Membahas Tentang Teater Dan Stagecraft Di Italia

Membahas Tentang Teater Dan Stagecraft Di Italia – Tradisi teater Italia telah lama berperan dalam membentuk perkembangan teater jauh melampaui batas negara. Selama abad kelima belas dan keenam belas, humanis Italia telah mempelajari sastra dramatis dan teater Kuno. Pada waktunya, upaya mereka menghasilkan perkembangan besar penulisan drama kontemporer di Italia, sebagai penulis yang beragam seperti Niccolò Machiavelli dan Torquato Tassomengandalkan kanon dramatis kuno untuk membentuk drama abad keenam belas mereka.

Membahas Tentang Teater Dan Stagecraft Di Italia

toscanaspettacolo – Selera akan komedi yang ditulis dalam gaya penulis Romawi kuno Plautus dan Terence berkembang di istana yang canggih di semenanjung, sehingga memunculkan upaya baru untuk memahami teater kuno dengan segala kerumitannya. Ketika abad keenam belas berkembang, para sarjana dan penulis naskah beralih ke tragedi dan mempelajari pernyataan Aristoteles dan filsuf lain tentang estetika.

Ada beberapa nilai produksi dalam banyak upaya pertama untuk menghidupkan kembali teater kuno ini, dan para aktor sering tampil di depan latar paling sederhana yang hanya menyarankan sebuah tempat. Seiring waktu, pemandangan yang dilukis dan dirancang oleh seniman-seniman ulung menggantikan elemen-elemen dasar ini, dan seiring dengan perkembangan abad keenam belas, arsitek dan cendekiawan menjadi lebih peduli dengan menciptakan tampilan dan nuansa teater kuno.

Baca Juga :Teater Tertua Yang Ada Di Italia

Yang paling terkenal dari upaya ini adalahAndrea Palladio’s untuk Teatro Olimpico di Vicenza di Italia utara, sebuah teater yang masih berdiri sampai sekarang. Palladio dan muridnya, Vincenzo Scamozzi yang akhirnya menyelesaikan proyek tersebut, menciptakan struktur yang dalam banyak hal tampak akrab bagi pemirsa modern, meskipun pemandangan yang dilengkapi dengan panggung bersifat permanen dan tidak dapat dipindahkan. Itu terdiri dari galeri dua lantai, diselingi dengan pintu dan lengkungan.

Di bagian belakang struktur ini, pemandangan jalanan diciptakan kembali dalam perspektif sehingga seluruh struktur tampak surut ke titik hilang di cakrawala. Kecerdasan konsep ini berlanjut di seluruh desain auditorium, di mana Palladio mengatur bangku-bangku melengkung berbentuk elips di sekitar panggung, sehingga memungkinkan semua penonton untuk memiliki setidaknya sebagian pandangan tentang tindakan yang terjadi di hadapan mereka.

Teater Palladio dan Scamozzi selesai dibangun pada tahun 1585, dan segera memicu sejumlah eksperimen lain untuk menemukan tempat yang sempurna untuk menampilkan tontonan, drama, opera, dan balet yang merupakan hiburan umum di istana Italia. Dari sekian banyak teater yang dibangun saat ini, salah satu yang memiliki pengaruh paling luas di seluruh Eropa adalah Teatro Farnese, sebuah teater pribadi yang dibangun untuk keluarga Farnese yang berpengaruh di sebuah istana di luar kota Parma di Italia utara selama 1618–1619.

Seperti Teatro Olimpico, Farnese memiliki panggung lengkung proscenium, tetapi yang sekarang memungkinkan untuk perubahan adegan. Auditorium juga luar biasa serbaguna, sebagian karena arena besar memisahkan panggung dari bangku tempat penonton duduk. Arena ini, yang mirip dengan tingkat orkestra di banyak teater modern, dapat dibanjiri setinggi dua kaki atau, ketika kering, berfungsi sebagai panggung besar untuk balet, pertunjukan berkuda, bola, dan resepsi diplomatik.

