian bunyi plakat tersebut. Sebuah kutipan dari Dr. Martin Luther King, Jr. ditranskripsikan di sepanjang bagian bawah plakat.

Kenangan lama harapan baru

Di luar teater, pemilik ikon Monroe lainnya, Oasis Sandwich Shop, juga memiliki kenangan teaternya. “Kami biasa pergi ke bioskop di sana, pada hari Sabtu, ketika kami masih kecil,” kata Tim Ratliff. Ratliff mengatakan setelah menonton film, dia ingat sering pergi ke toko barang baru di dekatnya.

Ratliff hanyalah pemilik Oasis ketiga sejak 1933. Yang lain? Bibinya, dan sebelum dia, teman keluarga dekat. Mereka telah berada di sebelah teater tua selama hampir 50 tahun dan senang melihatnya kembali.

“Saya pikir itu akan membuat perubahan bisnis yang luar biasa di pusat kota, saya pikir itu akan menarik bisnis, banyak fungsi di sana, kami sudah menunggu ini untuk waktu yang lama,” tambah Ratliff.

Oasis berencana untuk berada di sebelah teater selama beberapa dekade lagi setelah pindah ke lokasi saat ini beberapa dekade yang lalu.

Kombinasi perbaikan baru dan kenangan lama memberikan harapan bahwa semua itu memicu revitalisasi ke pusat kota.

“Sungguh luar biasa memilikinya kembali dan berjalan dan jauh lebih baik dari sebelumnya,” kata Price. “Saya pikir itu akan mengubah pusat kota Monroe,” tambah Ratliff.

Di dalam Oasis, Libby Helms, kerabat pemilik asli Oasis, mengatakan teater yang direnovasi akan sangat membantu pusat kota.

“Sungguh luar biasa bahwa Center Theatre dibuka kembali, berkat sumbangan dari yayasan Dowd dan kota Monroe. Itu akan membawa begitu banyak peluang bagus untuk pertumbuhan di pusat kota. Oasis pasti akan berkembang dengan tambahan baru di kota itu, ”kata Helms.

Helms mengatakan ketika teater ditutup pada tahun 1991, staf dan pendukung Oasis tidak terlalu khawatir. “Pusat kota berkembang pesat pada saat itu, kami masih memiliki Belk di sini di pusat kota dan banyak toko-toko kecil dan bisnis. Saya tidak berpikir ada banyak kekhawatiran, ”kata Helms melihat ke belakang.

Sekarang, dia mengatakan teater yang telah direnovasi akan membantu pusat kota bergerak ke arah yang benar.

“Oasis adalah sebuah institusi di Monroe. Dibuka pada 4 Juli 1933 oleh pemilik yang sama, paman kami,” lanjut Helms, “Saya pikir dengan tambahan pembukaan teater kembali, itu hanya akan memiliki dampak yang luar biasa di pusat kota.”

7 Keterampilan Yang Anda Butuhkan Untuk Berhasil Dalam Seni Teater
Theater

7 Keterampilan Yang Anda Butuhkan Untuk Berhasil Dalam Seni Teater

7 Keterampilan Yang Anda Butuhkan Untuk Berhasil Dalam Seni Teater – Seni pertunjukan terutama berfokus pada tari, drama, musik dan teater. Ini berarti sering terjadi tumpang tindih dengan industri film dan media.

toscanaspettacolo

7 Keterampilan Yang Anda Butuhkan Untuk Berhasil Dalam Seni Teater

toscanaspettacolo – Peran desain dan produksi juga berada di bawah payung ini, dengan banyak institusi dan sekolah seni pertunjukan menyediakan kursus dalam pencahayaan produksi, desain panggung dan penyangga, konstruksi kostum, dan manajemen panggung. Dengan pengalaman dan kualifikasi yang tepat, pindah ke pengajaran dan bimbingan belajar adalah sebuah pilihan.

Pekerjaan di lapangan antara lain:

  • aktor
  • pembawa acara siaran
  • koreografer
  • penari
  • pemusik
  • sutradara teater
  • manajer teater

Bakat hanya dapat membawa Anda sejauh ini ketika mencoba membuat nama Anda di industri ini. Anda juga memerlukan atribut berikut.

Baca Juga : Hal yang Perlu Anda Ketahui Tentang Teater Abad 20 Di Italia

Kepercayaan diri

Berakting, menari, bermain atau bernyanyi di depan orang lain bisa menjadi pengalaman yang sangat menegangkan. Melangkah ke atas panggung dan tampil di depan penonton membutuhkan kepercayaan diri dan harga diri yang besar, karena Anda menunjukkan bakat Anda dan mengundang penilaian.

Dalam situasi ini, wajar untuk merasakan tingkat tertentu dari saraf, tetapi sebagai pemain profesional Anda perlu memanfaatkan dan menggunakan saraf ini untuk meningkatkan kinerja Anda.

Mereka yang bercita-cita untuk bekerja di industri yang lebih luas, mungkin dalam peran teknis atau manajemen, akan menghadapi persaingan yang ketat. Sikap percaya diri dan bisa melakukan akan membantu Anda menonjol dalam wawancara kerja dan dapat membantu mengamankan pengalaman kerja.

Jika rasa percaya diri Anda membutuhkan sedikit dorongan, ada banyak hal yang dapat Anda lakukan. Bergabunglah dengan klub atau perkumpulan universitas , atau kelompok lokal seperti paduan suara, orkestra, tari atau kelompok drama amatir. Anda juga dapat mempertimbangkan untuk mengikuti kompetisi lokal atau regional atau kontes bakat untuk membangun kepercayaan diri Anda. Pekerjaan paruh waktu dalam peran menghadapi pelanggan benar-benar dapat membantu keterampilan komunikasi dan harga diri Anda.

Kemampuan untuk berjejaring dan memasarkan diri sendiri

Banyak orang yang bekerja di seni pertunjukan adalah wiraswasta , dan aktor, penari, penyanyi, dan musisi semuanya perlu mengikuti audisi untuk mendapatkan pekerjaan, jadi penting bagi Anda untuk dapat menjual dan memasarkan kemampuan Anda kepada calon pemberi kerja.

Agar nama Anda dikenali dan untuk membantu mengamankan pekerjaan di masa depan , Anda harus menggunakan keterampilan jaringan Anda untuk membuat koneksi industri sebanyak mungkin. Bergabunglah dengan asosiasi profesional dan hadiri acara industri, daftar untuk kelas, lokakarya, dan kursus singkat untuk bertemu orang-orang yang berpikiran sama dan ikuti direktur casting yang relevan, perusahaan tari, koreografer, direktur musik dan perbendaharaan serta teater komersial di media sosial. Banyak pekerjaan terbaik dicapai melalui koneksi dan mengetahui orang yang tepat pada waktu yang tepat dapat membayar dividen.

Ketangguhan, disiplin diri, dan stamina

Karena sifat industri yang kompetitif dan sangat terampil, kemungkinan mereka yang bekerja dalam seni pertunjukan – bahkan mereka yang memiliki peran teknis atau manajerial – akan mengalami penolakan di beberapa titik dalam karir mereka. Demikian pula, mereka juga akan menerima kritik dalam beberapa bentuk, pada tahap tertentu juga.

Untuk mengatasi tantangan ini, ketahanan dan keuletan sangat penting. Anda harus dapat menggunakan pengalaman ini untuk mengasah dan mengembangkan keahlian Anda dan bangkit kembali lebih baik dari sebelumnya.

Di sinilah disiplin diri dan stamina berguna. Pelaku diharuskan bekerja berjam-jam selama latihan dan menjelang pertunjukan dan diharapkan memberikan 100% untuk setiap pertunjukan. Sebagian besar waktu Anda akan dihabiskan untuk berlatih dan meningkatkan, dan pekerjaan itu dapat memakan korban baik secara mental maupun fisik – terutama pada pemain yang melakukan pekerjaan tambahan untuk membayar tagihan.

Pikiran analitis dan kemampuan untuk merefleksikan diri

Mungkin bukan keterampilan yang paling jelas, tetapi mereka yang bekerja di industri membutuhkan pikiran analitis. Jika Anda terlibat dalam drama, Anda harus mampu meneliti dan menginterpretasikan sebuah peran dan naskah, sementara penari harus mampu menguraikan dan menganalisis koreografi, dan musisi harus mampu membedah dan menginterpretasikan sebuah karya. musik. Anda juga harus dapat menerapkan keterampilan ini pada pekerjaan Anda sendiri saat menganalisis kinerja Anda secara kritis.

Anda dapat mengembangkan keterampilan ini dengan meninjau produksi universitas atau profesional, konser dan resital untuk publikasi akademik, media lokal atau majalah industri.

Fleksibilitas

Pelaku perlu beradaptasi dan menerapkan keterampilan dan bakat mereka ke berbagai peran, genre, teknik, dan gaya. Misalnya, aktor dapat berperan sebagai pahlawan dalam satu peran dan penjahat di peran berikutnya, sementara penari mungkin diminta untuk melakukan balet klasik untuk satu pekerjaan dan tarian jalanan minggu berikutnya.

Fleksibilitas pada dasarnya adalah tentang mampu melakukan banyak tugas, dan bekerja paruh waktu selama studi Anda akan memberi Anda banyak latihan saat Anda bekerja untuk menangani komitmen universitas, pekerjaan, dan pribadi.

Memang, sebagian besar dari mereka yang bekerja di seni pertunjukan juga memiliki karir portofolio, sering kali mensubsidi gaji mereka dengan mengambil pekerjaan kedua atau ketiga, biasanya dalam mengajar, administrasi seni atau peran teknis lainnya, sehingga kemampuan beradaptasi dan fleksibilitas berguna ketika mempertahankan banyak pekerjaan dan beralih antar peran.

Pandemi COVID-19 hanya menyoroti kebutuhan untuk memiliki pekerjaan lain, terutama karena banyak acara dibatalkan sepanjang 2020 dan hingga 2021.

Kerja tim

Seni pertunjukan adalah upaya kolaboratif antara banyak orang yang berbeda yang datang bersama untuk menciptakan pertunjukan, drama, siaran, konser atau resital yang sukses sehingga kemampuan untuk bekerja dengan baik dengan orang lain sangat penting. Lihat tips kami untuk kerja kelompok yang sukses di universitas.

Organisasi dan manajemen waktu

Pelaku yang sukses sering diminta untuk mengerjakan lebih dari satu proyek sekaligus dan jadwal kerja bisa menjadi padat. Oleh karena itu, keterampilan organisasi dan manajemen waktu yang kuat adalah suatu keharusan. Peran Anda sehari-hari mungkin melibatkan menghadiri beberapa audisi, melacak jadwal latihan, pengaturan perjalanan, keterlibatan promosi, dan waktu pertunjukan. Anda mungkin juga perlu menyulap pekerjaan kedua atau ketiga.

Hal yang Perlu Anda Ketahui Tentang Teater Abad 20 Di Italia
Theater

Hal yang Perlu Anda Ketahui Tentang Teater Abad 20 Di Italia

Hal yang Perlu Anda Ketahui Tentang Teater Abad 20 Di Italia – Pada tanggal 10 November 2015, lelang Post War & Contemporary Art Evening Sale berlangsung di Christie’s New York , dan hanya terlihat sedikit penjualan yang luar biasa. Lelang ini akan dikenang untuk penjualan Concetto Spazialle Lucio Fontana, La Fine di Dio dari tahun 1964.

toscanaspettacolo

Hal yang Perlu Anda Ketahui Tentang Teater Abad 20 Di Italia

toscanaspettacolo – Penjualan ini memecahkan rekor artis dalam lelang, karena terjual lebih dari $29 Juta. Selain itu, menurut Artnet, lima dari 10 besar penjualan lelang Fontana sepanjang masa terjadi pada tahun 2015. Tapi, kami tidak ingin fokus pada Lucio Fontana.dalam artikel ini, tetapi di pasar seni Italia abad ke-20.

Apa yang kita saksikan dalam beberapa tahun terakhir (dan apa yang merupakan fakta terkenal di kalangan spesialis pasar seni) adalah ledakan seni Italia Pasca-Perang di pasar. Mari kita lihat secara singkat apa yang harus Anda ketahui tentang posisi pasar seni Italia.

Arte Povera sebagai salah satu Gerakan Terpopuler?

Gerakan Arte Povera aktif selama 1967-1972 dan berlangsung di kota-kota di seluruh Italia. Istilah ini diciptakan oleh kritikus seni Italia Germano Celant dan diperkenalkan di Italia selama periode pergolakan pada akhir 1960-an, ketika seniman mengambil sikap radikal.

Baca Juga : Seni Theater Yang Mengembangkan 6 Keterampilan

Beberapa tokoh gerakan yang paling menonjol adalah Luciano Fabro, Jannis Kounellis , Giulio Paolini , Pino Pascali, Giuseppe Penone dan Michelangelo Pistoletto. Eksponen awal lainnya dari perubahan radikal dalam seni visual Italia termasuk seniman proto Arte Povera: Alberto Burri , Piero Manzoni, dan Lucio Fontana dan Spasialisme.

Menurut laporan dan analisis pada bulan Oktober, penjualan di London yang didedikasikan khusus untuk seni Italia abad ke-20 di Christie’s dan Sotheby’s berhasil dengan sangat baik sehingga ada sedikit keraguan tentang pengaruh gerakan tersebut. Selama bertahun-tahun terpinggirkan, gerakan-gerakan Eropa ini (yang sangat kuat di Italia) telah berkembang pesat selama hampir satu dekade sekarang.

Bukan Hanya Tentang Renaisans, Booming Pasar Seni Italia

Berpikir tentang seni Italia, hal pertama yang terlintas dalam pikiran adalah Renaissance dan Old Masters. Sepertinya sejumlah seniman Italia yang luar biasa dari abad ke-20 telah benar-benar diabaikan.

Namun, waktu ini telah berlalu, ketika pasar seni global mulai “menemukan” seni Italia abad ke-20. Mustahil untuk membayangkan bahwa seorang seniman Italia, Fontana misalnya, akan berada di tingkat tertinggi dunia seni pascaperang dan penjualan malam kontemporer yang bergengsi, tetapi hari ini kita melihat gambaran yang sama sekali berbeda.

Namun, ini bukan hanya tentang Fontana. Seperti Daniella Luxembourg, salah satu pemilik galeri Luxembourg & Dayan menjelaskan kepada The Bloomberg Sebuah karya berskala besar oleh Alberto Burri sekarang dapat dijual secara pribadi seharga lebih dari $10 juta, jika itu monumental dan salah satu yang terbaik.

Dalam lima tahun terakhir, tidak ada Burri yang monumental di lelang kebanyakan dari mereka dijual secara pribadi…Itu terjadi begitu saja, dengan cara yang sama juga terjadi bahwa Fontana terakhir yang dijual di pelelangan adalah besar. Karya-karya itu dijual secara pribadi sebelumnya.

Data dan Gerakan Seni Italia Lainnya

Hari ini, adalah normal untuk mengharapkan penjualan jutaan dolar dari karya-karya seniman Italia abad ke-20. Tapi, penjualan ini biasanya terkait dengan artis-artis yang tergabung dalam gerakan Arte Povera (Pintoretto, Fontana, Kounellis).

