Hentikan Sementara Main Slot Online Hanabero untuk Melihat Gedung Teater di Italia

Tips Penting Memilih Tempat Duduk di Acara Teater – Tempat duduk teater adalah gaya tata letak acara yang umum digunakan, terdiri dari kursi yang disejajarkan dalam barisan lurus yang berurutan, umumnya menghadap ke satu arah. Kadang-kadang disebut tempat duduk stadion atau tempat duduk auditorium.

Panduan Utama Tempat Duduk Teater Untuk Acara

toscanaspettacolo – Di sini kami mengeksplorasi jenis acara di mana tempat duduk teater paling baik digunakan, format pengaturan standar, berbagai penyesuaian yang dapat Anda terapkan untuk mencapai tujuan acara Anda, dan beberapa keuntungan dan kerugian dari pengaturan tempat duduk yang unik ini. Plus, cara mengaturnya! Baca terus untuk melihat apakah gaya teater adalah tata letak bagan tempat duduk yang sempurna untuk acara Anda berikutnya.

Apa itu tempat duduk teater?

Tempat duduk bergaya teater adalah susunan kursi dalam barisan, busur atau lingkaran yang semuanya menghadap ke arah yang sama di ruang venue. Tidak ada meja, meja, atau furnitur tambahan yang digunakan dalam tempat duduk bergaya teater.

Banyak acara menggunakan gaya ini karena paling sederhana untuk diterapkan, karena umumnya mencerminkan tempat duduk default yang sudah ada di tempat yang dipilih, seperti teater, stadion, atau bioskop.

Temukan jenis tempat duduk teater untuk acara:

Tata letak tempat duduk auditorium dapat diatur sebagai lorong ganda atau kontinental. Pengaturan lorong ganda akan memiliki maksimum 14–16 kursi per baris dengan akses ke lorong di kedua ujungnya.

Baca Juga : Informasi Tentang Teater Kecil Kota Milan Piccolo Teatro

Jika sebuah lorong hanya dapat dicapai dari satu ujung baris saja, maka jumlah kursi dapat dibatasi hingga 7 atau 8. Jumlah maksimum selalu ditentukan oleh peraturan bangunan yang mengatur, yang merupakan sesuatu yang akan diketahui oleh venue.

Dalam pengaturan kontinental, semua kursi terletak di bagian tengah. Dalam gaya kontinental, Anda dapat memuat lebih banyak kursi per baris daripada pengaturan beberapa lorong. Untuk mengimbangi panjang baris yang lebih besar yang diizinkan, kode bangunan umumnya memerlukan jarak baris yang lebih lebar, lorong yang lebih lebar, dan pintu keluar yang berlokasi strategis.

Untuk perencanaan awal, rata-rata 7,5 kaki persegi per orang dapat digunakan. Mungkin mengejutkan, pengaturan kontinental seringkali dapat menampung lebih banyak tempat duduk dalam ruang yang sama.

Terlepas dari pengaturan yang Anda pilih, saat menyiapkan gaya teater, Anda dapat lebih lanjut memposisikan kursi dengan berbagai cara seperti dalam baris lurus, baris melingkar, baris setengah lingkaran, dan baris sudut menuju titik fokus acara. Dan kustomisasi tidak harus berhenti di situ. Ada beberapa cara Anda dapat menyesuaikan tempat duduk teater Anda:

• Berikan tamu pandangan yang jelas bahkan jika seseorang yang lebih tinggi duduk di depan mereka, dengan mengimbangi barisan satu sama lain.
• Pastikan tamu memiliki tempat duduk yang nyaman dengan menyisakan ruang di antara setiap kursi perjamuan karena kursi tersebut biasanya lebih sempit dari tubuh rata-rata orang.
• Permudah tamu untuk masuk dan keluar dari barisan mereka untuk pergi ke kamar mandi, pergi lebih awal, dll dengan membuat jarak minimal 24 inci di antara barisan.
• Pertimbangkan di mana presenter akan berada. Ini akan membantu menentukan garis pandang dan membantu penempatan kursi pertama kursi terjauh ke kiri saat berdiri di antara penonton.

Berikut adalah jenis acara yang menggunakan tempat duduk bergaya teater:

Tempat duduk teater adalah gaya pengaturan praktis untuk banyak acara. Tata letak gaya teater sangat ideal untuk acara di mana para tamu hadir untuk menjadi penonton dan mengamati, bukan berpartisipasi. Ini juga sangat cocok untuk acara di mana peserta Anda tidak membutuhkan banyak ruang untuk melakukan hal-hal seperti makan, membuat catatan, atau berbaur satu sama lain.

Tempat duduk bergaya teater sangat cocok untuk:

• Konferensi
• Kuliah
• Presentasi
• Upacara pernikahan
• Peluncuran produk

Misalnya, Cvent baru-baru ini mengadakan pertemuan di seluruh perusahaan di Warner Theater Washington DC . Ini adalah acara setengah hari di mana karyawan mempelajari semua tentang rencana perusahaan untuk tahun depan. Karena tujuan acara ini adalah pembelajaran dan perayaan, tempat duduk bergaya teater membantu semua orang tetap fokus pada presentasi di tengah ruangan.

TEDTalks adalah contoh bagus lainnya karena fokusnya adalah pada penyaji, bukan pada mendorong diskusi dari anggota audiens. Dan akhirnya, ini juga sangat cocok untuk peluncuran produk seperti peluncuran iPhone Apple, dan konferensi seperti Cvent CONNECT dan INBOUND Hubspot .

Tempat duduk bergaya teater tidak cocok untuk:

• Klub buku
• Pesta ulang tahun
• Pertemuan curah pendapat

Cara membuat tempat duduk baris teater dengan Tabel Sosial:

Menggunakan tabel tempat duduk cerdas Tabel Sosial , tempat duduk baris teater mudah dibuat dalam beberapa menit. Tempat duduk bergaya melengkung dan Chevron cepat dan mudah saat menggunakan fitur template kami. Anda akan berada di jalan menuju sukses dalam waktu singkat jika Anda mengikuti langkah-langkah berikut:

Berikut cara membuat tempat duduk bergaya teater melengkung:

• Dari panel kiri, klik pada tab Template dan pilih Theater sebagai jenis template Anda
• Dari panel kanan, edit jumlah kursi per baris, arah yang Anda inginkan untuk menghadap kursi, serta jarak kursi, baris, dan kolom
• Klik ke denah lantai, sambil menahan penunjuk kiri mouse Anda dan seret keluar kotak, karena templat akan terisi di dalam area itu
• Terakhir, dari panel kanan, gerakkan penggeser Curve untuk menerapkan kurva ke template Anda

Anda bahkan dapat mengatur pengukuran default untuk menghemat waktu!

Dengan default template baris teater, Anda bahkan dapat membuat standar dan mengatur pengukuran untuk baris teater, yang akan menghemat waktu Anda di setiap penyiapan. Default template Theatre Row dapat ditemukan sebagai opsi di dropdown Template di dalam tab Default di Pengaturan Administrator. Setelah Anda membuat beberapa perubahan di sini, Anda akan menemukan default baru Anda sebagai opsi di menu Jenis Template setiap kali Anda menambahkan default template baris teater.

Informasi Tentang Teater Kecil Kota Milan Piccolo Teatro – Beberapa bulan yang lalu, ketika teater masih buka dan pertemuan diizinkan, saya pergi ke Piccolo Teatro di Milano bahasa Italia untuk “Teater Kecil Kota Milan” untuk melihat pertunjukan bersama Toni Servillo, aktor utama film Paolo Sorrentino. Film 2013 The Great Beauty .Lima belas menit setelah pertunjukan dimulai, nada dering ponsel mengganggu penampilan Servillo. Alih-alih mengabaikan suara seperti yang saya harapkan, aktor menghentikan semuanya. Servillo mengatakan dia akan memulai aktingnya dari awal, dengan cermat mengulangi semua yang telah dia lakukan sampai interupsi.

Informasi Tentang Teater Kecil Kota Milan Piccolo Teatro

 

toscanaspettacolo – Di akhir pertunjukan, dia mengambil mikrofon dan berkata: “Saya tidak melakukan ini untuk megalomania. Ada aktor di atas panggung: mereka adalah orang-orang yang telah bekerja selama berbulan-bulan di setiap kalimat dan setiap gerakan. Di Netflix, kami dapat menjeda acara untuk mengirim teks, tetapi di teater, Anda tidak bisa: lihat kami, kami adalah orang-orang nyata dan kami bekerja untuk Anda, kami pantas dihormati.”

Kata-katanya mengejutkan saya dan membuat saya menyadari nilai sebenarnya dari teater. Tidak seperti sinema, bentuk pertunjukan ini sepenuhnya ada dalam momen yang segera menghilang. Ini adalah seni cepat berlalu dr ingatan dan karena itu setiap momen penting.Ketika saya mewawancarai Francesca Merli, seorang sutradara teater kontemporer muda Italia, saya senang melihat dia juga mengulangi konsep ini.

Merli adalah pendiri perusahaan teater Domesticalchemia . Kembali pada tahun 2016, drama Santa Estasi yang disutradarai oleh Antonio Latella , di mana ia menulis dramaturgi dari bab pertama , memenangkan penghargaan Ubu Oscar Italia untuk teater.Dalam karya teatrikalnya, ia sangat memperhatikan fenomena yang paling mempengaruhi masyarakat kita. Itu sebabnya saya pikir dia adalah orang yang tepat untuk memberi tahu pembaca kami sesuatu yang menarik tentang teater kontemporer Italia.

Apakah menurut Anda teater Italia kontemporer tidak terikat dengan tradisi seperti yang dipikirkan orang-orang di luar negeri?Teater kontemporer Italia mencoba membebaskan diri dari tradisi tetapi tidak menyangkalnya. Mungkin salah satu inovasi terbesar dalam hal arahan teater: sosok sutradara relatif baru, tetapi teater kontemporer sekarang mempertanyakan pentingnya hal itu.

Pada abad ke-19, ada perusahaan di mana aktor utama — yang disebut capocomico — juga berperan sebagai sutradara. Ini berubah dalam tiga dekade pertama abad ke-20 ketika para pendiri mulai memahami pentingnya visi terpadu, pandangan tunggal yang melampaui akting, dan yang mengarah pada kelahiran arah.

Salah satu inovasi teater kontemporer Italia adalah mengatasi penyutradaraan, peran yang dicopot karena perusahaan teater baru memiliki peran yang lebih cair, dan oleh karena itu ada lebih banyak kepala yang memutuskan.Meskipun sebagian besar karya Anda kontemporer, Anda juga mengadaptasi Iphigenia karya Euripides di Aulis . Bagaimana rasanya menafsirkan kembali teks klasik semacam itu menjadi gaya kontemporer?Hal pertama yang ingin saya tunjukkan adalah teater Yunani sudah memiliki kekhasan kontemporer: kisah Iphigenia di Aulis, misalnya, menceritakan kisah seorang perawan yang dikorbankan oleh seorang raja demi Perang Troya.

Baca Juga : 5 Teater Bersejarah Italia yang sayang untuk Dilewatkan

Meskipun mikrokosmos yang melingkupi cerita itu sangat jauh dari kita, peristiwa-peristiwa itu menyentuh tema-tema universal: cinta, kekuatan, kematian, naluri. Klasik berbicara kepada umat manusia menyentuh saraf terbuka dari setiap orang. Saya tidak akan pernah menempatkan Iphigenia di Milan hari ini, justru karena teks tidak memerlukannya — sangat kuat seperti itu.Klasik dapat diadaptasi tanpa diperbarui. Definisi klasik itu sendiri mengacu pada sesuatu yang menolak berlalunya waktu: kita masih menarik dari mitos dan cerita itu sendiri: mereka adalah model abadi.

Bagaimana minat Anda pada teater berkembang?

Ketertarikan saya datang ketika saya masih sangat muda. Ketika saya berusia sepuluh tahun, saya sudah tahu bahwa saya ingin mengarahkan, tetapi saya tidak begitu mengerti apa artinya itu. Saya tidak memiliki kontak dengan dunia teater sampai saya berusia 18 tahun.Berasal dari keluarga yang jelas tidak kaya, saya dididik melalui bioskop dan TV: mereka adalah pendekatan pertama saya terhadap produk artistik. Saya ingat menulis ulasan di buku catatan saya tentang apa yang baru saja saya lihat di tv. Saya benar-benar terpesona.

Orang pada umumnya memiliki lebih banyak kontak dengan bioskop daripada dengan teater. Menurut Anda, apa fitur utama yang membuat sinema membuat iri teater dan sebaliknya?Bioskop memiliki hak istimewa untuk dapat memilih pengambilan terbaik, yang berarti selalu dapat menjadi versi terbaik dari dirinya sendiri. Ketika datang ke teater, ada satu lapisan fiksi yang lebih sedikit karena apa yang dibacakan di atas panggung tidak lagi dapat diedit.

Menurut André Bazin, seorang sejarawan film, kekuatan sinema adalah keabadian. Teater memiliki kekuatan dan kelemahan sebagai seni yang rapuh dan fana. Pertunjukan semacam ini dikonsumsi oleh penonton dan berbeda setiap kali dibawakan ke atas panggung. Teater mementaskan sesuatu yang kekuatannya ada sepenuhnya pada saat itu dan kelemahannya segera menghilang setelahnya.Mari kita bicara tentang produksi Anda: dalam drama Anda, seringkali ada komponen psikologis yang kuat. Menurut Anda apa neurosis terbesar di zaman kita?

Neurosis zaman kita yang telah terlepas pada saat krisis ini adalah obsesi terhadap produktivitas. Kewajiban untuk berhenti karena virus corona telah menciptakan kehancuran, dan seperti yang mungkin Anda ketahui, kita tidak benar-benar terbiasa meluangkan waktu untuk memikirkan apa yang kita lakukan dengan hidup kita.Saya percaya bahwa wanita, selain terobsesi dengan produktivitas, harus menghadapi tekanan alam. Di satu sisi ada perjuangan untuk mencapai karir dan kepuasan kerja tertentu, di sisi lain ada pertanyaan tentang keibuan, dan sayangnya kedua aspek ini masih sulit untuk disatukan.

Kehidupan seorang wanita diselingi oleh langkah-langkah fokus — datangnya menstruasi, kemampuan untuk berkembang biak, ketidakmampuan untuk melakukannya lagi (mungkin juga dimotivasi oleh tidak ingin) — yang berada di luar kendalinya dan yang harus dia perhitungkan lebih dalam. cara yang mendesak daripada seorang pria.Anda seorang sutradara wanita muda. Bisakah kita mengatakan bahwa lingkungan teater Italia kontemporer masih didominasi oleh laki-laki?

Tujuh tahun yang lalu saya akan mengatakan bahwa gender sangat penting. Saya yakin wanita memiliki ruang yang sama dengan pria. Hari ini saya harus mengoreksi diri saya sendiri.Pertama-tama, ada data konkret: di bioskop dan teater, sutradara wanita lebih sedikit daripada sutradara pria dan itu tak terbantahkan. Situasi ini menciptakan lingkaran setan: fakta bahwa peran kekuasaan dipegang oleh laki-laki menyebabkan kesulitan yang lebih besar bagi perempuan.Mengapa saya dulu berpikir ada kesetaraan dan sekarang tidak? Karena saya masih muda dan naif, dilindungi oleh akademi, dan tidak menyadari apa yang terjadi di luar.

Seorang wanita yang harus memberi tahu teknisi teater cara menggantung lampu tidak akan pernah memiliki suara yang sama dengan rekan pria. Ketika wanita memegang kekuasaan karena tentu saja peran sutradara adalah seorang pemimpin — ada orang yang menghormati Anda tetapi masih banyak yang mungkin menganggap Anda kelucuan tetapi tidak benar-benar menghormati.Kita hidup dalam situasi baru yang membahayakan kontak sosial dan pasar seni. Menurut Anda bagaimana cara teater akan berkembang?

Apa yang saya tahu pasti adalah bahwa entah bagaimana itu harus berkembang. Selalu ada evolusi dalam seni yang didikte oleh kehidupan nyata. [Penulis drama Jerman Bertolt] Brecht mengatakan bahwa kita tidak bisa mengabaikan apa yang terjadi di sekitar kita: kita harus memperhitungkan pasar yang berubah, kita harus mengamati siapa yang baru tertindas dan seterusnya. Dengan kata lain, kita harus melihat realitas di sekitar kita, mengambil apa yang penting tentangnya, dan membuat seni darinya.

Dari sudut pandang formal, lebih sulit untuk menanggapi pertunjukan teater. Drama teater tidak dapat direkam dalam video, karena mereka akan kehilangan evanescence mereka yang membuat mereka berbeda dari bioskop. Bukan berarti tidak bisa dilakukan di tempat lain.Sutradara teater dan film Inggris Peter Brooke pernah mengatakan bahwa sebuah kotak buah dan sebuah kotak sudah cukup untuk membuat teater. Jadi, bagaimana seseorang mengadaptasi subjek tanpa mendistorsinya? Menurut saya, alangkah baiknya untuk membuat bentuk teater lain yang belum tentu dibuat di dalam teater yang dimaksudkan sebagai tempat.

Belum tentu akting harus terikat dengan tirai merah dan panggung kayu. Ini sebenarnya hanya membutuhkan aktor dan penonton dan hanya itu. Jadi mungkin bermain di alun-alun dan jalanan? Saya ingin itu.Baru-baru ini, apa yang disebut teater sosial atau teater dokumenter menjadi populer. Dalam karya terakhir Anda Bank impian , aktor non-profesional naik panggung untuk “bermain sendiri.” Apakah menurut Anda cara teater yang baru ini menanggapi kebutuhan pribadi ataukah masyarakat kita yang meminta kenyataan daripada fiksi?

Menurut saya teater tidak bisa menjadi seni yang hanya berbicara pada dirinya sendiri, ia harus mengandung ilmu-ilmu lain: psikologi, antropologi, sosiologi. Sutradara juga seorang peneliti dan memiliki kesempatan untuk memasukkan hasil penelitiannya ke dalam dramanya.Saya percaya bahwa tren teater baru ini menjawab urgensi untuk berbicara tentang nilai tambah artistik yang sebenarnya. Fiksi jelas masih ada: ada kostum, ada musik, ada naskah. Namun ada juga realitas jalanan, kealamian ekspresi mereka yang tidak pernah belajar akting dan dipilih dari jalanan.

Italia memiliki, di satu sisi, tradisi aktor-aktor hebat, sangat serius dan terbentuk dengan baik, yang merupakan sesuatu yang kita kenal di luar negeri; tetapi di sisi lain, ada sandiwara besar cara kita mengekspresikan diri: kemerduan bahasa kita, spontanitas kita. Jika jiwa Italia ada, saya pikir itu mengandung dua hal ini.

5 Teater Bersejarah Italia yang sayang untuk Dilewatkan – Italia selalu menjadi tempat lahir seni dan budaya: selama bertahun-tahun telah dibangun beberapa teater bersejarah yang terkenal di seluruh dunia, yang telah menjadi tuan rumah bagi musisi, penari, penyanyi, dan seniman hebat dari segala jenis.

5 Teater Bersejarah Italia yang sayang untuk Dilewatkan

toscanaspettacolo – Ada beberapa arsitek Italia yang telah merancang dan membangun beberapa teater bersejarah yang paling indah, jadi mari kita cari tahu bersama apa itu!

Baca juga : Perjalanan Musik Melalui Theater Italia

1. Teatro Massimo Vittorio Emanuele, Palermo

Melansir italian-traditions, Teatro Massimo Vittorio Emanuele adalah salah satu teater sejarah paling penting di dunia: terletak di ibukota Sisilia, dengan 7730 meter persegi adalah gedung opera terbesar di Italia dan salah satu yang terbesar di Eropa. Itu dibangun di atas tanah di mana ada Gereja dan Biara Stigmata, Gereja dan Biara San Giuliano dan Gereja Sant’Agata.

Dibangun pada tahun 1875 oleh arsitek hebat Giovan Battista Filippo Basile dan diselesaikan oleh putranya, Ernesto Basile, gaya neoklasik-eklektik adalah salah satu simbol kota, keajaiban arsitektur yang harus dikagumi.

Teater ini diresmikan pada 16 Mei 1897 dengan Falstaff oleh Giuseppe Verdi, sampai hari itu tidak pernah dilakukan di Palermo, di bawah arahan maestro Leopoldo Mugnon.

Awalnya dibangun untuk menampung lebih dari 3000 penonton, hingga saat ini menampung hingga 1358: di dalamnya ada banyak pemutaran perdana, termasuk Barbarina oleh Gino Marinuzzi dan Mimì Pinson oleh Ruggero Leoncavallo.

Saat ini salah satu teater Italia bersejarah untuk dikunjungi secara mutlak: Anda sebenarnya dapat melakukan tur berpemandu baik selama hari kerja dan akhir pekan, atau berpartisipasi dalam salah satu pertunjukan dalam program yang tidak hanya mencakup opera dan balet tetapi juga konser, eksperimen artistik, dan semua jenis seni pertunjukan. Hal lain yang sedikit diketahui adalah di dalam teater juga terdapat teater artistik sartoria , di mana terdapat para profesional yang mampu meningkatkan keindahan karya lebih dari kain, model dan keindahan kostum secara keseluruhan!

2. Teatro alla Scala, Milan

Teatro alla Scala di Milan adalah salah satu teater Italia bersejarah paling terkenal di dunia: sedikit yang tahu bahwa teater ini dibangun setelah kebakaran yang terjadi secara misterius pada tahun 1776 menghancurkan Teatro Regio Ducale dan meninggalkan ibu kota Lombard tanpa teater.

Kemudian arsitek Giuseppe Piermarini ditugaskan untuk membangun teater baru atas kehendak Maria Theresa dari Austria: teater di La Scala diresmikan pada tahun 1778 setelah dua tahun bekerja dan hari ini merupakan kuil Opera yang sebenarnya .

Bergaya neoklasik, gedung ini memiliki 6 tingkat panggung dan galeri, dengan lebih dari 2000 kursi: pada tahun 1812 gedung ini dinamai di antara semua teater bersejarah berkat Rossini, tempat yang dipilih untuk pertunjukan melodrama Italia.

Kemudian pada tahun 1943 teater itu rusak akibat pengeboman Angkatan Udara Kerajaan tetapi dengan cepat dibangun kembali: antara tahun 2002 dan 2004 ada restorasi besar dan modernisasi yang dilakukan berkat Mario Botta.

Di antara komposisi liris yang paling terkenal diwakili misalnya Il Barbiere di Siviglia, Tancredi, Otello, Norma dan melihat di tempat kerja beberapa seniman paling terkenal termasuk Pavarotti, Verdi, Toscanini Maria Callas, dan Zeffirelli , Carla Fracci dan Riccardo Muti .

3. Teater Petruzzelli, Bari

Teatro Petruzzelli di Bari adalah salah satu teater sejarah terbesar dalam ukuran dan teater pribadi terbesar di seluruh Eropa: awalnya dirancang untuk menampung 3500 orang, kemudian kapasitasnya dikurangi menjadi 1250.

Terletak di pusat kota, sejarah teater dimulai ketika Antonio dan Onofrio Petruzzelli, pedagang dan pemilik kapal dari Trieste, menghadirkan insinyur proyek Angelo Cicciomessere, saudara ipar mereka di markas kotamadya Bari. Proyek pembangunan teater baru disambut dengan antusias dan pada tahun 1898 pekerjaan pembangunan opera dalam gaya Umbertino dimulai: interiornya diberi lukisan dinding oleh Raffaele Armenise dan peresmiannya dilakukan pada tahun 1903 dengan Huguenots of Meyerbeer.

Kemudian di dalamnya terjadi “premieres” yang hebat: “Ifigenia in Tauride” oleh Piccini dan “I puritani” oleh Bellini yang ditulis untuk Maria Malibran.