Karena kemampuannya untuk digunakan dalam berbagai cara, banyak elemen desain Farnese diduplikasi di teater istana yang dibangun oleh raja dan pangeran di seluruh Eropa pada abad ketujuh belas. Berbagai penggunaan lantai tingkat orkestra adalah salah satu fitur yang sangat menarik dari desain Farnese, karena selama abad ketujuh belas dan kedelapan belas teater pengadilan terus digunakan untuk balet, bola, dan produksi artistik lainnya selain peran mereka sebagai tempat untuk drama. dan opera.

Sebuah Rasa untuk Tontonan.

Budaya istana yang sopan dan canggih pada akhir Renaisans dan periode Barok awal termasuk kegemaran akan tontonan rumit yang memuliakan pangeran lokal dan dinasti mereka. Sepanjang abad keenam belas, kemegahan peristiwa-peristiwa ini terus berkembang, ketika rumah-rumah bangsawan Italia bersaing satu sama lain untuk meningkatkan kesaksian yang semakin mengesankan tentang kekayaan dan prestise mereka.

Sekitar tahun 1500, arsitek dan seniman besar seperti Leonardo da Vinci, Raphael Sanzio, Donato Bramante, dan Michelangelo Buonarrotisudah ditugaskan untuk merancang pemandangan, kostum, dan mesin panggung untuk digunakan dalam perayaan ini.

Italia terus memberi Eropa banyak inovasi dalam seni panggung selama periode Barok, dan desainer yang telah mempelajari keahlian mereka di teater istana semenanjung menjadi komoditas berharga di teater di seluruh Eropa hingga akhir abad kedelapan belas.

Giacomo Torelli dan anggota keluarga Bibiena adalah di antara yang paling menonjol dari banyak desainer produksi yang diproduksi Italia, dan desain figur-figur ini membentuk selera dari Paris hingga Moskow. Giacomo Torelli (1608–1678) adalah seorang Venesia yang memulai karirnya sebagai perancang teater di kota itu sebelum ia mengabdikan dirinya untuk memecahkan masalah perubahan pemandangan. Perancang memelopori mekanisme di mana pemandangan dapat diubah dalam satu operasi.

Dia menempelkan latar belakang produksinya ke rel yang membentang di bawah panggung dengan satu set tali dan menggantung tetesan ini dari tiang yang berjalan di atas panggung. Dengan pergantian mekanisme di belakang panggung, seluruh set dengan cepat diambil dan digantikan oleh yang lain.

Sampai inovasi ini, latar belakang yang digunakan dalam teater hanya menunjukkan waktu dan tempat di mana aksi itu akan terjadi. Dengan metode baru, adegan dapat diubah dengan cepat dan relatif mudah, dan dalam produksi yang dirancang Torelli setelah inovasinya, ia mendefinisikan dengan lebih tepat tempat di mana aksi drama itu terjadi.

Keluarga Bibiena.

Kelompok seniman yang luar biasa subur ini menjadi dinasti perancang panggung yang memengaruhi selera produksi teater di mana-mana di Eropa abad kedelapan belas. Kebangkitan keluarga menjadi terkenal dimulai dengan Fernando Bibiena (1657-1743), yang merupakan putra seorang pelukis dari kota Bologna.

Fernando dilatih sebagai arsitek dan pelukis sebelum diangkat sebagai seniman istana di pengadilan bangsawan di Parma. Di sana ia berkembang menjadi seorang desainer teater, mengandalkan pengetahuannya tentang lukisan ilusionis untuk membuat set yang tampak lebih nyata daripada yang sebelumnya populer. Sampai saat ini, latar belakang yang digunakan di sebagian besar produksi panggung memiliki garis pandang yang menyatu ke satu titik hilang untuk mensimulasikan resesi cakrawala.

Mereka yang merancang latar belakang yang indah untuk teater istana ini diharapkan untuk mempertimbangkan tempat yang tepat di mana pangeran yang memerintah duduk di auditorium, sehingga dari sudut pandangnya, pemandangan itu tampak menyenangkan dan tepat di matanya. Teknik seperti itu biasanya digunakan dalam desain tidak hanya untuk teater, tetapi juga di taman Barok dan arsitektur istana.