Bagaimana dengan gerakan seni penting lainnya di Italia, seperti Futurisme Italia, Abstraksi Italia? Galeri Sperone Westwater dari New York saat ini menampilkan pertunjukan kelompok besar seni Italia abad pertengahan, Lukisan di Italia 1910-an-1950-an Futurisme, Abstraksi, Seni Beton(dilihat hingga 23 Januari 2016).

Potongan seniman dari gerakan ini jauh lebih terjangkau. Hampir semua dari 120 karya seni yang dipamerkan di Galeri Sperone Westwater berkisar dari $20.000 hingga $110.000. Dua pengecualian adalah untuk karya Enrico Prampolini, yang harganya dalam pertunjukan berkisar dari $80.000 hingga $140.000, dan oleh Giacomo Balla , salah satu pendukung paling terkenal gerakan Futurisme Italia.

Mengapa seni Italia abad ke-20 menjadi begitu populer di kalangan kolektor seni “besar” sekarang? Ada beberapa kemungkinan jawaban, tetapi mari kita coba dengan dua. Ini adalah fakta yang diketahui bahwa harga naik tinggi dalam 15 tahun terakhir bahkan “kolektor besar” tidak mampu membeli karya terkenal Jackson Pollock atau Andy Warhol, misalnya.

Sederhananya semuanya terlalu mahal; oleh karena itu, banyak kolektor akhirnya mulai membeli karya seniman Italia (akibatnya menaikkan harga). Hal penting kedua adalah bahwa kolektor besar AS mengabaikan (dalam arti tertentu) seniman dan gerakan Eropa selama beberapa dekade. Dengan globalisasi pasar seni, dan dengan lebih banyak karya orang Eropa yang dibeli oleh kolektor AS, seniman Italia menjadi “terlihat”. Akhirnya, popularitas artis Italia abad ke-20 mungkin akan meningkat,

Jika kami membuat peringkat tujuan perjalanan impian penguncian kami, Italia pasti akan menjadi yang teratas dalam daftar. Dengan pemandangannya yang terkenal bervariasi dan selalu menakjubkan—belum lagi makanan, mode, sedikit sejarah seni yang adil—berlibur di semenanjung berbentuk sepatu bot ini sama baiknya dengan yang didapat.

Untungnya, satu setengah tahun setelah ditutup, Bel Paese sedang reboot. Antara seni dan desain kontemporer Milan yang semarak, dan tarikan selatan Puglia, beberapa orang bahkan akan mengatakan bahwa negara itu sedang mengalami Renaisans baru. Dan NetJets—pemimpin global dalam penerbangan swasta—siap membawa Anda ke sana dari atas hingga ujung kaki (atau tumit, dalam hal ini).

Untuk pelancong cerdas yang ingin menemukan kembali la dolce vita dan kegembiraan bertamasya cepat ke Italia (dengan pemberitahuan sesedikit 10 jam, tidak kurang), NetJets menawarkan layanan yang dipersonalisasi dengan perhatian tinggi terhadap detail yang diperoleh dari pengalaman lebih dari 55 tahun, standar industri terkemuka, dan tim multibahasa yang berdedikasi untuk mengantisipasi setiap kebutuhan Anda.

Setelah hiatus selama 18 bulan, Salone del Mobile (5–10 September) kembali dalam bentuk “phygital” yang baru. Bertajuk “Supersalone”, edisi ke-58 dari pameran desain internasional terkemuka ini dikuratori oleh arsitek lokal Stefano Boeri (kekuatan di balik “hutan vertikal” seperti menara Bosco Verticale di Milan) dengan mempertimbangkan keberlanjutan.

Anda akan masuk melalui 200 pohon ash, lime, oak, dan plum berbunga yang akan ditanam di Milan setelah akhir pekan raya. Dan merek akan memajang produk mereka di sepanjang dinding empat paviliun kayu daur ulang di dalam area pameran, yang dibuka untuk umum untuk pertama kalinya.

Pameran ini meluas dari pinggiran kota dan ke pusat kota dengan pameran sejarahnya di Triennale Design Museum , yang dikembangkan Boeri sebagai pusat budaya di dalam Palazzo dell’Arte yang bersejarah di Parco Sempione. Salah satu pertunjukan museum terbaru, “Enzo Mari yang dikuratori oleh Hans Ulrich Obrist dengan Francesca Giacomelli” (sampai 12 September), patut dikunjungi: Virgil Abloh, Rirkrit Tiravanija, dan lainnya diundang untuk memberi penghormatan kepada artis Italia yang baru saja meninggal. dan desainer, yang dikenal dengan kursi Delfina yang dapat ditumpuk.

Sejarah Teater Dan Amfiteater Di Dunia Romawi
Theater

Sejarah Teater Dan Amfiteater Di Dunia Romawi

Sejarah Teater Dan Amfiteater Di Dunia Romawi – Tontonan adalah bagian integral dari kehidupan di dunia Romawi. Beberapa bentuk tontonan—prosesi kemenangan, pemakaman aristokrat, dan perjamuan publik, misalnya mengambil latar belakang kota itu sendiri.

toscanaspettacolo

Sejarah Teater Dan Amfiteater Di Dunia Romawi

toscanaspettacolo – Lainnya diadakan di gedung penonton yang dibangun khusus: teater untuk drama dan hiburan pemandangan lainnya, amfiteater untuk pertarungan gladiator dan pertunjukan binatang buas, stadion untuk kompetisi atletik , dan sirkus untuk balapan kereta ( 59.11.14 ). Secara keseluruhan, budaya tontonan yang meresap ini berfungsi baik sebagai kendaraan untuk iklan diri oleh elit sosial politik dan sebagai sarana untuk memperkuat nilai-nilai dan institusi bersama dari seluruh komunitas.

Teater di Dunia Romawi

Menurut sejarawan kuno Livy, aktivitas teater paling awal di Roma berbentuk tarian dengan iringan musik, yang diperkenalkan ke kota oleh orang Etruria pada 364 SM Catatan sastra juga menunjukkan bahwa Atellanae, suatu bentuk bahasa Italic asli lelucon (seperti phlyakes [ 24.97.104 ] dari Italia selatan), dilakukan di Roma pada tanggal yang relatif awal.

Baca Juga : Yang Perlu Diketahui Tentang Pergi Ke Teater Di Italia

Pada 240 SM , drama panjang penuh naskah diperkenalkan ke Roma oleh penulis naskah Livius Andronicus, penduduk asli kota Yunani Tarentum di Italia selatan. Drama Latin paling awal yang bertahan utuh adalah komedi Plautus (aktif sekitar 205–184 SM), yang pada dasarnya merupakan adaptasi dari Greek New Comedy .

Tragedi Latin juga berkembang selama abad kedua SM Sementara beberapa contoh genre diperlakukan cerita dari mitos Yunani, yang lain prihatin dengan episode terkenal dari sejarah Romawi. Setelah abad kedua SM , komposisi tragedi dan komedi menurun drastis di Roma.

Selama periode kekaisaran , bentuk hiburan teater yang paling populer adalah mime (produksi komik cabul dengan plot sensasional dan sindiran seksual) dan pantomim (pertunjukan oleh penari solo dengan iringan paduan suara, biasanya menciptakan kembali mitos tragis).

Acara utama untuk tontonan dramatis di dunia Romawi adalah festival keagamaan tahunan, atau ludi , yang diselenggarakan oleh hakim terpilih dan didanai dari kas negara.

Pendedikasian bait suci, kemenangan militer, dan pemakaman aristokrat juga menyediakan kesempatan untuk pertunjukan yang indah. Sampai tahun 55 SM, tidak ada teater permanen di kota Roma, dan drama dipentaskan dalam struktur kayu sementara, dimaksudkan untuk berdiri selama beberapa minggu paling lama.

Sumber-sumber kuno sependapat bahwa penundaan pembangunan teater permanen disebabkan oleh oposisi senator yang aktif, meskipun kemungkinan alasan untuk perlawanan ini (keprihatinan terhadap moralitas Romawi, ketakutan akan hasutan rakyat, persaingan di antara para elit) tetap menjadi bahan perdebatan. Catatan sastra teater sementara menunjukkan bahwa mereka bisa sangat rumit.

Dokumentasi terbaik adalah teater yang didirikan oleh hakim M. Aemilius Scaurus pada tahun 58 SM , yang menurut laporan Pliny memiliki bangunan panggung yang terdiri dari tiga tingkat kolom dan dihiasi dengan 3.000 patung perunggu.

Teater permanen pertama di kota Roma adalah Teater Pompey, yang didedikasikan pada 55 SM oleh saingan Julius Caesar, Pompey the Great. Teater, yang hanya fondasinya dipertahankan, adalah struktur yang sangat besar, menjulang hingga sekitar 45 meter dan mampu menampung hingga 20.000 penonton. Di bagian belakang gedung panggung ada serambi besar bertiang, yang menampung karya seni dan taman.

Dibangun setelah kampanye militer spektakuler Pompey pada tahun 60-an SM , teater ini sebagian besar berfungsi sebagai monumen kemenangan. Gua (area tempat duduk) dimahkotai oleh sebuah kuil untuk Venus Victrix, dewa pelindung Pompey, dan teater itu dihiasi dengan patung-patung dewi Kemenangan dan personifikasi negara-negara yang telah ditaklukkan Pompey dalam pertempuran.

Dedikasi Pompey secara efektif mengkanonisasi bentuk teater Romawi, menyediakan prototipe yang akan direplikasi di seluruh kekaisaran selama hampir tiga abad. Jenis bangunan baru ini berbeda secara mencolok dari teater tradisional Yunani . Yang terakhir terdiri dari dua struktur terpisah: area tempat duduk berbentuk tapal kuda dan bangunan panggung yang berdiri sendiri.

Teater Romawi, sebaliknya, adalah bangunan yang sepenuhnya tertutup, tidak beratap tetapi sering ditutupi dengan tenda pada hari-hari pertunjukan. Area tempat duduk di teater Yunani ditopang di lereng bukit alami, sedangkan teater Romawi ditopang setidaknya sebagian di kubah beton, yang menyediakan akses dari luar bangunan ke gua.

Di dunia Helenistik, bangunan panggung adalah struktur yang relatif rendah, dihiasi dengan panel yang dicat tetapi jarang dengan patung skala besar. Teater Romawi, di sisi lain, ditandai dengan tinggi, lebar frons scaenae (tahap-depan) dengan beberapa cerita, diartikulasikan oleh berdiri bebas kolom dan boros dihiasi dengan patung-patung dari dewa dan pahlawan dan potret dari keluarga kekaisaran dan tokoh-tokoh lokal.

Perbedaan arsitektural antara teater Romawi dan pendahulunya Yunani tidak dijelaskan secara memuaskan oleh faktor-faktor fungsional seperti optik, akustik, atau kebutuhan pementasan.

Sebaliknya, adaptasi Roma terhadap teater Yunani tampaknya sebagian besar didorong oleh kekuatan sosial dan politik. Scaenae frons kolumnar , misalnya, mungkin telah dikembangkan untuk menampung patung-patung yang dijarah dari Yunani dan Asia Kecil oleh jenderal Romawi dan dipamerkan di pertandingan kemenangansebagai bukti kekuatan militer mereka.

Arsitektur teater Romawi juga menandakan kepedulian Romawi terhadap kontrol sosial dan tampilan hierarkis. Berbeda dengan dunia Yunani, di mana tempat duduk di teater sebagian besar terbuka, penonton Romawi secara ketat dipisahkan berdasarkan kelas, jenis kelamin, kebangsaan, profesi, dan status perkawinan. Hal ini tercermin baik dalam bentuk tertutup teater Romawi, yang membatasi akses ke gedung, dan sistem substruktur berkubah, yang memfasilitasi rute penonton ke sektor tempat duduk yang sesuai.

Amfiteater di Dunia Romawi

Berbeda dengan teater Romawi, yang berkembang dari model Yunani, amfiteater tidak memiliki preseden arsitektur di dunia Yunani. Demikian pula, tontonan yang terjadi di amfiteater—pertarungan gladiator dan venationes (pertunjukan binatang buas) berasal dari Italic, bukan Yunani. Bukti aman paling awal untuk kontes gladiator berasal dari dekorasi lukisan makam abad keempat SM di Paestum di Italia selatan.

Beberapa penulis kuno mencatat bahwa pertempuran gladiator diperkenalkan ke Roma pada 264 SM , pada kesempatan munera (permainan pemakaman) untuk menghormati seorang warga elit bernama D. Iunius Brutus Pera. Pada pertengahan abad pertama SM, kontes gladiator dipentaskan tidak hanya di pemakaman, tetapi juga di festival yang disponsori negara ( ludi ).

Sepanjang periode kekaisaran, mereka tetap menjadi rute penting untuk disukai oleh kaisar dan pemimpin provinsi. Pada tahun 325 M , Konstantinus (26,229) , kaisar Kristen pertama, melarang pertempuran gladiator dengan alasan terlalu haus darah untuk masa damai. Namun, bukti literatur, epigrafik, dan arkeologis menunjukkan bahwa permainan gladiator berlanjut setidaknya sampai pertengahan abad kelima Masehi.

Seperti dalam kasus hiburan teater, tempat paling awal untuk permainan gladiator di Roma adalah bangunan kayu sementara. Pada awal 218 SM , menurut Livy, kontes gladiator dipentaskan di ruang terbuka Forum Romawi yang memanjang, dengan tribun kayu untuk penonton. Struktur sementara ini mungkin menyediakan prototipe untuk amfiteater monumental, jenis bangunan yang dicirikan oleh area tempat duduk elips yang menutupi ruang pertunjukan yang datar.

Amfiteater batu pertama yang dapat didata dengan aman adalah yang ada di Pompeii, dibangun pada 80–70 SM Seperti kebanyakan amfiteater awal, contoh Pompeian memiliki penampilan yang sederhana dan fungsional, dengan kursi yang sebagian ditopang pada tanggul tanah.

Amfiteater batu paling awal di Roma dibangun pada 29 SM oleh T. Statilius Taurus, salah satu jenderal paling tepercaya dari kaisar Augustus . Bangunan ini terbakar selama kebakaran besar tahun 64 M dan digantikan oleh Colosseum (59.570.426) , yang didedikasikan oleh kaisar Titus pada tahun 80 M dan masih menjadi salah satu landmark Roma yang paling menonjol.

Tidak seperti amfiteater sebelumnya, Colosseum menampilkan fasilitas ruang bawah tanah yang rumit , termasuk kandang hewan dan elevator mekanis, serta sistem kompleks substruktur beton berkubah. The fasad terdiri dari tiga ceritadari arkade yang diapit oleh kolom-kolom yang terlibat dari ordo Tuscan, Ionic, dan Corinthian.

Representasi bangunan pada koin kuno menunjukkan bahwa patung dewa dan pahlawan kolosal berdiri di arkade atas. Dimasukkannya perintah kolumnar Yunani dan salinan patung-patung Yunani mungkin mencerminkan keinginan untuk mempromosikan amfiteater, jenis bangunan Romawi yang unik, ke tingkat yang sama dalam hierarki arsitektur sebagai teater, dengan preseden Yunani yang terhormat.

