Para penggemar teater pasti langsung mau kalau diajak nonton pertunjukan di Italia. Bagaimana tidak? Negara yang satu ini memang terkenal akan keseniannya termasuk kesenian teater. Bahkan kalau tidak menonton pertunjukanpun pasti tetap mau diajak berkeliling gedung teaternya. Tapi ingat, saat memasuki gedung teaternya, berhenti sejenak ya dari permainan slot hanabero. Supaya fokus menikmati keindahan gedungnya.

• Teatro Olimpico Bikin Terperangah Seperti Untung dari Slot Online Hanabero

Mengunjungi kerajaan Romawi di masa lalu bukanlah mimpi. Kunjungi saja Teatro Olimpico. Begitu menginjakkan kaki di teater ini, kamu pasti akan merasa dibawa ke masa lalu. Dinding-dindingnya dihiasi dengan patung-patung serta ornamen kerajaan Romawi. Membuat tempat ini terlihat megah. Jangan heran kalau kamu langsung terperangah ketika melihatnya, seperti memenangkan jackpot utama permainan slot.

Lokasi satu ini juga pernah muncul dalam Ripley’s Game dan membuatnya menjadi salah satu destinasi wisata wajib. Di teater ini terdapat light show yang menyorot panggung dan sekitarnya. Jadi kalau ingin kunjungannya lebih spektakuler lagi, pastikan datang saat light shownya tengah berlangsung atau datang untuk menyaksikan pertunjukan di gedung ini. Jangan sampai kelewatan untuk berkunjung ke sini kalau ke Vicenza. Main slotnya berhenti sebentar dan kagumi keindahan yang bertahan dari abad ke 16 ini.

Teatro Olimpico

• Main Slot Hanabero Bisa Berhenti Sejenak Kalau Lihat Teatro La Fenice

Sedang berkunjung ke Venesia? Pastikan berkunjung juga ke Teatro La Fenice. Gedung teater ini sangat terlihat mewah dan tidak kehilangan nilai sejarahnya walaupun sudah berulang kali direnovasi. Teatro La Fenice mengalami beberapa kali kebakaran, tapi sekarang sudah direnovasi dengan baik. Seperti pemain judi slot yang bangkit kembali walaupun mengalami kerugian.

Untuk masuk ke sini, pengunjung harus membayar biaya tiket 11 euro dan sudah termasuk dengan audio guide. Pengunjung bisa dengan bebas menjalajahi area publik di teater ini dan menikmati keindahannya. Sangat disarankan untuk bisa menonton pertunjukan di teater ini karena keindahan bangunannya seiring dengan keindahan suara pertunjukannya. Combo yang tepat seperti di permainan agen slot online yang bisa menghibur sekaligus memberikan keuntungan.

• Bak Istana, Il Vittoriale degli Italiani Bikin Pemain Teralihkan dari Agen Slot Hanabero

Vittoriale degli Italiani

Museum sekaligus teater satu ini terletak di Gardone Riviera. Kompleks ini terlihat bak istana lengkap dengan amphiteaternya. Semuanya tampak terawat dan bersih sehingga semua yang berkunjung kesini pasti bisa menikmatinya dengan maksimal. Mulailah dengan jalan-jalan di taman dan hirup udara segarnya. Semacam pemanasan kalau main slot, jalan-jalan di taman Il Vittoriale bisa membuat pikiran fresh dan siap menikmati keindahan selanjutnya.

Museum di sini berisi aneka koleksi sejarah, kesenian, dan juga sastra yang sayang untuk dilewatkan. Jika berkunjung di saat ada pertunjukan dijadwalkan, jangan sampai terlewat ya. Pertunjukan di amphiteaternya memberikan kesan yang berbeda dari menonton pertunjukan di gedung teater lainnya. Sangat disarankan untuk mengenakan alas kaki yang nyaman jika kesini karena pasti ingin melihat semua yang ada di sini. Pastikan juga untuk mengosongkan jadwalmu karena tidak cukup hanya satu dua jam saja kalau di sini. Gunakan beberapa jam tersebut untuk behenti main slot dan nikmati semuanya yang ada di sini. Setelah fresh, pasti semakin semangat main slotnya.

Sudah tahu mau mengunjungi yang mana? Masih ada banyak sekali gedung teater yang tersebar di negara ini lho dan semuanya memiliki keunikannya masing-masing. Jika punya budget lebih, sempatkan juga untuk menonton pertunjukannya. Pastinya akan jadi pengalaman tak terlupakan seperti saat dapat jackpot dari slot hanabero.

Teater yang Tertunda Karena Covid Dibuka Kembali Di Italia
Theater

Teater yang Tertunda Karena Covid Dibuka Kembali Di Italia

Teater yang Tertunda Karena Covid Dibuka Kembali Di Italia – Sebagai tanda kelahiran kembali, teater Donizetti di kota Bergamo, Italia utara, yang hancur akibat pandemi virus corona, dibuka kembali akhir pekan ini setelah tiga tahun direnovasi.

Teater yang Tertunda Karena Covid Dibuka Kembali Di Italia

toscanaspettacolo – Tetapi perayaan gala yang direncanakan harus ditunda, dan produksi baru untuk festival tahunan yang didedikasikan untuk komposer asli kota itu, Gaetano Donizetti, harus disiarkan secara online dari teater yang kosong.