Fernando Bibiena, bagaimanapun, menyingkirkan konvensi semacam itu, dan sebaliknya mengandalkan keterampilannya sebagai pelukis ilusionis untuk menciptakan ruang yang tampak nyata bagi penonton di kedua sisi teater, bukan hanya dari pusat. Inovasi ini dikenal sebagai “adegan dari sudut” ( Teknik seperti itu biasanya digunakan dalam desain tidak hanya untuk teater, tetapi juga di taman Barok dan arsitektur istana. Fernando Bibiena, bagaimanapun, menyingkirkan konvensi semacam itu, dan sebaliknya mengandalkan keterampilannya sebagai pelukis ilusionis untuk menciptakan ruang yang tampak nyata bagi penonton di kedua sisi teater, bukan hanya dari pusat.

Inovasi ini dikenal sebagai “adegan dari sudut” ( Teknik seperti itu biasanya digunakan dalam desain tidak hanya untuk teater, tetapi juga di taman Barok dan arsitektur istana. Fernando Bibiena, bagaimanapun, menyingkirkan konvensi semacam itu, dan sebaliknya mengandalkan keterampilannya sebagai pelukis ilusionis untuk menciptakan ruang yang tampak nyata bagi penonton di kedua sisi teater, bukan hanya dari pusat.

Inovasi ini dikenal sebagai “adegan dari sudut” (scena per angola ) memanfaatkan dua titik hilang horizontal di kedua sisi latar belakang panggung daripada di tengah seperti yang dilakukan desainer sebelumnya. Fernando menerima bantuan dalam usahanya dari beberapa saudara laki-lakinya, dan sejumlah putranya meneruskan tradisi ini hingga abad kedelapan belas di teater istana di seluruh benua.

Anak-anak Bibiena, khususnya, mengembangkan nilai-nilai produksi yang mewah, sangat sering mementaskan sejumlah opera. Saat ketenaran mereka menyebar dan mereka menerima komisi dan penunjukan terhormat di seluruh Eropa, desain mereka banyak ditiru bahkan di tempat-tempat di mana mereka tidak pernah bekerja.

Commedia dell’Arte.

Selama abad ketujuh belas kebangkitan opera yang tiba-tiba dan meroket di banyak pengadilan dan kota Italia mengancam untuk menutupi popularitas semua bentuk teater lainnya. Sementara drama lisan terus ditulis dan dipertunjukkan, itu adalah drama musikal baru, dengan balet akrobatik yang kompleks dan selingan lainnya, yang menarik patronase bangsawan terbesar di seluruh Italia.

Di beberapa pusat, terutama Roma, drama terus dilakukan di samping opera baru. Namun di pusat-pusat perkembangan besar opera kota-kota seperti Venesia, Milan, dan Napoli opera mendominasi teater. Salah satu bentuk komedi lama yang diwarisi dari akhir Renaisans, commedia dell’arte, masih berhasil mempertahankan popularitasnya melawan kebangkitan opera yang tiba-tiba. Bentuk-bentuk commedia sebagian besar telah diperbaiki pada akhir abad keenam belas.

Produksi ini memanfaatkan pemeran karakter yang mencakup pedagang Venesia, pengacara Bolognese, dua pria tua, satu atau beberapa pasang kekasih, rombongan pelayan, dan empat karakter bertopeng. Konvensi lain mengatur kinerja komedian. Para kekasih, misalnya, selalu berbicara dalam dialek Tuscan yang terkenal bahasa yang digunakan di dalam dan di sekitar kota Florence sementara para pelayan berbicara dengan dialek Italia sehari-hari yang lebih kasar yang diambil dari daerah-daerah yang kurang terkenal.

Kommedia awalnya berkembang dari kelompok jalanan dan perjalanan yang umum di akhir Renaisans Italia, tetapi bahkan pada akhir abad keenam belas bentuk seni telah memperoleh khalayak yang luas.

Rombongan commedia, misalnya, tampil di pesta pernikahan bangsawan, dan mereka sering memberikan hiburan di istana. Selama abad ketujuh belas lebih dari 35 rombongan tampil di seluruh semenanjung, dan jumlah ini terus meningkat pada awal abad kedelapan belas.