Baca Juga : Berikut Perusahaan Teater Yang Berdiri Di Chicago

Selain kontes gladiator, amfiteater menyediakan tempat untuk venationes, tontonan yang melibatkan pembantaian hewan oleh pemburu terlatih yang disebut venatores atau bestiarii. Venationes mahal untuk dipasang dan karenanya berfungsi untuk mengiklankan kekayaan dan kemurahan hati pejabat yang mensponsori mereka. Masuknya spesies eksotis (singa, macan kumbang, badak, gajah, dll.) juga menunjukkan jangkauan kekuasaan Romawi yang luas.

Jenis tontonan ketiga yang terjadi di amfiteater adalah eksekusi publik. Penjahat yang dihukum dibunuh dengan cara disalibkan, dikremasi, atau diserang oleh binatang buas, dan terkadang dipaksa untuk menghidupkan kembali mitos-mitos yang mengerikan.

Yang Perlu Diketahui Tentang Pergi Ke Teater Di Italia
Theater

Yang Perlu Diketahui Tentang Pergi Ke Teater Di Italia

Yang Perlu Diketahui Tentang Pergi Ke Teater Di Italia – Italia tentu memiliki bakat untuk dramatis. Sangat masuk akal bahwa Teater berasal dari sini. Verdi dan Puccini menulis cerita yang penuh dengan melodrama dan patah hati. Teater pertama diproduksi di Florence pada tahun 1598, dengan piagam asli sedang dikembangkan di ruangan sebenarnya yang merupakan bagian dari apartemen La Camerata Fiorentina dari Italy Perfect.

toscanaspettacolo

Yang Perlu Diketahui Tentang Pergi Ke Teater Di Italia

toscanaspettacolo – Bentuk seni mencapai puncak popularitasnya pada tahun 1800-an. Jangan lupa sapu tangan untuk menghapus air mata Anda atas kematian tragis Floria Tosca dan penguasaan musik dan emosi O Mio Babbino Caro . Panduan kami memiliki semua yang perlu Anda ketahui, mulai dari alamat gedung Teater terbaik di Italia hingga apa yang harus dikenakan dan cara mendapatkan tiket.

Apa yang harus dipakai ke Teater di Italia

Malam di Teater adalah waktu untuk memakai sepatu gemerlap dan gaun manis yang telah Anda simpan. Tidak ada yang lebih dari Milan. Bersahaja, tetapi sangat elegan, adalah kode berpakaian di sana. Pria harus mengenakan setelan gelap dan wanita mengenakan pakaian terbaik mereka. Semakin sederhana kursinya, semakin tidak formal pakaian Anda yang dibutuhkan, tetapi ini bukan tempat untuk celana pendek, t-shirt, dan tank top. Pernah.

Baca Juga : Bagaimana Memulai Karir Dengan Seni Teater

Cara mendapatkan tiket ke Teater di Italia

Setiap gedung Teater yang didirikan di Italia memiliki tiket online. Anda juga dapat mampir ke box office, tetapi ketahuilah bahwa banyak tanggal dan pertunjukan paling populer terjual habis jauh sebelumnya. Tamu Italy Perfect dapat menggunakan pramutamu lokal yang dapat membantu dengan saran dan logistik.

MILAN: Teatro ALLa Scala

Malam pembukaan La Scala , gedung Teater di Milan, adalah malam yang setara dengan beberapa acara Hollywood yang paling gemerlap. Itu selalu pada tanggal 7 Desember, yang merupakan hari raya Santo Ambrosius, santo pelindung Milan. Musim berlangsung hingga akhir November. Ada aturan berpakaian di La Scala. Ingat, orang Milan sangat elegan. Tur dilakukan dengan perjanjian di Lokakarya Ansaldo di mana Anda dapat melihat kostum dan set.

Teater Di Venesia

Gedung Teater Venesia Teatro La Fenice telah menghadapi tantangan yang tak terhitung. Itu telah mengalami kebakaran dan banjir berulang kali sesuai dengan namanya La Fenice , yang diterjemahkan menjadi burung mitos phoenix. Giuseppe Verdi menayangkan banyak Teaternya, termasuk Rigoletto dan La Traviata , di teater yang megah ini.

Di sinilah penyanyi sopran terkenal Maria Callas memulai debutnya. Musim di La Fenice dimulai pada bulan November, dengan pertunjukan Teater dan balet sepanjang tahun. Sorotan musim ini adalah konser Tahun Baru. Itu bagian pertunjukan orkestra dan bagian melodrama.

Konser selalu diakhiri dengan “Va’ Pensiero” dari Nabucco dan toast “Libiam ne’ lieti calici” dariLa Traviata oleh Giuseppe Verdi. Jika Anda tidak dapat menghadiri pertunjukan, Anda masih dapat mengikuti tur teater bersejarah. Bahkan ada aplikasi untuk itu!

Di Grand Canal Italy Perfect menjamu tamu di apartemen yang indah ini: Alloro , Menta dan Zenzero .

Untuk pengalaman Teater yang lebih santai dan interaktif, lihat pertunjukan oleh Musica a Palazzo . Pertunjukan malam bergilir antara La Traviata , The Barber of Seville dan Rigoletto di kamar palazzo Barbarigo Minotto abad ke-15 di Grand Canal. Tidak ada panggung, sebaliknya penonton duduk di antara lukisan dinding oleh Tiepolo dan karya plesteran oleh Tencalla, dan bergerak di antara ruangan yang berbeda di antara babak.

Roma: Teatro dell’Teater di Roma

Musim Teater di Teatro dell’Teater di Roma berlangsung dari Oktober hingga Mei. Sesuai untuk Kota Abadi, Teater Costanzi dibangun di lokasi rumah seorang kaisar kuno. Fasad dan foyer bergaya Fasis yang parah dirancang oleh Marcello Piacentini dan memungkiri teater berornamen di dalamnya, dengan kotak-kotak berjenjang, lukisan dinding, karya plesteran, dan akustik yang sangat baik.

Pengunjung musim panas ke Roma memiliki kemungkinan yang menyenangkan. Pemandian Romawi kuno, Terme di Caracalla, diubah menjadi teater terbuka selama bulan Juli dan Agustus. Ada pertunjukan Teater dan balet (dan sesekali konser pop!)

NAPOLI: Teatro di San Carlo

The Teatro di San Carlo adalah langkah dari dramatis Piazza del Plebiscito dan istana kerajaan mantan Kings Bourbon. Dibangun pada tahun 1737, ini adalah tempat Teater tertua yang terus aktif di Eropa.

Teater di Tuscany

Festival Puccini

Satu-satunya festival yang didedikasikan hanya untuk Giacomo Puccini adalah Festival Puccini tahunan . Itu diadakan setiap musim panas di Torre del Lago, dengan pertunjukan akhir pekan dari karya-karyanya yang paling terkenal. Desa Tuscan ini, tidak jauh dari Lucca, menghadap ke Danau Massaciuccol, adalah tempat tinggal dan bekerja sang seniman. Anda dapat mengunjungi rumah Puccini dan melihat piano-piano tempat ia menggubah beberapa Teater terkenalnya termasuk Tosca dan Madam Butterfly . Ini adalah kegiatan yang luar biasa jika Anda tinggal di Villa Papavero di dekatnya .

Setahun sekali, ladang kosong di pedesaan Tuscan diubah menjadi teater terbuka. Tenor terkenal Andrea Bocelli menciptakan Teatro del Silenzio, dekat desa Lajatico, tempat ia lahir dan masih tinggal. Pertunjukan ini merupakan ekstravaganza bintang dan koreografi internasional. Tempatnya berada di pedesaan yang indah dengan berkendara dari salah satu vila kami di Chianti San Casciano.

Parma dan Verona: Arena

Jika Anda menginap di vila Italy Perfect di Emilia Romagna dekat Parma maka Anda pasti ingin mengunjungi rumah Verdi. Selama bulan September dan Oktober adalah Festival Verdi , yang mencakup perayaan makanan, anggur, dan budaya daerah tersebut.

Di Verona, pengalaman yang benar-benar tak terlupakan adalah malam di Teater di amfiteater terbuka yang dibangun pada abad pertama. Arena berada di pusat kota Verona, dan musim Teater dimulai pada pertengahan Juni dan berlangsung hingga minggu pertama bulan September.

Menawarkan kekayaan gedung opera yang bersejarah dan megah, Italia bukan hanya tempat kelahiran opera , tetapi masih merupakan salah satu tempat terbaik di dunia untuk melihat pertunjukan bentuk seni ini. Meskipun opera awalnya untuk para elit, pada akhirnya opera menemukan jalannya ke massa dan sekarang dianggap sebagai pengalaman budaya dan representasi seni yang sangat baik.

Baca Juga : Beberapa Tempat Teater Yang Dekat Dengan Chicago Park

Jika Anda ingin melihat pertunjukan tertentu, atau mengunjungi teater tertentu, pastikan untuk membeli tiket opera terlebih dahulu. Karena musim baru diumumkan sekitar tahun ini, ini adalah waktu yang tepat untuk menelusuri jadwal acara dan memesan tiket.

Bahkan jika Anda tidak memiliki kesempatan untuk menyaksikan satu atau dua aria di gedung opera ini, arsitektur dan sejarahnya akan membuat teater ini menjadi kunjungan yang berharga saat berada di Italia.

Yang Perlu Anda Ketahui Tentang Pentas Commedia Dell’Arte
Theater

Yang Perlu Anda Ketahui Tentang Pentas Commedia Dell’Arte

Yang Perlu Anda Ketahui Tentang Pentas Commedia Dell’Arte – Dellarte Commedia merupakan wujud awal pentas profesional, yang berawal dari Italia, yang terkenal di Eropa dari era ke- 16 sampai ke- 18. Commedia dellarte tadinya disebut komedi Italia dalam bahasa Inggris serta pula diketahui sebagai commedia alla maschera, commedia improvviso, serta commedia dellarte allimprovviso.

toscanaspettacolo

Yang Perlu Anda Ketahui Tentang Pentas Commedia Dell’Arte

toscanaspettacolo – Ciri khusus commedia dell’arte adalah lazzi. Pintu masuk dan keluar karakter ditulis. Sebuah lazzo adalah lelucon atau “sesuatu yang bodoh atau cerdas”, biasanya dikenal para pemain dan sampai batas tertentu rutin scripted. Karakteristik lain dari commedia dell’arte adalahpantomim , yang banyak digunakan oleh karakter Arlecchino (Harlequin).

Kepribadian dari commedia umumnya menggantikan jenis sosial serta kepribadian persediaan yang senantiasa, semacam orang berumur yang bego, pelayan yang licik, ataupun opsir militer yang penuh dengan keberanian palsu. Karakternya merupakan” sifat jelas” yang dilebih- lebihkan, semacam dokter yang ketahui segalanya bernama Il Dottore, seseorang pria tua tamak bernama Pantalone, ataupun ikatan sempurna semacam Innamorati.

Baca Juga : Teater Kontemporer Italia Menjadi Penampilan Terbaik Dalam Dunia Seni

Banyak rombongan dibentuk untuk menampilkan commedia dell’arte , termasuk I Gelosi (yang memiliki aktor seperti Isabella Andreini, dan suaminya Francesco Andreini ), Confidenti Troupe, Desioi Troupe, dan Fedeli Troupe. Commedia dell’arte sering dilakukan di luar panggung atau di area populer seperti piazza. Bentuk teater berasal dari Italia, tetapi menyebar ke seluruh Eropa dan bahkan ke Moskow.

The Commedia usul mungkin terkait dengan karnaval di Venesia, di mana, oleh 1570, penulis / aktor Andrea Calmo telah menciptakan karakter Il Magnifico, prekursor ke vecchio (orang tua) Pantalone. Dalam skenario Flaminio Scala , misalnya, Il Magnifico bertahan dan dapat dipertukarkan dengan Pantalone, hingga abad ketujuh belas. Sementara karakter Calmo (yang juga termasuk Capitano Spanyol dan tipe dottore ) tidak bertopeng, tidak pasti pada titik mana karakter tersebut mengenakan topeng.

Namun, hubungannya dengan karnaval (periode antara Epiphany dan Rabu Abu) akan menyarankan bahwa masking adalah konvensi karnaval dan diterapkan di beberapa titik. Tradisi di Italia Utara berpusat di Mantua, Florence, dan Venesia, di mana perusahaan-perusahaan besar berada di bawah perlindungan berbagai adipati.

Tradisi Neapolitan muncul di selatan dan menampilkan tokoh panggung terkemuka Pulcinella . Pulcinella telah lama diasosiasikan dengan Napoli dan diturunkan menjadi berbagai jenis di tempat lain—yang paling terkenal sebagai karakter boneka Punch (dari pertunjukan Punch dan Judy eponymous ) di Inggris.

Meskipun Commedia dell’arte berkembang di Italia selama periode Mannerist , ada tradisi lama yang mencoba membangun anteseden sejarah di zaman kuno. Meskipun dimungkinkan untuk mendeteksi kesamaan formal antara commedia dell’arte dan tradisi teater sebelumnya, tidak ada cara untuk memastikan asal usulnya. Beberapa tanggal asal ke periode Republik Romawi ( tipe Plautine ) atau Kekaisaran ( Atellan Farces ). The Atellan Farces of the Roman Empire menampilkan “tipe” kasar yang mengenakan topeng dengan fitur yang terlalu dibesar-besarkan dan plot improvisasi.

Beberapa sejarawan berpendapat bahwa karakter stok Atellan, Pappus, Maccus+Buccus, dan Manducus, adalah versi primitif dari karakter Commedia Pantalone , Pulcinella , dan il Capitano. Catatan yang lebih baru membangun tautan ke jongleur abad pertengahan, dan prototipe dari moralitas abad pertengahan, seperti Hellequin (sebagai sumber Harlequin, misalnya).

Pertunjukan commedia dell’arte pertama yang direkam datang dari Roma pada awal tahun 1551. Commedia dell’arte dilakukan di luar ruangan di tempat-tempat sementara oleh aktor profesional yang berkostum dan bertopeng, berbeda dengan commedia erudita , yang ditulis komedi, disajikan di dalam ruangan oleh aktor yang tidak terlatih dan tidak bertopeng. Pandangan ini mungkin agak meromantisasi sejak pencatatan menggambarkan Gelosi melakukan Tasso ‘s Aminta , misalnya, dan banyak yang dilakukan di pengadilan bukan di jalan.

Pada pertengahan abad ke-16, kelompok komedi tertentupemain mulai bergabung, dan pada tahun 1568 Gelosi menjadi perusahaan yang berbeda. Sesuai dengan tradisi Akademi Italia, I Gelosi mengadopsi dewa Romawi bermuka dua Janus sebagai lambang mereka . Janus melambangkan baik datang dan perginya rombongan perjalanan ini dan sifat ganda dari aktor yang menyamar sebagai “yang lain”. Gelosi tampil di Italia Utara dan Prancis di mana mereka menerima perlindungan dan perlindungan dari Raja Prancis.