Direktur musik festival Riccardo Frizza mengatakan festival musim gugur dibayangkan sebagai momen yang menguatkan kehidupan kota dan provinsi, di mana 6.000 orang meninggal dalam satu bulan musim semi lalu. Di musim panas dia memimpin Donizett’s Requiem, dilakukan di luar pemakaman kota untuk menghormati orang mati.

“Anda harus tahu bahwa di orkestra festival saya dan di paduan suara ada orang yang kehilangan dua atau tiga anggota keluarga,” kata Frizza. kita lagi.”

Rencana untuk audiensi harus dibatalkan setelah virus mulai muncul kembali pada bulan Oktober, bahkan jika Bergamo sendiri mengalami penularan yang lebih ringan daripada musim semi, ketika gambar truk tentara yang mengangkut orang mati ke daerah lain untuk kremasi mengungkap korban pandemi. Kalender dipotong menjadi tiga produksi.

Ketiga pertunjukan akhir pekan Donizetti “Marino Faliero,” “Le Nozze in Villa” dan “Belisario” tersedia online tanpa batas waktu dengan harga berlangganan 59 euro ($ 70.) Frizza mengatakan uang itu diperlukan untuk membantu penyanyi lepas dan musisi menutup sebagian pendapatan selama satu tahun di mana musik klasik telah ditutup oleh virus corona.

Italia menutup semua bioskop pada bulan Februari, dan ada pembukaan kembali sementara selama musim panas. Sementara beberapa teater lain menawarkan streaming online gratis dari arsip mereka, Frizza mengatakan hanya sedikit yang menawarkan produksi opera baru.

Baca Juga : Teater Romawi Terindah Pada Masa Lampau

Paket teater Donizetti mencakup tambahan seperti komentar, wawancara, dan tur virtual teater yang telah direnovasi, langit-langitnya yang diberi lukisan dinding memberikan semangat baru. Opera Donizetti lainnya yang difilmkan tahun lalu, “L’Ange De Nisida,” akan dirilis pada hari Rabu.

Sebagai perbandingan, teater La Scala yang terkenal di Milan akan menyiarkan konser 7 Desember di televisi pemerintah, menggantikan pembukaan musim gala tradisionalnya.

Untuk memastikan kesehatan orkestra, penyanyi, dan paduan suara Festival Donizetti, protokol ketat diberlakukan, termasuk pengujian mingguan dan latihan terpisah. Selama pertunjukan akhir pekan, paduan suara, sebagian besar orkestra dan Frizza mengenakan topeng.

Di La Scala, lebih dari 40 anggota paduan suara telah dites positif terkena virus, ditambah 18 lainnya di orkestra.

Frizza, yang menderita serangan ringan dengan virus selama puncak Maret ketika Italia dikunci total, mengatakan tidak ada seorang pun di festival yang tertular virus selama latihan. Itu penting untuk memungkinkan pertunjukan langsung tetap berjalan meskipun ada penguncian sebagian di Lombardy.

“Tidak ada yang bisa membayangkan penguncian bulan Maret tanpa musik, tanpa buku, tanpa pertunjukan televisi,” kata Frizza. “Pandemi telah mengajarkan mereka yang belum mengerti sebelumnya, pentingnya budaya, seni, dan keindahan di dunia.”

Italia Melihat Secercah Harapan untuk Berakhirnya Wabah

Selama 37 hari terakhir, Italia telah menjalani mimpi buruk nasional setelah menemukan wabah virus corona baru di sejumlah kota di wilayah utara Lombardy dan Veneto. Tetapi orang Italia memiliki alasan untuk optimis: Jumlah orang yang baru terinfeksi sedang dalam tren menurun.

Selama 37 hari terakhir, Italia menjalani mimpi buruk nasional setelah ditemukannya wabah virus corona baru di sejumlah kota di wilayah utara Lombardy dan Veneto.

Dan mimpi buruk ini masih jauh dari selesai: Pada hari Senin, Italia melaporkan 812 kematian baru, sehingga jumlah kematiannya menjadi 11.591, tertinggi di dunia. Tetapi secercah harapan muncul dan orang Italia memiliki alasan untuk optimis: Jumlah orang yang baru terinfeksi sedang dalam tren menurun.

Pada hari Senin, Italia melaporkan 4.050 infeksi baru, penurunan terbesar sejak 17 Maret, sehingga jumlah total kasus menjadi 101.739. Para pejabat juga mengatakan jumlah orang yang perlu dirawat di unit perawatan intensif melambat, memberikan bantuan yang sangat dibutuhkan ke rumah sakit yang kewalahan.

Italia juga melaporkan jumlah harapan lain: 1.590 orang yang terinfeksi telah pulih, jumlah pemulihan satu hari terbesar. “Kami menuju ke arah yang benar,” kata Franco Locatelli, kepala dewan kesehatan yang memberi nasihat kepada pemerintah, pada briefing harian. “Jumlah tes positif turun meskipun tes tidak berkurang.”

Presiden Lombardy, wilayah yang paling terpukul di mana ibukota keuangan Italia Milan berada, juga berharap. “Kami tidak boleh lengah, tetapi kami berada di jalur yang benar,” kata Attilio Fontana kepada wartawan, Senin.

Di Milan, jumlah infeksi baru naik 154 kasus – sekitar 400 lebih sedikit dari hari sebelumnya. Di kota-kota lain di mana virus telah menyerang dengan ganas – Bergamo dan Brescia – infeksi baru juga menurun, sekitar 20 kasus baru di setiap kota.