Tidak hanya opera: tuan rumah Petruzzelli sebenarnya juga mengadakan konser , musik , balet , yang telah melihat beberapa tokoh terkenal termasuk Frank Sinatra, Liza Minnelli, Eduardo De Filippo, Riccardo Muti, Luciano Pavarotti, Carla Fracci, Ornella Vanoni, Giorgio Gaber dan banyak lainnya seniman.

Berkat kemegahan dan keindahan interiornya, Teater Petruzzelli juga telah dipilih di antara teater bersejarah sebagai film yang dibuat oleh sutradara termasuk Franco Zeffirelli dan Alberto Sordi. Pada tahun 1991 terjadi pembakaran serius yang mengancam untuk selamanya mengganggu aktivitas teater: untungnya pada tahun 2009, setelah aktivitas rekonstruksi yang lama, teater kembali bersinar.

4. Teater San Carlo, Napoli

Teatro San Carlo lahir di jantung ibu kota Napoli: termasuk dalam UNESCO sebagai Situs Warisan Dunia, telah membuat sejarah opera Italia.

Dibangun pada tahun 1737 oleh arsitek Giovanni Antonio Medrano dan Angelo Carasale atas kehendak re Carlo III di Borbone , untuk meningkatkan Napoli dengan teater yang secara sempurna dapat mewakili kekuatan kerajaan Bourbon. Pekerjaan berakhir setelah hanya delapan bulan bekerja yang mengarah pada pembangunan teater dalam gaya neoklasik, mampu menampung 1386 tamu dan dengan pabrik tapal kuda pertama, di mana model juga dibangun teater Italia bersejarah lainnya. Juga di dalam ruangan warna dominan adalah merah api dan emas, selain hadir di panggung kerajaan juga lambang Savoy yang menggantikan Kerajaan Dua Sisilia sebelumnya.

Sejak peresmian San Carlo telah menjadi tuan rumah banyak tokoh terkemuka termasuk Rossini, Donizetti, Mozart, Hyden, Verdi, Handel, Paganini, Bellini dan di antara penari Fanny Cerrito, Amelia Brugnoli, Carla Fracci , dan baru-baru ini Roberto Bolle, Eleonora Abbagnato.

5. Teater Besar La Fenice, Venesia

Gran teatro La Fenice di Venezia adalah sebuah bangunan dengan sejarah yang agak kompleks: dirancang oleh Gian Antonio Selva dan dibangun antara tahun 1790 dan 1792, dua kali berisiko hancur karena kebakaran yang melandanya. Terlepas dari kekurangan ini, teater, seperti namanya, mampu bangkit secara harfiah dari abunya sendiri, dibangun kembali dengan hati-hati dan hari ini tetap menjadi salah satu teater bersejarah paling indah di Italia.

Struktur neoklasik ditandai dengan pronaos dengan empat kolom Korintus: ada patung yang mewakili Tari dan Musik, dibangun oleh Gian Battista Meduna di dalam relung. Di dekorasi di tengah ada Phoenix, dari mana teater mengambil namanya.

Dengan kapasitas 1500 penonton, itu adalah salah satu teater paling bergengsi dan untuk alasan ini telah menjadi tuan rumah seniman penting termasuk Verdi, Rossini, Bellini, Donizetti dan hari ini tidak hanya terus menjadi tuan rumah berbagai pertunjukan setiap tahun tetapi juga tempat dari Festival Internasional Musik Kontemporer.

Teater La Fenice, salah satu teater sejarah paling indah di Italia, terletak di ibukota Venesia yang terkenal juga dengan karnaval yang dicirikan oleh beberapa topeng teater paling terkenal : Siapa yang sebenarnya belum pernah mendengar tentang Colombina , pelayan nakal dan Pantalone sang pedagang tua?

Perjalanan Musik Melalui Theater Italia – Siapa pun yang ingin bepergian ke Roma, atau Italia pada umumnya, menghargai sikap hangat dan penuh gairah yang Italia, bersama dengan warganya, mungkin secara stereotip dihargai di seluruh dunia.

Perjalanan Musik Melalui Theater Italia

toscanaspettacolo – Italia hampir seluruhnya dikelilingi oleh laut Mediterania. Hal ini telah menyebabkan imigrasi yang beragam dari awal waktu dan, dengan demikian, keragaman budaya di seluruh Semenanjung. Etruria, Samnit dan Romawi, pengaruh kemegahan Yunani awal, yang terakhir Borbon, warisan Prancis dan bahkan budaya Austria, telah mengubah Italia menjadi campuran kehangatan Latin aslinya, dengan pengaruh dari filsafat, budaya, dan agama Yunani, Etruria ‘ arsitektur revolusioner, Pencerahan Austria dan populasi lain yang tak terhitung jumlahnya yang telah membentuk Italia menjadi seperti sekarang, seperti yang kita inginkan.

Melanssir romeprivateguides, Kita semua tahu bahwa tinggal di suatu negara memungkinkan Anda untuk melihat pro dan kontranya, yang pasti berubah dari satu negara ke negara lain, tetapi masing-masing memilikinya sendiri. Padahal apa yang perlu diketahui turis tentang Italia? Sejarah, arsitektur, alam dan keseluruhan keindahan artistiknya.

Baca juga : Sejarah Teater Romawi Italia

Apa itu Opera dan apa asal usulnya?

Opera adalah kata Italia dengan asal Latin yang berarti “kerja”, baik melelahkan atau artistik.

Istilah musik pertama kali digunakan pada abad ke-17 , yang berarti “komposisi di mana puisi, tarian, dan musik digabungkan”.

Karya musik, yang tampaknya menjadi opera pertama yang pernah ditulis, ditulis oleh Jacopo Peri, dan disebut Dafne. Tujuan opera adalah untuk mengembalikan drama Yunani, di mana aktor akan bernyanyi dan akan ada musik bersama dengan cerita. Jacopo Peri milik gerakan Florentine yang hanya salah satu dari banyak yang berusaha untuk mengembalikan seni klasik, melahirkan gerakan Neoklasik.

Seprai Dafne sekarang sayangnya hilang.

Meskipun opera terutama dimainkan di pengadilan pada tahap awal, terutama pengadilan Gonzaga di Mantua, pada pertengahan abad ke-17 teater Venesia meresmikan musim opera, dengan karya-karya Monteverdi, penulis opera paling berpengaruh saat itu.

Opera awal yang paling populer adalah dalam gaya “opera seria”, secara harfiah diterjemahkan ke opera serius. Dalam genre ini, komedi dicampur dengan unsur-unsur dari tragedi untuk menciptakan kontras yang agak menggelegar, sebuah gerakan artistik Barok yang kontroversial namun populer.

Berbeda langsung dengan “opera seria”, ada “opera buffa”, secara harfiah opera konyol. Ini memiliki asal-usulnya di Naples, dari mana ia menyebar ke atas ke Roma dan akhirnya ke Italia utara. Jenis komedi yang jauh lebih sederhana, karena opera seria kebanyakan tentang dewa dan pahlawan kuno, membuat komedi tetap hadir namun jarang, opera buffa melibatkan penggunaan dominan adegan komik, karakter, dan alur cerita dalam pengaturan kontemporer. Ditambah salah satu ciri lirisnya adalah sering dinyanyikan dalam dialek. Itu sukses lebih luas sampai Romantisisme terjadi di Eropa, dan opera buffa yang khas, yang merupakan salah satu opera paling terkenal yang pernah ditulis, adalah Rossini’s Barber of Seville – yang tentang Figaro.

Seperti genre musik lainnya, opera adalah perkembangan gaya yang konstan, karena semakin banyak komposer berbakat berkontribusi pada peningkatannya dan menyesuaikannya dengan waktu dan tren yang terus-menerus baru.

Jadi seiring berjalannya waktu, Rossini juga memperkenalkan, bersama dengan Bellini , Donizetti , Pacini , Mercadante dan banyak lainnya, konsep “Bel canto”, nyanyian yang benar-benar indah.

Meskipun ini mungkin merupakan peningkatan yang paling dihargai di bidang musik opera Italia, saya ingin memposting kutipan oleh Ffrancon-Davis, seorang Bariton Welsh, yang saya yakini masih berlaku di musik pop terbaru: “Bel-canto bukan aliran produksi suara yang indah. Sudah menjadi hal umum yang diakui bahwa suara, murni dan sederhana, dengan komposisinya sendiri, atau “menempatkan”, mengganggu organ-organ bicara; sehingga tidak mungkin bagi seorang vokalis untuk menjaga kemurnian mutlak pengucapan dalam lagu maupun dalam ucapan. Karena pandangan inilah prinsip kata-kata “mengucapkan”, alih-alih “mengucapkannya” secara musikal, merayap masuk, hingga merugikan seni vokal. Posisi yang salah ini adalah karena gagasan bahwa ‘Arte del bel-canto’ hanya mendorong keindahan suara yang sensual,daripada kebenaran ekspresi.”

Ke mana dan kapan harus pergi untuk melihat konser opera

Kota-kota terbaik untuk menghadiri konser opera di Italia adalah Roma , Florence , Venesia , Milan , Bologna , Napoli , dan Verona .

Mari kita bicara tentang beberapa dari mereka.

Roma, kota Abadi dan ibu kota Italia, memiliki jumlah teater yang sangat banyak di mana orang masih dapat menghadiri banyak konser opera.

Ketika opera mulai menjadi gerakan, Paus melarangnya dari Roma, sehingga penggemar opera Romawi harus menunggu hingga abad ke- 19 sebelum dapat menghadiri konser di kota mereka. Teater Roma yang paling bergengsi adalah:

Teatro Argentina , tempat Barber of Seville memulai debutnya. Tepat di pusat kota, di alun-alun yang sama Anda dapat menemukan reruntuhan Romawi kuno, yang sekarang digunakan sebagai pusat keramahan kucing, toko buku dan CD yang sangat besar, restoran khas yang terkenal, dan jalan menuju Pantheon.

Teater Opera (Teatro dell’opera) , dibangun pada akhir abad ke- 19, dibiayai oleh pemilik hotel yang sukses, adalah salah satu teater paling indah dan penting di Italia. Di sana, artis seperti Puccini, dengan Tosca-nya, memulai debutnya.

Accademia Nazionale di Santa Cecilia , salah satu lembaga musik tertua di dunia, didirikan pada tahun 1566. Pada awalnya itu adalah asosiasi musik untuk semua komposer saat itu, dan kemudian menjadi akademi musik yang tepat, sekarang di antara paling bergengsi di Italia.

Auditorium Parco della Musica, diproyeksikan oleh arsitek terkenal Italia Renzo Piano pada tahun 2002, hari ini tempat paling trendi untuk menghadiri konser di Roma.

Teatro alla Scala di Milano , salah satu teater opera paling bergengsi di dunia, dibangun di Milan di atas reruntuhan gereja bernama Santa Maria alla Scala. Didirikan pada tahun 1778, hingga hari ini menarik orang-orang dari seluruh dunia karena debut atau konser eksklusif.

Gran Teatro la Fenice , di Venesia, yang namanya berarti Phoenix, melambangkan kelahiran kembali selera seni setelah banyak kesialan di kota itu. “Kematian” begitulah untuk berbicara. Dibangun pada tahun 1792 dan dipugar dua kali, restorasi terakhir dilakukan pada tahun 2005.

Teatro della Pergola di Florence , dianggap sebagai teater yang sangat penting secara historis, bagi banyak sarjana “Prototipe pertama dari teater bergaya khas Italia”. Keunikannya adalah inovasi struktur berbentuk oval, yang memungkinkan kinerja akustik didengar jauh lebih baik oleh penonton.

Terakhir, namun yang paling pasti tidak kalah pentingnya, amfiteater Romawi “Arena di Verona”, yang terletak di timur laut kota Verona, juga terkenal sebagai kota Romeo dan Juliet.

Amphitheatre memiliki tanggal pembangunan yang tidak pasti, namun pasti tidak lebih dari abad pertama AC

Pada awalnya itu terutama digunakan sebagai Amfiteater terkenal lainnya, Colosseum Roma, seperti yang umum untuk Amfiteater selama zaman Romawi kuno.

Beberapa fakta sejarah yang menarik tentang itu adalah bahwa Napoleon Bonaparte, pada tahun 1805, mengunjunginya untuk adu banteng, dan dia sangat menyukainya sehingga ingin dipulihkan, karena Verona berada di bawah dominasi Prancis pada waktu itu.

Ini mulai digunakan sebagai arena konser pada abad ke- 19, dan telah menjadi salah satu tempat konser terpenting di Italia sejak saat itu.

Saat ini menyelenggarakan musik dan opera barat (klasik), dan selama musim panas, Festival lirico areniano, Festival Opera Arena di Verona , yang harus dihadiri oleh mereka yang menyukai opera. Festival ini berusia 104 tahun, saat pertama kali menampilkan Verdi’s Aida, merayakan ulang tahunnya yang ke-100 , pada tahun 1913.

Sejarah Teater Romawi Italia – Bentuk arsitektur pentas di Roma sudah berhubungan dengan contoh- contoh yang lebih populer dari era ke- 1 SM. ke Abad ke-3 M Teater Roma kuno yang disebut sebagai periode waktu di mana praktik dan pertunjukan teater berlangsung di Roma telah dikaitkan lebih jauh ke abad ke-4 SM, setelah transisi negara dari monarki ke republik.

Sejarah Teater Romawi Italia

toscanaspettacolo – Teater pada masa ini biasanya dipisahkan ke dalam jenis kejadian serta lawakan, yang direpresentasikan oleh style arsitektur serta dagelan khusus, serta di informasikan pada pemirsa sekedar selaku wujud hiburan serta pengawasan.

Baca Juga : Desain Dan Pembangunan Dari Teatro Olimpico

Dalam hal penonton, orang Romawi lebih menyukai hiburan dan pertunjukan daripada tragedi dan drama, menampilkan bentuk teater yang lebih modern yang masih digunakan di zaman kontemporer.

‘Dilansir dari laman kompas.com Tontonan’ menjadi bagian penting dari harapan orang Romawi sehari-hari ketika datang ke Teater. Beberapa karya Plautus, Terence, dan Seneca the Younger yang bertahan hingga hari ini, menyoroti berbagai aspek masyarakat dan budaya Romawi pada saat itu, termasuk kemajuan dalam sastra dan teater Romawi.

Teater selama periode waktu ini akan mewakili aspek penting dari masyarakat Romawi selama periode republik dan kekaisaran Roma.

Roma didirikan pada 753 SM sebagai monarki di bawah pemerintahan Etruria, dan tetap seperti itu selama dua setengah abad pertama keberadaannya. Menyusul pengusiran raja terakhir Roma, Lucius Tarquinius Superbus, atau “Tarquin the Proud,” sekitar tahun 509 SM, Roma menjadi sebuah republik dan selanjutnya dipimpin oleh sekelompok hakim yang dipilih oleh rakyat Romawi.

Dipercaya bahwa teater Romawi lahir selama dua abad pertama Republik Romawi, setelah penyebaran kekuasaan Romawi ke wilayah yang luas di Semenanjung Italia, sekitar tahun 364 SM.

Menyusul kehancuran wabah yang meluas pada tahun 364 SM, warga Romawi mulai memasukkan permainan teater sebagai pelengkap upacara Lectisternium yang sudah dilakukan, dalam upaya yang lebih kuat untuk menenangkan para dewa.

Pada tahun-tahun setelah penerapan praktik-praktik ini, para aktor mulai mengadaptasi tarian dan permainan ini ke dalam pertunjukan dengan memerankan teks-teks yang diatur ke musik dan gerakan simultan.

Seiring dengan kemajuan era Republik Romawi, warga mulai memasukkan drama yang ditampilkan secara profesional dalam persembahan eklektik ludi (perayaan hari libur umum) yang diadakan setiap tahun — festival terbesar ini adalah Ludi Romani, yang diadakan setiap bulan September untuk menghormati Dewa Romawi Jupiter.

Itu sebagai bagian dari Ludi Romani pada tahun 240 SM. bahwa penulis dan penulis drama Livius Adronicus menjadi orang pertama yang menghasilkan terjemahan drama Yunani untuk dipentaskan di panggung Romawi.

Sebelum tahun 240 SM, hubungan Romawi dengan budaya Italia utara dan selatan mulai memengaruhi konsep hiburan Romawi. Panggung Romawi awal didominasi oleh: Phylakes (suatu bentuk parodi tragis yang muncul di Italia selama Republik Romawi dari 500 hingga 250 SM), lelucon Atellan (atau sejenis komedi yang menggambarkan pemikiran yang dianggap terbelakang dari kota tenggara Oscan Atella; suatu bentuk humor etnis yang muncul sekitar 300 SM), dan ayat Fescennine (berasal dari Etruria selatan).

Lebih jauh, sarjana Phylakes telah menemukan vas yang menggambarkan produksi Komedi Lama (misalnya oleh Aristophanes, seorang penulis drama Yunani), membuat banyak orang memastikan bahwa drama Komedi tersebut pada satu titik disajikan kepada orang Italia, jika bukan penonton “Berbahasa Latin” sedini mungkin. abad ke-4. Ini didukung oleh fakta bahwa Latin adalah komponen penting dalam Teater Romawi.

Dari tahun 240 SM sampai 100 SM, teater Romawi telah diperkenalkan pada periode drama sastra, di mana drama Yunani klasik dan pasca-klasik telah diadaptasi ke dalam teater Romawi.

Dari 100 SM sampai 476 M, hiburan Romawi mulai disuguhkan oleh pertunjukan seperti sirkus, tontonan, dan iringan musik sambil tetap terpikat oleh pertunjukan teater.

Drama awal yang muncul sangat mirip dengan drama di Yunani. Roma telah terlibat dalam sejumlah perang, beberapa di antaranya terjadi di wilayah Italia, di mana budaya Yunani telah memberikan pengaruh yang besar.

Contohnya termasuk Perang Punisia Pertama (264-241 SM) di Sisilia. Lewat ini terjadilah ikatan antara Yunani serta Bulu halus, diawali dengan timbulnya bumi Helenistik, bumi di mana adat Helenistik terhambur lebih besar serta lewat kemajuan politik lewat penawanan Romawi atas koloni Mediterania.

Akulturasi telah menjadi khusus untuk hubungan Yunani-Romawi, dengan Roma terutama mengadopsi aspek-aspek budaya Yunani, pencapaian mereka, dan mengembangkan aspek-aspek tersebut ke dalam sastra, seni, dan sains Romawi.

Roma telah menjadi salah satu budaya Eropa pertama yang berkembang yang membentuk budaya mereka sendiri demi budaya. Dengan berakhirnya Perang Makedonia Ketiga (168 SM), Roma telah memperoleh akses yang lebih besar ke kekayaan seni dan sastra Yunani, dan masuknya para migran Yunani, terutama filsuf Stoa seperti Crates of Mallus (168 SM) dan bahkan filsuf Athena (155 SM).

Hal ini memungkinkan orang Romawi untuk mengembangkan minat pada bentuk ekspresi baru, filsafat. Perkembangan yang terjadi pertama kali diprakarsai oleh para penulis drama yang merupakan orang Yunani atau setengah Yunani yang tinggal di Roma.

Sementara tradisi sastra Yunani dalam drama memengaruhi orang Romawi, orang Romawi memilih untuk tidak sepenuhnya mengadopsi tradisi ini, dan sebagai gantinya digunakan bahasa Latin lokal yang dominan. Drama Romawi yang mulai dipertunjukkan ini sangat dipengaruhi oleh tradisi Etruria, khususnya mengenai pentingnya musik dan pertunjukan.

Genre teater Romawi kuno

Karya penting pertama dari sastra Romawi adalah tragedi dan komedi yang ditulis oleh Livius Andronicus yang dimulai pada tahun 240 SM. Lima tahun kemudian, Gnaeus Naevius, seorang yang lebih muda dari Andronikus, juga mulai menulis drama, menggubah kedua genre tersebut juga. Tidak ada drama dari kedua penulis yang selamat. Pada awal abad ke-2 SM, drama telah mapan di Roma dan serikat penulis (collegium poetarum) telah dibentuk.

Tragedi Romawi

Tidak ada tragedi Romawi awal yang bertahan, meskipun itu sangat dihormati pada zamannya; sejarawan mengetahui tiga tragedi awal — Ennius, Pacuvius dan Lucius Accius. Salah satu aspek penting dari sebuah tragedi yang berbeda dengan genre lainnya adalah pelaksanaan paduan suara yang diikutsertakan dalam aksi di atas panggung saat menampilkan banyak tragedi.

Namun, sejak masa kekaisaran, karya dua tragedi itu bertahan — yang satu adalah penulis yang tidak dikenal, sedangkan yang lainnya adalah filsuf Stoic Seneca. Sembilan dari tragedi Seneca bertahan, semuanya adalah fabulae crepidatae (A fabula crepidata atau fabula cothurnata adalah tragedi Latin dengan subjek Yunani)

Seneca muncul sebagai karakter dalam tragedi Octavia, satu-satunya contoh yang masih ada dari fabula praetexta (tragedi berdasarkan subjek Romawi, pertama kali diciptakan oleh Naevius), dan sebagai akibatnya, drama tersebut secara keliru dianggap telah dikarang oleh Seneca sendiri. Namun, meskipun sejarawan sejak itu mengonfirmasi bahwa lakon itu bukan salah satu karya Seneca, penulis sebenarnya tetap tidak diketahui.

Tragedi Senecan menampilkan gaya deklarasi, atau gaya tragedi yang mengedepankan struktur retorika. Itu adalah gaya yang dicirikan melalui paradoks, diskontinuitas, antitesis, dan adopsi struktur dan teknik deklarasi yang melibatkan aspek kompresi, elaborasi, epigram, dan tentu saja, hiperbola, karena sebagian besar dramanya tampaknya menekankan berlebihan seperti itu untuk buat poin lebih persuasif.

Seneca menulis tragedi yang mencerminkan jiwa, di mana retorika akan digunakan dalam proses menciptakan karakter tragis dan mengungkapkan sesuatu tentang keadaan pikiran seseorang.

Salah satu cara paling terkenal Seneca mengembangkan tragedi, adalah melalui penggunaan samping, atau perangkat teater umum yang ditemukan dalam drama Helenistik, yang pada saat itu asing bagi dunia tragedi Loteng.

Seneca menjelajahi interior psikologi pikiran melalui ‘solilokui atau monolog yang merepresentasikan diri’, yang berfokus pada pemikiran batin seseorang, penyebab utama dari konflik emosional mereka, penipuan diri mereka sendiri, serta jenis lain dari kekacauan psikologis yang terjadi.

Untuk mendramatisasi emosi sedemikian rupa sehingga menjadi pusat tragedi Romawi, membedakan dirinya dari bentuk-bentuk tragedi Yunani yang digunakan sebelumnya.

Mereka yang menyaksikan penggunaan Retorika Seneca; Murid, pembaca, dan penonton, tercatat telah diajari penggunaan strategi verbal, mobilitas psikis, dan permainan peran publik oleh Seneca, yang bagi banyak orang, secara substansial mengubah keadaan mental banyak individu.

Komedi romawi

Semua komedi Romawi yang bertahan dapat dikategorikan sebagai fabula palliata (komedi berdasarkan subjek Yunani) dan ditulis oleh dua dramawan: Titus Maccius Plautus (Plautus) dan Publius Terentius Afer (Terence). Tidak ada fabula togata (komedi Romawi dalam latar Romawi) yang bertahan.

Dalam mengadaptasi lakon Yunani untuk dipertunjukkan kepada penonton Romawi, para penulis drama komik Romawi membuat beberapa perubahan pada struktur produksinya.

Yang paling menonjol adalah penghapusan peran paduan suara yang sebelumnya menonjol sebagai cara untuk memisahkan aksi menjadi episode yang berbeda. Selain itu, pengiring musik ditambahkan sebagai suplemen simultan untuk dialog drama.