Meskipun fluktuasi Gelosi mempertahankan stabilitas untuk pertunjukan dengan “sepuluh biasa”: “dua vecchi (laki-laki tua), empat innamorati (dua laki-laki dan dua kekasih perempuan), dua zanni , seorang kapten dan servetta (pelayan pelayan)”. Commedia sering tampil di dalam teater atau aula pengadilan, dan juga di beberapa teater tetap seperti Teatro Baldrucca di Florence.

Flaminio Scala, yang pernah menjadi pemain kecil di Gelosi menerbitkan skenario commedia dell’arte sekitar awal abad ke-17, benar-benar dalam upaya untuk melegitimasi bentuk—dan memastikan warisannya. Skenario ini sangat terstruktur dan dibangun di sekitar simetri dari berbagai jenis di duet: dua ZANNI , vecchi , inamorate dan inamorati , dll

Di commedia dell’arte , peran wanita dimainkan oleh wanita, didokumentasikan pada awal tahun 1560-an, menjadikan mereka aktris profesional pertama yang dikenal di Eropa sejak zaman kuno. Lucrezia Di Siena , yang namanya tercantum dalam kontrak aktor dari 10 Oktober 1564, telah disebut sebagai aktris Italia pertama yang diketahui namanya, dengan Vincenza Armani dan Barbara Flaminia sebagai primadona pertama dan aktris pertama yang terdokumentasi dengan baik di Italia ( dan Eropa).

Pada tahun 1570-an, kritikus teater Inggris umumnya merendahkan kelompok tersebut dengan aktor wanita mereka (beberapa dekade kemudian, Ben Jonson merujuk pada salah satu pemain wanita dari commediasebagai “pelacur yang jatuh”). Pada akhir tahun 1570-an, para uskup Italia berusaha untuk melarang artis perempuan namun, pada akhir abad ke-16, aktris menjadi standar di panggung Italia.

Cendekiawan Italia Ferdinando Taviani telah menyusun sejumlah dokumen gereja yang menentang munculnya aktris itu sebagai semacam pelacur, yang pakaiannya yang minim dan gaya hidup yang bebas merusak para pemuda, atau setidaknya menanamkan keinginan duniawi kepada mereka. Istilah negativa puitis Taviani menggambarkan ini dan praktik-praktik lain yang menyinggung gereja, sambil memberi kita gambaran tentang fenomena pertunjukan commedia dell’arte .

Pada awal abad ke-17, komedi zanni bergerak dari pertunjukan jalanan improvisasi murni ke tindakan dan karakter yang ditentukan dan digambarkan dengan jelas. Tiga buku yang ditulis selama 17 century- Cecchini ini [ itu ] Fruti della moderne Commedia (1628), Niccolò Barbieri ‘s La supplica (1634) dan Perrucci ini Dell’arte rapresentativa (1699- “membuat rekomendasi tegas mengenai melakukan praktek.”

Katritzky berpendapat, bahwa sebagai hasilnya, commedia direduksi menjadi akting yang diformulasikan dan bergaya, sejauh mungkin dari kemurnian asal improvisasi satu abad sebelumnya Di Prancis, pada masa pemerintahan Louis XIV , Comedie-Italienne menciptakan repertoar dan menggambarkan topeng dan karakter baru, sambil menghapus beberapa pendahulu Italia, seperti Pantalone.

Penulis naskah drama Prancis, khususnya Moliere , dipetik dari plot dan topeng dalam menciptakan pengobatan asli. Memang, Molière berbagi panggung dengan Comédie-Italienne di Petit-Bourbon , dan beberapa bentuknya, misalnya omelan , adalah turunan dari commedia ( tirata ).

Commedia dell’arte pindah ke luar batas kota ke theatre de la foire , atau teater yang adil, pada awal abad ke-17 karena berkembang ke arah gaya yang lebih pantomim. Dengan pengiriman komedian Italia dari Perancis pada tahun 1697, bentuk transmogrified pada abad ke-18 sebagai genre seperti comédie larmoyante memperoleh daya tarik di Prancis, terutama melalui drama Marivaux . Marivaux sangat melunakkan commedia dengan membawa emosi yang sebenarnya ke atas panggung. Harlequin mencapai lebih menonjol selama periode ini.

Ada kemungkinan bahwa akting improvisasi semacam ini diturunkan dari generasi ke generasi Italia hingga abad ke-17 ketika itu dihidupkan kembali sebagai teknik teater profesional. Namun, seperti yang saat ini digunakan, istilah commedia dell’arte diciptakan pada pertengahan abad ke-18.

Anehnya, commedia dell’arte sama jika tidak lebih populer di Prancis, di mana ia melanjutkan popularitasnya sepanjang abad ke-17 (sampai 1697), dan di Prancislah commedia mengembangkan repertoarnya yang mapan. Commedia berkembang menjadi berbagai konfigurasi di seluruh Eropa, dan setiap negara mengakulturasi bentuk sesuai dengan keinginannya.

Misalnya, pantomim , yang berkembang pada abad ke-18, berasal dari jenis karakter komedi , khususnya Harlequin . Pertunjukan boneka Punch dan Judy , yang populer hingga hari ini di Inggris, didasarkan pada topeng Pulcinella yang muncul di Neapolitanversi formulir. Di Italia, topeng dan plot komedi masuk ke dalam opera buffa , dan plot Rossini , Verdi , dan Puccini .

Selama pendudukan Napoleon di Italia, penghasut reformasi dan kritikus pemerintahan Kekaisaran Prancis (seperti Giacomo Casanova ) menggunakan topeng karnaval untuk menyembunyikan identitas mereka sambil mengobarkan agenda politik, menantang aturan sosial, dan melontarkan hinaan dan kritik terang-terangan kepada rezim. Pada tahun 1797, untuk menghancurkan gaya karnaval dadakan sebagai platform partisan, Napoleon melarang commedia dell’arte. Itu tidak dilahirkan kembali di Venesia sampai 1979 karena ini.

Compagnie , atau perusahaan, adalah sekelompok aktor, yang masing-masing memiliki fungsi atau peran tertentu. Aktor berpengalaman dalam sejumlah besar keterampilan, dengan banyak yang bergabung dengan rombongan tanpa latar belakang teater. Beberapa adalah dokter, yang lain pendeta, yang lain tentara, terpikat oleh kegembiraan dan prevalensi teater di masyarakat Italia.

Aktor diketahui berpindah dari grup ke grup “dengan status pinjaman”, dan perusahaan akan sering berkolaborasi jika disatukan oleh satu pelindung atau tampil di lokasi umum yang sama. Anggota juga akan terpecah untuk membentuk kelompok mereka sendiri, seperti yang terjadi pada Ganassa dan Gelosi.

Ini compagnie perjalanan di seluruh Eropa dari periode awal, dimulai dengan Soldati , saat itu, Ganassa, yang melakukan perjalanan ke Spanyol, dan terkenal karena bermain gitar dan bernyanyi tidak pernah terdengar lagi dan rombongan terkenal dari Zaman Keemasan (1580–1605): Gelosi , Confidenti , Accessi.

Nama-nama yang menandakan keberanian dan usaha ini diambil dari nama-nama akademi—dalam arti tertentu, untuk memberikan legitimasi. Namun, setiap rombongan memiliki kesan (seperti lambang) yang melambangkan sifatnya. Gelosi, misalnya, menggunakan wajah berkepala dua dewa Romawi Janus , untuk menandakan kedatangan dan kepergiannya dan hubungannya dengan musim Karnaval, yang terjadi pada bulan Januari. Janus juga menandakan dualitas aktor, yang memainkan karakter atau topeng, sambil tetap menjadi diri sendiri.

Hakim dan ulama tidak selalu menerima perjalanan yang compagnie (perusahaan), terutama selama periode wabah, dan karena sifat keliling mereka. Aktor, baik pria maupun wanita, dikenal telanjang hampir, dan alur cerita biasanya turun ke situasi kasar dengan seksualitas terbuka, dianggap tidak mengajarkan apa-apa selain “cabul dan perzinahan dari kedua jenis kelamin” oleh Parlemen Prancis.

Istilah vagabondi digunakan mengacu pada comici , dan tetap menjadi istilah yang menghina sampai hari ini ( vagabond). Hal ini mengacu pada sifat nomaden dari rombongan, sering dipicu oleh penganiayaan dari Gereja, otoritas sipil, dan organisasi teater saingan yang memaksa perusahaan untuk berpindah dari satu tempat ke tempat lain.

Sebuah rombongan sering kali terdiri dari sepuluh penampil dari tipe bertopeng dan tidak bertopeng yang sudah dikenal, dan termasuk wanita. Perusahaan akan mempekerjakan tukang kayu, ahli alat peraga, pelayan, perawat, dan pembisik, yang semuanya akan bepergian dengan perusahaan.

Mereka akan bepergian dengan kereta besar yang sarat dengan persediaan yang diperlukan untuk gaya nomaden mereka, memungkinkan mereka untuk berpindah dari satu tempat ke tempat lain tanpa harus khawatir tentang kesulitan relokasi. Sifat nomaden ini, meskipun dipengaruhi oleh penganiayaan, juga sebagian besar disebabkan oleh kelompok-kelompok yang membutuhkan penonton baru (dan berbayar).

Baca Juga : 3 Tempat Teater Produksi Terpopuler Asal Chicago

Mereka akan memanfaatkan pameran dan perayaan publik, paling sering di kota-kota kaya di mana kesuksesan finansial lebih mungkin terjadi. Perusahaan juga akan menemukan diri mereka dipanggil oleh pejabat tinggi, yang akan menawarkan perlindungan sebagai imbalan untuk tampil di tanah mereka untuk jangka waktu tertentu.

Perusahaan sebenarnya lebih suka untuk tidak tinggal di satu tempat terlalu lama, sebagian besar karena takut tindakan itu menjadi “basi.” Mereka akan pindah ke lokasi berikutnya saat popularitas mereka masih aktif, memastikan kota-kota dan orang-orang sedih melihat mereka pergi, dan akan lebih mungkin untuk mengundang mereka kembali atau membayar untuk menonton pertunjukan lagi jika rombongan itu kembali.

Harga tergantung pada keputusan rombongan, yang dapat bervariasi tergantung pada kekayaan lokasi, lama tinggal, dan peraturan yang ditetapkan pemerintah untuk pertunjukan dramatis.

Theatre Foundation Mempromosikan Teater Luar Ruangan Gratis
Theater

Theatre Foundation Mempromosikan Teater Luar Ruangan Gratis

Theatre Foundation Mempromosikan Teater Luar Ruangan Gratis – Northwest Indiana Excellence in Theatre Foundation (NIETF) adalah organisasi nirlaba dan ciri seni di Wilayah. Jangkauan NIETF meluas untuk membantu teater di seluruh Northwest Indiana, termasuk teater di Hammond, Schererville, St. John, Lake Station, Portage, Michigan City, dan banyak lagi. Misi organisasi adalah untuk membangun komunitas yang kuat, mendukung produksi berkualitas, dan mendorong keunggulan dan kegembiraan teater di Northwest Indiana.

toscanaspettacolo

Theatre Foundation Mempromosikan Teater Luar Ruangan Gratis

toscanaspettacolo – Becky Jascoviak telah menjadi presiden NIETF selama lebih dari delapan tahun. Peran Jascoviak adalah berkolaborasi di antara kelompok teater untuk membawa visi ke Wilayah dan menjadi pusat bagi para aktor untuk menemukan audisi dan bagi teater untuk menemukan sumber daya. Dia mengarahkan dalam berbagai peran dan melayani di papan teater bersama suaminya.

Jascoviak menekankan pentingnya teater bagi Wilayah dan bagaimana teater yang diproduksi dan didukung dengan baik menambah kualitas hidup di seluruh Indiana Barat Laut. “Dewan Kualitas Kehidupan Northwest Indiana telah melakukan survei selama dekade terakhir, dan di dalamnya, indikator kualitas hidup yang terus menempati peringkat lebih tinggi daripada yang lain adalah seni dan budaya,” kata Jascoviak. “Kami benar-benar berkontribusi pada kualitas hidup daerah kami dengan menjadi tempat yang menarik untuk tinggal, bekerja, dan bermain, yang membuat Daerah menarik bagi orang-orang yang pindah ke daerah tersebut.”

Teater lokal tidak hanya menambah kualitas hidup di seluruh Wilayah, tetapi juga mencerminkan perkembangan ekonomi. Produksi lokal ini adalah rute pendapatan bagi bisnis dan seniman lokal.

Baca Juga : Pertanyaan Mencuat Kepada Para Seniman Theater Poughkeepsie

“Kami memiliki teater di komunitas yang sangat kecil dan teater di komunitas yang lebih besar,” kata Jascoviak. Kebanyakan orang berpikir bahwa Anda harus pergi ke Chicago untuk hiburan yang luar biasa, tetapi kami berada di ujung jalan dengan teman dan tetangga Anda melakukan hal-hal luar biasa.”

NIETF dikenal untuk mendukung program teater luar ruangan di seluruh Wilayah, termasuk produksi teater di lokasi seperti Chesterton Amphitheatre Coffee Creek Watershed Preserve, Centennial Park di Munster, Park Plays di Indiana Dunes State Park, dan banyak lagi. Setiap lokasi menawarkan tantangan dan latar belakang baru bagi para pemain dan kru, dan penonton dapat menikmati menonton teater regional yang luar biasa di lingkungan yang ramai. Pertunjukan ini terjadi sepanjang musim semi, musim panas, dan musim gugur.

Jascoviak juga menyoroti beberapa pertunjukan keliling saat ini dan lokasi yang telah digunakan oleh produksi teater luar ruang selama bertahun-tahun.

Gary Shakespeare Company adalah salah satu grup teater yang tampil di seluruh Wilayah. Saat ini, perusahaan sedang melakukan “A Midsummer Night’s Dream.” Dalam beberapa minggu ke depan, rombongan ini akan tampil di Lake Hills Park Amphitheatre di St. John, Chesterton Amphitheatre, Founders Square Amphitheatre di Portage, dan banyak lagi.

Favorit regional, Chesterton Amphitheatre di Coffee Creek adalah lokasi yang nyaman langsung dari Route 49 di Chesterton. “Saya suka itu langsung dari jalan raya, tetapi Anda merasa benar-benar seperti berada di lingkungan asli. Tenang,” kata Jascoviak.  Tidak hanya Coffee Creek lokasi yang nyaman, itu adalah salah satu yang indah.

“Saya juga suka bahwa itu dibangun ke dalam pengaturan alami,” kata Jascoviak. “Ada banyak gaya amfiteater di banyak taman di Indiana Barat Laut. Itu trendi bahwa taman diletakkan di amfiteater ini, tetapi ini adalah pengaturan yang sangat alami dengan kolam dan air mancur tepat di belakangnya. ”

Centennial Park di Munster adalah lokasi yang mirip dengan Coffee Creek karena merupakan amfiteater berbasis taman di luar jalan utama yang nyaman, Calumet Avenue. “Yang menarik dari lokasi ini adalah sudah ada suara dan lampu serta bangku taman,” kata Jascoviak. “Anda tidak perlu membawa kursi sendiri, yang berguna untuk orang-orang.”