Tapi jangan berharap jumlah kematian harian turun dengan cepat, pejabat Italia memperingatkan. Mereka mengatakan jumlah kematian kemungkinan akan terus tinggi karena masih banyak orang yang terinfeksi dan dalam perawatan intensif.

Bahkan ketika tingkat infeksi turun, perjalanan Italia masih panjang. Sejauh ini, sekitar 14.620 orang telah pulih dari virus, meninggalkan sekitar 70.000 masih sakit. Sementara yang terburuk mungkin mendekati akhir untuk Italia, itu mungkin tidak terjadi untuk negara-negara Eropa lainnya.

Spanyol adalah negara Eropa yang sekarang melaporkan infeksi baru paling banyak dan jumlah kematian yang mirip dengan Italia. Pada hari Senin, jumlah korban di Spanyol naik 812 menjadi total 7.340. Itu juga melaporkan 6.398 kasus baru dengan total 85.195 infeksi yang dikonfirmasi.

Prancis, Inggris, Belgia dan Jerman, antara lain, melaporkan lonjakan infeksi dan kematian. Pada hari Senin, Prancis melaporkan jumlah kematian harian terburuk dengan 418 kematian baru, sehingga total menjadi 3.024.

Pakar kesehatan mengatakan negara-negara mungkin berhari-hari atau bahkan berminggu-minggu di belakang ledakan kasus yang serupa dengan yang dialami Italia. Di luar Uni Eropa, Rusia dan Turki juga mulai melaporkan peningkatan kasus yang stabil.

Pada awal Maret, peta interaktif universitas Amerika yang melacak virus corona baru hanya menunjukkan satu titik merah besar – indikasi wabah parah – di luar Asia: Titik merah besar itu ditumpangkan secara tidak menyenangkan di Italia.

Sekarang, sebagian besar dunia ditutupi dengan titik-titik merah besar pada peta yang dibuat oleh Universitas Johns Hopkins. Semakin, Covid-19 menyebar di seluruh dunia, membawa serta gelombang penyakit dan kematian. Mimpi buruk Italia dimulai selama puncak perayaan Karnaval dan dengan cepat mengakhiri perayaan di Venesia.

Pada 23 Februari, dua hari sebelum Fat Tuesday, yang menandai akhir musim Karnaval, Italia memberlakukan penguncian di beberapa kota di wilayah utara Lombardy dan Veneto setelah menemukan sekelompok kasus Covid-19.

Tak lama kemudian, sekolah-sekolah di seluruh Italia ditutup dan kemudian penguncian diperpanjang ke seluruh Italia pada 10 Maret. Banyak negara lain telah mengikuti contoh Italia sejak saat itu.

Selama berminggu-minggu, para ahli kesehatan dan politisi di Eropa telah berbicara tentang “meratakan kurva”, sebuah istilah yang sekarang dikenal oleh orang Amerika. Ini mengacu pada upaya penahanan yang memperlambat penyebaran virus dan menurunkan jumlah infeksi pada satu waktu. Dilihat sebagai grafik, jumlah infeksi naik secara eksponensial dan kemudian mendatar.

Italia akhirnya tampaknya mencapai titik itu, kata para ahli. Pierpaolo Sileri, seorang wakil menteri kesehatan, mengatakan dalam sebuah posting blog bahwa dia “hidup dalam permainan jungkat-jungkit” antara harapan dan analisis data yang realistis.

“Kurva infeksi tumbuh tetapi menjadi lebih linier, teratur,” katanya. Pada kecepatan ini, katanya, puncaknya dapat dicapai antara tujuh hingga 10 hari. Namun, bahkan jika Italia mungkin dapat mengklaim di hari-hari mendatang bahwa ia telah berhasil menahan virus, itu akan membutuhkan banyak pekerjaan untuk memastikan Covid-19 tidak muncul kembali.

Dr. Michael Ryan, kepala program darurat di Organisasi Kesehatan Dunia, mengatakan dalam konferensi pers bahwa Italia dan negara-negara lain perlu melakukan apa yang dilakukan China untuk memastikan bahwa virus itu tidak muncul kembali. Di China dan negara-negara Asia lainnya, pejabat kesehatan telah melakukan pengujian ketat untuk menemukan orang yang terinfeksi virus dan mengisolasi mereka.

“Mereka terus mencari kasus, mereka terus mendeteksi kasus,” kata Ryan. “Pertanyaannya adalah bagaimana Anda turun [tidak ada infeksi baru],” tambahnya. “Turun bukan hanya tentang mengunci dan melepaskan. Itu tidak akan turun dengan sendirinya. Itu akan turun dengan didorong ke bawah. ”

Perdebatan di Italia beralih ke kapan dan bagaimana pembatasan dapat dilonggarkan baik untuk membuat ekonominya yang hancur kembali berjalan dan memungkinkan warga untuk kembali ke kehidupan di luar batas-batas rumah mereka.

Dengan krisis kesehatan yang masih begitu intens, pejabat pemerintah belum menetapkan bagaimana atau kapan mereka berencana untuk mencabut pembatasan.  Para ahli mengatakan pembukaan kembali Italia masih beberapa minggu lagi dan harus dilakukan secara bertahap dan terencana.