Tindakan semua adegan biasanya terjadi di jalan-jalan di luar tempat tinggal karakter utama, dan komplikasi plot sering kali terjadi akibat penyadapan oleh karakter kecil.

Plautus menulis antara 205 dan 184 SM. dan dua puluh komedinya bertahan hingga hari ini, di mana leluconnya paling terkenal. Dia dikagumi karena kecerdasan dialognya dan karena variasi penggunaan meteran puitisnya.

Sebagai hasil dari semakin populernya drama Plautus, serta bentuk baru dari komedi tertulis ini, drama pemandangan menjadi komponen yang lebih menonjol dalam festival Romawi saat itu, mengklaim tempat mereka dalam acara yang sebelumnya hanya menampilkan balapan, kompetisi atletik. , dan pertempuran gladiator.

Keenam komedi yang disusun Terence antara 166 dan 160 SM masih ada. Kompleksitas plotnya, di mana dia secara rutin menggabungkan beberapa aslinya Yunani menjadi satu produksi, menimbulkan kritik pedas, termasuk klaim bahwa dengan melakukan itu, dia merusak drama Yunani asli, serta desas-desus bahwa dia telah menerima bantuan dari petinggi.

Laki-laki dalam menyusun materinya. Kenyataannya, angin lalu ini mendesak Terence buat memakai introduksi dalam sebagian dramanya selaku peluang buat berharap pada pemirsa, memohon supaya mereka mencermati materinya dengan cara adil, serta tidak terbawa- bawa oleh apa yang bisa jadi sudah mereka dengar mengenai praktiknya.

Ini adalah perbedaan yang mencolok dari prolog tertulis dari penulis drama terkenal lainnya pada periode itu, yang secara rutin menggunakan prolog mereka sebagai cara untuk mengawali plot drama yang sedang dibawakan.

Stok karakter dalam komedi Romawi

Berikut ini adalah contoh karakter stok dalam komedi Romawi:

Adulescens adalah pria yang belum menikah, biasanya berusia akhir belasan atau dua puluhan; Tindakannya biasanya meliputi pengejaran cinta seorang pelacur atau budak perempuan, yang kemudian diturunkan menjadi wanita yang lahir bebas, dan karenanya memenuhi syarat untuk menikah. Karakter adulescens biasanya didampingi oleh karakter budak yang pintar, yang berusaha untuk memecahkan masalah adulescens atau melindunginya dari konflik.

Senex terutama berkaitan dengan hubungannya dengan putranya, para adulescens. Meskipun dia sering menentang pilihan minat cinta putranya, terkadang dia membantunya untuk mencapai keinginannya.

Dia terkadang jatuh cinta dengan wanita yang sama dengan putranya, seorang wanita yang terlalu muda untuk senex. Dia tidak pernah mendapatkan gadis itu dan sering diseret oleh istrinya yang marah.

Leno adalah karakter germo atau ‘pedagang budak’. Meski aktivitas karakter digambarkan sangat tidak bermoral dan keji, leno selalu bertindak secara legal dan selalu dibayar penuh atas jasanya.

Miles gloriosus adalah karakter prajurit yang sombong dan sombong, yang berasal dari Komedi Lama Yunani. Judul karakter diambil dari lakon dengan nama yang sama yang ditulis oleh Plautus. Karakter miles gloriosus biasanya mudah tertipu, pengecut, dan sombong.

Parasitus (parasit) sering digambarkan sebagai pembohong yang egois. Dia biasanya dikaitkan dengan karakter mil gloriosus, dan bergantung pada setiap katanya. Parasitus terutama berkaitan dengan nafsu makannya sendiri, atau dari mana ia akan mendapatkan makanan gratis berikutnya.

Matrona adalah karakter istri dan ibu, dan biasanya ditampilkan sebagai gangguan bagi suaminya, terus-menerus menghalangi kebebasannya untuk mengejar wanita lain.

Setelah menangkap suaminya dengan wanita lain, dia biasanya mengakhiri perselingkuhannya dan memaafkannya. Dia mencintai anak-anaknya, tetapi seringkali temperamental terhadap suaminya.

Virgo (gadis muda) adalah seorang wanita muda yang belum menikah, dan merupakan minat cinta dari para adulescens, Dia sering dibicarakan, tetapi tetap di luar panggung.

Sebuah titik plot tipikal dalam babak terakhir drama tersebut mengungkapkan bahwa dia adalah keturunan yang dilahirkan merdeka, dan karenanya memenuhi syarat untuk menikah.

Gedung Teater Terbaik di Italia – Italia memiliki banyak gedung Teater bersejarah yang indah, banyak yang masih berfungsi sebagai teater. Penggemar Teater harus mencoba mengunjungi setidaknya satu gedung Teater dan menikmati pertunjukan langsung di Italia. Musim Teater umumnya Oktober sampai Maret atau April tetapi pertunjukan di luar ruangan diadakan di musim panas.

Gedung Teater Terbaik di Italia

toscanaspettacolo – Gedung Teater juga mengadakan pertunjukan teater dan tari di waktu lain dalam setahun, dan beberapa dapat dikunjungi tanpa pergi ke pertunjukan.

Baca juga : Teater dan Gedung Opera Terbaik di Roma, Italia

Teatro Alla Scala Milan Milan

Melansir tripsavvy, Teatro Alla Scala , gedung Teater terkenal di Milan , dibuka kembali pada bulan Desember 2004 setelah renovasi besar-besaran. Ini memiliki toko buku, bar, dan museum sejarah juga. Gedung Teater asli, dirancang oleh arsitek neoklasik Giuseppe Piermarini, dibuka pada tahun 1778 dan banyak Teater terkenal pertama kali ditampilkan di sini. La Scala dibom parah selama Perang Dunia II tetapi dibuka kembali pada tahun 1946 dan dengan cepat mendapatkan kembali reputasinya sebagai gedung Teater top Italia.

Teatro La Fenice di Venesia

La Fenice (Phoenix) di Venesia , adalah salah satu teater paling terkenal di Eropa. La Fenice pertama kali dibuka pada tahun 1792 tetapi dua kali rusak parah akibat kebakaran. Baru-baru ini direnovasi dan dibuka kembali. La Fenice berada di kawasan San Marco di Venesia.

Teatro di San Carlo di Napoli

Teatro di San Carlo di Naples adalah gedung Teater tertua di Italia, didirikan pada tahun 1737. Beberapa produksi balet pertama juga dilakukan di sini selama jeda Teater. Teater, balet, dan Teater komik pendek masih dipentaskan di Teatro San Carlo . Sebuah museum sedang dalam tahap perencanaan.

Teatro Comunale di Bologna

Gedung Teater di Bologna adalah salah satu teater top di Italia dan juga salah satu yang tertua. Ini adalah contoh arsitektur barok abad ke-18 yang menakjubkan. Terletak di jantung distrik bersejarah Bologna, Teatro Comunale di Bologna mengadakan pertunjukan Teater, musik, dan simfoni.

Teatro Massimo di Palermo

Teatro Massimo di Palermo adalah gedung Teater terkemuka di Sisilia serta salah satu yang terbaik di Eropa. Pembukaannya pada tahun 1897 menandai awal dari era primadona Palermo . Pertunjukan sepanjang tahun termasuk Teater, balet, dan musik.

Teatro Regio di Parma

Dibangun pada tahun 1829, teater neo-klasik Parma kaya akan karya emas dan plesteran. Teater mengadakan pertunjukan Teater, tari, dan drama serta konser dan acara khusus.

Teatro Verdi di Pisa

Teatro Verdi di Pisa adalah salah satu teater terindah di Italia tengah. Auditorium berkapasitas 900 kursi, diresmikan pada tahun 1867, memiliki lukisan langit-langit yang indah dan sekarang menjadi tempat pertunjukan Teater, tari, dan drama.

Teatro Regio di Torino

Teatro Regio , gedung Teater terkemuka di Piazza Castello , alun-alun yang indah di Torino , dibangun kembali pada tahun 1973. Teater abad ke-19 yang asli dihancurkan oleh api pada tahun 1936. Ini adalah tempat yang populer untuk pertunjukan musikal dan drama serta Teater.

Teatro dell’Teater di Roma

Roma memiliki gedung Teater yang indah dan mengadakan banyak konser tari klasik dan pertunjukan Teater di sana. Di musim panas, pertunjukan Teater dan tari diadakan di Pemandian Caracalla kuno, tempat spektakuler untuk Teater di bawah bintang-bintang.

Arena di Verona

Meskipun bukan gedung Teater, tempat bersejarah fantastis lainnya untuk Teater adalah Arena di Verona , arena Romawi yang telah dipugar. Musim Teater terbuka dimulai pada bulan Juni tetapi terkadang ada pertunjukan lain sepanjang tahun.

Teater dan Gedung Opera Terbaik di Roma, Italia – Roma dikenal sebagai salah satu ibu kota budaya Eropa. Dan tentu saja, ini bukan hanya karena museum terbukanya. Ibu kota Italia ini memiliki teater dan gedung opera yang tak terhitung jumlahnya untuk Anda nikmati balet, opera, musikal, komedi, prosa, dan konser .

Teater dan Gedung Opera Terbaik di Roma, Italia

toscanaspettacolo – Di sini, kami mencantumkan beberapa teater dan gedung opera paling terkenal dan paling menarik dalam hal kalender artistik.

1. Teatro dell’Opera

Melansir romeing, Diresmikan pada tahun 1890 dengan gaya Neo-Renaissance, Teatro dell’Opera adalah Opera House milik Roma yang menampilkan eksterior Fasis tahun 1920-an. Juga dikenal sebagai Teatro Costanzi– setelah Domenico Costanzi yang membangun dan membiayai pembangunan teater – teater direnovasi pada tahun 1926 dan sekali lagi pada tahun 1958 oleh arsitek Marcello Piacentini.

Baca juga : Teater Spettacolo : Ketegangan antara tradisi dan masa depan menjadi pusat perhatian di Italia

Selama hidupnya, Teatro dell’Opera telah mendapatkan semakin banyak prestise internasional, dan menjadi tuan rumah pertunjukan oleh seniman terkenal dunia seperti Caruso, Gigli, Del Monaco, Maria Callas, Renata Tebaldi, Montserrat Caballé dan Raina Kabaivanska, serta sebagai konduktor orkestra terkenal Toscanini, De Sabata, Klemperer, Abbado dan Master Riccardo Musti sejak 2008. Teatro dell’Opera di Roma dapat menampung hingga 1600 orang dan bentuknya yang tapal kuda memungkinkan akustik yang sangat baik. Pertunjukan opera dan balet dipentaskan antara bulan September dan Juni, sedangkan selama musim panas, acara berlangsung di pemandangan menakjubkan Roman Terme di Caracalla yang terbuka.

2. Teatro Argentina

Sejak diresmikan pada tahun 1732, teater Teatro Argentina telah menjadi titik referensi untuk proposal budaya “Teater Roma”. Ini telah menjadi tuan rumah pertunjukan utama karya opera seperti “Il Barbiere di Siviglia” oleh Gioachino Rossini pada tahun 1816 dan “Pertempuran Legnano” Verdi pada tahun 1849. Tema utama dari kalender artistik teater selalu pertunjukan dramaturgi dan prosa , baik klasik maupun prosa. modern. Berasal dari zaman kuno dan berasal dari zaman Augusto, bentuk tapal kuda Teatro Argentina telah dirancang untuk memungkinkan musik menjangkau penonton dengan cara terbaik dan seragam. Aula dapat menampung hampir 700 orang.

3. Teatro Sistina

Tidak seperti teater lainnya, aula besar tanpa kolom dan struktur lain menjadi ciri Teatro Sistina , memungkinkan visibilitas yang sangat baik bagi publik dari kursi mana pun. Dirancang oleh arsitek Marcello Piacentini, dan terletak di antara Piazza Barberini dan Trinità dei Monti, Teatro Sistina diresmikan pada tahun 1949 sebagai bioskop-teater. Baru kemudian, pada 1950-an, tempat ini meningkatkan panggilannya untuk teater dan menjadi tempat modern yang unik untuk menikmati balet, musikal, prosa, dan konser di Roma.. Sejak tahun 2003, Kementerian Warisan Budaya dan Kegiatan telah mengakui teater sebagai teater stabil untuk Musikal Italia. Panggungnya telah menjadi tuan rumah bagi seniman internasional terbesar dan pertunjukan musik paling populer, mulai dari Louis Armstrong dan Woody Allen hingga West Side Story dan Anggiungi un Posto a Tavola. Teatro Sistina adalah salah satu teater terbesar di Italia dan dapat menampung hingga 1565 orang.

4. Teatro India

Diresmikan pada tahun 1999, Teatro India dirancang untuk menawarkan rumah kedua bagi proposal budaya “Teater Roma”, setelah Teatro Argentina yang bersejarah. Direktur artistik Teatro Argentina saat itu – Mario Martone – memilih nama “India” untuk membangkitkan tempat yang kaya akan sejarah dan kenangan. Terletak di bekas pabrik Mira Lanza, Teatro India secara simbolis dikaitkan dengan Gazometro, yang terlihat mendominasi tepi sungai lainnya dan dianggap sebagai monumen kontemporer, ikon Roma abad ke- 20.

5. Teatro Olimpico

Diresmikan pada tahun 1936, Teatro Olimpico saat ini masih menjadi salah satu realitas budaya paling beragam di Roma. Dari tarian dan musik, hingga penulisan, kabaret, dan musik klasik, teater ini senang dengan proposalnya. Terletak di antara struktur budaya baru seperti Auditorium Parco della Musica, MAXXI dan jembatan Ponte della Musica, Teatro Olimpico mencurahkan banyak perhatian pada pertunjukan tari dan menyelenggarakan konser Accademia Filarmonica Romana sejak tahun 1980-an. Teater Olimpico juga merupakan tempat pertunjukan tari Festival Tari Internasional Roma berlangsung setiap tahun dari bulan Maret hingga April. Salah satu keunggulan Teatro Olimpico adalah arsitekturnya yang tidak konvensional – perpaduan antara berbagai teater dan bioskop, yang mengingatkan kita pada suasana teater Broadway.

6. Teatro Brancaccio

Terletak di lingkungan Esquilino, Teatro Brancaccio dirancang oleh arsitek Luca Carimini dan direalisasikan oleh insinyur Carlo Sacconi. Teater ini awalnya diresmikan pada tahun 1926 dengan nama Teatro Morgana, yang kemudian berubah menjadi Politeama Brancaccio. Setelah bertahun-tahun mengalami dekadensi, Teatro Brancaccio – berkat renovasi modernnya – telah menyelenggarakan pertunjukan bergengsi, mulai dari opera dan balet hingga prosa dan musikal terkenal.. Tunduk pada renovasi baru-baru ini, Teater Brancaccio adalah ruang serbaguna yang menampung lebih dari 1680 kursi, terdiri dari auditorium dan balkon ganda. Seniman hebat telah tampil di panggung ini termasuk Ettore Petrolini, Tot, Aldo Fabrizi, Anna Magnani, penyanyi tenor Giuseppe Di Stefano, dan musisi seperti Fabrizio De André, Jimi Hendrix (1968), Louis Armstrong e Adriano Celentano.

7. Teatro Quirino

Dibangun pada tahun 1871, Teatro Quirino – Vittorio Gassman terletak di sudut pusat Barok dan Neoklasik Roma, di sebelah Fontana di Trevi. Setelah menyelenggarakan prosa, operet, pertunjukan populer dan pertunjukan balet, teater dibuka kembali pada tahun 1914 dengan musim liris di bawah arahan Master Pietro Mascagni. Di antara seniman bersejarah yang pernah tampil di Teatro Quirino adalah Ettore Petrolini, Eduardo De Filippo, Vittorio Gassman, Carmelo Bene, Carlo Giuffrè, Giorgio Strehler, Paolo Stoppa, Paola Borboni dan Luca Ronconi. Saat ini, dengan 850 kursinya, Teater Quirino menampilkan proposal budaya yang luas dan beragam di bidang hiburan langsung .

8. L’Ambra Jovinelli

Dikenal sebagai satu-satunya teater di Roma dengan gaya Liberty, L’ Ambra Jovinelli terutama didedikasikan untuk pertunjukan komedi. Dibangun pada tahun 1909 atas kehendak impresario teater, Giuseppe Jovinelli, yang ingin menghidupkan teater mewah dengan varietas mewah, layak dibandingkan dengan teater biasa, biasanya lebih kaya gaya dan lebih mulia. Pada tahun 1982, api membakar seluruh struktur, dan ditutup sampai tahun 90-an, sampai pekerjaan restorasi membawa L’Ambra Jovinelli kembali ke fitur awal abad ke- 20 . Teater, yang terletak di lingkungan Esquilino, dibuka kembali pada tahun 2001 sebagai teater komedi, dan mewakili banyak komedian dan sataris Italia sebagai rumah yang jauh dari rumah.

9. Salone Margherita

Salone Margherita diresmikan pada tahun 1898 dan dinamai Ratu Margaret, istri Umberto I dari Italia. Program teater menawarkan opera, komedi, dan variety show, termasuk olok-olok. Tapi Salone Margherita bukan hanya teater, tapi juga pertemuan. Itu lahir sebagai Café Chantant, tempat di mana Anda bisa menghabiskan waktu sebelum atau sesudah pertunjukan teater, menyeruput wiski atau mencicipi makanan canggih. Setelah lebih dari 100 tahun sejak berdirinya, Salone Margherita bangga menjadi salah satu dari sedikit teater yang masih mempertahankan tradisi ini pada waktunya. Selain menikmati pertunjukan teater, Anda juga dapat bersantap selama pertunjukan! Chef Ben Hirst menawarkan pilihan gourmet untuk menemani beragam pertunjukan di Salone Margherita.

Teater Spettacolo : Ketegangan antara tradisi dan masa depan menjadi pusat perhatian di Italia – Momen awal Teater Spettacolo , Teater terbaru dari tim di balik karya Marwencol 2010 yang terkenal , dapat menyebabkan nafsu perjalanan. Saat Teater sedang berlangsung, bangunan bata tua berfungsi sebagai latar belakang arsitektur dan pemandangan Eropa, praktis memohon pemirsa untuk naik Airbnb, HomeAway, atau layanan serupa hanya untuk melihat opsi saat ini.

Teater Spettacolo : Ketegangan antara tradisi dan masa depan menjadi pusat perhatian di Italia

toscanaspettacolo – Tapi seperti Marwencol yang gigih Teater yang dipuja secara kritis yang merinci karya seniman Mark Hogancamp , yang menderita kerusakan otak setelah dilompati bar dan kemudian membuat model halaman belakang skala 1/6 dari kota Perang Dunia II sebagai bentuk self- terapi— Spettacolo ingin membawa audiensnya jauh melampaui permukaan ini.

Melansir arstechnica, Pada akhir Teater yang menawan namun filosofis iniv yang memulai debutnya secara teatrikal bulan ini dan diputar di Toronto Hot Docs Festival 2017 pemirsa mungkin akan berpikir dua kali tentang penyewaan Airbnb impian berikutnya.

Baca juga : TEATRO DELLA PERGOLA: Teater & Gedung Opera Tertua Di Florence 

Tradisi melalui kesempatan

Terletak di Monticchiello kecil di wilayah Tuscany Italia, Spettacolo berfokus pada Teatro Povero di Monticchiello (Teater Miskin). Selama 50 tahun, kota ini (populasi: 136) telah mementaskan drama komunal yang biasanya diikuti oleh mayoritas penduduk Monticchiello. Namun, jangan salah mengartikan ini sebagai produksi teater komunitas biasa dari Grease . Drama tahunan di Monticchiello berdiri sebagai bagian seni, bagian terapi, bagian posting dinding Facebook: daripada melakukan pekerjaan yang sudah ada, setiap tahun penduduk mengadakan pertemuan kota untuk merumuskan cerita tentang kehidupan mereka saat ini untuk diproduksi dan ditampilkan.

“Saya pikir itu hanya kebetulan,” kata warga dalam narasi pembukaan. “Tidak ada rencana… Kami mengubah hidup kami menjadi drama, dan piazza kami menjadi panggung. Dan pada titik tertentu kami menyadari pertunjukan itu bukan hanya acara tahunan; itu adalah peristiwa seumur hidup. Jadi hidup kami menjadi satu permainan seumur hidup.”

Sejak awal gagasan ini, Monticchiello tampaknya menganut kejujuran radikal. Pertunjukan awal di tahun 1960-an berurusan dengan peristiwa sejarah yang sangat gelap (dan agak baru) ketika pasukan Nazi turun ke kota untuk membasmi dan menangkap pembangkang lokal selama Perang Dunia II. Selama bertahun-tahun, produksi telah menyoroti tema-tema seperti perjuangan awal feminisme di Eropa dan pedang bermata dua urbanisasi untuk tempat seperti Monticchiello. Drama-drama ini tidak menutup-nutupi kehidupan di pedesaan Italia.

Spettacolo mengikuti Teater Miskin menjelang pertunjukan tahunannya yang ke-50. Monticchiello telah banyak berubah dalam setengah abad. Orang-orang berusia 70-an yang mendirikan drama itu masih berpartisipasi, tetapi sekarang mereka harus khawatir tentang masalah kesehatan. Salah satu pendiri hanya mampu menangani peran latar belakang baru-baru ini saat dia menavigasi Alzheimer. Pendiri lainnya, Andrea, masih menjadi satu-satunya sutradara yang pernah dikenal oleh perusahaan teater ini. “Tidak ada seorang pun yang lahir yang bisa menggantikannya,” seorang warga mencatat.

Jadi di luar drama khas yang ditampilkan, penjaga yang lebih tua mulai mengkhawatirkan masa depan Teatro Povero. Dan tahun ini, drama itu sendiri juga mencakup banyak hal yang perlu dikhawatirkan. Lembaga keuangan Eropa telah runtuh sementara orang luar tampaknya menunggu untuk menerkam dan mengubah Monticchiello menjadi kota tujuan lain. Terus terang, orang-orang di sini ingin menulis drama tentang betapa buruknya hidup ini.

“Kami merasa tidak berdaya di tengah krisis yang tak berkesudahan ini, dan terkadang tampaknya hanya spekulasi dan sinisme yang tersisa,” kata Andrea dalam rapat kota, merangkum berbagai proposal yang dia ajukan. “Bagi kami, rasanya seperti akhir dunia, jadi saya katakan, mari kita bicara tentang akhir dunia. Apakah ini atau tidak?”

Waktu sedang berubah

Sebuah Teater dokumenter kecil tentang produksi panggung kecil di pedesaan Italia mungkin tidak terdengar Ars-y pada awalnya, tetapi Spettacolo terus mengisyaratkan bahwa teknologi menjadi salah satu kekuatan utama yang membahayakan acara budaya berharga Monticchiello. Teater ini tidak pernah secara terang-terangan keluar dan mengatakan demikian, tetapi siaran persnya mengatakan: “Tradisi tahunan Monticchiello telah menarik perhatian dunia dan menjaga kota tetap bersama selama 50 tahun, tetapi dengan populasi yang menua dan generasi masa depan yang lebih tertarik pada Facebook daripada bertani, pertunjukan ulang tahun kota yang ke-50 mungkin akan menjadi yang terakhir.”

Di layar, naskah Teatro Povero yang sedang berlangsung berbicara dengan acuh tak acuh tentang budaya “modal virtual” yang dilakukan oleh lembaga keuangan besar Eropa. Penduduk yang lebih muda yang tampaknya tidak tertarik untuk melanjutkan permainan sering ditampilkan dengan kepala di layar mereka. Para peserta mungkin memiliki perasaan yang campur aduk tentang teknologi, tetapi mereka mengakui bahwa generasi berikutnya memang memiliki pilihan dan karena itu kekuatan: “Masa depan teater—seperti biasanya—ada di tangan kaum muda, sama seperti kehidupan,” kata seorang pria.