Centennial Park berukuran besar dan menawarkan ruang untuk banyak kegiatan di samping amfiteater.

“Ini adalah area taman raksasa, jadi ada banyak aktivitas,” kata Jascoviak. “Apa yang kami temukan menarik adalah bahwa orang-orang yang mungkin belum pernah melihat teater atau tidak memilih untuk pergi ke teater akan mampir dan menonton pertunjukan karena semua aktivitas lain yang terjadi di taman ini.”

Founders Square Amphitheatre di Portage adalah lokasi lain di mana NIETF mendukung kelompok teater yang tampil di luar ruangan. Amfiteater gaya taman lainnya, lokasi ini dikenal dengan aksesibilitasnya. “Sangat mudah bagi orang-orang yang membutuhkan ruang yang dapat diakses karena semuanya beton,” kata Jascoviak.

Taman ini terletak di Central Avenue di Portage, sehingga berlokasi strategis dengan banyak fasilitas di kota. Park Plays berlangsung di Taman Negara Bagian Indiana Dunes. Lokasi ini merupakan kemitraan dengan Dunes Arts Foundation dan menawarkan pemandangan danau dan pantai yang prima selama pertunjukan.

“Park Plays ada di paviliun, dan baru saja direnovasi besar-besaran,” kata Jascoviak. Ada area boardwalk dan pertunjukannya berada tepat di sebelah barat paviliun di area terbuka beton besar tak jauh dari pantai. Jascoviak mengungkapkan kekagumannya pada lokasi yang indah di Bukit Pasir.

“Yang saya sukai dari venue ini adalah saat pertunjukan berlangsung, Anda bisa menyaksikan matahari terbenam tepat di belakangnya,” kata Jascoviak. “Sangat indah, indah, dan menenangkan. Untuk alasan yang sama bahwa Centennial Park menarik orang dari segala jenis, orang pergi ke pantai dan tidak berharap menemukan kelompok improvisasi atau pertunjukan teater. Kami benar-benar dapat membawa teater ke massa di sana karena ini adalah taman yang sangat, sangat sibuk.”

Sementara NIETF selalu bertujuan untuk membawa teater ke luar ruangan dan membuatnya lebih mudah diakses oleh publik, model teater tuan rumah sangat cocok untuk pemulihan setelah puncak pandemi.

“Covid meningkatkan kesempatan untuk berada di luar. Orang-orang merasa lebih nyaman berada di luar sehingga penyebarannya lebih sedikit, Anda bisa bersosialisasi lebih jauh, dan ada sirkulasi udara,” kata Jascoviak.

Organisasi telah melakukan teater luar ruangan selama bertahun-tahun, tetapi selalu ada tantangan. Di luar tantangan khas mencari tahu set, alat peraga, dan kostum, semuanya harus disesuaikan dengan alam bebas.

“Kami tampil di Dunes minggu lalu melakukan ‘Treasure Island,’ yang diatur di atas kapal. Kami memiliki layar besar ini dan benar-benar tidak bisa menggunakannya karena sangat berangin,” kata Jascoviak. “Selalu ada adaptasi yang harus Anda lakukan di teater langsung. Untuk aktor, itu adalah keterampilan besar untuk diingat bahwa Anda harus mendengarkan dan beradaptasi dan bekerja dengan situasi dan lingkungan di sekitar Anda.”

Selain menjadi pengalaman yang menarik bagi penonton, pertunjukan di luar ruangan ini menawarkan sesuatu yang tak ternilai bagi penonton teater: teater gratis. Pertunjukan secara gratis menciptakan aksesibilitas bagi orang-orang yang mungkin tidak mampu membayar atau melakukan perjalanan ke pengalaman teater di kota yang lebih besar. Menjadi tuan rumah drama di taman lokal secara gratis mengundang penonton baru untuk menghargai dan menikmati teater yang mungkin belum pernah ada sebelumnya.

Di tengah pandemi, Jascoviak mengingatkan penonton bahwa entertainer adalah salah satu kelompok yang membantu masyarakat tetap bertahan selama pandemi. Begitu banyak orang harus lebih sering tinggal di rumah, penonton beralih ke streaming online TV, film, dan bahkan drama.

Baca Juga : Thekla, Kapal Kargo Yang Disulap Menjadi Gedung Teater

“Keluar dari COVID, banyak teater kita yang kesulitan. Mereka semua harus menutup, memutar, dan membuat produksi online,” kata Jascoviak. “Banyak yang ditutup tanpa pemberitahuan dan tanpa uang dan berada di tengah pertunjukan. Apa yang kebanyakan orang tidak sadari adalah bahwa biaya tiket untuk pergi ke pertunjukan hanya mencakup sekitar setengah dari biaya produksi teater sebenarnya. Jadi, ketika Anda tidak memulihkan semua biaya Anda melalui penjualan tiket, Anda membutuhkan donatur, sponsor, hibah, dan dukungan dari komunitas untuk mewujudkan teater.”

Bioskop tidak hanya kehilangan penjualan tiket selama pandemi, tetapi juga kehilangan banyak donasi. Biasanya, uang produksi untuk dimasukkan ke dalam satu pertunjukan didanai oleh yang sebelumnya. Tanpa pertunjukan atau donasi apa pun, teater akan kacau balau.

“Kami mendorong orang untuk memasukkan teater dalam pemberian filantropi mereka. Kami mendorong orang untuk memikirkan hal-hal yang mereka lihat selama pandemi, ”kata Jascoviak. “Banyak orang beralih ke hiburan untuk mengisi kekosongan, dan kami ingin terus menjadi hiburan langsung dan langsung di masa depan.”

Pertanyaan Mencuat Kepada Para Seniman Theater Poughkeepsie
Theater

Pertanyaan Mencuat Kepada Para Seniman Theater Poughkeepsie

Pertanyaan Mencuat Kepada Para Seniman Theater Poughkeepsie  – Untuk Michael R. Jackson , pertanyaannya cukup spesifik. Garis bawah seperti apa yang Anda tulis untuk musikal melodramatis namun serius yang terinspirasi oleh sinetron, film Seumur Hidup, dan “Law and Order: SVU”?

toscanaspettacolo

Pertanyaan Mencuat Kepada Para Seniman Theater Poughkeepsie

toscanaspettacolo – Jackson telah mengembangkan musikalnya, “White Girl in Danger,” sejak 2017, melalui begitu banyak lokakarya dan bacaan sehingga dia hampir tidak bisa menyebutkan semuanya. Dia sudah memakukan plotnya, tentang seorang pemain kulit hitam di sabun surealis yang merencanakan, dari “tanah hitam,” untuk mengungguli bintang-bintang putih dan mendapatkan ceritanya sendiri.

Sekarang dia perlu memikirkan sesuatu yang lebih kecil tetapi penting: bagaimana menerapkan sengatan organ, monoton yang tidak menyenangkan, dan pengental plot instrumental lainnya yang akan menggarisbawahi sindiran dan membuat penonton tetap pada jalurnya.

Itulah alasan dia menghabiskan dua minggu baru-baru ini di kampus Marist College yang megah di sini, bekerja di ruang latihan gratis dan tidur di ranjang asrama sarjana. Dia adalah tamu New York Stage and Film , inkubator drama dan musikal baru (dan skenario dan skrip televisi) yang menawarkan lokakarya dan residensi sepanjang tahun. Dan meskipun musim teaternya setiap musim panas harus dilihat di industri ini, bahkan itu lebih menghadap ke dalam daripada ke luar, dengan hanya beberapa pertunjukan dari setiap pertunjukan dan tidak ada ulasan yang diizinkan.

Baca Juga : Penantian Yang di Tunggu-tunggu Seni Teater di St. Paul Bertajuk “Glensheen”

Sebut saja layanan pramutamu untuk pekerjaan yang sedang berjalan.

“Hari-hari ini luar biasa dan tak ternilai harganya,” kata Jackson kepada saya minggu lalu ketika “White Girl” sedang mempersiapkan debutnya di bawah tenda terbuka di sepanjang Sungai Hudson. Dia tidak mengacu pada pundi-pundi festival; musim Marist adalah bayar apa yang Anda bisa. Sebaliknya, seperti semua artis yang saya ajak bicara, dia senang dengan apa yang telah dia pelajari dalam latihan, dan dengan apa yang dia harapkan untuk dipelajari dari para penonton akhir pekan itu ketika mereka tertawa, tersentak, bersorak, atau terdiam.

“Pertanyaan apa yang kamu tanyakan yang tidak bisa kamu tanyakan di tempat lain?” kata Chris Burney , direktur artistik Stage and Film, membahas apa yang dilihatnya sebagai misi organisasi. “Apa proyek impian besar Anda? Itu sebabnya kami berada di sini, di luar batas teater komersial.”

Di luar batasnya, mungkin, tapi tidak asing baginya. Banyak pertunjukan yang dikembangkan di Stage and Film dalam 37 musimnya memiliki kehidupan setelah yang panjang dan menguntungkan. Yang paling terkenal adalah “Hamilton,” yang muncul sebagai “The Hamilton Mixtape” pada tahun 2013, tetapi Poughkeepsie juga menjadi perhentian dalam perjalanan “The Wolves,” oleh Sarah DeLappe, “The Humans,” oleh Stephen Karam dan “A Sejarah Musik Populer 24 Dekade,” oleh Taylor Mac.

Itu adalah karya besar, dan begitu juga “Gadis Putih”: Panggung dan Film menjadi tuan rumah Jackson dan perusahaan yang terdiri dari 22 orang, sambil memberikan saran, dukungan, ruang, dan dua magang berbayar. Jackson, yang memenangkan Hadiah Pulitzer 2020 untuk musikalnya “A Strange Loop,” sekarang menuju Broadway, adalah nama besar juga, dan “White Girl” sudah berada di jalur untuk produksi New York, setelah beberapa lokakarya selesai dua tahun terakhir di Vineyard Theatre.

Tapi pertunjukan musim yang lebih kecil, oleh artis yang belum terlalu terkenal, mendapat perlakuan yang sama ketika mereka mulai menjawab pertanyaan-pertanyaan aneh mereka sendiri. Meskipun saya tidak bisa melihat “Selatan,” oleh Florencia Iriondo , yang mengubah musikal lima karakternya menjadi pertunjukan solo sehingga dapat dilakukan dengan lebih mudah di lingkungan pandemi, saya melihat empat produksi lainnya yang ditawarkan, tiga di tenda dan satu online, dengan bintang besar, Billy Porter, terpasang.

Pada tahap apa pun dalam evolusi mereka, dari tempat yang hampir selesai hingga hampir selesai, pertunjukan menerima penayangan yang sama dengan hati-hati dan terlindung. Penonton termasuk beberapa profesional teater tetapi mereka tidak membawa perasaan rumah kaca yang begitu sering dan tidak membantu tergantung pada pekerjaan pembangunan di New York City.

Nah, tenda itu panas, terutama di pertunjukan siang. (Penerimaan termasuk pemeriksaan suhu untuk berjaga-jaga serta kipas kertas yang meriah.) Dan suasananya lebih informal daripada musim-musim sebelumnya, yang diadakan di teater-teater di kampus Vassar College di dekatnya.

Namun, sakelar itu bukan pilihan estetika. Dua minggu sebelum Burney mengumumkan musim pertamanya sebagai direktur artistik, pada Maret 2020, pandemi melanda. Vassar ditutup di tengah liburan musim semi, yang berarti bahwa Panggung dan Film, meskipun berfungsi pada musim panas, tidak dapat melakukannya di sana; asrama yang biasanya menampung seniman dipenuhi dengan barang-barang bekas siswa.

Program Vassar dibatalkan, tetapi beberapa produksi paling menjanjikan musim ini muncul dari bencana. Salah satunya adalah ” Mexodus ,” oleh Brian Quijada dan Nygel D. Robinson, yang dimulai ketika Quijada “menggulir Facebook lama yang bagus bertahun-tahun yang lalu,” katanya kepada saya, dan menemukan sedikit sejarah yang belum pernah dia pelajari, tentang ribuan Orang kulit hitam yang lolos dari perbudakan bukan melalui rute utara yang sudah dikenal, tetapi melalui rute selatan, menuju Meksiko.

“Orang tua saya” yang berasal dari El Salvador “keduanya menyeberang di tahun 70-an,” kata Quijada, yang berarti dari Meksiko ke Amerika Serikat. “Saya ingin menjelajahi cerita perbatasan terbalik ini tetapi tidak tahu bagaimana saya akan melakukannya sendiri.”

Dia tidak harus; Robinson, yang ditemuinya di sebuah konferensi, hadir saat Quijada membagikan idenya; mereka mulai riffing pada ide-ide pada hari berikutnya, termasuk salah satu yang menjadi lagu pertama .

“Itu bisa menjadi proyek gairah kecil,” kata Robinson, “jika Stage and Film tidak menaruh api di bawahnya.”

Api datang dalam bentuk tawaran, kata Quijada, yang pernah bekerja dengan lembaga tersebut sebelumnya: “Mereka berkata, ‘Apakah ada yang ingin Anda lakukan? Kami punya dana.’”

Ini bukan jenis pertanyaan yang biasanya didengar oleh para artis, tidak peduli seberapa berpengalamannya, dari produser. Ketika Quijada dan Robinson mengangkat rahang mereka dari lantai, mereka membagikan ide mereka, yang belum memiliki plot atau struktur.

Stage dan Film menyukainya, menyarankan agar keduanya menulis lagu setiap bulan dari karantina mereka di kota yang berbeda saat mereka membangun cerita menjadi album konsep virtual. Kemudian, ketika teater langsung kembali, Burney berjanji untuk membawa mereka ke Poughkeepsie untuk mengerjakannya secara langsung. “Mereka bahkan mengirimi saya busur baru untuk bass saya,” kata Robinson.

Pada saat kedua pria itu tiba di sini pada bulan Juli, skornya dalam kondisi baik untuk menceritakan kisah yang telah mereka selesaikan, tentang seorang pria kulit hitam yang diperbudak (diperankan oleh Robinson) yang menyeberangi Rio Grande ke Meksiko setelah membunuh seorang pria kulit putih yang telah memperkosa adiknya. Dia hampir mati dalam perjalanan tetapi dirawat kembali oleh seorang petani Meksiko (Quijada) dengan masa lalunya yang bermasalah.

Pertanyaan spesifik yang perlu dijawab oleh penulis adalah teknis: Bagaimana mereka bisa menampilkan musik yang mereka buat secara elektronik selama pandemi, termasuk pengulangan yang sering, di lingkungan langsung?

Ketika saya melihat “Mexodus,” mereka masih menyusun koreografi yang rumit itu, tetapi tidak pernah menghalangi jalan cerita, atau umpan balik yang diterima artis dari penonton.