Kommedia juga menyebar jauh ke luar Italia, dan pengaruhnya sangat kuat di Prancis abad ketujuh belas, di mana konvensinya memengaruhi penulisan komik Molière dan melahirkan Comèdie-Italienne, sekelompok seniman komik yang mementaskan karya dalam tradisinya.

Komedi pada umumnya merupakan bentuk seni improvisasi yang tetap memiliki karakter khusus yang perlu diciptakan kembali di setiap pertunjukan. Pada pertengahan abad kedelapan belas komentator seni mengkritik penurunan commedia menjadi humor slapstick belaka dan fisik yang terbuka dan kekerasan sebagai penyimpangan dari niat awal media.

Pada tahun 1750, dramawan dan librettist ItaliaCarlo Goldoni (1707-1793) mengumumkan niatnya untuk mereformasi commedia dell’arte ketika ia menerbitkan koleksi komedi abad keenam belas di Venesia. Goldoni mengandalkan banyak konvensi seni yang sudah mapan, tetapi pada saat yang sama ia berusaha membentuk komedinya menjadi bentuk baru yang lebih kredibel dan realistis.

Namun, menggantikan bentuk seni yang sebelumnya lebih baik, genre baru yang ia bentuk adalah bentuk seni sastra, dengan drama-dramanya ditulis dan ditampilkan dari sebuah teks. Contoh teater komiknya yang didasarkan pada situasi kehidupan nyata segera populer dan menghasilkan serentetan komedi serupa di Venesia dan akhirnya di seluruh Italia pada pertengahan dan kemudian abad kedelapan belas.

Teater Renaissance di Italia Humanisme.

Di Italia, humanisme adalah gerakan intelektual yang dominan pada abad keempat belas dan kelima belas, dan metodenya memengaruhi sebagian besar bidang kehidupan budaya. Humanis awal Francesco Petrarch (1304–1374) dan Giovanni Boccaccio(1313–1375) telah terpesona oleh genre dan gaya sastra Latin Antiquity.

Mereka membayangkan kebangkitan budaya berdasarkan model sastra kuno. Ketika gerakan humanis berkembang, ia memperoleh kecanggihan baru tentang peran dan penggunaan bahasa. Kecanggihan ini melahirkan filologi pada abad kelima belas, sebuah disiplin baru yang mempelajari penggunaan bahasa secara historis dan kontekstual dalam dokumen kuno. Filologi mengembangkan metode ilmiah yang ketat sehingga pada paruh kedua abad kelima belas memungkinkan para sarjana untuk menetapkan keaslian teks-teks kuno.

Pada waktu yang hampir bersamaan, humanisme juga mendukung kebangkitan studi retorika kuno serta bahasa Yunani. Seperti yang ditunjukkan oleh potret ini, humanisme dari awalnya adalah gerakan sastra, bukan filosofis. Tidak ada manifesto atau kredo humanis, tetapi keyakinan umum bahwa perkembangan pria dan wanita yang merupakan pembaca dan pemikir kritis serta penulis yang elegan dapat memuliakan masyarakat. Keyakinan yang sama ini mendorong kaum humanis untuk mempelajari bentuk-bentuk drama kuno.

Upaya mereka menghasilkan kebangkitan klasik dari mahakarya Antiquity, bahkan ketika mereka akhirnya mengilhami penulis naskah Renaisans untuk meniru genre kuno. Dalam tragedi, bagaimanapun, dramawan Italia lama tetap budak model kuno. Meskipun banyak orang Italia Renaisans menulis tragedi bergaya Yunani dan Romawi, tidak ada mahakarya dalam genre ini yang muncul hingga abad kedelapan belas.

Beasiswa Italia klasik kuno memunculkan karya-karya yang hari ini hanya kepentingan sejarah. Pada saat yang sama, sarjana humanis Italia melakukan perjalanan ke seluruh Eropa, dan di Inggris Renaisans, Prancis, dan Spanyol, drama tragis besar memang muncul. Sebaliknya, dalam komedi, orang Italia Renaisans membuktikan kesuksesan yang lebih besar, menghasilkan serangkaian komedi terpelajar atau terpelajar yang juga mengilhami penulis naskah di seluruh Eropa.