Teater Romawi Terindah Pada Masa Lampau
Theater

Teater Romawi Terindah Pada Masa Lampau

Teater Romawi Terindah Pada Masa Lampau – Teater Romawi berasal dari dan merupakan bagian dari evolusi keseluruhan teater Yunani sebelumnya.

Teater Romawi Terindah Pada Masa Lampau

toscanaspettacolo – Memang, banyak pengaruh arsitektur pada Romawi berasal dari Yunani, dan desain struktural teater tidak berbeda dari bangunan lain. Namun, teater Romawi memiliki perbedaan khusus, seperti umumnya dibangun di atas fondasinya sendiri daripada karya tanah atau lereng bukit dan sepenuhnya tertutup di semua sisi.

Teater Romawi dibangun di semua wilayah Kekaisaran, dari Spanyol hingga Timur Tengah. Karena kemampuan Romawi untuk mempengaruhi arsitektur lokal, kita melihat banyak teater di seluruh dunia dengan atribut Romawi yang unik.

Baca Juga : Sejarah Teater di Roma Kuno 

Kesamaan ada antara teater dan amfiteater Roma kuno. Mereka dibangun dari bahan yang sama, beton Romawi, dan menyediakan tempat bagi publik untuk pergi dan melihat berbagai acara. Namun, mereka adalah dua struktur yang sama sekali berbeda, dengan tata letak khusus yang cocok untuk berbagai acara yang mereka selenggarakan.

Amfiteater tidak membutuhkan akustik yang superior, tidak seperti yang disediakan oleh struktur teater Romawi. Sementara amfiteater akan menampilkan balapan dan acara gladiator, teater menyelenggarakan acara seperti drama, pantomim, acara paduan suara, orasi, dan perdagangan. Desain mereka, dengan bentuk setengah lingkaran, meningkatkan akustik alami, tidak seperti amfiteater Romawi yang dibangundalam putaran.

Bangunan-bangunan ini berbentuk setengah lingkaran dan memiliki struktur arsitektur tertentu yang melekat, dengan perbedaan kecil tergantung pada wilayah di mana mereka dibangun. Scaenae frons adalah dinding belakang yang tinggi dari lantai panggung, ditopang oleh tiang-tiang.

Proscaenium adalah dinding yang menopang tepi depan panggung dengan relung-relung yang dihias dengan hiasan di sampingnya. Pengaruh Helenistik terlihat melalui penggunaan proscenium. Teater Romawi juga memiliki podium, yang terkadang menopang tiang-tiang scaenae frons.

Teater itu sendiri dibagi menjadi panggung (orkestra) dan bagian tempat duduk (gua) gua kadang-kadang dibangun di atas bukit atau lereng kecil di mana tempat duduk bertumpuk dapat dengan mudah dibuat dalam tradisi teater Yunani. Bagian tengah gua dilubangi dari bukit atau lereng, sedangkan kursi radian luar membutuhkan dukungan struktural dan dinding penahan yang kokoh.

Ini tidak selalu terjadi karena orang Romawi cenderung membangun teater mereka terlepas dari ketersediaan lereng bukit. Semua teater yang dibangun di dalam kota Roma sepenuhnya buatan manusia tanpa menggunakan pekerjaan tanah. Gua itu tidak beratap, melainkan, awning (vela) bisa ditarik ke atas untuk memberikan perlindungan dari hujan atau sinar matahari. Vomitoria, lorong-lorong yang terletak di bawah atau di belakang tingkat kursi, disediakan untuk penonton.

Beberapa teater Romawi, yang dibangun dari kayu, diruntuhkan setelah festival tempat mereka didirikan selesai. Praktek ini karena moratorium struktur teater permanen yang berlangsung hingga 55 SM ketika Teater Pompey dibangun dengan penambahan sebuah kuil untuk menghindari hukum. Beberapa teater Romawi menunjukkan tanda-tanda tidak pernah selesai di tempat pertama.

Di dalam Roma, beberapa teater bertahan selama berabad-abad setelah pembangunannya, memberikan sedikit bukti tentang teater tertentu. Teater Romawi Oranye di Oranye modern, Prancis, adalah contoh bagus dari teater Romawi klasik, dengan scaenae fron yang menjorok, mengingatkan mengapa desain teater Romawi Barat, bagaimanapun, dilucuti dari kolom dan patung batu hiasnya.

Pelajari tentang jenis pertunjukan yang mungkin pernah disaksikan oleh orang Romawi kuno dan sedikit tentang kostum dan penulis berpengaruh Plautus.

Namun, merujuk ke halaman ini sebagai informasi tentang teater Romawi kuno mungkin agak menyesatkan, karena Bangsa Romawi tidak memiliki tempat permanen yang tetap untuk menonton dan pertunjukan sampai akhir Republik zaman Pompey the Great, dan Teater Romawi dikembangkan oleh non-Romawi di seluruh Italia, terutama, Campania (selama periode Republik).

Teater Romawi Livy

Livy, yang berasal dari kota Venetian Patavium (Padua modern), di Italia utara, memasukkan dalam sejarahnya Roma sebuah sejarah teater Romawi. Livy mengemukakan 5 tahapan dalam perkembangan drama Romawi:

  • Menari dengan musik seruling
  • Syair improvisasi cabul dan tarian mengikuti musik seruling
  • Medley hingga tarian hingga musik seruling
  • Komedi dengan alur cerita dan bagian puisi lirik untuk dinyanyikan
  • Komedi dengan alur cerita dan lagu, dengan bagian tambahan di akhir

Ayat Fescennine

Syair Fescennine adalah pendahulu dari komedi Romawi dan satir, mesum, dan improvisasi, digunakan terutama di festival atau pernikahan ( nuptialia carmina ), dan sebagai makian.