Pencipta ” Interstate ,” musik pop-rock yang lebih tradisional — jika tentang karakter nontradisional — ingin mengatasi masalah yang lebih tradisional itu sendiri: Bagaimana babak kedua mereka dapat mengembangkan tema yang pertama? Setelah sembilan tahun bekerja, pengaturannya, tentang seorang lesbian dan seorang pria transgender yang melakukan tur sebagai duo bernama Queer Malady, berjalan dengan baik. Tetapi ketika produksi pengembangan di Minneapolis ditutup oleh pandemi, Melissa Li dan Kit Yan merasa bahwa sisa pertunjukan mereka, yang berfokus pada konflik duo dan penggemar yang putus asa, masih membutuhkan pekerjaan. Panggung dan Film masuk.

Presentasi yang saya lihat melewatkan satu jam pertama, memulai hanya dua lagu di bawah jeda yang biasanya. Jika perpendekan itu berarti bertemu dengan karakter di pertengahan arc, itu membuat penonton merasa bertemu dengan pertunjukan di pertengahan arc juga; seperti produksi lainnya di Stage and Film, itu mengungkapkan dirinya sendiri sebelum menjadi batu.

Baca Juga : 5 Gedung Opera Sekaligus Tempat Pertunjukan Teater

Itu sensasi yang cukup unik untuk model pengembangan ini. Namun, produksi statis dari karya baru juga bisa mendebarkan. Itulah yang terjadi dengan acara Porter, ” Sanctuary ,” di mana dia menulis buku, tentang seorang diva pop dengan masalah besar, dan Kurt Carr menulis skor Injil.

Video yang diputar selama lima hari baru-baru ini tidak menyertakan dialog apa pun; Porter mengatakan bahwa karyanya dengan Stage and Film ditujukan untuk mencari tahu nada adegan buku dalam konteks musik yang luar biasa. (Para solois termasuk Deborah Cox dan Ledisi ; Broadway Inspirational Voices adalah paduan suara yang mewah.) Jika itu tidak cukup panggung dan tidak cukup film, “Sanctuary” tetap merupakan jenis Panggung dan Film yang paling baik: membiarkan Anda mengalami pekerjaan baru sebelumnya semua pertanyaannya terjawab.

Penantian Yang di Tunggu-tunggu Seni Teater di St. Paul Bertajuk “Glensheen”
Theater

Penantian Yang di Tunggu-tunggu Seni Teater di St. Paul Bertajuk “Glensheen”

Penantian Yang di Tunggu-tunggu Seni Teater di St. Paul Bertajuk “Glensheen” – Ketika COVID-19 melanda, Teater Sejarah St. Paul membatalkan kembalinya hit terbesarnya, “Glensheen,” dan tur yang telah lama ditunggu-tunggu ke tempat-tempat di Greater Minnesota. Penayangan perdana dunia “Not for Sale” dan “Runestone! A Rock Musical” ditunda, begitu juga dengan versi baru dari “Not in Our Neighborhood.” Rencana pada saat itu adalah untuk membawa kembali “Glensheen” untuk musim mainstage 2020-21, tetapi tidak ada.

toscanaspettacolo

Penantian Yang di Tunggu-tunggu Seni Teater di St. Paul Bertajuk “Glensheen”

toscanaspettacolo – Sementara itu, teater menjangkau penontonnya dengan serangkaian program virtual “Teater Sejarah di Rumah”: pertunjukan streaming dari arsip (“Rez Road 2000,” “Coco’s Diary,” “Sweet Land, the Musical”), “ Raw Stages: New Works Festival” dari naskah baru yang sedang dikembangkan oleh seniman Minnesota, dan percakapan yang disebut “Spilling the HT.”

Pada Jumat sore, kami mengetahui bahwa pertunjukan langsung akan kembali ke panggung History Theatre pada 14 Oktober. Tidak ada “Glensheen” – setidaknya tidak pada jadwal yang diumumkan tetapi barisan drama dan musikal yang solid yang terinspirasi oleh sejarah dan rakyat. Tiket musiman tersedia sekarang.

Baca Juga : Banyak Referensi Teater Musikal Dibalik Lagu-Lagu Schmigadoon

14-24 Oktober: “Tidak di Lingkungan Kami! Sebuah Kisah Keberanian, Iman dan Cinta.” Richard D. Thompson akan mengarahkan drama Tom Fabel dan Eric Wood tentang Nellie dan William Francis, pasangan kulit hitam yang berani membeli rumah pada tahun 1924 di Groveland Park yang serba putih. Pemeran akan mencakup Erin Nicole Farste, Darius Dotch dan James Craven.

20 November-Desember 19: “Natal Ayunan: Pertunjukan USO The Andrews Sisters.” Sebuah konsep ulang klasik liburan History Theatre, diisi dengan lagu-lagu Natal, lagu-lagu Natal, lagu-lagu ayunan, dan penampilan khusus oleh Bing Crosby dan Abbott & Costello. Versi ini membawa surat-surat dari pria dan wanita yang melayani di luar negeri selama Perang Dunia II, pengingat bangsa bersatu untuk kebaikan bersama. Direktur Artistik Ron Peluso akan mengarahkan.

5-27 Februari 2022: “Tidak untuk Dijual: Perumahan Terpisah di Kota Kembar (bukan kecelakaan) atau A Redlining Play.” Edina Realty akan mensponsori kisah Kim Hines dan Barbara Teeds tentang Arnold Weigel, bintang yang sedang naik daun dalam bisnis real estat yang mewakili keluarga kulit berwarna yang mencoba membeli rumah di lingkungan serba putih selama akhir 1950-an dan awal 1960-an. Pemeran akan mencakup Andrew Wheeler, Charity Jones dan Monica Scott. Peluso akan mengarahkan.

19 Maret-10 April: “Taman: Potret Artis Muda.” Kami sudah tidak sabar menunggu drama baru Harrison David Rivers tentang Gordon Parks muda. Kami senang mengetahui bahwa Talvin Wilks akan menyutradarai, Seitu Jones akan melakukan desain pemandangan, dan para pemerannya akan mencakup Dwight Leslie, James A. Williams, JuCoby Johnson, AJ Friday, Ivory Doublette, Mikell Sapp, dan Pearce Bunting.

07-29 Mei: “Batu Rune! Musikal ‘Rock’ .” Kutipan di sekitar “rock” mengisyaratkan apa yang kita inginkan: musikal tentang runestone Kensington Minnesota sendiri. Asli atau palsu? Tyler Michaels King akan mengarahkan “musik rock ‘n roll yang aneh” dengan buku dan lirik oleh Mark Jensen, musik dan lirik oleh Gary Rue, dan Sasha Andreev yang serba bisa sebagai Olaf.

NEA menamai 2022 Jazz Masters

Kembali pada tahun 2011, ketika produser Broadway Rocco Landesman memimpin National Endowment for the Arts , dia pikir itu akan menjadi ide yang baik untuk menghapus beberapa penghargaan seni NEA, membuang semua seni menjadi dua tumpukan dan membagikan sesuatu yang disebut Penghargaan NEA American Artists of the Year, masing-masing dalam Seni Pertunjukan dan Seni Visual.

Sesaat sebelumnya, Landesman mengatakan dalam konferensi teater bahwa AS memiliki terlalu banyak organisasi seni, dibandingkan dengan jumlah penontonnya. “Permintaan tidak akan meningkat,” tambahnya, “jadi sekarang saatnya berpikir untuk mengurangi pasokan.”

Pemotongan anggaran NEA berakhir dalam proposal anggaran 2012 Presiden Barack Obama. Jika mereka diterima, penghargaan NEA Jazz Masters, penghargaan tertinggi bangsa dalam jazz selama 30 tahun, akan memudar, karena sepasti Tuhan menciptakan ayunan, seorang seniman jazz tidak akan pernah memenangkan kategori Seni Pertunjukan. Bahkan jika penghargaan American Artists of the Year bahkan bertahan lebih dari satu atau dua tahun.

Ajaibnya, Panitia Alokasi DPR menolak program Jazz Masters yang ditiadakan. Dan itulah mengapa kita dapat merayakan tahun ke-39 dari penghargaan bergengsi ini. Oscar jazz, jika Anda mau, atau Kennedy Center Awards jazz, baru saja menambahkan master tahun ini ke jajarannya. Mereka adalah bassis Stanley Clarke, drummer Billy Hart, dan vokalis Cassandra Wilson, semuanya bernama 2022 NEA Jazz Masters, dan pemain saksofon Donald Harrison Jr., penerima 2022 AB Spellman NEA Jazz Masters Fellowship for Jazz Advocacy.

Masing-masing akan menerima penghargaan uang tunai $25.000, dan semua akan dihormati dalam konser gratis 31 Maret 2022, yang diproduksi oleh SFJAZZ di San Francisco di hadapan penonton langsung dan streaming langsung online.

V untuk virtual, L untuk live dan tatap muka.

V Streaming sekarang di pbs.org: American Experience: “Freedom Summer.” Aktivis, guru aljabar dan tentara salib yang bersuara lembut, Bob Moses sedang mengajar sekolah menengah di New York City ketika Komite Koordinasi Non-Kekerasan Siswa (SNCC) mengirimnya ke Mississippi untuk mendaftarkan pemilih kulit hitam. Dia membantu mengatur kampanye sipil akar rumput terbesar yang pernah ada di negara itu. Moses meninggal hari Minggu di rumahnya di Hollywood, Florida. Dia berusia 86 tahun. Program ini awalnya ditayangkan pada tahun 2014. Tonton di situs web atau aplikasi video PBS.

L Rabu, 28 Juli, 19:30 di Icehouse : Tall Tales: acara perilisan album “Taller Tales”. Album eponim mereka keluar pada tahun 2015 di label jazz kolektif lokal Shifting Paradigm Records . Sekarang gitaris Dean Granros dan Zacc Harris, Chris Bates pada bass dan Jay Epstein pada drum kembali dengan volume 2 musik yang tidak dapat diprediksi, semuanya belum pernah dirilis sebelumnya: dreamy, playful, woozy, dengan “I Mean You” Monk diselipkan. Bayar sampul $20 dan dapatkan kartu unduh album gratis. Ini adalah rilis digital saja. Pertunjukan dalam ruangan. Pintu jam 6 sore FMI.

L Rabu sampai Jumat, 28-30 Juli, 19:30 di Como Lakeside Pavilion : Opera di Danau Menghadirkan Operetta Di Bawah Bintang.Penyanyi sopran kelahiran Minnesota, Wina, Anne Wieben membuat kejutan di musim panas 2019 dengan debut perusahaannya dan produksi terbuka Strauss “Die Fledermaus.” Dia akan kembali pada tahun 2020 tetapi Anda tahu.

Alih-alih mempersembahkan satu karya, persembahan tahun ini akan menjadi kumpulan aria, duet, dan ansambel dari “Fledermaus”, “Die Lustige Witwe” (Janda Merry) karya Lehar, “Die Czardasfüstin” karya Kalman (Putri Czardas, Putri Gipsi atau Gadis Riviera, tergantung pada siapa Anda bertanya) dan banyak lagi. Pemain termasuk Wieben, Alicia O’Neill, Ariana Strahl, KrisAnne Weiss, Justin Spenner dan David Walton, dengan pianis Lindsey Huff Breitschaedel dan Direktur Musik Marco Real d’Arbelles pada biola. FMI dan tiket ($25).

Baca Juga : Sejarah Prince’s Teater Bristol, Gedung Yang Dihancurkan Oleh Pengeboman

L Kamis, 29 Juli, 18: 00-20 : 00 di Galeri Bockley : Peluncuran buku “Jim Denomie Sketch Work”. Ke-174 sketsa yang dibuat selama beberapa dekade merupakan gambaran sekilas tentang imajinasi, perjalanan, mimpi, kehilangan, dan proses kreatif Denomie. Sketsa disertai dengan esai oleh seniman Andrea Carlson dan kurator Robert Cozzolino. Buku ini diterbitkan pada tahun 2020 dan akhirnya akan terlambat diluncurkan.

Denomie akan hadir untuk menandatangani buku dan cetakan baru dari sketsa terpilih. Hanya pada hari Kamis, 14 cetakan sketsa (16″ x 20″) akan tersedia seharga $50 masing-masing. Galerinya kecil, kita berada dalam gelombang panas, dan varian delta tidak main-main. Yang pasti, pakai masker kalau belum divaksin. Err di sisi hati-hati dan memakai satu bahkan jika Anda.

Banyak Referensi Teater Musikal Dibalik Lagu-Lagu Schmigadoon
Theater

Banyak Referensi Teater Musikal Dibalik Lagu-Lagu Schmigadoon

Banyak Referensi Teater Musikal Dibalik Lagu-Lagu Schmigadoon – Tersesat di hutan dalam perjalanan backpacking yang dimaksudkan untuk menghidupkan kembali hubungan mereka, Melissa Cecily Strong dan Josh Keegan-Michael Key mengembara ke kota ajaib yang terdengar agak akrab: Schmigadoon.

toscanaspettacolo

Banyak Referensi Teater Musikal Dibalik Lagu-Lagu Schmigadoon

toscanaspettacolo – Jika Anda akrab dengan musikal, seperti Melissa, Anda mungkin mengenali judul itu sebagai sandiwara di Brigadoon , pertunjukan Lerner dan Loewe tentang kota Skotlandia yang muncul setiap 100 tahun sekali. Anda juga mungkin menyadari bahwa, segera setelah semua orang mulai bernyanyi di Melissa dan Josh (sangat mengganggu Josh), mereka semua terdengar seperti berasal dari musikal abad pertengahan zaman keemasan lainnya juga.

Saat serial Apple TV baru dibuka, Melissa dan Josh menemukan diri mereka berada di tengah serangkaian alur cerita, solo, dan nomor produksi yang saling bersilangan yang dengan gembira merujuk semuanya dari Oklahoma!to Guys and Dolls dan The Music Man , dibawakan oleh sekelompok aktor komedi dan teater pilihan, termasuk Kristin Chenoweth, Ariana DeBose, dan Aaron Tveit.

Baca Juga : Awal Mula Sejarah Teater Bolshoi

“Saya diserang dari semua sudut oleh teater musikal pada usia yang cukup dini,” kata Cinco Paul, yang membuat serial tersebut bersama Ken Daurio , kepada Vulture. Paul tumbuh dengan menonton musikal bersama ibunya, dan menulis semua lagu untuk Schmigadoon! berdasarkan keakrabannya dengan genre; ada juga orkestrasi oleh Doug Besterman, pengawasan musik oleh David Chase, dan musik oleh Christopher Willis.

Setiap angka di Schmigadoon!lahir dari jenis lagu tertentu dalam musikal tahun 1930-an hingga 1960-an seperti permohonan penjaja karnaval nakal kepada seorang wanita yang baru saja ditemuinya, ode istri yang penuh kasih untuk suaminya yang bermasalah, atau nomor grup tentang kesenangan puding — meskipun berputar menjadi langkah komedi sendiri. “Satu hal yang saya lakukan sejak awal adalah saya mendapatkan skor untuk semua musikal ini dan memainkannya dengan piano sehingga saya memilikinya di tulang saya,” kata Paul, “sehingga saya akan meniru mereka tetapi tidak sepenuhnya meniru mereka.”