Bahkan putra Andrea sendiri mengabaikan komitmen penuh waktu untuk produksi. Sebagai gantinya, dia membantu manajemen panggung di akhir periode karena dia ingin menjalankan tempat tidur dan sarapan yang sukses daripada mewarisi komitmen ayahnya. “Membayangkan Monticchiello tanpa drama akan menjadi tragedi,” katanya. “Tapi saya percaya pariwisata adalah masa depan Monticchiello.”

TEATRO DELLA PERGOLA: Teater & Gedung Opera Tertua Di Florence – Pertama kali saya menginjakkan kaki di Teatro della Pergola adalah ketika saya berusia 21 tahun belajar di luar negeri, dikirim ke sini oleh sekolah saya untuk menonton La Mandragora (Mandrake) sebuah drama satir oleh filsuf Renaisans Italia oleh Niccolò Machiavelli .

TEATRO DELLA PERGOLA: Teater & Gedung Opera Tertua Di Florence

toscanaspettacolo – Saat itu, saya sedang belajar ilmu politik, gelar yang agak acak untuk dikejar di sebuah negara di lemparan Berlusconisme, atau lebih tepatnya mungkin ini adalah kebetulan yang brilian. Nah, ketika datang ke Machiavelli, dia juga penulis The Prince risalah politik abad ke-16 yang menjelaskan bagaimana memperoleh dan mempertahankan kekuasaan politik.

Baca juga : Teater Italian Renaissance-Commedia dell’Arte

Melansir girlinflorence, Salah satu nasihatnya untuk setiap pemimpin yang berkuasa menyatakan “Lebih baik mengingkari janji jika menepatinya akan bertentangan dengan kepentingan seseorang.” Machiavelli percaya sebagai penguasa, lebih baik ditakuti secara luas daripada sangat dicintai. Tentu saja perlu dicatat, bahwa sementara dia menulis The Prince pada tahun 1513, itu tidak keluar sampai lima tahun setelah kematiannya. Karena karya ini, dan ide-idenya tentang politik secara umum, istilah Machiavellian untuk menggambarkan tipe kepribadian tertentu diciptakan; digunakan untuk menggambarkan mereka yang licik, licik, dan tidak bermoral, terutama dalam politik.

Kembali ke La Mandragora , komedi lima babak ini pertama kali diterbitkan pada tahun 1524, dan sementara Machiavelli tidak dikenal sebagai pria yang “Lucu”, ia dikenal karena sikapnya yang vulgar, ironi, dan tentu saja melankolis. Plot Mandragora didasarkan sekitar periode 24 jam ketika seorang Florentine muda, Callimaco yang cerdas , telah berangkat untuk tidur dengan seorang gadis cantik bernama Lucrezia. Masalahnya tentu saja dia sudah menikah (sepertinya bukan halangan bagi pria Florentine selama ini) dan cukup berbudi luhur.

Ini adalah permainan yang hebat dan saya tahu bahwa saya akan lebih menikmati ini sekarang, daripada sebagai pemain berusia 21 tahun yang belum berbicara bahasa Italia.

Namun yang saya ingat adalah lokasi megah tempat pertunjukan itu berada, Teatro della Pergola di Via della Pergola, 32/12. Dekat dengan katedral Duomo di jalan yang tenang, rumah yang manis selama lebih dari 350 tahun. Nama “Pergola” berasal dari tempat di mana buah anggur tumbuh, oleh karena itu penggilingan sebagai simbol teater. Ini adalah salah satu teater tertua di Italia yang masih berfungsi di negara ini , dibangun pada tahun 1656 di bawah Kardinal Gian Carlo de’ Medici, dirancang oleh arsitek Ferdinando Tacca yang juga merupakan putra dari pematung terkenal, Pietro Tacca.

Pada saat dibangun, desainnya sangat unik; kotak berjenjang khusus mengelilingi panggung (mungkin untuk menjaga perpecahan keluarga Florentine di teluk satu sama lain?). Menakjubkan pada situs pertama, hanya berada di sini berfungsi sebagai liburan mewah dari normalitas kehidupan Florentine setiap hari. Pintu masuk marmer yang luas, langit-langit dengan lukisan dinding, dan kursi beludru merah memenuhi Sala Grande (1.000 + kursi) sementara S aloncino yang lebih kecil (besar dengan 400 kursi) di mana pertunjukan musik biasanya berlangsung karena kemampuan akustiknya yang mengesankan.

Dalam kelahirannya, itu digunakan terutama sebagai teater pengadilan untuk Grand Duke of Tuscany , di sinilah musik Mozart pertama kali didengar oleh orang Italia serta pemutaran perdana Verdi ‘s Macbeth pada tahun 1847. Pada pergantian abad, tiba aktris Eleonora Duse, yang ruang ganti di Pergola praktis adalah kuil. Dikatakan masa kejayaannya antara tahun 1823 dan 1855 ketika teater itu berada di bawah manajemen impresario Alessandro Linari yang mengesankan. Teater mendapat peningkatan pada tahun 1855, dari situlah desain saat ini terlihat dan beberapa aktor paling terkenal sepanjang masa telah berada di sini, termasuk Eleonora Duse dan Vittorio Gassman yang hebat .

Terima kasih kepada IgersFirenze , kelompok komunitas sukarelawan instagrammer lokal yang berbasis di Florence, kami mendapat kunjungan khusus di belakang layar baru-baru ini di Pergola, yang mendorong posting blog ini sebagai tempat khusus seperti ini di Florence yang layak untuk dibagikan dan dirayakan. Ini pendapat pribadi saya bahwa kita tidak bisa membiarkan tempat-tempat ini ketinggalan zaman.

Saya tidak ingin tinggal di Florence yang penuh dengan bar dan restoran keren, saya tinggal di sini karena saya juga membutuhkan budaya.

Itulah mengapa saya jatuh cinta dengan tempat ini, akses ke begitu banyak budaya, teater, musik dan seni, semua di satu tempat, dan cukup mudah diakses oleh kita semua.

Teman saya Laura Masi, seorang fotografer dan instagrammer yang luar biasa membantu saya dengan menyediakan foto-foto untuk posting ini karena saya terkadang seperti boneka, saya lupa membawa kamera asli saya. Georgette yang buruk. Jadi nikmati montase foto oleh Laura ini yang menawarkan sedikit cuplikan kunjungan terakhir kami. Anda juga dapat pergi (telepon dan atur terlebih dahulu, biaya kunjungan sekitar 15-20 €).

Teater Kontemporer Italia Berjalan Antara Fiksi dan Realitas – Beberapa bulan yang lalu, ketika teater masih buka dan pertemuan diizinkan, saya pergi ke Piccolo Teatro di Milano bahasa Italia untuk “Teater Kecil Kota Milan” untuk melihat pertunjukan bersama Toni Servillo, aktor utama film Paolo Sorrentino. Film 2013 The Great Beauty .

Teater Kontemporer Italia Berjalan Antara Fiksi dan Realitas

toscanaspettacolo – Lima belas menit setelah pertunjukan dimulai, nada dering ponsel mengganggu penampilan Servillo. Alih-alih mengabaikan suara seperti yang saya harapkan, aktor menghentikan semuanya. Servillo mengatakan dia akan memulai aktingnya dari awal, dengan cermat mengulangi semua yang telah dia lakukan sampai interupsi.

Baca juga : Mengenal Teater Renaissance di Italia

Melansir italicsmag, Di akhir pertunjukan, dia mengambil mikrofon dan berkata: “Saya tidak melakukan ini untuk megalomania. Ada aktor di atas panggung: mereka adalah orang-orang yang telah bekerja selama berbulan-bulan di setiap kalimat dan setiap gerakan. Di Netflix, kami dapat menjeda acara untuk mengirim pesan teks, tetapi di teater, Anda tidak dapat: lihat kami, kami adalah orang-orang nyata dan kami bekerja untuk Anda, kami pantas dihormati.”

Kata-katanya mengejutkan saya dan membuat saya menyadari nilai sebenarnya dari teater. Tidak seperti sinema, bentuk pertunjukan ini sepenuhnya ada dalam momen yang segera menghilang. Ini adalah seni cepat berlalu dr ingatan dan karena itu setiap momen penting.

Ketika saya mewawancarai Francesca Merli, seorang sutradara teater kontemporer muda Italia, saya senang melihat dia juga mengulangi konsep ini.

Merli adalah pendiri perusahaan teater Domesticalchemia . Kembali pada tahun 2016, drama Santa Estasi disutradarai oleh Antonio Latella , di mana ia menulis dramaturgi dari bab pertama , memenangkan penghargaan Ubu — Oscar Italia untuk teater.

Dalam karya teatrikalnya, ia sangat memperhatikan fenomena yang paling mempengaruhi masyarakat kita. Itu sebabnya saya pikir dia adalah orang yang tepat untuk memberi tahu pembaca kami sesuatu yang menarik tentang teater kontemporer Italia.

Apakah menurut Anda teater Italia kontemporer tidak terikat dengan tradisi seperti yang mungkin dipikirkan orang-orang di luar negeri?

Teater kontemporer Italia mencoba membebaskan diri dari tradisi tetapi tidak menyangkalnya. Mungkin salah satu inovasi terbesar dalam hal arahan teater: sosok sutradara relatif baru, tetapi teater kontemporer sekarang mempertanyakan pentingnya hal itu.

Pada abad ke-19, ada perusahaan di mana aktor utama — yang disebut capocomico — juga berperan sebagai sutradara. Ini berubah dalam tiga dekade pertama abad ke-20 ketika para pendiri mulai memahami pentingnya visi terpadu, pandangan tunggal yang melampaui akting, dan yang mengarah pada kelahiran arah.

Salah satu inovasi teater kontemporer Italia adalah mengatasi penyutradaraan, peran yang sedang diturunkan karena perusahaan teater baru memiliki peran yang lebih cair, dan karena itu ada lebih banyak kepala yang memutuskan.

Meskipun sebagian besar karya Anda kontemporer, Anda juga telah mengadaptasi Iphigenia karya Euripides di Aulis . Bagaimana rasanya menafsirkan kembali teks klasik semacam itu menjadi gaya kontemporer?

Hal pertama yang ingin saya tunjukkan adalah teater Yunani sudah memiliki kekhasan kontemporer: kisah Iphigenia di Aulis, misalnya, menceritakan kisah seorang perawan yang dikorbankan oleh seorang raja demi Perang Troya.

Meskipun mikrokosmos yang melingkupi cerita itu sangat jauh dari kita, peristiwa-peristiwa itu menyentuh tema-tema universal: cinta, kekuatan, kematian, naluri. Klasik berbicara kepada umat manusia menyentuh saraf terbuka dari setiap orang. Saya tidak akan pernah menempatkan Iphigenia di Milan hari ini, justru karena teksnya tidak memerlukannya — itu sangat kuat seperti apa adanya.

Klasik dapat diadaptasi tanpa diperbarui. Definisi klasik itu sendiri mengacu pada sesuatu yang menolak berlalunya waktu: kita masih menarik dari mitos dan cerita itu sendiri: mereka adalah model abadi.

Bagaimana minat Anda pada teater berkembang?

Ketertarikan saya datang ketika saya masih sangat muda. Ketika saya berusia sepuluh tahun, saya sudah tahu bahwa saya ingin mengarahkan, tetapi saya tidak begitu mengerti apa artinya itu. Saya tidak memiliki kontak dengan dunia teater sampai saya berusia 18 tahun.

Berasal dari keluarga yang jelas tidak kaya, saya dididik melalui bioskop dan TV: mereka adalah pendekatan pertama saya terhadap produk artistik. Saya ingat menulis ulasan di buku catatan saya tentang apa yang baru saja saya lihat di tv. Saya benar-benar terpesona.

Orang pada umumnya memiliki lebih banyak kontak dengan bioskop daripada dengan teater. Menurut Anda apa fitur utama yang membuat sinema dapat membuat iri teater dan sebaliknya?

Bioskop memiliki hak istimewa untuk dapat memilih pengambilan terbaik, yang berarti selalu dapat menjadi versi terbaik dari dirinya sendiri. Ketika datang ke teater, ada satu lapisan fiksi yang lebih sedikit karena apa yang dibacakan di atas panggung tidak lagi dapat diedit.

Menurut André Bazin, seorang sejarawan film, kekuatan sinema adalah keabadian. Teater memiliki kekuatan dan kelemahan sebagai seni yang rapuh dan fana. Pertunjukan semacam ini dikonsumsi oleh penonton dan berbeda setiap kali dibawakan ke atas panggung. Teater mementaskan sesuatu yang kekuatannya ada sepenuhnya pada saat itu dan kelemahannya segera menghilang setelahnya.

Mari kita bicara tentang produksi Anda: dalam drama Anda, seringkali ada komponen psikologis yang kuat. Menurut Anda apa neurosis terbesar di zaman kita?

Neurosis zaman kita yang telah terlepas pada saat krisis ini adalah obsesi terhadap produktivitas. Kewajiban untuk berhenti karena virus corona telah menciptakan kehancuran, dan seperti yang mungkin Anda ketahui, kita tidak benar-benar terbiasa meluangkan waktu untuk memikirkan apa yang sedang kita lakukan dengan hidup kita.

Saya percaya bahwa wanita, selain terobsesi dengan produktivitas, harus menghadapi tekanan alam. Di satu sisi ada perjuangan untuk mencapai karir dan kepuasan kerja tertentu, di sisi lain ada pertanyaan tentang keibuan, dan dua aspek ini sayangnya masih sulit untuk disatukan.

Kehidupan seorang wanita diselingi oleh langkah-langkah fokus — datangnya menstruasi, kemampuan untuk berkembang biak, ketidakmampuan untuk melakukannya lagi (mungkin juga dimotivasi oleh tidak ingin) — yang berada di luar kendalinya dan yang harus dia perhitungkan lebih dalam. cara yang mendesak daripada seorang pria.

Anda seorang sutradara wanita muda. Bisakah kita mengatakan bahwa lingkungan teater Italia kontemporer masih didominasi oleh laki-laki?

Tujuh tahun yang lalu saya akan mengatakan bahwa gender sangat penting. Saya yakin wanita memiliki ruang yang sama dengan pria. Hari ini saya harus mengoreksi diri saya sendiri.

Pertama-tama, ada data konkret: di bioskop dan teater, sutradara wanita lebih sedikit daripada sutradara pria dan itu tak terbantahkan. Situasi ini menciptakan lingkaran setan: fakta bahwa peran kekuasaan dipegang oleh laki-laki menyebabkan kesulitan yang lebih besar bagi perempuan.

Mengapa saya dulu berpikir ada kesetaraan dan sekarang tidak? Karena saya masih muda dan naif, dilindungi oleh akademi, dan tidak menyadari apa yang terjadi di luar.

Seorang wanita yang harus memberi tahu teknisi teater cara menggantung lampu tidak akan pernah memiliki suara yang sama dengan rekan pria. Ketika wanita memegang kekuasaan — karena tentu saja peran sutradara adalah sebagai pemimpin — ada orang yang menghormati Anda tetapi masih banyak yang mungkin menganggap Anda kelucuan tetapi tidak benar-benar menghormati.

Kita hidup dalam situasi baru yang membahayakan kontak sosial dan pasar seni. Menurut Anda bagaimana cara teater akan berkembang?

Apa yang saya tahu pasti adalah bahwa entah bagaimana itu harus berkembang. Selalu ada evolusi dalam seni yang didikte oleh kehidupan nyata. [Penulis drama Jerman Bertolt] Brecht mengatakan bahwa kita tidak dapat mengabaikan apa yang terjadi di sekitar kita: kita harus memperhitungkan pasar yang berubah, kita harus mengamati siapa yang baru tertindas dan seterusnya. Dengan kata lain, kita harus melihat realitas di sekitar kita, mengambil apa yang penting tentangnya, dan membuat seni darinya.

Dari sudut pandang formal, lebih sulit untuk menanggapi pertunjukan teater. Drama teater tidak dapat direkam dalam video, karena mereka akan kehilangan evanescence mereka yang membuat mereka berbeda dari bioskop. Bukan berarti tidak bisa dilakukan di tempat lain.

[Sutradara teater dan film Inggris] Peter Brooke pernah berkata bahwa sebuah kotak buah dan sebuah kotak sudah cukup untuk membuat teater. Jadi, bagaimana seseorang mengadaptasi subjek tanpa mendistorsinya? Menurut saya, alangkah baiknya untuk membuat bentuk teater lain yang belum tentu dibuat di dalam teater yang dimaksudkan sebagai tempat.

Belum tentu akting harus terikat dengan tirai merah dan panggung kayu. Ini sebenarnya hanya membutuhkan aktor dan penonton dan hanya itu. Jadi mungkin bermain di alun-alun dan jalanan? Saya ingin itu.

Baru-baru ini, apa yang disebut teater sosial atau teater dokumenter menjadi populer. Dalam karya terakhir Anda Bank impian , aktor non-profesional naik panggung untuk “bermain sendiri.” Apakah menurut Anda cara teater yang baru ini menanggapi kebutuhan pribadi ataukah masyarakat kita yang meminta kenyataan daripada fiksi?

Menurut saya teater tidak bisa menjadi seni yang hanya berbicara pada dirinya sendiri, ia harus mengandung ilmu-ilmu lain: psikologi, antropologi, sosiologi. Sutradara juga seorang peneliti dan memiliki kesempatan untuk memasukkan hasil penelitiannya ke dalam dramanya.

Saya percaya bahwa tren teater baru ini menanggapi urgensi untuk berbicara tentang nilai tambah artistik yang sebenarnya. Fiksi jelas masih ada: ada kostum, ada musik, ada naskah. Namun ada juga realitas jalanan, kealamian ekspresi mereka yang tidak pernah belajar akting dan dipilih dari jalanan.

Italia memiliki, di satu sisi, tradisi aktor-aktor hebat, sangat serius dan terbentuk dengan baik, yang merupakan sesuatu yang kita kenal di luar negeri; tetapi di sisi lain, ada sandiwara besar dari cara kita mengekspresikan diri: kemerduan bahasa kita, spontanitas kita. Jika jiwa Italia ada, saya pikir itu mengandung dua hal ini.

Apakah menurut Anda cara berteater ini dipengaruhi oleh sinema neo-realis?

Ya, matriks neorealis kuat. Sebuah model hebat adalah bioskop yang dibuat oleh sutradara Pier Paolo Pasolini , yang lebih memilih aktor yang diambil dari jalanan daripada yang berasal dari akademi.

Sebenarnya, saat Anda menyalakan kamera atau membawa seseorang ke atas panggung, kenyataan tentu saja dinodai oleh fiksi. Vittorio “Accattone” Cataldi, misalnya, tokoh utama dari drama homonim Pasolini tahun 1961 Accattone , adalah seorang anak dari proletariat Romawi. Penampilannya sangat vital dan alami, karena Accattone mewakili dirinya sendiri, tetapi pada saat yang sama, ada tingkat fiksi, representasi sadar, dan tidak lagi hanya ketidaksadaran dan spontan.

Bagi saya, ini adalah salah satu aspek yang paling menarik dari menjadi seorang sutradara: mampu berayun antara fiksi dan kenyataan. Jelas bahwa teater tidak dapat dibuat hanya dari improvisasi dan spontanitas — akting adalah sebuah profesi. Mari kita pikirkan Carmelo Bene, aktor intelektual, eklektik, berbudi luhur par excellence .

Namun di sisi lain kita sebagai seniman tidak bisa mengabaikan keberadaan Franco Citti, pria yang memainkan Accattone Pasolini : dia jalanan, perut, lapar. Siapa yang Anda pilih sebagai model? Anda tidak harus. Keduanya diperlukan untuk manifestasi seni yang jujur.

Menurut Anda, apakah campuran budaya tinggi dan budaya rendah ini, antara fiksi dan realitas, berguna untuk menyanggah mitos teater sebagai seni untuk segelintir orang, sombong, dan mementingkan diri sendiri?

Ya, saya pikir teater harus kembali ke rakyat. Siapa yang merindukannya sejak coronavirus menghentikannya? Mereka yang bekerja di dalamnya tentu saja, tapi siapa lagi? Beberapa pemirsa, tetapi tidak pernah menyukai film atau serial TV, akan terlewatkan jika mereka menghilang.

Menurut saya, kembalinya teater kepada rakyat bukan berarti kehilangan kualitas. Saya selalu mengatakan bahwa kita tidak boleh meremehkan penonton. Anda tidak harus menjadi seorang intelektual untuk memahami pertunjukan teater: ada perasaan yang dipahami pada tingkat primordial, bahkan sebelum pemrosesan intelektual, hampir secara emosional. Teater Yunani, misalnya, tidak mudah tetapi untuk semua orang.

Jika Anda melihat Medea, tragedi Yunani lain yang ditulis oleh Euripides, Anda mungkin tidak tahu persis fenomena psikologis yang mendasarinya, tetapi pembunuhan anak-anaknya masih menghancurkan Anda. Jika saya perlu membaca catatan sutradara sebelum memahami drama, maka, menurut saya, karya seni itu telah gagal. Jika seni memiliki efek membuat orang merasa bodoh, maka ia telah gagal.

Mengenal Teater Renaissance di Italia – Renaisans Italia melahirkan banyak inovasi dalam arsitektur teater dan desain pemandangan, termasuk panggung lengkung proscenium, sayap dan daun jendela yang dicat datar, dan sistem tiang dan kereta mekanis Torelli. Selain itu, Renaissance Italia melihat perkembangan aturan neoklasik struktur dramatis, dan opera dan Commedia dell’arte.

Mengenal Teater Renaissance di Italia

toscanaspettacolo – Sekitar 1485, penguasa Italia mulai membiayai produksi drama Romawi dan tiruannya. Hal ini mendorong minat untuk menulis ulang drama Romawi ke dalam bahasa Italia serta menulis drama baru. Salah satu tragedi vernakular penting pertama adalah Sofonisha oleh Giangiorgio Trissino.

Melansir wikipedia, Sebuah paduan suara dari 15 digunakan, sesuai dengan nomor dalam paduan suara Romawi. Antara abad 14 dan 16 drama Renaisans berkembang di Italia, menandai berakhirnya praktik abad pertengahan dan pelepasan cara tradisional Romawi dalam menyajikan drama.

Baca juga : Sejarah Teater di Roma Kuno

Cita-cita neoklasik terbentuk di Italia dan menyebar ke seluruh Eropa. Cita-cita ini dicirikan oleh minat pada teori sastra dan keinginan untuk membaca dan memahami karya teoretis seperti Seni Puisi Horace dan Puisi Aristoteles . Cita-cita neoklasik menuntut versimilitude yang berurusan dengan penampilan kebenaran yang kuat. Karena versimilitude, elemen fantasi dan supernatural dihindari dalam drama neoklasik. Paduan suara dan solilokui juga tidak dianjurkan. Realitas ditekankan dalam drama bersama dengan drama yang mengajarkan pelajaran moral.

Di Italia pementasan dipopulerkan dengan menggunakan arsitektur perspektif dan lukisan. Metode ini memberi penonton ilusi jarak dan kedalaman. Pemandangan dan panggung digaru atau dimiringkan untuk meningkatkan ilusi dan menciptakan pengaturan perspektif. Buku-buku seperti The Two Rules of Perspective Practice oleh Barozzi da Vignola dan Nicola Sabbattini’s Manual for Constructing Theatrical Scenes and Machines adalah panduan untuk pementasan di Italia dan seluruh Eropa. Orang Italia juga menemukan metode baru untuk mengubah pemandangan menggunakan sayap dan penutup kanvas yang dicat. Kereta dan sistem tiang dari pemandangan yang bergeser diciptakan oleh Giacomo Torelli pada tahun 1641, dan sangat populer sehingga digunakan di teater-teater lain di seluruh Eropa.