Fabula Atellana

Fabulae Atellanae “Atellan Farce” mengandalkan karakter stok, topeng, humor bersahaja, dan plot sederhana. Mereka dilakukan oleh aktor improvisasi. The Atellan Farce berasal dari kota Oscan, Atella. Ada 4 tipe utama karakter stok: pembual, orang bodoh yang rakus, si bungkuk yang pintar, dan orang tua yang bodoh, seperti pertunjukan Punch dan Judy modern.

Kuritz mengatakan bahwa ketika fabula Atellana ditulis dalam bahasa Roma, Latin, itu menggantikan fabula satura satire asli dalam popularitas.

Mitos Palliata

Fabula palliata mengacu pada jenis komedi Italia kuno di mana aktor mengenakan pakaian Yunani, konvensi sosial Yunani, dan cerita, sangat dipengaruhi oleh Komedi Baru Yunani.

Plautus

Plautus adalah salah satu dari dua penulis utama komedi Romawi. Beberapa plot dramanya dapat dikenali dalam komedi Shakespeare. Dia biasanya menulis tentang para pemuda yang menabur gandum mereka.

Mainkan Togata

Dinamakan untuk pakaian lambang orang Romawi, fabula togata memiliki berbagai subtipe. Salah satunya adalah tabernaria fabula, dinamai untuk kedai tempat karakter favorit komedi, orang-orang rendahan dapat ditemukan. Salah satu yang menggambarkan lebih banyak tipe kelas menengah, dan melanjutkan tema pakaian Romawi, adalah fabula trabeata.

Fabula Praetexta

Fabula Praetexta adalah nama untuk tragedi Romawi pada tema Romawi, sejarah Romawi atau politik saat ini. Praetexta mengacu pada toga hakim. Fabula praetexta kurang populer dibandingkan tragedi bertema Yunani. Selama Zaman Keemasan drama di Republik Tengah, ada empat penulis besar tragedi Romawi, Naevius, Ennius, Pacuvius, dan Accius. Dari tragedi mereka yang masih hidup, 90 gelar tersisa. Hanya 7 di antaranya untuk tragedi, menurut Andrew Feldherr dalam Spectacle dan masyarakat dalam Livy’s History

Livius Andronicus, yang datang ke Roma sebagai tawanan perang, membuat terjemahan pertama dari tragedi Yunani ke dalam bahasa Latin untuk Ludi Romani tahun 240 SM, setelah berakhirnya Perang Punisia Pertama. Ludi lainnya menambahkan pertunjukan teater ke dalam agenda.

palliata

Istilah palliata menunjukkan bahwa aktor mengenakan varian dari himation Yunani, yang dikenal sebagai pallium ketika dikenakan oleh pria Romawi atau palla ketika dikenakan oleh wanita. Di bawahnya ada chiton Yunani atau tunika Romawi . Wisatawan memakai topi petasos. Aktor tragis akan memakai soccus atau crepida atau bertelanjang kaki. Personanya adalah topeng penutup kepala.

Teater Romawi

Pemerintah harus melayani rakyat. Itu ide yang cukup mendasar di dunia saat ini, tapi itu tidak selalu. Sejarah itu terbentang sepanjang perjalanan kembali ke Republik Romawi, masyarakat kuno yang pertama kali mendedikasikan pemerintahan dari dan untuk rakyat. Sepanjang sejarah Romawi, rakyat mengharapkan pemimpin mereka menghargai mereka, tapi jujur ​​saja, politik bisa jadi membosankan. Anda tahu apa cara yang tidak membosankan bagi pemerintah untuk menunjukkan kepada Anda bahwa mereka peduli? Hiburan gratis.

Bagi rakyat Republik Romawi dan Kekaisaran Romawi, salah satu hak istimewa yang diharapkan dari kewarganegaraan adalah akses ke hiburan gratis. Baik itu perlombaan kereta perang atau pertarungan gladiator, senator, gubernur, dan kaisar selalu dapat mengamankan loyalitas publik dengan membayar tontonan publik selama beberapa hari.

Di tengah acara atletik, pertempuran, dan pertempuran laut tiruan, orang-orang Romawi juga menemukan waktu untuk teater. Sementara teater Romawi meminjam dari preseden Yunani, teater itu memegang peran unik dalam budaya Romawi. Bagaimanapun, orang Romawi menyukai pertunjukan yang bagus.

Asal & Sejarah

Asal usul tradisi teater Romawi tidak jelas, tetapi mereka adalah bagian dari kehidupan Romawi sejak sekitar berdirinya Roma. Pada saat itu, orang-orang Etruria yang bertetangga terkenal karena mempraktikkan sejumlah seni pertunjukan, banyak di antaranya digunakan dalam upacara keagamaan. Faktanya, orang Romawi kemudian menyewa pemain Etruria untuk datang ke Roma selama masa krisis dan kelaparan.