Dengan enam episode musim pertama yang sekarang ditayangkan di Apple TV+, kami meminta Paul untuk berbicara kepada kami tentang asal usul nomor musik di setiap episode, dan cerita di balik referensi mereka. Kami akan memperbarui posting ini sebagai episode perdana baru, jadi periksa kembali sebagai Schmigadoon! muncul kembali dari kabut setiap minggu.

Episode 1: ‘Schmigadoon!’

“Schmigadoon!,” episode pertama Schmigadoon!, memperkenalkan kota Schmigadoon dengan nomor grup tentang, yah, Schmigadoon khususnya, betapa hebatnya itu. Pikirkan “Camelot” dari Camelot , atau “Oklahoma” dari Oklahoma! , atau “Ini Hari Biasa” dari Li’l Abner. Paul memulai di sini dengan apa yang dia anggap sebagai “versi malas dari lagu teater musikal,” yang mereka gunakan dalam menampilkan pertunjukan, tetapi kemudian berputar kembali untuk menulis ulang versi lengkap dari lagu tersebut setelah proyeknya menyala hijau.

“Saya benar-benar memutuskan itu perlu memanggil Rodgers dan Hammerstein lebih banyak daripada versi pertama yang saya lakukan, karena ini adalah lagu pertama di sini,” kata Paul. Untuk itu, lagu tersebut kini diakhiri dengan sangat Oklahoma! pelajaran mengeja semua orang meneriakkan “S! C! H! M! SAYA! G! SEBUAH! D! Hai! Hai! N!”

“Saya menelepon Doug dan David dan berkata, ‘Jangan bangkrut, perpanjang itu selama Anda bisa,'” kata Paul. “Mereka menambahkan ‘schmiga!, schmiga!, schmiga!’ dan ejaannya, yang jenius, karena semakin lama semakin menyiksa Josh. Awalnya enam atau tujuh menit, tapi ada garis tipis antara menyiksa Josh dan menyiksa seluruh penonton Anda.”

“You Can’t Tame Me”

Schmigadoonian pertama yang mendapatkan lagunya sendiri adalah pemenang Tony Award yang tak terelakkan di masa depan, Aaron Tveit sebagai Danny Bailey, seorang carny yang kasar-dan-jatuh (dalam istilah teater musikal) yang sangat mirip dengan Carousel ‘ s tragis Billy Bigelow . Danny menggoda Melissa seolah-olah dia sedang memerankan “adegan bangku” yang terkenal di Carousel (perhatikan bunga), dengan dia mengomentari nyanyiannya saat itu terjadi, tidak sepenuhnya tertarik ke dalam musikal. Seperti halnya “Schmigadoon”, Paul telah menulis versi yang lebih umum dari lagu cinta untuk Danny Bailey saat mengajukan pilot serial TV, tetapi kemudian merevisinya menjadi riff yang lebih spesifik untuk pertunjukan tersebut.

“Dengan ‘You Can’t Tame Me,’ saya menyadari bahwa saya perlu menggali dunia Billy Bigelow ini, dan jika Anda akrab dengan Carousel , Anda dapat melihat referensi itu dengan jelas,” kata Paul. “Semakin otentik lagu-lagunya, semakin baik karya komedinya.”

“Corn Puddin’”
Asal-usul grup besar yang konyol ini sederhana saja, menurut Paul: “Lagu apa yang akan paling mengganggu Josh? Jika seseorang membenci musikal, lagu apa yang paling membuat mereka gila?”

Secara kebetulan, nomor yang dihasilkan, yang mengacu pada tarian kelompok Seven Brides for Seven Brothers dan omong kosong murni “Shipoopi”, juga merupakan lagu yang pertama kali didengar oleh Paul. “Saya ingat berjalan di jalan di Upper West Side dan berpikir, ‘Anda memasukkan jagung ke dalam puding dan puding di mangkuk dan mangkuk di perut Anda dan itu baik untuk jiwa,'” kata Paul, “dan kemudian Saya pikir, Ada sesuatu di sana .” Meski lagunya adalah earworm yang membuat Anda mendambakan camilan berkarbohidrat, Paul memang harus mengakui, “Saya belum pernah benar-benar mencicipi puding jagung, jadi saya hanya tahu secara konseptual.”

Episode 2: ‘Lovers’ Spat’

Setelah diberitahu oleh penyanyi leprechaun yaitu Martin Short di akhir episode pertama bahwa mereka tidak dapat meninggalkan Schmigadoon tanpa cinta sejati, Melissa dan Josh beralih ke pertengkaran kekasih, yang dibesar-besarkan oleh penduduk kota di belakang mereka . Ada beberapa koreografer memukul (referensi ke kekerasan dalam rumah tangga dimaafkan di Carousel ), sementara musik referensi lagu Pasifik Selatan ‘s ‘Ada Apakah Nothin’ Seperti Dame,’ Pajama permainan ‘s ‘Sekali-a-Tahun-Day,’ dan, seperti menempatkan Paulus itu, “yang relatif tidak jelas” dan kurang sukses secara komersial Rodgers dan Hammerstein kolaborasi Pipe Mimpi ‘s ‘Partai itu kita akan punya Besok Malam.’Saat-saat “dia bilang” dan “dia bilang”? Itu mungkin mengingatkan Anda pada “Ini Hari yang Sangat Panjang” dari Cara Sukses Bisnis Tanpa Benar-benar Berusaha.

“Suatu Tempat Cinta Sedang Menunggumu”

Saat Melissa mulai mengenal kota dengan lebih baik, dia akhirnya mencari nasihat dari Walikota Alan Cumming Menlove, yang menyanyikan tentang cinta tak berbalas dalam istilah yang membuatnya jelas bahwa dia benar-benar mencintai pria. “Gagasan mendasar dari awal adalah bahwa ada karakter berkode queer dari musikal yang tidak sepenuhnya diizinkan menjadi diri mereka sendiri selama zaman keemasan,” kata Paul, “dan Melissa sebagai karakter yang suka memperbaiki keadaan. akan berusaha memperbaikinya.”

Untuk lagu Menlove, Paul menulis solo yang megah “dalam mode operet” dengan cara yang sesuai dengan karakter Menlove yang agak kuno, dan sebagai anggukan pada asal-usul bentuk musiknya.

“Enjoy the Ride”

Saat godaan Melissa dengan Danny Bailey berlanjut, dia bisa menyanyikan lagu lengkap pertamanya bersamanya (sampai sekarang, dia baru saja mengumpulkan beberapa sajak untuk berpartisipasi dalam “Corn Pudding”). Pada titik ini dalam pertunjukan, Josh dengan tegas menolak untuk bernyanyi, tetapi Melissa telah mulai terlibat dengan dunia Schmigadoon, bahkan jika itu semua masih ada untuknya. “Dia melihat Guys and Dolls dan tahu ‘If I Were a Bell’ dan itu sangat sadar,” kata Paul. “Dia berbicara tentang itu sebagai ‘mudah, tanpa usaha,’ tapi itu kebalikan dari tanpa usaha.” Ketika lagu itu diulang di akhir musim, itu menandakan saat ketika Melissa berada di titik terendahnya dan benar-benar mulai bernyanyi dari hatinya.

Baca Juga : 4 Gedung Pertunjukan Teater di Bristol

Saat Melissa dan Danny bernyanyi bersama, Schmigadoon! juga memasukkan sebuah syair dari Dove Cameron, yang memerankan putri seorang petani muda yang usianya tidak pasti. (Alih-alih “menikmati perjalanan,” dia bernyanyi tentang menunggu “sampai aku menjadi pengantin.”) “Dia sangat Ado Annie,” kata Paul, merujuk pada karakter muda, polos dan seksi dari Oklahoma! “Tapi kami juga bermain dengan gagasan bahwa aktris yang memerankan remaja dalam musikal sangat jauh dari masa remaja mereka.”

Awal Mula Sejarah Teater Bolshoi
Theater

Awal Mula Sejarah Teater Bolshoi

Awal Mula Sejarah Teater Bolshoi – The Bolshoi Theater adalah teater bersejarah di Moskow , Rusia , awalnya dirancang oleh arsitek Joseph Bové , yang memegang balet dan opera pertunjukan. Saat sebelum Revolusi Oktober itu merupakan bagian dari Teater Imperial dari Imperium Rusia bersama dengan Maly Theater( Pentas Kecil) di Moskow serta sebagian bioskop di Saint Petersburg( Pentas Hermitage, Pentas Bolshoi( Kamenny), setelah itu Pentas Mariinsky serta yang lain).

toscanaspettacolo

Awal Mula Sejarah Teater Bolshoi

toscanaspettacolo – The Bolshoi Ballet serta Bolshoi Opera merupakan satu di antara balet serta opera industri tertua serta sangat populer di bumi. Ini merupakan industri balet terbanyak di dunia, dengan lebih dari 200 penari. Teater merupakan industri benih dari Perguruan tinggi Balet Bolshoi, sekolah balet terkenal yang populer di dunia. Beliau mempunyai cabang di Sekolah Teater Bolshoi di Joinville, Brasil.

Gedung penting teater, yang dibentuk kembali serta direnovasi sebagian kali sepanjang sejarahnya, ialah landmark Moskow serta Rusia( faade neoklasiknya yang ikonik ditafsirkan pada uang kertas 100 rubel Rusia).

Baca Juga : Mengenal Semua Tentang Teater Globe Shakespeare

Pada 28 Oktober 2011, Bolshoi dibuka kembali sehabis penyempuraan megah sepanjang 6 tahun. Bayaran sah penyempuraan merupakan 21 miliyar rubel($688 juta). Tetapi, daulat Rusia yang lain serta orang lain yang terpaut dengannya mengklaim lebih banyak uang khalayak yang dihabiskan. Penyempuraan tercantum memperbaiki akustik ke kualitas aslinya( yang sudah lenyap sepanjang Masa Soviet), dan memperbaiki riasan Imperial asli Bolshoi.

Perusahaan ini didirikan pada tanggal 28 Maret [OS 17 Maret] 1776, ketika Catherine II memberikan izin kepada Pangeran Peter Urusov untuk menyelenggarakan pertunjukan teater, bola, dan bentuk hiburan lainnya. Urusov mendirikan teater bekerja sama dengan pejalan kaki tali Inggris Michael Maddox.

Awalnya, ia mengadakan pertunjukan di rumah pribadi, tetapi memperoleh Teater Petrovkadan pada 30 Desember 1780, ia mulai memproduksi drama dan opera, sehingga mendirikan apa yang akan menjadi Teater Bolshoi.

Api menghancurkan Teater Petrovka pada tanggal 8 Oktober 1805, dan Teater Kekaisaran Arbat Baru menggantikannya pada tanggal 13 April 1808, namun juga terbakar selama invasi Prancis ke Moskow pada tahun 1812.

Teater pertama dibangun antara tahun 1821 dan 1824, dirancang dan diawasi hingga selesai oleh arsitek Joseph Bové berdasarkan desain pemenang kompetisi awal yang dibuat oleh arsitek Rusia yang berbasis di Petersburg Andrei Mikhailov yang dianggap terlalu mahal untuk diselesaikan.

Bové juga secara bersamaan merancang Teater Maly di dekatnya dan Alun-Alun Teater di sekitarnya , Gedung baru dibuka pada 18 Januari 1825 sebagai Teater Bolshoi Petrovsky dengan pertunjukan balet Fernando Sor , Cendrillon . Awalnya hanya menampilkan karya-karya Rusia, tetapi komposer asing memasuki repertoar sekitar tahun 1840.

Renovasi pada abad ke-19

Pada tahun 1843, rekonstruksi teater berskala besar dilakukan dengan menggunakan rancangan A. Nikitin, tetapi kebakaran pada tahun 1853 menyebabkan kerusakan parah dan oleh karena itu rekonstruksi lebih lanjut dilakukan, oleh Alberto Cavos , putra komposer opera Catterino Cavos . Pada 20 Agustus 1856, Teater Bolshoi dibuka kembali. Perbaikan lain dari bangunan terjadi pada tahun 1896.

Abad ke-20

Pada tanggal 7 Desember 1919, rumah itu berganti nama menjadi Teater Bolshoi Akademik Negara . Namun, hanya beberapa hari kemudian, pada 12 Desember, ada upaya yang gagal untuk menutup lembaga itu sepenuhnya. Beethoven Hall dibuka pada 18 Februari 1921. Ivan Rerberg mengarahkan rekonstruksi teater lebih lanjut antara tahun 1921 dan 1923. Sebuah bom merusak struktur selama Perang Dunia II, tetapi ini segera diperbaiki.

Tahap baru tahun 2002

Sebuah panggung baru untuk Teater Bolshoi, yang disebut Panggung Baru, mulai beroperasi pada 29 November 2002, dibangun di sebelah kiri panggung utama bersejarah teater itu. Bersama dengan bangunan tambahan bangunan abad ke-17 yang telah dipugar, dua aula latihan, dan ruang rekreasi seniman bangunan ini membentuk satu kompleks teater, Teater Bolshoi Rusia . Bangunan baru itu berada di atas bukit alami yang hingga saat ini berbagi blok rumah-rumah tua dengan apartemen komunal.

Pembangunan kembali dan renovasi besar-besaran (2005–2011)

Dari Juli 2005 hingga Oktober 2011 teater ditutup untuk restorasi. Itu telah mengalami banyak renovasi pada masanya, tetapi tidak ada yang ekstensif. Bangunan, yang arsitekturnya menggabungkan tiga gaya berbeda , rusak dan renovasi cepat tampaknya diperlukan.

Perbaikan awalnya diperkirakan mencapai 15 miliar rubel ($610 juta) tetapi para insinyur menemukan bahwa lebih dari 75% struktur tidak stabil, dan sebagai hasilnya, perkiraan biaya melonjak menjadi 25,5 miliar rubel (sekitar $850 juta).

Namun, pada penyelesaian pekerjaan, diumumkan bahwa hanya 21 miliar rubel ($688 juta) yang telah dihabiskan. Menurut The Moscow Times , biaya sebenarnya mungkin dua kali lipat, dan Der Spiegel mengutip angka $1,1 miliar. Pembangunan kembali dan renovasi didanai sepenuhnya oleh pemerintah federal.

Selama periode rekonstruksi yang panjang, perusahaan terus meningkatkan produksi, dengan pertunjukan yang diadakan di Panggung Baru dan di atas panggung Istana Kremlin Agung .

Renovasi tersebut termasuk peningkatan akustik, untuk mencoba meniru suara yang diyakini telah ada pada zaman pra-Soviet, dan restorasi dekorasi Imperial yang asli. Pondasi bangunan dan tembok bata direset secara menyeluruh.

Di dalam, seluruh ruang dilucuti dari bawah ke atas. Perlengkapan kayu abad ke-19, tirai panggung perak, dan perjamuan beludru merah buatan Prancis dipindahkan untuk diperbaiki di bengkel spesialis. Di luar, di atas fasad, elang berkepala dua dari lambang Rusia asli dipasang di tempat palu dan arit Soviet telah dipasang selama beberapa dekade.