Orang Italia juga tertarik dengan arsitektur teater itu sendiri. Teatro olympico dibangun antara tahun 1580 dan 1584 dan digunakan untuk banyak produksi. Teatro farnese di Parma dianggap sebagai prototipe panggung modern, dan memiliki lengkungan proscenium besar. Orang Italia dan menari di sebagian besar upacara, festival, dan presentasi teater mereka. Festival-festival itu penting dan menghidupkan kembali sebagian besar tontonan yang hilang di zaman Romawi.

Commedia dell’arte

Commedia dell’arte adalah komedi pemain profesional. Ini terpisah dari drama amatir karena tingkat pertunjukannya yang tinggi. Setiap aspek drama adalah yang teratas dari skrip hingga kostum. Dua aspek Commedia dell’arte adalah improvisasi dan karakter stok. Beberapa alasan mengapa improvisasi dilakukan dengan sangat baik adalah karena aktor akan memainkan karakter yang sama sepanjang hidup mereka. Reputasi yang kuat dari perusahaan membawa banyak penonton. Bentuk seni yang penuh warna dan sangat teatrikal ini didasarkan pada interaksi karakter stok tradisional dalam skenario improvisasi yang memfasilitasi plot komik untuk mencapai klimaks yang lucu.

Commedia dell’arte (komedi seniman) berasal dari jalan-jalan dan pasar awal Renaisans Italia, meskipun Akarnya dapat ditelusuri hingga sejauh Teater Yunani dan Romawi Kuno. Penampil jalanan Italia ini, mengenakan topeng dengan fitur komik yang berlebihan untuk menarik perhatian tambahan pada diri mereka sendiri dan melengkapi keterampilan fisik dan akrobatik mereka, akhirnya bekerja sama dalam kelompok aktor yang sering kali melakukan perjalanan untuk menetapkan commedia sebagai genre tersendiri oleh pertengahan 1500-an. “Rombongan media” ini tampil untuk dan dapat diakses oleh semua orang.

Bahasa bukanlah penghalang, dengan pantomim mereka yang terampil, karakter stok stereotip, lazzi tradisional (pertunjukan khas, lelucon, dan lelucon), topeng, gerakan fisik yang lebar, dialog improvisasi, dan badut, mereka menjadi diterima secara luas di mana pun mereka bepergian. Di tahun-tahun berikutnya, tradisi menyebar di seluruh Eropa, akhirnya mengadopsi pengaruh besar Prancis di mana banyak skenario ditulis ke dalam drama bergaya komedi.

Gaya dan formula commedia sekarang bertahan hingga akhir abad ke-20 dan melampaui tradisi sebagai institusi artistik di mana aktor berbakat menciptakan beberapa karakter fisik bersejarah yang paling berkesan yang pernah dilihat teater. Ini adalah dari dunia Commedia di mana karakter seperti Arlechinno (Harlequin), Columbina, Pulcinella (Punch), The Doctor, The Captain dan Pantalone muncul untuk memerintah di teater selama berabad-abad.

Aktor, penulis, komposer, karakter fisik bersejarah yang pernah dilihat teater. Ini adalah dari dunia Commedia di mana karakter seperti Arlechinno (Harlequin), Columbina, Pulcinella (Punch), The Doctor, The Captain dan Pantalone muncul untuk memerintah di teater selama berabad-abad. Aktor, penulis, komposer, karakter fisik bersejarah yang pernah dilihat teater. Ini adalah dari dunia Commedia di mana karakter seperti Arlechinno (Harlequin), Columbina, Pulcinella (Punch), The Doctor, The Captain dan Pantalone muncul untuk memerintah di teater selama berabad-abad. Aktor, penulis, komposer.

Inovasi Renaisans Italia dalam arsitektur teater dan desain pemandangan tidak tertandingi dalam sejarah teater. Selama 200 tahun ke depan, siapa pun yang menghadiri teater di mana pun di Eropa akan berada di rumah bermain lengkung proscenium menonton aksi panggung dari lubang, kotak, atau galeri.

Pemandangannya akan terdiri dari sayap dan daun jendela yang dicat datar yang dapat digeser baik oleh sistem tiang-dan-kereta mekanis Torelli atau seperti di Inggris, Belanda dan Amerika Serikat-oleh tangan panggung yang menariknya ke dalam alur. Renaissance Italia juga menghasilkan Opera, Commedia dell’arte, dan aturan neoklasik dari struktur dramatis. Meskipun periode ini meninggalkan teater tidak ada drama yang signifikan, aturan neoklasik yang kaku membantu membentuk banyak drama yang disajikan di seluruh dunia selama abad ke-18.

5 Teater Bersejarah Di Milan – Milan , karena persembahan budayanya, dianggap sebagai salah satu kota paling hidup di Italia. Di antara banyak hal yang dapat dilakukan adalah kemungkinan menghabiskan malam di salah satu teater bersejarah kota Italia.

5 Teater Bersejarah Di Milan

toscanaspettacolo – Setiap musim, berbagai tempat ini menghasilkan pertunjukan teater dari setiap genre mulai dari konser klasik dan modern hingga balet, jazz, dan drama.

1. Teatro alla Scala

Melansir musement, Dibuka pada tahun 1778, La Scala adalah salah satu teater paling terkenal di dunia dan dianggap sebagai kuil opera. Konstruksinya dipercayakan kepada arsitek Giuseppe Piermarini yang desain berbentuk tapal kudanya segera menjadi model teatro all’italiana , yang mengilhami estetika beberapa teater di seluruh Eropa.

Baca juga : 5 Teater Terbaik di Italia 

Piermarini inovatif dalam penggunaan galeri di atas pintu masuk, yang memungkinkan gerbong untuk parkir di bawah penutup daripada duduk di tempat terbuka. Seseorang kemudian dapat pindah ke orkestra atau lantai pertama dengan cukup mudah di foyer neoklasik. Auditorium emas dan gading lengkap dengan medali dan motif bunga, dan setiap sudutnya sempurna secara akustik. Musim opera La Scala dimulai pada 7 Desember, hari raya St. Ambroeus, santo pelindung Milan.

Dimana: Via Filodrammatici, 2 – Milan

2. Teater Piccolo

Didirikan pada tahun 1947 oleh Giorgio Strehel, Poalo Grassi, dan Nina Vinchi, Piccolo Teatro adalah salah satu teater paling terkenal baik di Italia maupun di luar negeri. Motonya, Theatre of Art for Everyone, menyatakan maksud untuk membawa sebanyak mungkin orang ke teater. Piccolo Teatro sebenarnya tersebar di tiga lokasi berbeda. Teater terbesar Piccolo Teatro Strehler , dibuka pada tahun 1998 dan dapat menampung hingga 970 orang, tetapi teater bersejarahnya adalah Piccolo Teatro Grassi , yang menghadap ke biara Renaisans yang baru saja dipugar.

Terakhir, Teatro Studio adalah rumah bagi sekolah teater dan ruang eksperimen. Piccolo Teatro telah menjadi Teater Eropa sejak 1991 . Sejarahnya berjalan paralel dengan para pendirinya; Strehler dianggap sebagai direktur par excellence . Orang Italia berhutang budi kepadanya karena telah menciptakan teater yang ketat yang berhubungan dengan tema-tema fundamental zaman kita, seperti hubungan antara manusia dan masyarakat.

Dimana : Piccolo Teatro Strehler, Largo Greppi 1 (MM Lanza) – Milano
Piccolo Teatro Grassi, Via Rovello 2 – Milano
Piccolo Teatro Studio, Via Rivoli 6 (MM Lanza) – Milano

3. Teatro dal Verme

Ditugaskan oleh keluarga Verme kepada arsitek Giuseppe Pestagalli , Teatro dal Verme dibuka pada tahun 1872. Dibangun sesuai dengan desain teatro all’italiana , bentuk tapal kuda klasik yang memungkinkan kualitas suara optimal. Terlahir sebagai teater opera, Puccini dan Leoncavallo melakukan debut mereka di panggungnya. Pada tahun 1943, teater dihancurkan oleh pengeboman, dan ketika akhirnya dipulihkan, diubah menjadi bioskop. Sejak tahun 2001, telah menjadi ruang konser dengan kapasitas 1500, dan juga menjadi tuan rumah pameran dan konferensi.

Dimana : Via San Giovanni sul Muro, 2 – Milano

4. Teatro Litta

Teater tertua di Milan, sejarah Teatro Litta cukup khusus: dimulai sebagai kapel Palazzo Litta. Ini adalah salah satu bangunan bersejarah di Milan, dengan gaya arsitektur Barok. Itu ditugaskan oleh keluarga Arese kepada arsitek Francesco Maria Ricchino . Konstruksi kompleks berlangsung beberapa tahun. Saat ini, Teatro Litta adalah perusahaan teater inovatif yang menyelenggarakan kursus teater untuk anak-anak dan orang dewasa, dan menawarkan playbill tahunan yang mencerminkan penelitian dan eksperimen. The Litta juga menawarkan acara budaya dan dengan proyek, “ The Litta for Art ”, ia membuka serambinya untuk pameran dan instalasi oleh seniman muda.

Dimana : Corso Magenta, 24 – Milano

5. Teatro Carcano

Dibuka pada bulan September 1803, Carcano adalah teater perayaan. Dihadiri oleh kaum bangsawan dan borjuis Milan yang kaya, pembangunannya merupakan bagian dari proyek renovasi kota yang terinspirasi oleh penaklukan Napoleon. Proyek ini ditugaskan kepada arsitek Luigi Canonica , yang mengacu pada desain Teatro alla Scala. Teater, dengan empat tingkat platform, didekorasi dengan plesteran dan penyepuhan emas. Panggung Teatro Carcano melihat debut Paganini, serta suara wanita terpenting dalam opera. Pada tahun-tahun berikutnya, dari sedikit sebelum perang sampai tahun 1980-an, Teatro Carcano berusaha, tidak selalu berhasil, untuk membuat playbill tingkat tinggi, yang mampu menarik berbagai macam orang. Hari ini, Carcano didedikasikan untuk drama, sangat berhati-hati dalam memilih karya untuk dibawa ke panggung, dan untuk membuka diri kepada publik dari segala usia.

Dimana : Corso di Porta Romana, 63 – Milano

Dengan “LE BACCANTI” Oleh Euripide, Teater Klasik Yang Hebat Kembali Ke Rossetti – “Teater klasik yang hebat kembali ke Politeama Rossetti dengan tragedi Euripides“ Baccanti ”dalam pementasan baru oleh Laura Sicignano. Manuela Ventura memainkan Dionysus androgini dikelilingi oleh energi yang kuat, Aldo Ottobrino adalah Penteo. Debut Kamis 24 Februari dan tayang ulang hingga Minggu 27 Februari untuk Musim Prosa Teatro Stabile del Friuli Venezia Giulia “.

Dengan “LE BACCANTI” Oleh Euripide, Teater Klasik Yang Hebat Kembali Ke Rossetti

toscanaspettacolo – “Bacchantes” Euripides dengan sempurna menjalin aspek imajinatif, kekuatan universal, dengan kekunoan misterius mitos Yunani dan teater kuno. Teks tersebut mendesak kita untuk mengamati jurang irasional, melalui tantangan antara ilahi dan manusia, antara akal dan pengabaian gila.

Baca juga : Membahas Tentang Teater Renaissance di Italia

Melansir ilrossetti, Pertunjukan dalam edisi Laura Sicignano yang indah, ditafsirkan oleh perusahaan terkemuka yang dipimpin oleh Manuela Ventura dan Aldo Ottobrino dipentaskan di ruang Assicurazioni Generali di Politeama Rossetti untuk musim Prosa Teatro Stabile del Friuli Venezia Giulia: itu debut pada Kamis 24 Februari dan berulang hingga Minggu 27 Februari.

Disusun pada akhir periode teater besar abad ke-5, tragedi itu disajikan secara anumerta pada tahun 406 dan memberi penulis kemenangan kelimanya di permainan dramatis: diperoleh setelah kematian dan terima kasih kepada putranya yang lebih muda juga disebut Euripides, dan aktor yang mempresentasikannya bersama dengan “Iphigenia in Aulis” dan “Alcmeone in Corinto”.

Itu adalah tanda keberuntungan yang tidak dimiliki penyair dalam hidupnya meskipun memiliki puisi yang kuat, bebas, dan inovatif tetapi yang datang kepadanya secara anumerta, dan mengakibatkan imitasi banyak pengikut hingga dunia Latin, dalam elaborasi dan kutipan karyanya yang bahkan sampai kepada kita melalui dekorasi bergambar vas, patung, dan ukiran.

Bacchantes adalah wanita yang merayakan kultus orgiastic dewa Dionysus, mengenakan kulit binatang dan dilengkapi dengan tongkat panjang, thyrsus. Mereka memuji dewa dengan hidup mabuk di alam, menari dan bermain simbal dan seruling.

Tragedi Euripides ingin Dionysus tiba di Thebes tanah air ibunya marah karena para wanita kota mempertanyakan sifat ketuhanannya. Dionysus kemudian mengaburkan pikiran Thebans yang meninggalkan kota dan berkumpul di Gunung Citerone untuk merayakan misteri Bacchic. Para tetua bijak Cadmus dan Tiresias juga menghormati dewa dan hanya Raja Pentheus yang menolak dan menentang irasionalitas dan kekacauan yang diilhami oleh Dionysus.

Yang terakhir kemudian, mengambil bentuk manusia, meyakinkan Pentheus untuk mendaki gunung untuk mengamati ritus orgiastic: para wanita, yang dipimpin oleh Agave ibu raja dalam delirium Dionysian melihat singa di Pentheus dan membunuhnya. Balas dendam Dionysus dengan demikian tercapai: para wanita dipulihkan ke akal sehat dan Agave menyadari bahwa dia telah membunuh putranya sendiri dengan mengerikan.

Sutradara Laura Sicignano menangani “Baccanti” sebagai bagian dari jalur penelitian yang didedikasikan untuk tema feminin sebagai elemen subversi dalam tragedi klasik dan mengatur pertunjukan di museum yang dihantui oleh kehadiran jahat, yang mungkin merupakan terjemahan spasial dari pikiran. dari Penteo , dimainkan oleh Aldo Ottobrino.

Ini adalah ruang geometris dan rasional, tetapi terancam oleh jamur dan infiltrasi, kecemasan dan keinginan yang ditekan dengan keras. Gambar yang terbentuk di ruang antara mimpi dan keinginan yang tak terkatakan ini, pada ritme obsesif musik elektronik dan dalam gerakan sekelompok wanita dipimpin oleh Dionysus androgini oleh Manuela Ventura yang menari atau merobek, melarikan diri dari tatapan dan kendali dari pria.

«Penulis tampaknya secara definitif menolak gagasan bahwa ada kekuatan yang mengatur di dasar Kosmos» jelas Laura Sicignano. «“ Baccanti ”tampaknya mengandung sebagian besar teater masa depan. Ritus kuno yang berjalan melaluinya adalah ritus pemotongan dan regenerasi, misterius dan mengakar dalam budaya kita. Dalam karya ini Euripides tampaknya mengungkapkan intuisi bahwa akhir dan awal baru sedang terjadi dalam budaya Barat.

5 Teater Teratas yang Harus Diketahui di Florence – Kota Florence, di antara semua bentuk hiburannya, menampilkan sejumlah teater yang menakjubkan, baik yang bersejarah maupun kontemporer, untuk menggoda Anda dengan musik, drama, komedi, sulap, dan permainan dari segala jenis…bahkan dalam setiap bahasa.

5 Teater Teratas yang Harus Diketahui di Florence

toscanaspettacolo – Sambil menikmati banyak kesenangan yang ditawarkan kehidupan malam Florentine, Anda tidak bisa tidak memperhatikan kalender yang dimuat untuk masing-masing teater, yang mencakup produksi opera, drama, dan komedi internasional hingga berbagai jenis musik termasuk orkestra, artis kontemporer, solois dan jazz.

Melansir visitflorence, Di bawah ini kami telah menyoroti 5 teater teratas di Florence, yang terletak di atau dekat dengan pusat kota di mana Anda dapat menikmati pertunjukan berkualitas saat mengunjungi tempat yang memainkan bagian dari sejarah.

Baca juga : Membahas Tentang Teater Renaissance di Italia

1. Teatro Niccolini

Baru-baru ini dipugar pada tahun 2016, teater ini kembali ke pertengahan tahun 1600-an, menjadikannya salah satu teater modern pertama di seluruh Eropa . Dan bukan satu-satunya yang pertama, Perusahaan Concordi, yang didirikan pada tahun 1644, dapat dengan mudah dicap sebagai “akademi drama” pertama di Florence.

Kelompok ini terdiri dari seorang pria yang dilindungi oleh Pangeran Don Lorenzo de ‘Medici, putra Grand Duke Ferdinando I, dan mereka menggunakan patronasenya dan teater ini untuk menghidupkan karya.

2. Opera di Firenze

Struktur yang benar-benar baru ini menjadi terkenal karena menjadi tuan rumah Maggio Musicale Fiorentino, salah satu presentasi musik dan tari yang paling dihormati di Florence (mungkin Italia) dan untuk konstruksi dan desain yang memenangkan penghargaan dan satu- satunya tempat untuk melihat opera di Florence .

Hotel ini memiliki tiga ruang pertemuan, yang dapat beroperasi secara bersamaan: gedung opera dengan 1800 kursi, auditorium terbuka (outdoor) dengan 2000 kursi, dan terakhir auditorium, dengan kapasitas 500 hingga 1000 penonton. Lihat kalender resmi untuk pertunjukan di Opera di Firenze

3. Teatro della Pergola

Desain teater ini adalah oleh Ferdinando Tacca, putra Peter, yang mendesain dua air mancur di Santissima Annunziata . Pada tahun 1925 negara menyatakan Pergola sebagai monumen nasional namun baru pada tahun 1942 ketika diserahkan kepada negara bagian itu akhirnya menjadi ruang waktu yang sebenarnya. Berita gembira yang menyenangkan menunjukkan bahwa di sinilah ruang pribadi di bioskop pertama kali dimulai. Teorinya adalah bahwa mereka berevolusi dari kebutuhan akan cara yang lebih baik untuk melihat teater, tetapi gosip menunjukkan bahwa setiap ruang khusus adalah untuk “keluarga” untuk menghindari persaingan dan pertengkaran yang tidak menyenangkan di teater.

4. Teatro Verdi

Teatro Verde adalah satu-satunya teater yang dibangun pada tahun 1800-an di Florence saat masih menjadi ibu kota Italia. Nama aslinya adalah “Teatro delle Antiche Stinche” setelah penjara abad ke-14 di mana ia dibangun . (Beberapa sel masih terlihat hari ini di tingkat bawah tanah teater). Kemudian menjadi Teatro Pagliano, dan kemudian berubah nama menjadi Teatro Verdi pada tahun 1901.

Pada tahun 1865 teater sangat terancam oleh kebakaran, kemudian berpindah tangan dari satu pemilik ke pemilik lainnya. Baru setelah Perang Dunia II dibuka dengan program yang lebih populer yang menarik semua lapisan sosial. Pada bulan Januari 1998, teater berpindah tangan (sekali lagi) dan menjadi tempat duduk ORT (Orkestra Regional Tuscan) sambil tetap mengusulkan program yang hidup untuk audiens yang beragam.

5. Teatro Puccini

Teater ini diresmikan sebagai “Teatro del Dopolavoro dei Monopoli di Stato” pada tahun 1940 sebagai teater yang dikelola negara. Setelah perang itu melayani beberapa tujuan termasuk ruang dansa dan ring tinju! Baru pada tahun 1990-an ia mulai menampilkan program yang menyoroti artis Italia populer saat ini. Jika Anda mencari malam yang lebih tradisional, dan benar-benar Italia, maka ini mungkin tempat untuk Anda. Tapi hati-hati… itu semua dalam bahasa Italia!

Teater yang Tertunda Karena Covid Dibuka Kembali Di Italia – Sebagai tanda kelahiran kembali, teater Donizetti di kota Bergamo, Italia utara, yang hancur akibat pandemi virus corona, dibuka kembali akhir pekan ini setelah tiga tahun direnovasi.

Teater yang Tertunda Karena Covid Dibuka Kembali Di Italia

toscanaspettacolo – Tetapi perayaan gala yang direncanakan harus ditunda, dan produksi baru untuk festival tahunan yang didedikasikan untuk komposer asli kota itu, Gaetano Donizetti, harus disiarkan secara online dari teater yang kosong.

Direktur musik festival Riccardo Frizza mengatakan festival musim gugur dibayangkan sebagai momen yang menguatkan kehidupan kota dan provinsi, di mana 6.000 orang meninggal dalam satu bulan musim semi lalu. Di musim panas dia memimpin Donizett’s Requiem, dilakukan di luar pemakaman kota untuk menghormati orang mati.

“Anda harus tahu bahwa di orkestra festival saya dan di paduan suara ada orang yang kehilangan dua atau tiga anggota keluarga,” kata Frizza. kita lagi.”

Rencana untuk audiensi harus dibatalkan setelah virus mulai muncul kembali pada bulan Oktober, bahkan jika Bergamo sendiri mengalami penularan yang lebih ringan daripada musim semi, ketika gambar truk tentara yang mengangkut orang mati ke daerah lain untuk kremasi mengungkap korban pandemi. Kalender dipotong menjadi tiga produksi.

Ketiga pertunjukan akhir pekan Donizetti “Marino Faliero,” “Le Nozze in Villa” dan “Belisario” tersedia online tanpa batas waktu dengan harga berlangganan 59 euro ($ 70.) Frizza mengatakan uang itu diperlukan untuk membantu penyanyi lepas dan musisi menutup sebagian pendapatan selama satu tahun di mana musik klasik telah ditutup oleh virus corona.

Italia menutup semua bioskop pada bulan Februari, dan ada pembukaan kembali sementara selama musim panas. Sementara beberapa teater lain menawarkan streaming online gratis dari arsip mereka, Frizza mengatakan hanya sedikit yang menawarkan produksi opera baru.

Baca Juga : Teater Romawi Terindah Pada Masa Lampau

Paket teater Donizetti mencakup tambahan seperti komentar, wawancara, dan tur virtual teater yang telah direnovasi, langit-langitnya yang diberi lukisan dinding memberikan semangat baru. Opera Donizetti lainnya yang difilmkan tahun lalu, “L’Ange De Nisida,” akan dirilis pada hari Rabu.

Sebagai perbandingan, teater La Scala yang terkenal di Milan akan menyiarkan konser 7 Desember di televisi pemerintah, menggantikan pembukaan musim gala tradisionalnya.

Untuk memastikan kesehatan orkestra, penyanyi, dan paduan suara Festival Donizetti, protokol ketat diberlakukan, termasuk pengujian mingguan dan latihan terpisah. Selama pertunjukan akhir pekan, paduan suara, sebagian besar orkestra dan Frizza mengenakan topeng.

Di La Scala, lebih dari 40 anggota paduan suara telah dites positif terkena virus, ditambah 18 lainnya di orkestra.

Frizza, yang menderita serangan ringan dengan virus selama puncak Maret ketika Italia dikunci total, mengatakan tidak ada seorang pun di festival yang tertular virus selama latihan. Itu penting untuk memungkinkan pertunjukan langsung tetap berjalan meskipun ada penguncian sebagian di Lombardy.

“Tidak ada yang bisa membayangkan penguncian bulan Maret tanpa musik, tanpa buku, tanpa pertunjukan televisi,” kata Frizza. “Pandemi telah mengajarkan mereka yang belum mengerti sebelumnya, pentingnya budaya, seni, dan keindahan di dunia.”

Italia Melihat Secercah Harapan untuk Berakhirnya Wabah

Selama 37 hari terakhir, Italia telah menjalani mimpi buruk nasional setelah menemukan wabah virus corona baru di sejumlah kota di wilayah utara Lombardy dan Veneto. Tetapi orang Italia memiliki alasan untuk optimis: Jumlah orang yang baru terinfeksi sedang dalam tren menurun.