Di Republik Romawi awal, Roma juga mempertahankan kinerja sebagai bagian dari acara keagamaan mereka. Sementara mereka menghargai segala macam hiburan dan tontonan, salah satu acara tertua mereka adalah Ludi Romani , sebuah kompetisi atletik untuk menghormati dewa Jupiter. Pada abad ketiga SM, acara ini secara rutin menampilkan drama pop-up yang dilakukan oleh aktor profesional dan didanai oleh politisi lokal atau pengusaha kaya. Sekitar waktu yang sama, penulis drama Romawi sejati pertama muncul: Livius Andronicus, yang menulis drama Latin full-length pertama.

Ruang & Panggung Teater

Pada saat Kekaisaran Romawi berkembang pada abad pertama M, drama Romawi dimainkan oleh aktor profesional di hampir setiap festival keagamaan umum. Mempertimbangkan bahwa kalender Romawi berisi lebih dari 200 hari dari peristiwa ini, Roma memiliki akses yang cukup baik ke teater. Jadi seperti apa produksi teater ini?

Mari kita mulai dengan panggung. Anda tahu amfiteater raksasa, berani kami katakan, amfiteater Roma kuno? Mereka tidak untuk bermain. Itu untuk pertarungan gladiator dan tontonan serupa. Kebanyakan drama dilakukan di panggung kayu, didirikan dengan cepat di ruang publik seperti forum, dan dirobohkan setelah festival selesai. Panggung teater Romawi permanen pertama tidak dibangun sampai tahun 55 SM, dan meskipun praktiknya kemudian menjadi lebih rutin, banyak drama Romawi dilakukan di ruang sementara.

Teater Romawi Terindah

Setelah mendaftar amfiteater Romawi yang paling indah (yang merupakan struktur melingkar penuh), sekarang saatnya untuk membuat daftar teater Romawi yang paling indah struktur setengah lingkaran dengan panggung besar di depan. Sama seperti amfiteater, teater Romawi dibangun di seluruh kekaisaran Romawi dan masih dapat dilihat hingga hari ini di seluruh Eropa dan Timur Tengah beberapa masih digunakan untuk konser hari ini! Arsitektur semua teater Romawi berasal dari teater Pompey – teater Romawi pertama, yang dipengaruhi oleh teater Yunani kuno.

Teater Kuno Oranye, Oranye, Prancis

Terletak di koloni Romawi Arausio, sekarang Oranye di Prancis Selatan, teater yang indah ini adalah salah satu teater Romawi yang paling terpelihara. Dibangun pada awal abad ke-1 M, dan meskipun dibangun sekitar 2.000 tahun yang lalu masih digunakan sampai sekarang untuk pertunjukan opera selama Musim Panas. Teater telah dinyatakan sebagai Situs Warisan Dunia UNESCO.

Teater Romawi di Bosra, Bosra, Suriah

Dibangun pada abad ke-2 M, teater Romawi di Bosra adalah salah satu yang terpelihara dengan baik di seluruh Timur Tengah dan salah satu teater terbesar yang dibangun oleh Romawi, mampu menampung sebanyak 15.000 penonton. Hari ini teater digunakan selama Festival Bosra, festival musik nasional.

Teater Aspendos, dekat Antalya, Turki

Aspendos adalah kota Yunani-Romawi kuno, terletak sekitar 40 km sebelah timur Antalya modern. Kota kuno paling terkenal dengan teater yang terpelihara dengan baik. Saat ini teater tersebut digunakan untuk pertunjukan selama Festival Opera dan Balet Internasional Aspendos dan dapat menampung hingga 10.000 penonton.

Teater Emerita Augusta, Mérida, Spanyol

Dibangun di kota Romawi Emerita Augusta, hari ini Mérida, teater ini dibangun pada tahun 16-15 SM. Teater ini merupakan bagian dari ansambel arkeologi Mérida (seperti Aqueduct of Mérida Ajaib), Situs Warisan Dunia UNESCO dan salah satu situs arkeologi terbesar di Spanyol. Saat ini, selain sebagai atraksi arkeologi, teater ini juga digunakan untuk pertunjukan selama Festival Teater Klasik Mérida.

Teater Romawi di Palmyra, gurun Syria, Syria

Palmyra adalah kota kuno dan penting di gurun Suriah. Terletak di sebuah oasis 215 km (134 mil) timur laut dari Damaskus. Teater kota ini dibangun pada abad ke-2 Masehi. Di zaman modern teater telah dipugar dan hari ini digunakan untuk pertunjukan selama festival tahunan Palmyra.

Teater Kaisarea Maritima, Kaisarea, Israel

Caesarea Maritima adalah sebuah kota di laut Mediterania yang dibangun pada abad pertama Masehi oleh Herodes Agung, yang menamakannya untuk menghormati pelindungnya, Augustus Caesar. Reruntuhan dari periode Romawi (dan kemudian Tentara Salib) dibingkai oleh pemandangan laut yang menakjubkan, dan teater Romawi kuno yang dipugar yang menghadap ke Mediterania digunakan untuk konser selama musim panas. Caesarea adalah salah satu situs arkeologi paling indah di Israel dan salah satu atraksi wisata utamanya.

Sejarah Teater di Roma Kuno
Theater

Sejarah Teater di Roma Kuno

Sejarah Teater di Roma Kuno – Bentuk arsitektur teater di Roma telah dikaitkan dengan contoh yang lebih terkenal dari abad ke-1 SM hingga abad ke-3 M.