Akhirnya, pada tanggal 28 Oktober 2011, Teater Bolshoi dibuka kembali dengan konser yang menampilkan artis internasional dan perusahaan balet dan opera. Opera pertama yang dipentaskan, Ruslan dan Lyudmila , segera menyusul.

Balet dan opera

Bolshoi adalah sebuah teater perbendaharaan , yang berarti bahwa ia menarik dari daftar produksi, salah satu yang dapat dilakukan pada malam tertentu. Ini biasanya memperkenalkan dua hingga empat produksi balet atau opera baru setiap musim dan menahan jumlah yang sama.

Set dan kostum untuk sebagian besar produksi dibuat di bengkel Bolshoi sendiri. Para penampil diambil terutama dari balet reguler dan perusahaan opera Bolshoi, dengan pertunjukan tamu sesekali.

Sejak pembubaran Uni Soviet, ada beberapa upaya untuk mengurangi ketergantungan tradisional teater pada subsidi negara yang besar. Sponsor perusahaan terjadi untuk beberapa produksi, tetapi pendanaan negara masih menjadi sumber kehidupan perusahaan.

Bolshoi telah dikaitkan sejak awal dengan balet. Tchaikovsky ‘balet s Swan Lake perdana di teater pada tanggal 4 Maret 1877. staples lain dari repertoar Bolshoi termasuk Tchaikovsky The Sleeping Beauty dan The Nutcracker , Adam Giselle , Prokofiev ‘ s Romeo dan Juliet , dan Khachaturian ‘s Spartacus.

Kepala konduktor balet dari tahun 1923 hingga 1963 adalah Yuri Fayer

Setelah kematian Joseph Stalin , perusahaan melakukan tur internasional dan menjadi sumber prestise budaya yang penting, serta pendapatan mata uang asing. Akibatnya, “Balet Bolshoi” menjadi nama terkenal di Barat.

Namun, Bolshoi menderita kerugian melalui serangkaian pembelotan para penarinya. Kejadian pertama adalah pada 23 Agustus 1979, dengan Alexander Godunov diikuti oleh Leonid Kozlov dan Valentina Kozlova pada 16 September 1979; dan kasus-kasus lain di tahun-tahun berikutnya. Bolshoi terus melakukan tur secara teratur dengan produksi opera dan balet di era pasca-Soviet.

Perusahaan opera mengkhususkan diri dalam klasik opera Rusia seperti Mussorgsky ‘s Boris Godunov, Glinka ‘ s A Life untuk Tsar , dan Rimsky-Korsakov ‘s The Tsar Bride , serta opera Tchaikovsky. Banyak opera karya komponis barat juga dipentaskan, terutama karya komponis Italia seperti Rossini, Verdi, dan Puccini.

Sampai pertengahan 1990-an, sebagian besar opera asing dinyanyikan dalam bahasa Rusia, tetapi bahasa Italia dan bahasa lainnya lebih sering terdengar di panggung Bolshoi dalam beberapa tahun terakhir.

Beberapa opera, seperti Borodin’s Prince Igor , menyertakan rangkaian balet yang ekstensif. Banyak produksi, terutama opera klasik Rusia, dilakukan dalam skala besar, dengan puluhan penyanyi dan penari berkostum di atas panggung untuk adegan keramaian atau festival.

Orkestra

Orkestra Teater Bolshoi adalah ansambel virtuoso dalam dirinya sendiri. Ini memberikan konser sesekali musik simfoni di teater dan di tempat lain, dan telah membuat rekaman. Selama beberapa dekade, ia telah melakukan tur ke luar negeri sebagai “Orkestra Teater Bolshoi”, “Orkestra Simfoni Bolshoi” dan, yang terbaru, sebagai “Orkestra Bolshoi”.

Baca Juga : Arnolfini, Pusat Seni Teater Internasional

Direktur musik dan kepala konduktor, Vassily Sinaisky , berhenti tiba-tiba pada awal Desember 2013, setelah 41 bulan masa jabatan, dengan alasan perlunya menghindari konflik.

Direktur Jenderal Vladimir Urin segera menerima pengunduran dirinya dan memilih Tugan Sokhiev sebagai penggantinya. Kontrak empat tahun Sokhiev, diselesaikan pada 20 Januari 2014 dan segera berlaku efektif. Kepala baru juga memegang konduktor di Toulouse dan Berlin.

Mengenal Semua Tentang Teater Globe Shakespeare
Theater

Mengenal Semua Tentang Teater Globe Shakespeare

Mengenal Semua Tentang Teater Globe Shakespeare – Globe Theatre , teater London yang terkenal di mana setelah tahun 1599 dramaWilliam Shakespeare dilakukan. Pada awal tahun 1599 Shakespeare, yang telah berakting dengan Lord Chamberlain’s Men sejak 1594, membayar ke kas perusahaan sejumlah uang sebesar 12,5 persen dari biaya pembangunan Globe.

toscanaspettacolo

Mengenal Semua Tentang Teater Globe Shakespeare

toscanaspettacolo – Ia melaksanakannya sebagai pemegang saham penting di industri, serta dengan melaksanakan itu ia menolong membuat wujud pembedahan menguntungkan yang istimewa serta berhasil untuk para bintang film dikala itu. Pemodalan ini berikan Shakespeare serta aktor- aktor terkenal yang lain bagian dalam profit industri serta bagian dalam rumah main mereka.

Pada saat ini, rumah bermain yang disetujui secara resmi dan perusahaan akting yang disetujui secara resmi telah ada di London hanya selama lima tahun.

The Lord Chamberlain’s Men adalah salah satu dari hanya dua perusahaan yang memiliki izin untuk tampil di dalam batas kota London. (Untuk lebih lanjut tentang subjek ini, lihat Sidebar: Shakespeare and the Liberties .) Perusahaan lain menggunakan playhouse Rose , yang dimiliki oleh seorang impresario dan mantan menantu aktornya.

Baca Juga : 10 Fakta Menarik Tentang Teater Yunani Kuno

Rumah bermain terbaik kedua

Industri Shakespeare membuat Globe cuma sebab tidak bisa memakai sarana beratap spesial, Teater Blackfriars, ituJames Burbage( ayah dari bintang film penting mereka, Richard Burbage) sudah dibentuk pada tahun 1596 buat itu di dalam kota.

Burbage yang lebih tua memiliki sejarah panjang sebagai pengusaha teater . Pada tahun 1576 ia membangun amfiteater pertama yang sukses , yang dikenal sebagai TheTeater , di pinggiran kota London.

Dua puluh tahun kemudian, ketika sewa tanah The Theatre hampir habis, ia membangun teater di Blackfriars sebagai penggantinya. Tapi penduduk kaya Blackfriars membujuk pemerintah untuk memblokir penggunaannya untuk drama, jadi ibukota Burbage dikunci. Dia meninggal pada awal tahun 1597, rencananya untuk masa depan teater di London gagal.

Dengan demikian, para anggota Lord Chamberlain’s Men terpaksa menyewa rumah bermain. Pada akhir 1598, mereka memutuskan untuk membangunnya sendiri. Karena warisan putra Burbage, Cuthbert dan Richard, terikat di Blackfriars, mereka membentuk konsorsium dengan Shakespeare dan empat aktor lainnya, yang menjadi pemilik bersama Globe baru.

Kekurangan uang yang serupa membuat asosiasi tradisionalis sungkan; mereka membebaskan ilham pentas dalam ruangan di kota. Rumah main lama merupakan salah satu dari sedikit pangkal energi mereka yang tertinggal, namun mereka tidak bisa memakainya di tempat sebab era sewanya sudah selesaia, jadi mereka membongkarnya, mengutip kusen( dengan cara bawah tangan) buat membuat kerangka amfiteater terkini mereka, serta menjaga auditorium dasar. wujud Teater buat bangunan terkini.

Kesuksesan Globe

Untuk semua pembangunannya yang terburu-buru pada tahun 1599, Globe terbukti menang. Dekade pertama penggunaan membuatnya menjadi favorit tidak hanya dengan generasi berikutnya dari penonton teater tetapi dengan perusahaan itu sendiri. Di tahun-tahun berikutnya, rombongan itu membayar banyak untuk mempertahankannya.

Paling tidak 2 kondisi membagikan fakta buat statment ini. Pada tahun 1608, istimewa tidak cuma selaku ilustrasi sangat populer dini James Burbage buat Blackfriars, para badan memilah, dengan cara boros, buat melaksanakan 2 pentas bersama- sama, memakai Globe terbuka di masa panas serta Blackfriars beratap di masa dingin.

Jika mereka memilih, mereka dapat dengan mudah menyewa salah satu bangunan ke perusahaan lain, karena ada kekurangan rumah bermain di London pada periode ini. Tapi mereka menyimpan keduanya untuk diri mereka sendiri.

Mereka diberi kesempatan kedua untuk pindah penuh waktu ke Blackfriars pada tahun 1613,Henry VIII . Pada saat itu Blackfriars sudah mulai menghasilkan keuntungan yang lebih baik daripada Globe, karena ukuran rumah yang lebih kecil lebih dari kompensasi dengan harga yang lebih tinggi.

Sebagai gantinya, menanggung biaya dari sentimen dan loyalitas tradisional, anggota perusahaan merogoh kocek dalam-dalam dan membangun kembali Globe dengan lebih indah dari sebelumnya.

Dengan cara teknis, Globe 1599 serta penggantinya tahun 1614 melingkupi masa dalam asal usul konsep pentas. Globe awal, bersumber pada kerangka Teater asli tahun 1576, istimewa tidak cuma selaku ilustrasi sangat populer dari wujud konsep pentas yang abnormal serta dewasa pendek, namun sebab itu sesungguhnya yang awal dibentuk spesial buat akting yang terdapat industri serta dibiayai oleh industri itu sendiri.

Shakespeare dirancang Seperti yang Anda Suka , Hamlet , Twelfth Night , Othello , Semua Baik Itu Berakhir dengan Baik , Ukuran untuk Ukuran , King Lear , Macbeth , Antony dan Cleopatra , Coriolanus, Pericles , dan The Winter’s Tale , belum lagi Troilus dan Cressida dan Timon of Athens , untuk pertunjukan di sana.

Desain Globe

Desain Teater asli menanggapi campuran tradisi. Namanya, yang hingga saat itu telah digunakan untuk atlas (seperti Mercator’s) dan bukan untuk gedung pertunjukan, menarik perhatian pada tradisi teater Romawi.

Bentuknya yang melingkar, bagaimanapun, tidak mencerminkan bentuk-D dari amfiteater Romawi tetapi kumpulan orang banyak dalam lingkaran di sekitar para aktor di pasar kota, tempat semua pemain tahun 1576 mendapatkan pelatihan mereka.

Konsep membangun scaffold dengan galeri tiga tingkat yang mengelilingi halaman melingkar menirukan penataan rumah-rumah bearbaiting dan bullbaiting yang sudah ada. Panggung, platform yang dipasang di halaman, adalah jenis hal yang didirikan oleh perusahaan perjalanan di halaman penginapan.

Teater lama adalah struktur 20-sisi, sedekat mungkin dengan lingkaran yang dibuat oleh tukang kayu Elizabeth. Tingginya lebih dari 30 kaki (9 meter), dengan tiga tingkat tempat duduk di galerinya.

Akses penonton bisa melalui dua lorong sempit di bawah galeri ke ruang berdiri halaman di sekitar panggung atau naik dua menara tangga eksternal ke bagian belakang galeri. Lima dari 20 teluk galeri terputus oleh adegan frons, atau dinding rumah yang melelahkan, di belakangnya para aktor menyimpan perlengkapan, kostum, dan buku pedoman mereka dan mempersiapkan diri untuk penampilan mereka.

Panggung adalah platform setinggi 5 kaki (1,5 meter) yang menonjol dari rumah yang melelahkan ke tengah halaman. Dua pos berdiri menutupi panggung yang melindungi para pemain dan kostum mahal mereka dari hujan. Penonton yang berdiri di halaman tidak memiliki penutup, meskipun saat hujan mereka bisa membayar lebih dan berlindung di galeri paling bawah.

The Globe mereproduksi bentuk lama ini, dengan beberapa inovasi terutama dalam lukisan segar dan dekorasi area panggung. Masing-masing dari empat amfiteater London yang paling dikenal oleh para sarjana, theMawar , ituSwan , Globe, danFortune , memiliki ruang auditorium dengan ukuran tertentu, sekitar 10 kaki 6 inci (kira-kira 3 meter) dari depan ke belakang dan lebar rata-rata 14 kaki (sekitar 4 meter).

Globe dan Fortune, dan mungkin Swan, semuanya memiliki 20 teluk, sedangkan Rose yang lebih kecil memiliki 14. Tempat duduk dalam bentuk derajat (bangku kayu disapu ke atas ke belakang), bersama dengan atap di atas galeri paling atas, disediakan semua kenyamanan tanpa bantal yang diharapkan Elizabethans.

Beberapa kamar disediakan untuk yang paling istimewa di balkon panggung itu sendiri. Termasuk ruang untuk hampir seribu pelanggan untuk berdiri di halaman di sekitar panggung, Rose kecil memiliki total kapasitas sekitar 2.400 orang, sementara perkiraan kontemporer dari total kapasitas penonton di Swan and the Globe mengklaim 3.000 orang.

Panggungnya besar, lebarnya 43 atau 44 kaki (sekitar 13 meter) dan dalamnya 27 kaki atau lebih (sekitar 8 meter). Dua tiang panggung sangat besar, karena mereka harus menopang penutup besar, atau surga, yang memiliki pintu jebakan di dalamnya dengan mesin kerek untuk memutar anak laki-laki yang bermain dewa ke atas panggung.

Di bawah pintu jebakan langit ada satu di panggung, yang berfungsi sebagai titik masuk untuk hantu Raja Hamlet dan kuburan untuk Ophelia. Dinding rumah yang melelahkan memiliki dua pintu di sisinya untuk pintu masuk dan keluar dan bukaan tengah, biasanya ditutupi oleh satu set gantungan (arras Polonius) yang menyembunyikan peti mati di The Merchant of Venice dan patung Hermione di The Winter’s Tale Di atas tiga bukaan, sebuah balkon membentang selebar dinding panggung, ruang tengah yang digunakan untuk pemandangan yang membutuhkan jendela atas atau balkon atau dinding kota.

Bermain di Globe

Pengalaman menonton pertunjukan di Globe sangat berbeda dengan pengalaman menonton Shakespeare modern di layar. Drama dipentaskan di sore hari, menggunakan cahaya siang hari, dan penonton mengelilingi panggung di semua sisi.

Baca Juga : Tempat Pertunjukan Teater Boneka di Budapest

Tidak ada pemandangan yang digunakan, kecuali untuk perangkat lambang sesekali seperti singgasana atau tempat tidur. Hampir tidak mungkin untuk tidak melihat separuh penonton lainnya berdiri di belakang para pemain. Akibatnya, sebagian besar pementasan adalah metatheatrical, mengakui sifat ilusi dari permainan bermain dan membuat sedikit kepura-puraan realisme panggung.