Selama 37 hari terakhir, Italia menjalani mimpi buruk nasional setelah ditemukannya wabah virus corona baru di sejumlah kota di wilayah utara Lombardy dan Veneto.

Dan mimpi buruk ini masih jauh dari selesai: Pada hari Senin, Italia melaporkan 812 kematian baru, sehingga jumlah kematiannya menjadi 11.591, tertinggi di dunia. Tetapi secercah harapan muncul dan orang Italia memiliki alasan untuk optimis: Jumlah orang yang baru terinfeksi sedang dalam tren menurun.

Pada hari Senin, Italia melaporkan 4.050 infeksi baru, penurunan terbesar sejak 17 Maret, sehingga jumlah total kasus menjadi 101.739. Para pejabat juga mengatakan jumlah orang yang perlu dirawat di unit perawatan intensif melambat, memberikan bantuan yang sangat dibutuhkan ke rumah sakit yang kewalahan.

Italia juga melaporkan jumlah harapan lain: 1.590 orang yang terinfeksi telah pulih, jumlah pemulihan satu hari terbesar. “Kami menuju ke arah yang benar,” kata Franco Locatelli, kepala dewan kesehatan yang memberi nasihat kepada pemerintah, pada briefing harian. “Jumlah tes positif turun meskipun tes tidak berkurang.”

Presiden Lombardy, wilayah yang paling terpukul di mana ibukota keuangan Italia Milan berada, juga berharap. “Kami tidak boleh lengah, tetapi kami berada di jalur yang benar,” kata Attilio Fontana kepada wartawan, Senin.

Di Milan, jumlah infeksi baru naik 154 kasus – sekitar 400 lebih sedikit dari hari sebelumnya. Di kota-kota lain di mana virus telah menyerang dengan ganas – Bergamo dan Brescia – infeksi baru juga menurun, sekitar 20 kasus baru di setiap kota.

Tapi jangan berharap jumlah kematian harian turun dengan cepat, pejabat Italia memperingatkan. Mereka mengatakan jumlah kematian kemungkinan akan terus tinggi karena masih banyak orang yang terinfeksi dan dalam perawatan intensif.

Bahkan ketika tingkat infeksi turun, perjalanan Italia masih panjang. Sejauh ini, sekitar 14.620 orang telah pulih dari virus, meninggalkan sekitar 70.000 masih sakit. Sementara yang terburuk mungkin mendekati akhir untuk Italia, itu mungkin tidak terjadi untuk negara-negara Eropa lainnya.

Spanyol adalah negara Eropa yang sekarang melaporkan infeksi baru paling banyak dan jumlah kematian yang mirip dengan Italia. Pada hari Senin, jumlah korban di Spanyol naik 812 menjadi total 7.340. Itu juga melaporkan 6.398 kasus baru dengan total 85.195 infeksi yang dikonfirmasi.

Prancis, Inggris, Belgia dan Jerman, antara lain, melaporkan lonjakan infeksi dan kematian. Pada hari Senin, Prancis melaporkan jumlah kematian harian terburuk dengan 418 kematian baru, sehingga total menjadi 3.024.

Pakar kesehatan mengatakan negara-negara mungkin berhari-hari atau bahkan berminggu-minggu di belakang ledakan kasus yang serupa dengan yang dialami Italia. Di luar Uni Eropa, Rusia dan Turki juga mulai melaporkan peningkatan kasus yang stabil.

Pada awal Maret, peta interaktif universitas Amerika yang melacak virus corona baru hanya menunjukkan satu titik merah besar – indikasi wabah parah – di luar Asia: Titik merah besar itu ditumpangkan secara tidak menyenangkan di Italia.

Sekarang, sebagian besar dunia ditutupi dengan titik-titik merah besar pada peta yang dibuat oleh Universitas Johns Hopkins. Semakin, Covid-19 menyebar di seluruh dunia, membawa serta gelombang penyakit dan kematian. Mimpi buruk Italia dimulai selama puncak perayaan Karnaval dan dengan cepat mengakhiri perayaan di Venesia.

Pada 23 Februari, dua hari sebelum Fat Tuesday, yang menandai akhir musim Karnaval, Italia memberlakukan penguncian di beberapa kota di wilayah utara Lombardy dan Veneto setelah menemukan sekelompok kasus Covid-19.

Tak lama kemudian, sekolah-sekolah di seluruh Italia ditutup dan kemudian penguncian diperpanjang ke seluruh Italia pada 10 Maret. Banyak negara lain telah mengikuti contoh Italia sejak saat itu.

Selama berminggu-minggu, para ahli kesehatan dan politisi di Eropa telah berbicara tentang “meratakan kurva”, sebuah istilah yang sekarang dikenal oleh orang Amerika. Ini mengacu pada upaya penahanan yang memperlambat penyebaran virus dan menurunkan jumlah infeksi pada satu waktu. Dilihat sebagai grafik, jumlah infeksi naik secara eksponensial dan kemudian mendatar.

Italia akhirnya tampaknya mencapai titik itu, kata para ahli. Pierpaolo Sileri, seorang wakil menteri kesehatan, mengatakan dalam sebuah posting blog bahwa dia “hidup dalam permainan jungkat-jungkit” antara harapan dan analisis data yang realistis.

“Kurva infeksi tumbuh tetapi menjadi lebih linier, teratur,” katanya. Pada kecepatan ini, katanya, puncaknya dapat dicapai antara tujuh hingga 10 hari. Namun, bahkan jika Italia mungkin dapat mengklaim di hari-hari mendatang bahwa ia telah berhasil menahan virus, itu akan membutuhkan banyak pekerjaan untuk memastikan Covid-19 tidak muncul kembali.

Dr. Michael Ryan, kepala program darurat di Organisasi Kesehatan Dunia, mengatakan dalam konferensi pers bahwa Italia dan negara-negara lain perlu melakukan apa yang dilakukan China untuk memastikan bahwa virus itu tidak muncul kembali. Di China dan negara-negara Asia lainnya, pejabat kesehatan telah melakukan pengujian ketat untuk menemukan orang yang terinfeksi virus dan mengisolasi mereka.

“Mereka terus mencari kasus, mereka terus mendeteksi kasus,” kata Ryan. “Pertanyaannya adalah bagaimana Anda turun [tidak ada infeksi baru],” tambahnya. “Turun bukan hanya tentang mengunci dan melepaskan. Itu tidak akan turun dengan sendirinya. Itu akan turun dengan didorong ke bawah. ”

Perdebatan di Italia beralih ke kapan dan bagaimana pembatasan dapat dilonggarkan baik untuk membuat ekonominya yang hancur kembali berjalan dan memungkinkan warga untuk kembali ke kehidupan di luar batas-batas rumah mereka.

Dengan krisis kesehatan yang masih begitu intens, pejabat pemerintah belum menetapkan bagaimana atau kapan mereka berencana untuk mencabut pembatasan.  Para ahli mengatakan pembukaan kembali Italia masih beberapa minggu lagi dan harus dilakukan secara bertahap dan terencana.

Sejarah Teater di Roma Kuno – Bentuk arsitektur teater di Roma telah dikaitkan dengan contoh yang lebih terkenal dari abad ke-1 SM hingga abad ke-3 M.

Sejarah Teater di Roma Kuno

toscanaspettacolo – Teater Roma kuno yang disebut sebagai periode waktu di mana praktik dan pertunjukan teater berlangsung di Roma telah dikaitkan lebih jauh dengan abad ke-4 SM, setelah transisi negara dari monarki ke republik.

Teater pada era ini umumnya dipisahkan menjadi genre tragedi dan komedi, yang diwakili oleh gaya arsitektur dan sandiwara panggung tertentu, dan disampaikan kepada penonton murni sebagai bentuk hiburan dan kontrol.

Baca Juga : Membahas Tentang Teater Renaissance di Italia

Dalam hal penonton, orang Romawi lebih menyukai hiburan dan pertunjukan daripada tragedi dan drama, menampilkan bentuk teater yang lebih modern yang masih digunakan di zaman kontemporer. Spectacle menjadi bagian penting dari harapan orang Romawi sehari-hari ketika datang ke Teater.

Beberapa karya Plautus, Terence, dan Seneca the Younger yang bertahan hingga hari ini, menyoroti berbagai aspek masyarakat dan budaya Romawi pada saat itu, termasuk kemajuan dalam sastra dan teater Romawi. Teater selama periode waktu ini akan mewakili aspek penting masyarakat Romawi selama periode republik dan kekaisaran Roma.

Asal mula teater Romawi

Roma didirikan sebagai sebuah monarki di bawah kekuasaan Etruria, dan tetap seperti itu selama dua setengah abad pertama keberadaannya. Setelah pengusiran raja terakhir Roma, Lucius Tarquinius Superbus, atau “Tarquin the Proud,” sekitar tahun 509 SM, Roma menjadi republik dan selanjutnya dipimpin oleh sekelompok hakim yang dipilih oleh rakyat Romawi.

Dipercaya bahwa teater Romawi lahir selama dua abad pertama Republik Romawi, setelah penyebaran kekuasaan Romawi ke wilayah yang luas di Semenanjung Italia, sekitar tahun 364 SM.

Menyusul kehancuran wabah yang meluas pada 364 SM, warga Romawi mulai memasukkan permainan teater sebagai pelengkap dari upacara Lectisternium yang sudah dilakukan, dalam upaya yang lebih kuat untuk menenangkan para dewa. Pada tahun-tahun setelah penerapan praktik-praktik ini, para aktor mulai mengadaptasi tarian dan permainan ini ke dalam pertunjukan dengan memerankan teks-teks yang diatur ke musik dan gerakan simultan.

Seiring berkembangnya era Republik Romawi, warga mulai memasukkan drama yang dipentaskan secara profesional dalam persembahan eklektik ludi (perayaan hari libur umum) yang diadakan sepanjang tahunfestival terbesar ini adalah Ludi Romani , yang diadakan setiap bulan September untuk menghormati dewa Romawi Jupiter. Sebagai bagian dari Ludi Romani pada tahun 240 SM, penulis dan dramawan Livius Adronicus menjadi orang pertama yang menghasilkan terjemahan drama Yunani yang ditampilkan di panggung Romawi.

Sebelum 240 SM, kontak Romawi dengan budaya Italia utara dan selatan mulai mempengaruhi konsep hiburan Romawi. Panggung Romawi awal didominasi oleh: Phylakes (suatu bentuk parodi tragis yang muncul di Italia selama Republik Romawi dari 500 hingga 250 SM), Atellan farces (atau sejenis komedi yang menggambarkan pemikiran terbalik tentang wilayah tenggara).

Kota Oscan Atella suatu bentuk humor etnis yang muncul sekitar 300 SM), dan syair Fescennine (berasal dari Etruria selatan). Selanjutnya, para sarjana Phylakes telah menemukan vas yang menggambarkan produksi Komedi Lama (misalnya oleh Aristophanes, seorang penulis naskah drama Yunani), membuat banyak orang memastikan bahwa drama komedi semacam itu disajikan pada satu titik ke penonton Italia, jika bukan “Berbahasa Latin” pada awal abad ke-4.

Hal ini didukung oleh fakta bahwa bahasa Latin merupakan komponen penting bagi Teater Romawi. Dari 240 SM sampai 100 SM, teater Romawi telah diperkenalkan ke periode drama sastra, di mana drama Yunani klasik dan pasca-klasik telah diadaptasi ke teater Romawi. Dari 100 SM hingga 476 M, hiburan Romawi mulai disuguhkan dengan pertunjukan seperti sirkus, tontonan, dan pantomim sambil tetap terpikat oleh pertunjukan teater.

Drama awal yang muncul sangat mirip dengan drama di Yunani. Roma telah terlibat dalam sejumlah perang, beberapa di antaranya telah terjadi di wilayah Italia, di mana budaya Yunani memiliki pengaruh besar.

Contohnya termasuk Perang Punisia Pertama (264-241 SM) di Sisilia. Melalui ini muncul hubungan antara Yunani dan Roma, dimulai dengan munculnya dunia Helenistik, di mana budaya Helenistik menyebar lebih luas dan melalui perkembangan politik melalui penaklukan Romawi atas koloni Mediterania. Akulturasi telah menjadi spesifik untuk Yunani-Romawihubungan, dengan Roma terutama mengadopsi aspek-aspek budaya Yunani, pencapaian mereka, dan mengembangkan aspek-aspek itu ke dalam sastra, seni, dan sains Romawi.

Roma telah menjadi salah satu budaya Eropa pertama yang berkembang untuk membentuk budaya mereka sendiri demi satu. Roma telah memperoleh akses yang lebih besar ke kekayaan sastra Yunani dan Seni, dan masuknya migran Yunani, khususnya filsuf Stoa seperti Peti Mallus (168 SM) dan bahkan filosof Athena (155 SM). Hal ini memungkinkan orang Romawi mengembangkan minat pada bentuk ekspresi baru, filsafat.

Perkembangan yang terjadi pertama kali diprakarsai oleh penulis naskah yang merupakan orang Yunani atau setengah Yunani yang tinggal di Roma. Sementara tradisi sastra Yunani dalam drama mempengaruhi Romawi, Romawi memilih untuk tidak sepenuhnya mengadopsi tradisi ini, dan alih-alih bahasa lokal yang dominan digunakan bahasa Latin. Drama Romawi yang mulai dipentaskan ini sangat dipengaruhi oleh tradisi Etruria, khususnya mengenai pentingnya musik dan pertunjukan.

Genre teater Romawi kuno

Karya penting pertama sastra Romawi adalah tragedi dan komedi yang ditulis oleh Livius Andronicus mulai tahun 240 SM. Lima tahun kemudian, Gnaeus Naevius , yang lebih muda sezaman dengan Andronicus, juga mulai menulis drama, menggubah dalam kedua genre juga. Tidak ada drama dari kedua penulis yang bertahan. Pada awal abad ke-2 SM, drama telah menjadi mapan di Roma dan serikat penulis (collegium Poetarum) telah dibentuk.

Tragedi Romawi

Tidak ada tragedi Romawi awal yang bertahan, meskipun itu sangat dihormati pada zamannya sejarawan mengetahui tiga tragedi awal Ennius, Pacuvius dan Lucius Accius. Salah satu aspek penting dari tragedi yang berbeda dari genre lain adalah penerapan chorus yang termasuk dalam aksi di atas panggung selama pertunjukan banyak tragedi.

Namun, sejak zaman kekaisaran, karya dua tragedi bertahansatu adalah penulis yang tidak dikenal, sementara yang lain adalah filsuf Stoa Seneca . Sembilan tragedi Seneca bertahan, semuanya adalah fabulae crepidatae (A fabula crepidata atau fabula cothurnata adalah tragedi Latin dengan subjek Yunani)

Seneca muncul sebagai karakter dalam tragedi Octavia, satu-satunya contoh fabula praetexta yang masih ada (tragedi berdasarkan subjek Romawi, pertama kali dibuat oleh Naevius ), dan akibatnya, drama tersebut secara keliru dikaitkan sebagai telah ditulis oleh Seneca sendiri. Namun, meskipun sejarawan telah mengkonfirmasi bahwa drama itu bukan salah satu karya Seneca, penulis sebenarnya tetap tidak diketahui.

Komedi Romawi

Semua komedi Romawi yang bertahan dapat dikategorikan sebagai fabula palliata (komedi berdasarkan mata pelajaran Yunani) dan ditulis oleh dua dramawan: Titus Maccius Plautus (Plautus) dan Publius Terentius Afer (Terence). Tidak ada fabula togata (komedi Romawi dalam latar Romawi) yang bertahan.

Dalam mengadaptasi drama Yunani yang akan ditampilkan untuk penonton Romawi, dramawan komik Romawi membuat beberapa perubahan pada struktur produksi. Yang paling menonjol adalah penghapusan peran paduan suara yang sebelumnya menonjol sebagai sarana untuk memisahkan aksi ke dalam episode yang berbeda. Selain itu, iringan musik ditambahkan sebagai suplemen simultan untuk dialog drama. Aksi dari semua adegan biasanya terjadi di jalan-jalan di luar kediaman karakter utama, dan komplikasi plot sering kali merupakan hasil dari menguping oleh karakter kecil.

Plautus menulis antara 205 dan 184 SM dan dua puluh komedinya bertahan hingga hari ini, di mana leluconnya paling terkenal. Dia dikagumi karena kecerdasan dialognya dan karena penggunaan meteran puitisnya yang bervariasi. Sebagai hasil dari semakin populernya drama Plautus, serta bentuk baru komedi tertulis ini, drama pemandangan menjadi komponen yang lebih menonjol dalam festival Romawi pada waktu itu, mengklaim tempat mereka di acara-acara yang sebelumnya hanya menampilkan balapan, kompetisi atletik. dan pertarungan gladiator.

Keenam komedi itu Terenceterdiri antara 166 dan 160 SM telah bertahan. Kompleksitas plotnya, di mana ia secara rutin menggabungkan beberapa karya asli Yunani menjadi satu produksi, menimbulkan kritik keras, termasuk klaim bahwa dengan melakukannya, ia merusak drama Yunani asli, serta desas-desus bahwa ia telah menerima bantuan dari peringkat tinggi.

laki-laki dalam menyusun materinya. Faktanya, meminta agar mereka memperhatikan materinya secara objektif, dan tidak terpengaruh oleh apa yang mungkin mereka dengar tentang praktiknya. Ini adalah perbedaan yang mencolok dari prolog tertulis dari penulis drama terkenal lainnya pada masa itu, yang secara rutin menggunakan prolog mereka sebagai cara untuk mengawali plot drama yang sedang ditampilkan.

Teater Romawi dalam pertunjukan

Dimulai dengan pertunjukan teater yang pertama di Roma pada tahun 240 SM, drama-drama sering dipentaskan selama festival-festival publik. Karena drama ini kurang populer dibandingkan beberapa jenis acara lainnya (pertandingan gladiator, acara sirkus, dll.) yang diadakan dalam ruang yang sama, acara teater dilakukan menggunakan struktur kayu sementara, yang harus dipindahkan dan dibongkar selama berhari-hari. setiap kali acara tontonan lainnya dijadwalkan berlangsung.

Lambatnya proses penciptaan ruang pertunjukan permanen disebabkan oleh penolakan keras dari pejabat tinggi: anggota senat berpendapat bahwa warga negara menghabiskan terlalu banyak waktu di acara teater, dan memaafkan perilaku ini akan menyebabkan korupsi publik Romawi.

Hasil dari, Untuk menunjukkan kemurahan hati mereka, patung atau prasasti (kadang-kadang dalam jumlah uang) didirikan atau ditorehkan untuk dilihat semua orang di depan tribunalia, di proscaenium atau scaenae frons , bagian-bagian bangunan yang dimaksudkan untuk dilihat publik. Membangun teater membutuhkan usaha besar dan waktu yang lama, seringkali berlangsung beberapa generasi.

Teater Romawi, khususnya yang dibangun di barat-Romawi , sebagian besar dimodelkan dari yang Yunani. Mereka sering diatur dalam setengah lingkaran di sekitar orkestra, tetapi baik panggung dan gedung adegan bergabung bersama dengan auditorium dan diangkat ke ketinggian yang sama, menciptakan kandang yang sangat mirip dalam struktur dan penampilan dengan teater modern. Hal ini dilanjutkan dengan odea atau teater kecil yang memiliki atap atau teater yang lebih besar memiliki vela, memungkinkan penonton untuk memiliki naungan.

Selama masa struktur sementara ini, pertunjukan teater menampilkan suasana yang sangat minimalis. Ini termasuk ruang bagi penonton untuk berdiri atau duduk menonton pertunjukan, yang dikenal sebagai cavea , dan panggung, atau scaena.

Latar untuk setiap lakon digambarkan menggunakan latar belakang (scaenae frons) yang rumit, dan para aktor tampil di atas panggung, di ruang bermain di depan scaenae frons, yang disebut proscaenium. Struktur ini didirikan di beberapa tempat yang berbeda, termasuk kuil, arena, dan kadang-kadang, drama diadakan di alun-alun pusat Roma ( forum ).

Pembagian masyarakat dalam teater menjadi jelas dalam bagaimana auditorium dibagi, biasanya oleh koridor yang luas atau praecinctiones, menjadi salah satu dari tiga zona, ima, media, dan summa cavea. Zona-zona ini berfungsi untuk memisahkan kelompok-kelompok tertentu dalam populasi. Dari tiga divisi ini, summa cavea atau galeri adalah tempat duduk pria (tanpa toga atau pullati (miskin), wanita, dan terkadang budak (dengan izin masuk).

Pengaturan tempat duduk teater menyoroti perbedaan gender dalam masyarakat Romawi, karena wanita duduk di antara para budak. Sur mencatat bahwa baru pada Augustus segregasi di teater diberlakukan, di mana perempuan harus duduk di belakang atau di dekat bagian belakang.

Teater dibayar oleh dermawan tertentu dan dilihat sebagai target untuk kebaikan, terutama karena kebutuhan untuk menjaga ketertiban sipil dan sebagai konsekuensi dari keinginan warga untuk pertunjukan teater. Teater dibangun hampir selalu melalui kepentingan mereka yang memegang pangkat dan posisi tertinggi di Republik Romawi.

Untuk mempertahankan pemisahan kekuasaan, mereka yang berpangkat tinggi sering kali duduk di depan atau di depan umum (tribunalia). Orang-orang yang memberikan sumbangan untuk pembangunan teater sering melakukannya untuk alasan propaganda. Apakah itu di tangan seorang dermawan kekaisaran atau individu kaya, biaya pembangunan teater yang tinggi biasanya membutuhkan lebih dari sumbangan satu individu.

Pada 55 SM, teater permanen pertama dibangun. Dibangun oleh Pompey the Great, tujuan utama dari struktur ini sebenarnya bukan untuk pertunjukan drama, melainkan untuk memungkinkan penguasa saat ini dan masa depan sebuah tempat di mana mereka dapat mengumpulkan publik dan menunjukkan kemegahan dan otoritas mereka atas massa.

Dengan tempat duduk untuk 20.000 penonton, struktur megah ini memiliki panggung selebar 300 kaki, dan memiliki panggung panggung tiga lantai yang diapit dengan patung-patung yang rumit. Theatre of Pompey tetap digunakan sampai awal abad ke-6, tetapi dibongkar untuk dijadikan batu pada Abad Pertengahan. Hampir tidak ada struktur besar yang terlihat di atas tanah saat ini.

Aktor Teater

Aktor pertama yang muncul dalam pertunjukan Romawi berasal dari Etruria . Tradisi aktor asing ini akan berlanjut dalam pertunjukan dramatis Romawi. Dimulai dengan pertunjukan awal, aktor ditolak hak politik dan sipil yang sama yang diberikan kepada warga negara Romawi biasa karena status sosial aktor yang rendah.

Selain itu, para aktor dibebaskan dari dinas militer, yang selanjutnya menghambat hak-hak mereka dalam masyarakat Romawi karena tidak mungkin seseorang memiliki karir politik tanpa memiliki beberapa bentuk pengalaman militer. Sementara aktor tidak memiliki banyak hak, budak memang memiliki kesempatan untuk memenangkan kebebasan mereka jika mereka mampu membuktikan diri sebagai aktor yang sukses.

Membahas Tentang Teater Renaissance di Italia – Di Italia, humanisme adalah gerakan intelektual yang dominan pada abad keempat belas dan kelima belas, dan metodenya memengaruhi sebagian besar bidang kehidupan budaya.

Membahas Tentang Teater Renaissance di Italia

toscanaspettacolo – Humanis awal Francesco Petrarch (1304–1374) dan Giovanni Boccaccio(1313–1375) telah terpesona oleh genre dan gaya sastra Latin Antiquity.

Mereka membayangkan kebangkitan budaya berdasarkan model sastra kuno. Ketika gerakan humanis berkembang, ia memperoleh kecanggihan baru tentang peran dan penggunaan bahasa.