Sejarah Teater di Roma Kuno

toscanaspettacolo – Teater Roma kuno yang disebut sebagai periode waktu di mana praktik dan pertunjukan teater berlangsung di Roma telah dikaitkan lebih jauh dengan abad ke-4 SM, setelah transisi negara dari monarki ke republik.

Teater pada era ini umumnya dipisahkan menjadi genre tragedi dan komedi, yang diwakili oleh gaya arsitektur dan sandiwara panggung tertentu, dan disampaikan kepada penonton murni sebagai bentuk hiburan dan kontrol.

Baca Juga : Membahas Tentang Teater Renaissance di Italia

Dalam hal penonton, orang Romawi lebih menyukai hiburan dan pertunjukan daripada tragedi dan drama, menampilkan bentuk teater yang lebih modern yang masih digunakan di zaman kontemporer. Spectacle menjadi bagian penting dari harapan orang Romawi sehari-hari ketika datang ke Teater.

Beberapa karya Plautus, Terence, dan Seneca the Younger yang bertahan hingga hari ini, menyoroti berbagai aspek masyarakat dan budaya Romawi pada saat itu, termasuk kemajuan dalam sastra dan teater Romawi. Teater selama periode waktu ini akan mewakili aspek penting masyarakat Romawi selama periode republik dan kekaisaran Roma.

Asal mula teater Romawi

Roma didirikan sebagai sebuah monarki di bawah kekuasaan Etruria, dan tetap seperti itu selama dua setengah abad pertama keberadaannya. Setelah pengusiran raja terakhir Roma, Lucius Tarquinius Superbus, atau “Tarquin the Proud,” sekitar tahun 509 SM, Roma menjadi republik dan selanjutnya dipimpin oleh sekelompok hakim yang dipilih oleh rakyat Romawi.

Dipercaya bahwa teater Romawi lahir selama dua abad pertama Republik Romawi, setelah penyebaran kekuasaan Romawi ke wilayah yang luas di Semenanjung Italia, sekitar tahun 364 SM.

Menyusul kehancuran wabah yang meluas pada 364 SM, warga Romawi mulai memasukkan permainan teater sebagai pelengkap dari upacara Lectisternium yang sudah dilakukan, dalam upaya yang lebih kuat untuk menenangkan para dewa. Pada tahun-tahun setelah penerapan praktik-praktik ini, para aktor mulai mengadaptasi tarian dan permainan ini ke dalam pertunjukan dengan memerankan teks-teks yang diatur ke musik dan gerakan simultan.

Seiring berkembangnya era Republik Romawi, warga mulai memasukkan drama yang dipentaskan secara profesional dalam persembahan eklektik ludi (perayaan hari libur umum) yang diadakan sepanjang tahunfestival terbesar ini adalah Ludi Romani , yang diadakan setiap bulan September untuk menghormati dewa Romawi Jupiter. Sebagai bagian dari Ludi Romani pada tahun 240 SM, penulis dan dramawan Livius Adronicus menjadi orang pertama yang menghasilkan terjemahan drama Yunani yang ditampilkan di panggung Romawi.

Sebelum 240 SM, kontak Romawi dengan budaya Italia utara dan selatan mulai mempengaruhi konsep hiburan Romawi. Panggung Romawi awal didominasi oleh: Phylakes (suatu bentuk parodi tragis yang muncul di Italia selama Republik Romawi dari 500 hingga 250 SM), Atellan farces (atau sejenis komedi yang menggambarkan pemikiran terbalik tentang wilayah tenggara).

Kota Oscan Atella suatu bentuk humor etnis yang muncul sekitar 300 SM), dan syair Fescennine (berasal dari Etruria selatan). Selanjutnya, para sarjana Phylakes telah menemukan vas yang menggambarkan produksi Komedi Lama (misalnya oleh Aristophanes, seorang penulis naskah drama Yunani), membuat banyak orang memastikan bahwa drama komedi semacam itu disajikan pada satu titik ke penonton Italia, jika bukan “Berbahasa Latin” pada awal abad ke-4.

Hal ini didukung oleh fakta bahwa bahasa Latin merupakan komponen penting bagi Teater Romawi. Dari 240 SM sampai 100 SM, teater Romawi telah diperkenalkan ke periode drama sastra, di mana drama Yunani klasik dan pasca-klasik telah diadaptasi ke teater Romawi. Dari 100 SM hingga 476 M, hiburan Romawi mulai disuguhkan dengan pertunjukan seperti sirkus, tontonan, dan pantomim sambil tetap terpikat oleh pertunjukan teater.

Drama awal yang muncul sangat mirip dengan drama di Yunani. Roma telah terlibat dalam sejumlah perang, beberapa di antaranya telah terjadi di wilayah Italia, di mana budaya Yunani memiliki pengaruh besar.

Contohnya termasuk Perang Punisia Pertama (264-241 SM) di Sisilia. Melalui ini muncul hubungan antara Yunani dan Roma, dimulai dengan munculnya dunia Helenistik, di mana budaya Helenistik menyebar lebih luas dan melalui perkembangan politik melalui penaklukan Romawi atas koloni Mediterania. Akulturasi telah menjadi spesifik untuk Yunani-Romawihubungan, dengan Roma terutama mengadopsi aspek-aspek budaya Yunani, pencapaian mereka, dan mengembangkan aspek-aspek itu ke dalam sastra, seni, dan sains Romawi.