Kecanggihan ini melahirkan filologi pada abad kelima belas, sebuah disiplin baru yang mempelajari penggunaan bahasa secara historis dan kontekstual dalam dokumen kuno. Filologi mengembangkan metode ilmiah yang ketat sehingga pada paruh kedua abad kelima belas memungkinkan para sarjana untuk menetapkan keaslian teks-teks kuno. Pada waktu yang hampir bersamaan, humanisme juga mendukung kebangkitan studi retorika kuno serta bahasa Yunani. Seperti yang ditunjukkan oleh potret ini, humanisme dari awalnya adalah gerakan sastra, bukan filosofis.

Baca Juga : Membahas Tentang Teater Dan Stagecraft Di Italia

Tidak ada manifesto atau kredo humanis, tetapi keyakinan umum bahwa perkembangan pria dan wanita yang merupakan pembaca dan pemikir kritis serta penulis yang elegan dapat memuliakan masyarakat. Keyakinan yang sama ini mendorong kaum humanis untuk mempelajari bentuk-bentuk drama kuno. Upaya mereka menghasilkan kebangkitan klasik dari mahakarya Antiquity, bahkan ketika mereka akhirnya mengilhami penulis naskah Renaisans untuk meniru genre kuno. Dalam tragedi, bagaimanapun, dramawan Italia lama tetap budak model kuno.

Meskipun banyak orang Italia Renaisans menulis tragedi bergaya Yunani dan Romawi, tidak ada mahakarya dalam genre ini yang muncul hingga abad kedelapan belas. Beasiswa Italia klasik kuno memunculkan karya-karya yang hari ini hanya kepentingan sejarah. Pada saat yang sama, sarjana humanis Italia melakukan perjalanan ke seluruh Eropa, dan di Inggris Renaisans, Prancis, dan Spanyol, drama tragis besar memang muncul. Sebaliknya, dalam komedi, orang Italia Renaisans membuktikan kesuksesan yang lebih besar, menghasilkan serangkaian komedi terpelajar atau terpelajar yang juga mengilhami penulis naskah di seluruh Eropa.

Kebangkitan Purbakala

Penemuan kembali komedi dan tragedi dunia kuno melahirkan edisi baru karya Sophocles, Euripides, dan dramawan Romawi Seneca, Terence, dan Plautus. Seneca, penulis kuno tragedi terbesar Roma, adalah penulis naskah kuno pertama yang menarik perhatian kaum humanis. Sudah di abad keempat belas para sarjana telah berpaling untuk mempelajari tragedi-tragedinya.

Penulis drama komik Plautus adalah tokoh klasik hebat berikutnya yang mengalami kebangkitan. Pada 1429, humanis Nicholas dari Cusamenemukan kembali dua belas drama oleh Plautus, dan pada tahun-tahun berikutnya, jajaran sarjana sastra Italia yang terus bertambah meneliti dokumen-dokumen ini. Pada paruh kedua abad kelima belas, mesin cetak mengizinkan para sarjana untuk mencetak edisi drama klasik.

Edisi kumpulan dari karya-karya Terence yang masih hidup muncul pada tahun 1470, diikuti dua tahun kemudian oleh karya-karya Plautus. Edisi cetak ini memungkinkan ratusan teks identik beredar di antara para sarjana dan penulis secara bersamaan, sehingga mengilhami pembaca untuk mencoba meniru bentuk-bentuk kuno. Edisi-edisi baru ini juga mendorong para pelindung dan bangsawan kaya Italia untuk menugaskan terjemahan karya-karya tersebut ke dalam bahasa Italia dan untuk melakukan produksi drama-drama tersebut.

Sebaliknya, studi Sophocles, Euripides, dan Aristophanes berjalan lebih lambat karena, pada abad kelima belas, drama Yunani hanya bisa dibaca oleh para sarjana yang paling terpelajar. Pada tahun 1525, situasi ini mulai berubah ketika tiga tragedi Yunani yang paling terkenal, Euripides’Iphigenia dalam Tauris dan Cyclops -nya serta Oedipus Rex karya Sophocles , memiliki terjemahan dalam bahasa Italia. Terjemahan drama Yunani utama muncul sepanjang abad keenam belas, menghasilkan seruan untuk kebangkitan teater Yunani, serta minat yang lebih umum pada konvensi drama klasik.

Tragedi

Minat humanis pada tragedi kuno berkembang lebih awal, ketika para sarjana Italia meneliti tragedi kuno Seneca. Sekitar tahun 1300, humanis awal Lovati Lovato dan Nicholas di Trevet menghasilkan komentar tentang tragedi Seneca. Minat kritis di Seneca bukan kebetulan. Seneca adalah seorang Stoa, anggota sekte filosofis kuno yang mengajarkan bahwa nafsu manusia adalah sumber kejahatan.

Stoicisme menganut kredo yang menolak dunia yang tidak berbeda dengan filosofi Kristen dari banyak tokoh abad pertengahan, juga tidak menarik bagi para humanis awal. Petrarch melihat dalam ajaran Stoicisme cara yang efektif untuk mengelola hubungan seseorang dengan dunia. Pada keseimbangan, popularitas baru tragedi Senecan, bagaimanapun, memiliki efek peredam pada kebangkitan bentuk sebagai drama teater.

Seneca memperlakukan tragedi sebagian besar sebagai genre sastra, dan saat ini sebagian besar sarjana percaya bahwa dia, bahkan di Zaman Kuno, seorang penulis “drama lemari”, yaitu drama yang dimaksudkan untuk dibaca daripada dipertunjukkan. Dalam upaya mereka untuk memahami karya penulis ini, para humanis Renaisans awal juga mengandalkan ahli teori abad pertengahan seperti filsuf abad keenam Isidore dari Seville atau penyair abad ketiga belas.

Dante Alighieri keduanya telah memperlakukan tragedi kuno sebagian besar sebagai semacam puisi yang membahas perbuatan keji dan membenarkan kejatuhan penguasa yang tidak bermoral. Sikap Isidore dan Dante terhadap bentuk dengan demikian meremehkan unsur-unsur filosofis, psikologis, dan visual yang beraneka ragam yang ada dalam bentuk-bentuk tragis kuno. Pada abad keempat belas dan kelima belas kaum humanis Italia sebagian besar setuju dengan penilaian tradisional ini. Para penulis tragedi Renaisans paling awal meniru gaya sastra Seneca bahkan ketika mereka mengabaikan potensi teatrikal genre tersebut.

Pada tahun 1315, Albertino Mussato termasuk orang pertama yang menulis tragedi dalam gaya kuno. Dalam bukunya EcerinisMussato menarik plotnya dari peristiwa sejarah baru-baru ini, menceritakan perbuatan jahat dan kejatuhan Ezzelino da Romano, seorang lalim Italia abad ketiga belas.

Seperti semua penulis tragedi Italia hingga pertengahan abad keenam belas, Mussato mengecilkan elemen teatrikal dari ceritanya, dan malah mengembangkan potensi sastra yang besar dari karya tersebut. Dia menulis dramanya bukan untuk panggung tetapi untuk sekelompok kecil pembaca yang membacakan drama itu.

Gagasan ini bahwa tragedi paling baik dikonsumsi oleh sekelompok kecil pembaca yang terlatih daripada di atas panggungbertahan selama beberapa generasi. Itu bertahan bahkan di abad keenam belas ketika edisi cetak tragedi menggantikan versi naskah drama ini.

Bahkan meningkatnya popularitas tragedi Yunani pada abad keenam belas tidak banyak mengurangi antusiasme untuk “drama lemari” membaca secara pribadi atau dalam lingkaran membaca kecil. Pada tahun 1515, misalnya, humanis Gian Giorgio Trissino menjadi orang Italia pertama yang menulis drama menggunakan konvensi tragedi Yunani kuno. MiliknyaSofonisha menggunakan unsur-unsur Yunani kuno dari paduan suara, lagu, dan tontonan, dan dia mengandalkan kesatuan yang khusyuk yang menjadi ciri karya-karya kuno ini.

Tetapi seperti kebanyakan tragedi Renaisans Italia, Sofonisha dibacakan dalam kelompok-kelompok kecil jauh sebelum dipentaskan di atas panggung. Drama itu melewati enam cetakansebuah tanda popularitasnyatetapi baru dipentaskan pada tahun 1562. Drama tragis populer lainnya pada waktu itu, Rosmunda karya Giovanni Rucellai juga mengklaim jumlah pembaca yang besar, tetapi baru dimainkan pada abad kedelapan belas.

Tragedi Bertahap

Terlepas dari cara yang relatif kering di mana tragedi dikonsumsi selama sebagian besar Renaisans, bentuknya tetap populer sebagai hiburan sastra. Namun, pada abad keenam belas, pemahaman yang berkembang tentang konvensi teater kuno mengilhami realisasi baru dari potensi dramatis yang ada di dalam genre. Di sini penemuan kembali versi Poetics Aristoteles yang tidak rusak merupakan perkembangan yang sangat menentukan. Dalam risalah kuno tentang puisi dan bentuk-bentuk dramatis ini, Aristoteles menunjukkan bagaimana tragedi memiliki kekuatan besar untuk menarik hasrat manusia.

Sebagai pengetahuan tentang Puisimenyebarkannya menghasilkan perubahan dalam cara penulis drama menulis tragedi. Para penulis semakin banyak menyampaikan karya mereka kepada penonton untuk drama-drama ini, dan mereka menekankan elemen visual dari drama mereka. Dalam bukunya Poetics yang ditulis pada tahun 1529, penulis drama Trissino mencatat bahwa elemen pertama, dan akibatnya salah satu yang paling penting, dari sebuah tragedi adalah pemandangannya karena hal ini dapat membangkitkan kesenangan penonton.

Keingintahuan baru, terbukti dalam pernyataan Trissino serta upaya berkelanjutan untuk melacak drama kuno, mengilhami pertunjukan pertama tragedi Renaisans pada tahun 1541, Orbecche karya Giambattista Cinzio Giraldi.Keberhasilan besar produksi ini mengilhami para pelindung bangsawan di seluruh Italia untuk menugaskan penulis untuk menulis tragedi baru yang dimaksudkan dari yang pertama untuk dipentaskan daripada hanya dibaca. Ini termasuk Orazia karya Pietro Aretino (1546), Marianna karya Gugliemo Dolce (1565), dan Edipo karya Orsatto Giustiniani.

Sementara tragedi tidak pernah menjadi sepopuler bentuk dramatis Renaisans lainnya terutama komedi itu masih berhasil memperoleh pengikut yang signifikan. Tema-temanya, yang serius dan seringkali firasat, berarti bahwa tragedi adalah bentuk teater yang menarik bagi segelintir orang yang relatif berpendidikan. Dan karena tragedi biasanya memperlakukan kehidupan tokoh-tokoh bangsawan, persyaratan pementasan mereka mahal dan rumit.

Dengan tidak adanya teater profesional yang didedikasikan untuk produksi tragis, biaya ini hanya dapat ditanggung oleh pelindung mulia sesekali yang menugaskan karya-karya seperti itu. Sementara faktor-faktor ini membatasi daya tarik tragedi, produksi yang signifikan tetap dilakukan menjelang akhir abad keenam belas. Pada waktu bersamaan, pengetahuan yang telah dikumpulkan oleh para sarjana Italia tentang standar kinerja dan struktur tragedi kuno disebarkan ke seluruh Eropa; dan di akhir Renaisans Spanyol, Inggris, dan Prancis, teater tragis menemukan rumah yang lebih menyenangkan.

Komedi Terpelajar

Studi tentang komedi kuno dan konvensi-konvensinya pertama kali dikembangkan pada abad kelima belas, agak lebih lambat dari kebangkitan awal tragedi. Namun, sejak pertama, minat baru pada komedi kuno menghasilkan produksi teater, dan pada gilirannya, pementasan drama kuno mengilhami genre baru Italia Erudite Comedy. Komedi terpelajar ini memengaruhi drama yang ditulis di tempat lain di Eropa abad keenam belas.

Kebangkitan kembali pengetahuan tentang komedi kuno dimulai pada 1429 ketika humanis Nicholas dari Cusa menemukan kembali selusin karya yang sebelumnya tidak diketahui oleh penulis drama Romawi kuno Plautus. Sirkulasi komedi ini segera menghasilkan tiruan Italia seperti Chrysisdari sarjana humanis Aeneas Sylvius Piccolomini, yang ditulis pada tahun 1444. Pada saat yang sama mode dikembangkan untuk karya-karya Plautus. Di Ferrara, misalnya, para adipati mementaskan terjemahan Latin dan Italia dari karya-karya penulis naskah kuno dari tahun 1570-an dan seterusnya.

Pertunjukan ini mengilhami penyair besar Lodovico Ariosto (1474-1533) untuk mengarang beberapa komedi Italia yang dikagumi secara luas pada dekade pertama abad keenam belas. Di Florence, perkembangan genre komedi teater mengambil jalan yang agak berbeda. Di sana, humanis besar Angelo Poliziano (1454–1494) menghidupkan kembali karya-karya penulis drama komik kuno Terence dengan mengedit drama ulung penulis Andria.

Penulis Florentine pada akhir abad ke-15 dan awal abad ke-16 juga mempelajari komedi Yunani kuno, dan mendiskusikannya di semacam salon yang dilindungi oleh keluarga Rucellai pada saat itu. Setelah pengasingannya dari dunia politik Florentine, Niccolò Machiavelli (1469–1527) mulai menulis teori dan sejarah politik serta komedi untuk mendukung dirinya sendiri.

Dari ketiga jenis tulisan yang dilakukan oleh negarawan, komedi terbukti paling menguntungkan. Dalam drama-dramanya, ia menerapkan pengetahuan sastra teoretis dan praktis yang diperolehnya dari tinggal di Florence selama masa kejayaan kebangkitan komik. Dia menghasilkan beberapa drama, di mana The Mandrake Root (1517) adalah yang paling populer dan berpengaruh. Dengan cara yang mengingatkan pada beberapa kisah Decameron, itu menceritakan kembali kisah seorang pembual tua yang diselingkuhi oleh seorang pemuda yang pintar.

Menyiapkan Panggung

pengantar: Niccolò Machiavelli, penulis buku terkenal, The Prince , juga seorang penulis dari beberapa komedi Renaisans yang populer. Mandrake Root adalah permainannya yang paling sukses.

Aktor sering bekerja di panggung kecil dengan pemandangan sempit yang tidak cukup menggambarkan ruang di mana drama mereka berlangsung. The Prologue to the Mandrake , menunjukkan bagaimana penulis naskah terkadang membantu dalam proses setting adegan.

Karakteristik

Drama baru yang meniru contoh Terence dan Plautus disebut erudita, yang berarti terpelajar atau terpelajar, karena strukturnya meniru struktur Roma kuno.

Meskipun kontur drama ini bergantung pada beberapa konvensi kuno, komedi ilmiah tumbuh menjadi jauh lebih dari sekadar bentuk tiruan. Dalam beberapa kasus, dramawan menulis komedi ini dalam bentuk syair. Tetapi paling sering mereka mengandalkan prosa yang ditulis dalam dialek Tuscan yang kuat yang digunakan di seluruh Italia utara dan tengah pada saat itu.

Drama-drama tersebut sering menggunakan dialek lokal atau kata-kata yang berasal dari bahasa asing untuk menggarisbawahi sifat karakter sebagai orang bodoh atau orang asing. Sebagian besar komedi mengikuti format lima babak model Romawi kuno.

Mereka terjadi di adegan jalanan Italia yang dihuni oleh bangsawan kaya, pelayan mereka, dan klien mereka. Pelacur, mucikari, pemilik penginapan, penjaja, dan tentara juga sering menjadi karakter dalam drama, menunjukkan selera situasi kehidupan nyata daripada pengaturan fantasi yang sering digunakan dalam bentuk komedi abad pertengahan sebelumnya. Salah satu perkembangan penting dalam sejarah komedi ilmiah adalah fondasi dariIntronati di Siena sekitar tahun 1531.

Sekelompok intelektual dan kecerdasan berpendidikan universitas, Intronati memperluas batas-batas komedi dengan membawa plot roman ke dalam genre. Akhirnya, inovasi mereka menarik pembaca yang luas di seluruh Eropa, dan mengilhami banyak karya serupa, termasuk Malam Kedua Belas karya Shakespeare .

Di luar banyak plot yang mereka kembangkan dari roman abad pertengahan, Intronati juga memanfaatkan cerita dari Decameron karya Boccaccio , lebih menyukai kisah-kisah di mana wanita yang sangat cerdas dan heroik mendapatkan yang lebih baik dari karakter pria yang lebih lemah. Berita tentang inovasi mereka menyebar dengan cepat ke seluruh Italia, dan kelompok-kelompok baru di Florence, Padua, Roma, dan kota-kota lain segera meniru mereka.

Membahas Tentang Teater Dan Stagecraft Di Italia – Tradisi teater Italia telah lama berperan dalam membentuk perkembangan teater jauh melampaui batas negara. Selama abad kelima belas dan keenam belas, humanis Italia telah mempelajari sastra dramatis dan teater Kuno. Pada waktunya, upaya mereka menghasilkan perkembangan besar penulisan drama kontemporer di Italia, sebagai penulis yang beragam seperti Niccolò Machiavelli dan Torquato Tassomengandalkan kanon dramatis kuno untuk membentuk drama abad keenam belas mereka.

Membahas Tentang Teater Dan Stagecraft Di Italia

toscanaspettacolo – Selera akan komedi yang ditulis dalam gaya penulis Romawi kuno Plautus dan Terence berkembang di istana yang canggih di semenanjung, sehingga memunculkan upaya baru untuk memahami teater kuno dengan segala kerumitannya. Ketika abad keenam belas berkembang, para sarjana dan penulis naskah beralih ke tragedi dan mempelajari pernyataan Aristoteles dan filsuf lain tentang estetika.

Ada beberapa nilai produksi dalam banyak upaya pertama untuk menghidupkan kembali teater kuno ini, dan para aktor sering tampil di depan latar paling sederhana yang hanya menyarankan sebuah tempat. Seiring waktu, pemandangan yang dilukis dan dirancang oleh seniman-seniman ulung menggantikan elemen-elemen dasar ini, dan seiring dengan perkembangan abad keenam belas, arsitek dan cendekiawan menjadi lebih peduli dengan menciptakan tampilan dan nuansa teater kuno.

Baca Juga :Teater Tertua Yang Ada Di Italia

Yang paling terkenal dari upaya ini adalahAndrea Palladio’s untuk Teatro Olimpico di Vicenza di Italia utara, sebuah teater yang masih berdiri sampai sekarang. Palladio dan muridnya, Vincenzo Scamozzi yang akhirnya menyelesaikan proyek tersebut, menciptakan struktur yang dalam banyak hal tampak akrab bagi pemirsa modern, meskipun pemandangan yang dilengkapi dengan panggung bersifat permanen dan tidak dapat dipindahkan. Itu terdiri dari galeri dua lantai, diselingi dengan pintu dan lengkungan.

Di bagian belakang struktur ini, pemandangan jalanan diciptakan kembali dalam perspektif sehingga seluruh struktur tampak surut ke titik hilang di cakrawala. Kecerdasan konsep ini berlanjut di seluruh desain auditorium, di mana Palladio mengatur bangku-bangku melengkung berbentuk elips di sekitar panggung, sehingga memungkinkan semua penonton untuk memiliki setidaknya sebagian pandangan tentang tindakan yang terjadi di hadapan mereka.

Teater Palladio dan Scamozzi selesai dibangun pada tahun 1585, dan segera memicu sejumlah eksperimen lain untuk menemukan tempat yang sempurna untuk menampilkan tontonan, drama, opera, dan balet yang merupakan hiburan umum di istana Italia. Dari sekian banyak teater yang dibangun saat ini, salah satu yang memiliki pengaruh paling luas di seluruh Eropa adalah Teatro Farnese, sebuah teater pribadi yang dibangun untuk keluarga Farnese yang berpengaruh di sebuah istana di luar kota Parma di Italia utara selama 1618–1619.

Seperti Teatro Olimpico, Farnese memiliki panggung lengkung proscenium, tetapi yang sekarang memungkinkan untuk perubahan adegan. Auditorium juga luar biasa serbaguna, sebagian karena arena besar memisahkan panggung dari bangku tempat penonton duduk. Arena ini, yang mirip dengan tingkat orkestra di banyak teater modern, dapat dibanjiri setinggi dua kaki atau, ketika kering, berfungsi sebagai panggung besar untuk balet, pertunjukan berkuda, bola, dan resepsi diplomatik.

Karena kemampuannya untuk digunakan dalam berbagai cara, banyak elemen desain Farnese diduplikasi di teater istana yang dibangun oleh raja dan pangeran di seluruh Eropa pada abad ketujuh belas. Berbagai penggunaan lantai tingkat orkestra adalah salah satu fitur yang sangat menarik dari desain Farnese, karena selama abad ketujuh belas dan kedelapan belas teater pengadilan terus digunakan untuk balet, bola, dan produksi artistik lainnya selain peran mereka sebagai tempat untuk drama. dan opera.

Sebuah Rasa untuk Tontonan.

Budaya istana yang sopan dan canggih pada akhir Renaisans dan periode Barok awal termasuk kegemaran akan tontonan rumit yang memuliakan pangeran lokal dan dinasti mereka. Sepanjang abad keenam belas, kemegahan peristiwa-peristiwa ini terus berkembang, ketika rumah-rumah bangsawan Italia bersaing satu sama lain untuk meningkatkan kesaksian yang semakin mengesankan tentang kekayaan dan prestise mereka.

Sekitar tahun 1500, arsitek dan seniman besar seperti Leonardo da Vinci, Raphael Sanzio, Donato Bramante, dan Michelangelo Buonarrotisudah ditugaskan untuk merancang pemandangan, kostum, dan mesin panggung untuk digunakan dalam perayaan ini.

Italia terus memberi Eropa banyak inovasi dalam seni panggung selama periode Barok, dan desainer yang telah mempelajari keahlian mereka di teater istana semenanjung menjadi komoditas berharga di teater di seluruh Eropa hingga akhir abad kedelapan belas.

Giacomo Torelli dan anggota keluarga Bibiena adalah di antara yang paling menonjol dari banyak desainer produksi yang diproduksi Italia, dan desain figur-figur ini membentuk selera dari Paris hingga Moskow. Giacomo Torelli (1608–1678) adalah seorang Venesia yang memulai karirnya sebagai perancang teater di kota itu sebelum ia mengabdikan dirinya untuk memecahkan masalah perubahan pemandangan. Perancang memelopori mekanisme di mana pemandangan dapat diubah dalam satu operasi.

Dia menempelkan latar belakang produksinya ke rel yang membentang di bawah panggung dengan satu set tali dan menggantung tetesan ini dari tiang yang berjalan di atas panggung. Dengan pergantian mekanisme di belakang panggung, seluruh set dengan cepat diambil dan digantikan oleh yang lain.

Sampai inovasi ini, latar belakang yang digunakan dalam teater hanya menunjukkan waktu dan tempat di mana aksi itu akan terjadi. Dengan metode baru, adegan dapat diubah dengan cepat dan relatif mudah, dan dalam produksi yang dirancang Torelli setelah inovasinya, ia mendefinisikan dengan lebih tepat tempat di mana aksi drama itu terjadi.

Keluarga Bibiena.

Kelompok seniman yang luar biasa subur ini menjadi dinasti perancang panggung yang memengaruhi selera produksi teater di mana-mana di Eropa abad kedelapan belas. Kebangkitan keluarga menjadi terkenal dimulai dengan Fernando Bibiena (1657-1743), yang merupakan putra seorang pelukis dari kota Bologna.

Fernando dilatih sebagai arsitek dan pelukis sebelum diangkat sebagai seniman istana di pengadilan bangsawan di Parma. Di sana ia berkembang menjadi seorang desainer teater, mengandalkan pengetahuannya tentang lukisan ilusionis untuk membuat set yang tampak lebih nyata daripada yang sebelumnya populer. Sampai saat ini, latar belakang yang digunakan di sebagian besar produksi panggung memiliki garis pandang yang menyatu ke satu titik hilang untuk mensimulasikan resesi cakrawala.

Mereka yang merancang latar belakang yang indah untuk teater istana ini diharapkan untuk mempertimbangkan tempat yang tepat di mana pangeran yang memerintah duduk di auditorium, sehingga dari sudut pandangnya, pemandangan itu tampak menyenangkan dan tepat di matanya. Teknik seperti itu biasanya digunakan dalam desain tidak hanya untuk teater, tetapi juga di taman Barok dan arsitektur istana.

Fernando Bibiena, bagaimanapun, menyingkirkan konvensi semacam itu, dan sebaliknya mengandalkan keterampilannya sebagai pelukis ilusionis untuk menciptakan ruang yang tampak nyata bagi penonton di kedua sisi teater, bukan hanya dari pusat. Inovasi ini dikenal sebagai “adegan dari sudut” ( Teknik seperti itu biasanya digunakan dalam desain tidak hanya untuk teater, tetapi juga di taman Barok dan arsitektur istana. Fernando Bibiena, bagaimanapun, menyingkirkan konvensi semacam itu, dan sebaliknya mengandalkan keterampilannya sebagai pelukis ilusionis untuk menciptakan ruang yang tampak nyata bagi penonton di kedua sisi teater, bukan hanya dari pusat.

Inovasi ini dikenal sebagai “adegan dari sudut” ( Teknik seperti itu biasanya digunakan dalam desain tidak hanya untuk teater, tetapi juga di taman Barok dan arsitektur istana. Fernando Bibiena, bagaimanapun, menyingkirkan konvensi semacam itu, dan sebaliknya mengandalkan keterampilannya sebagai pelukis ilusionis untuk menciptakan ruang yang tampak nyata bagi penonton di kedua sisi teater, bukan hanya dari pusat.

Inovasi ini dikenal sebagai “adegan dari sudut” (scena per angola ) memanfaatkan dua titik hilang horizontal di kedua sisi latar belakang panggung daripada di tengah seperti yang dilakukan desainer sebelumnya. Fernando menerima bantuan dalam usahanya dari beberapa saudara laki-lakinya, dan sejumlah putranya meneruskan tradisi ini hingga abad kedelapan belas di teater istana di seluruh benua.

Anak-anak Bibiena, khususnya, mengembangkan nilai-nilai produksi yang mewah, sangat sering mementaskan sejumlah opera. Saat ketenaran mereka menyebar dan mereka menerima komisi dan penunjukan terhormat di seluruh Eropa, desain mereka banyak ditiru bahkan di tempat-tempat di mana mereka tidak pernah bekerja.

Commedia dell’Arte.

Selama abad ketujuh belas kebangkitan opera yang tiba-tiba dan meroket di banyak pengadilan dan kota Italia mengancam untuk menutupi popularitas semua bentuk teater lainnya. Sementara drama lisan terus ditulis dan dipertunjukkan, itu adalah drama musikal baru, dengan balet akrobatik yang kompleks dan selingan lainnya, yang menarik patronase bangsawan terbesar di seluruh Italia.

Di beberapa pusat, terutama Roma, drama terus dilakukan di samping opera baru. Namun di pusat-pusat perkembangan besar opera kota-kota seperti Venesia, Milan, dan Napoli opera mendominasi teater. Salah satu bentuk komedi lama yang diwarisi dari akhir Renaisans, commedia dell’arte, masih berhasil mempertahankan popularitasnya melawan kebangkitan opera yang tiba-tiba. Bentuk-bentuk commedia sebagian besar telah diperbaiki pada akhir abad keenam belas.

Produksi ini memanfaatkan pemeran karakter yang mencakup pedagang Venesia, pengacara Bolognese, dua pria tua, satu atau beberapa pasang kekasih, rombongan pelayan, dan empat karakter bertopeng. Konvensi lain mengatur kinerja komedian. Para kekasih, misalnya, selalu berbicara dalam dialek Tuscan yang terkenal bahasa yang digunakan di dalam dan di sekitar kota Florence sementara para pelayan berbicara dengan dialek Italia sehari-hari yang lebih kasar yang diambil dari daerah-daerah yang kurang terkenal.

Kommedia awalnya berkembang dari kelompok jalanan dan perjalanan yang umum di akhir Renaisans Italia, tetapi bahkan pada akhir abad keenam belas bentuk seni telah memperoleh khalayak yang luas.

Rombongan commedia, misalnya, tampil di pesta pernikahan bangsawan, dan mereka sering memberikan hiburan di istana. Selama abad ketujuh belas lebih dari 35 rombongan tampil di seluruh semenanjung, dan jumlah ini terus meningkat pada awal abad kedelapan belas.

Kommedia juga menyebar jauh ke luar Italia, dan pengaruhnya sangat kuat di Prancis abad ketujuh belas, di mana konvensinya memengaruhi penulisan komik Molière dan melahirkan Comèdie-Italienne, sekelompok seniman komik yang mementaskan karya dalam tradisinya.

Komedi pada umumnya merupakan bentuk seni improvisasi yang tetap memiliki karakter khusus yang perlu diciptakan kembali di setiap pertunjukan. Pada pertengahan abad kedelapan belas komentator seni mengkritik penurunan commedia menjadi humor slapstick belaka dan fisik yang terbuka dan kekerasan sebagai penyimpangan dari niat awal media.

Pada tahun 1750, dramawan dan librettist ItaliaCarlo Goldoni (1707-1793) mengumumkan niatnya untuk mereformasi commedia dell’arte ketika ia menerbitkan koleksi komedi abad keenam belas di Venesia. Goldoni mengandalkan banyak konvensi seni yang sudah mapan, tetapi pada saat yang sama ia berusaha membentuk komedinya menjadi bentuk baru yang lebih kredibel dan realistis.

Namun, menggantikan bentuk seni yang sebelumnya lebih baik, genre baru yang ia bentuk adalah bentuk seni sastra, dengan drama-dramanya ditulis dan ditampilkan dari sebuah teks. Contoh teater komiknya yang didasarkan pada situasi kehidupan nyata segera populer dan menghasilkan serentetan komedi serupa di Venesia dan akhirnya di seluruh Italia pada pertengahan dan kemudian abad kedelapan belas.

Teater Renaissance di Italia Humanisme.

Di Italia, humanisme adalah gerakan intelektual yang dominan pada abad keempat belas dan kelima belas, dan metodenya memengaruhi sebagian besar bidang kehidupan budaya. Humanis awal Francesco Petrarch (1304–1374) dan Giovanni Boccaccio(1313–1375) telah terpesona oleh genre dan gaya sastra Latin Antiquity.

Mereka membayangkan kebangkitan budaya berdasarkan model sastra kuno. Ketika gerakan humanis berkembang, ia memperoleh kecanggihan baru tentang peran dan penggunaan bahasa. Kecanggihan ini melahirkan filologi pada abad kelima belas, sebuah disiplin baru yang mempelajari penggunaan bahasa secara historis dan kontekstual dalam dokumen kuno. Filologi mengembangkan metode ilmiah yang ketat sehingga pada paruh kedua abad kelima belas memungkinkan para sarjana untuk menetapkan keaslian teks-teks kuno.

Pada waktu yang hampir bersamaan, humanisme juga mendukung kebangkitan studi retorika kuno serta bahasa Yunani. Seperti yang ditunjukkan oleh potret ini, humanisme dari awalnya adalah gerakan sastra, bukan filosofis. Tidak ada manifesto atau kredo humanis, tetapi keyakinan umum bahwa perkembangan pria dan wanita yang merupakan pembaca dan pemikir kritis serta penulis yang elegan dapat memuliakan masyarakat. Keyakinan yang sama ini mendorong kaum humanis untuk mempelajari bentuk-bentuk drama kuno.

Upaya mereka menghasilkan kebangkitan klasik dari mahakarya Antiquity, bahkan ketika mereka akhirnya mengilhami penulis naskah Renaisans untuk meniru genre kuno. Dalam tragedi, bagaimanapun, dramawan Italia lama tetap budak model kuno. Meskipun banyak orang Italia Renaisans menulis tragedi bergaya Yunani dan Romawi, tidak ada mahakarya dalam genre ini yang muncul hingga abad kedelapan belas.

Beasiswa Italia klasik kuno memunculkan karya-karya yang hari ini hanya kepentingan sejarah. Pada saat yang sama, sarjana humanis Italia melakukan perjalanan ke seluruh Eropa, dan di Inggris Renaisans, Prancis, dan Spanyol, drama tragis besar memang muncul. Sebaliknya, dalam komedi, orang Italia Renaisans membuktikan kesuksesan yang lebih besar, menghasilkan serangkaian komedi terpelajar atau terpelajar yang juga mengilhami penulis naskah di seluruh Eropa.

5 Teater Terbaik di Italia – Kami ingin memperkenalkan Anda pada keindahan dan seni melalui penemuan lima teater paling terkenal dan menarik di Italia: Teatro Massimo di Palermo, Teatro San Carlo di Naples, Teatro dell’Opera di Roma, Teatro La Fenice di Venesia dan Teatro La Scala di Milan. Semua teater ini menunjukkan betapa pentingnya musik dan seni di Italia.

5 Teater Terbaik di Italia

Teater Massimo di Palermo

toscanaspettacolo – Theatre Massimo merupakan gedung teater terbesar di Italia. Dibuka pada tahun 1897 oleh Falstaff Giuseppe Verdi di bawah kepemimpinan Leopoldo Munone. Arsitekturnya yang megah bergaya Yunani-Romawi dan merupakan karya arsitek Giovan Battista Filippo Basile dan putranya Ernesto, yang menggantikannya pada saat kematiannya. Pintu masuk, melalui tangga monumental, memiliki dua singa perunggu di kedua sisinya.

Di ujung tangga, sebuah pronaos dengan enam kolom Korintus menyambut penonton, dengan kata-kata “Seni memperbaharui masyarakat dan mengungkapkan hidup mereka. Kenikmatan adegan sia-sia di mana tidak bertujuan untuk mempersiapkan masa depan”.Teatro Massimo tidak hanya merupakan pusat produksi penting tetapi juga sebuah karya monumental yang dapat dikunjungi.

Baca Juga : Sejarah Teater Massimo Dan Tujuan Utama Teater Itu Dibuat

Kunjungan ini memungkinkan Anda untuk menemukan Ruang Pompeian dan Ruang Lambang serta Foyer. Anda dapat mengagumi dan melihat bahwa setiap dekorasi tepat dan konstan adalah pengulangan kolom, jendela, dan lengkungan.

Bangunan ini diatapi oleh kubah hemispherical besar dengan diameter 28,73 meter. Pada proyek awal, aula, termasuk boks dan galeri, mampu menampung hingga 3.000 penonton, kemudian menjadi 1.247 sesuai aturan selanjutnya. Aula berbentuk seperti tapal kuda dan memiliki akustik yang sempurna.

Fitur khusus adalah langit-langit bergerak yang terbuat dari panel kayu berlukisan, yang, dengan bukaan ke atas yang dapat disesuaikan, memungkinkan ventilasi aula. ‘Roda Simbolik’menggambarkan Triumph of Music diciptakan oleh Luigi Di Giovanni dengan desain oleh Rocco Lentini.

Teater San Carlo di Naples

Teater San Carlo di Naples didirikan pada tahun 1737 dan karenanya merupakan gedung opera tertua di dunia. Itu berdiri di sebelah Piazza del Plebiscito, jantung kota Napoli yang berdetak. Raja Charles III dari Bourbon memerintahkan pembangunannya dan diresmikan pada tahun 1737.

Pengerjaan teater megah ini dipercayakan kepada arsitek Giovanni Antonio Medrano. Pada tahun 1809 arsitek Antonio Niccolini melakukan renovasi, pertama-tama mengubah fasad menjadi gaya neoklasik dan memberi teater konotasi khas kuil. Pada tahun 1816 kebakaran menghancurkan teater, hanya menyisakan dinding perimeter utuh.

Hanya dalam waktu sembilan bulan, Antonio Niccolini membangun kembali teater tersebut, yang tetap setia pada desain sebelumnya dengan tata letaknya yang berbentuk tapal kuda, lima tingkat kotak dan sebuah galeri, serta sebuah kotak kerajaan yang besar.

Di tengah langit-langit adalah lukisan Apollo yang menghadirkan penyair terhebat di dunia kepada Minerva, yang dilukis oleh Cammarano bersaudara. Musisi dan konduktor terhebat telah tampil di teater besar ini, yang juga menjadi tuan rumah banyak balet.

Pada tahun 1812, sekolah balet tertua di Italia didirikan di San Carlo. Setelah Perang Dunia Kedua, Teater San Carlo adalah teater pertama di Italia yang dibuka kembali, sekali lagi memegang rekor. Teater San Carlo juga telah dimasukkan oleh Unesco dalam daftar monumen Warisan Dunia.

Setelah Perang Dunia Kedua, Teater San Carlo adalah teater pertama di Italia yang dibuka kembali, sekali lagi memegang rekor. Teater San Carlo juga telah dimasukkan oleh Unesco dalam daftar monumen Warisan Dunia. Setelah Perang Dunia Kedua, Teater San Carlo adalah teater pertama di Italia yang dibuka kembali, sekali lagi memegang rekor. Teater San Carlo juga telah dimasukkan oleh Unesco dalam daftar monumen Warisan Dunia.

Teater Opera di Roma

Teater Opera di Roma mungkin merupakan teater yang mengalami modernisasi terbesar di abad ke-20, terutama pada fasadnya. Domenico Costanzi-lah yang menginginkan teater ini dan ternyata teater itu memakai namanya sampai dibeli oleh Gubernur Roma.

Costanzi mempercayakan pekerjaan itu kepada arsitek Achille Sfondrini, yang membangunnya antara tahun 1874 dan 1880 dengan gaya neo-Renaissance, dengan perhatian besar pada akustik. Itu diresmikan pada 27 November 1980 dengan opera Rossini Semiramide.

Awalnya teater ini memiliki tiga tingkat kotak, amfiteater dan galeri, semua dikelilingi oleh kubah fresco oleh Annibale Brugnoli. Pada tahun 1926 Pemerintah Kota Roma membelinya dan pekerjaan renovasi dipercayakan kepada arsitek Marcello Piacentini, yang menambah tiga tingkat kotak menjadi satu dan memasang lampu kristal yang luar biasa,terbesar di Eropa.

Ketika Republik berkuasa, Piacentini kembali dipercayakan dengan restorasi fasad, khususnya, dalam gaya abad ke-20. Selama bertahun-tahun, Gedung Opera telah memperoleh prestise internasional dengan suksesi pemain terkenal di dunia seperti Caruso, Gigli, Maria Callas, Domingo dan Pavarotti. Saat ini Gedung Opera Roma memiliki kapasitas 1650 kursi.

Venezia: Teater La Fenice

Teater La Fenice berada di Venesia dan telah benar-benar bangkit dari abu beberapa kali. Ini pertama kali diresmikan pada 16 Mei 1972 pada kesempatan Festa della Sensa. La Fenice adalah salah satu teater paling terkenal di dunia karena telah dan masih merupakan tempat pemutaran perdana artis-artis seperti Rossini, Bellini, Verdi, Stravinsky, Kagel, Guarnieri, Perocco.

Seperti disebutkan di atas, teater ini telah mengalami dua kali kebakaran besar, tetapi pada kedua kesempatan itu dibangun kembali dengan lebih indah dari sebelumnya. Teater ini dirancang oleh Gian Antonio Selva, tetapi setelah kebakaran tahun 1836, arsitek Tommaso dan Gian Battista Meduna memulihkannya, mengadaptasi proyek aslinya.

La Fenice mengalami kebakaran bencana lainnya pada tahun 1996,namun sekali lagi dibangun kembali seperti semula dan pada tahun 2003 diresmikan untuk ketiga kalinya secara live di televisi di hadapan Presiden Republik dan dipimpin oleh Maestro Riccardo Muti.

Fasad neoklasik menampilkan pronaos dengan empat kolom Korintus di atasnya yang merupakan langkan. Di relung dipahat Tari dan Musik dan di tengahnya Phoenix. Aula teater berkapasitas 1500 penonton ini dihiasi dengan plesteran, lukisan, dan ukiran emas. Di dalam teater ada pameran permanen yang didedikasikan untuk Maria Callas dan tahun-tahun dia tinggal di Venesia.

Aula teater berkapasitas 1500 penonton ini dihiasi dengan plesteran, lukisan, dan ukiran emas. Di dalam teater ada pameran permanen yang didedikasikan untuk Maria Callas dan tahun-tahun dia tinggal di Venesia.Aula teater berkapasitas 1500 penonton ini dihiasi dengan plesteran, lukisan, dan ukiran emas. Di dalam teater ada pameran permanen yang didedikasikan untuk Maria Callas dan tahun-tahun dia tinggal di Venesia.

Teater Alla Scala di Milan

Alla Scala Theater Milan adalah salah satu yang terbesar dan paling bergengsi di Italia. Itu diresmikan pada 3 Agustus 1778 dengan opera “L’Europa” oleh Antonio Salieri. Itu dibangun atas perintah Permaisuri Maria Theresa dari Austria oleh arsitek neoklasik Giuseppe Piermarini di reruntuhan Teater Ducal dan Gereja Santa Maria alla Scala, dihancurkan untuk pembangunan teater.

Aula berbentuk seperti tapal kuda dan dihiasi dengan dekorasi neoklasik. Untuk memastikan akustik yang lebih baik, lemari besi kayu dipilih, hampir seperti papan suara alami. Di atas proscenium adalah jam yang menunjukkan jam dan menit yang didukung oleh dua sosok wanita di relief. Sejak 1812, dengan Rossini dan banyak nama bergengsi lainnya menyusul, teater Alla Scala telah menjadi rumah melodrama dan kemudian juga balet.

Pada 16 Agustus 1943, serangan bom menghantam Milan, menghancurkan atap, lemari besi, dan area teater lainnya. Rekonstruksi segera diikuti, termasuk pemasangan salinan lampu gantung megah abad ke-19 yang dihancurkan, yang tergantung di lemari besi dan memiliki 383 bola lampu. Saat ini warna yang dominan adalah emas dan gading.

Sebuah sistem kompleks tangga dengan beberapa penerbangan, yang dikenal sebagai “tangga menjepit”, menghubungkan foyer dengan koridor yang mengarah ke kotak. Pada tahun 2000, desain asli Piermarini diperluas oleh arsitek Swiss Mario Botta dan saat ini memiliki 6 tingkat kotak dan galeri dengan 2030 penonton.

Dia juga menambahkan menara panggung yang lebih besar dan insinyur Franco Malgrande membangun mesin panggung yang mampu membawa adegan hingga 4 meter di atas level panggung normal. Sejak tahun 1951,atas perintah direktur artistik saat itu, Victor de Sabata, hari pembukaan La Scala bertepatan dengan 7 Desember, St Ambrogio, santo pelindung Milan.

Teater Massimo Palermo

Sejarah Teater Massimo Dan Tujuan Utama Teater Itu Dibuat – Teater Massimo adalah gedung opera dan perusahaan yang terletak di Verdi Square. Ini adalah gedung opera terbesar di Italia dan terbesar ketiga di Eropa.

Sejarah Teater Massimo Dan Tujuan Utama Teater Itu Dibuat

toscanaspettacolo – Dewan Palermo memprakarsai kompetisi internasional untuk merancang dan membangun gedung opera pada tahun 1864. Idenya adalah untuk mempromosikan status Italia bersatu yang baru. Giovan Basile merancang teater. Setelah dia meninggal pada tahun 1891, pekerjaan itu diambil alih oleh putranya, Ernesto Basile.

Basile adalah penggemar arsitektur Sisilia klasik. Dia menggunakan tema neoklasik yang dipinjam dari kuil Yunani kuno di Agrigento. Dia juga menggunakan gaya Renaisans akhir. Auditorium menampung hampir 1.400 orang. Ini memiliki tujuh tingkat kotak tempat duduk. Panggung miring dan tempat duduk naik dari panggung dalam bentuk tapal kuda umum.

Pada tahun 1974 teater ditutup untuk renovasi. Biaya, korupsi dan politik membuatnya tertutup selama 23 tahun. Musim opera dibuka lagi pada tahun 1998. Korupsi dan politik terus mengganggu fungsi rumah tetapi manajemen baru berjanji untuk menjaganya tetap pada jalurnya.

Ruang mewah untuk opera dan drama, Teatro Massimo adalah teater cantik dengan beberapa kejutan di dalamnya. Secara resmi didedikasikan untuk Vittorio Emanuele, raja pertama Italia namanya Teatro Massimo Vittorio Emmanuele itu hanya disebut sebagai Massimo. Dan massimo (atau terbaik) itu! Tempat ini terkenal dengan akustiknya yang sempurna, membuat pertunjukan di sini menjadi pengalaman yang benar-benar spektakuler dan tak terlupakan.

Baca Juga : Sejarah Teater Italia Yang Sudah Banyak Transformasi Didalamnya

Teater dibuka pada Mei 1897, setelah 20 tahun pembangunan dan pertengkaran. Auditorium adalah kotak perhiasan berbentuk tapal kuda yang mewah, disepuh dan dilapisi beludru merah, dengan enam tingkat kotak ditambah tempat duduk lantai galeri. Langit-langit seperti kubah berisi 11 segmen yang dicat, digariskan dengan cetakan berlapis emas, yang menggambarkan The Triumph of Music, dilukis oleh Luigi di Giovanni.

Sejarah teater

Simbol keindahan dan keagungan Palermo, dibangun pada tahun 1875 oleh arsitektur palermitan Giovan Battista Filippo Basile dalam gaya neoklasik. Pekerjaan pembangunan Teater Massimo Vittorio Emanuele dimulai pada tahun 1875 , dengan proyek yang tidak diragukan lagi, mengingat tujuannya adalah untuk menyumbangkan ke kota Palermo salah satu teater paling megah di Italia, sedemikian rupa sehingga berita peresmian memiliki eksposur media yang besar melalui surat kabar saat itu.

Di tempat yang sama di mana Teater Massimo Vittorio Emanuele berada hari ini, ada bangunan lain, seperti Gereja Stigmata dan Biara San Giuliano , yang sebagian besar ditembak jatuh hanya untuk memberi ruang baginya. Pertunjukan pertama berlangsung pada tahun 1903 , dengan representasi Barberino yang luar biasa oleh Gino Marinuzzi, memulai serangkaian pameran di mana keunggulan terbesar dari perusahaan Opera Italia .

Arsitektur Teater Massimo Vittorio Emanuele di Palermo

Sudah dari luar dimungkinkan untuk mengagumi satu karya arsitektur skenografis dengan nilai artistik yang tidak diragukan, karena dapat menemukan gaya berbeda yang sudah bercampur di fasadnya. Yang paling menonjol adalah kubah yang menghadap ke bangunan, terdiri dari struktur logam yang ditempatkan pada serangkaian rol yang memungkinkan perpindahan kecil. Interior Teater Massimo Vittorio Emanuele dicirikan oleh simetri yang sempurna, dengan figur geometris yang diulang baik dalam struktur maupun dalam dekorasi di dinding dan atap. Gaya yang paling mencirikan interior struktur yang indah ini adalah Liberty the Art Nouveau, dibuat dari sebuah proyek oleh arsitekErnesto Basile, salah satu eksponen utama gaya arsitektur ini.

Aula utama Teater Massimo Vittorio Emanuele dicirikan oleh lukisan – lukisan skenografis dan dengan bentuk tapal kuda yang khas. Langit-langit terdiri dari jenis panel bergerak tertentu, yang membentuk bukaan ke arah luar yang mendukung ventilasi, tanpa mempengaruhi akustik sedikit pun.