Roma telah menjadi salah satu budaya Eropa pertama yang berkembang untuk membentuk budaya mereka sendiri demi satu. Roma telah memperoleh akses yang lebih besar ke kekayaan sastra Yunani dan Seni, dan masuknya migran Yunani, khususnya filsuf Stoa seperti Peti Mallus (168 SM) dan bahkan filosof Athena (155 SM). Hal ini memungkinkan orang Romawi mengembangkan minat pada bentuk ekspresi baru, filsafat.

Perkembangan yang terjadi pertama kali diprakarsai oleh penulis naskah yang merupakan orang Yunani atau setengah Yunani yang tinggal di Roma. Sementara tradisi sastra Yunani dalam drama mempengaruhi Romawi, Romawi memilih untuk tidak sepenuhnya mengadopsi tradisi ini, dan alih-alih bahasa lokal yang dominan digunakan bahasa Latin. Drama Romawi yang mulai dipentaskan ini sangat dipengaruhi oleh tradisi Etruria, khususnya mengenai pentingnya musik dan pertunjukan.

Genre teater Romawi kuno

Karya penting pertama sastra Romawi adalah tragedi dan komedi yang ditulis oleh Livius Andronicus mulai tahun 240 SM. Lima tahun kemudian, Gnaeus Naevius , yang lebih muda sezaman dengan Andronicus, juga mulai menulis drama, menggubah dalam kedua genre juga. Tidak ada drama dari kedua penulis yang bertahan. Pada awal abad ke-2 SM, drama telah menjadi mapan di Roma dan serikat penulis (collegium Poetarum) telah dibentuk.

Tragedi Romawi

Tidak ada tragedi Romawi awal yang bertahan, meskipun itu sangat dihormati pada zamannya sejarawan mengetahui tiga tragedi awal Ennius, Pacuvius dan Lucius Accius. Salah satu aspek penting dari tragedi yang berbeda dari genre lain adalah penerapan chorus yang termasuk dalam aksi di atas panggung selama pertunjukan banyak tragedi.

Namun, sejak zaman kekaisaran, karya dua tragedi bertahansatu adalah penulis yang tidak dikenal, sementara yang lain adalah filsuf Stoa Seneca . Sembilan tragedi Seneca bertahan, semuanya adalah fabulae crepidatae (A fabula crepidata atau fabula cothurnata adalah tragedi Latin dengan subjek Yunani)

Seneca muncul sebagai karakter dalam tragedi Octavia, satu-satunya contoh fabula praetexta yang masih ada (tragedi berdasarkan subjek Romawi, pertama kali dibuat oleh Naevius ), dan akibatnya, drama tersebut secara keliru dikaitkan sebagai telah ditulis oleh Seneca sendiri. Namun, meskipun sejarawan telah mengkonfirmasi bahwa drama itu bukan salah satu karya Seneca, penulis sebenarnya tetap tidak diketahui.

Komedi Romawi

Semua komedi Romawi yang bertahan dapat dikategorikan sebagai fabula palliata (komedi berdasarkan mata pelajaran Yunani) dan ditulis oleh dua dramawan: Titus Maccius Plautus (Plautus) dan Publius Terentius Afer (Terence). Tidak ada fabula togata (komedi Romawi dalam latar Romawi) yang bertahan.

Dalam mengadaptasi drama Yunani yang akan ditampilkan untuk penonton Romawi, dramawan komik Romawi membuat beberapa perubahan pada struktur produksi. Yang paling menonjol adalah penghapusan peran paduan suara yang sebelumnya menonjol sebagai sarana untuk memisahkan aksi ke dalam episode yang berbeda. Selain itu, iringan musik ditambahkan sebagai suplemen simultan untuk dialog drama. Aksi dari semua adegan biasanya terjadi di jalan-jalan di luar kediaman karakter utama, dan komplikasi plot sering kali merupakan hasil dari menguping oleh karakter kecil.

Plautus menulis antara 205 dan 184 SM dan dua puluh komedinya bertahan hingga hari ini, di mana leluconnya paling terkenal. Dia dikagumi karena kecerdasan dialognya dan karena penggunaan meteran puitisnya yang bervariasi. Sebagai hasil dari semakin populernya drama Plautus, serta bentuk baru komedi tertulis ini, drama pemandangan menjadi komponen yang lebih menonjol dalam festival Romawi pada waktu itu, mengklaim tempat mereka di acara-acara yang sebelumnya hanya menampilkan balapan, kompetisi atletik. dan pertarungan gladiator.

Keenam komedi itu Terenceterdiri antara 166 dan 160 SM telah bertahan. Kompleksitas plotnya, di mana ia secara rutin menggabungkan beberapa karya asli Yunani menjadi satu produksi, menimbulkan kritik keras, termasuk klaim bahwa dengan melakukannya, ia merusak drama Yunani asli, serta desas-desus bahwa ia telah menerima bantuan dari peringkat tinggi.

laki-laki dalam menyusun materinya. Faktanya, meminta agar mereka memperhatikan materinya secara objektif, dan tidak terpengaruh oleh apa yang mungkin mereka dengar tentang praktiknya. Ini adalah perbedaan yang mencolok dari prolog tertulis dari penulis drama terkenal lainnya pada masa itu, yang secara rutin menggunakan prolog mereka sebagai cara untuk mengawali plot drama yang sedang ditampilkan.

Teater Romawi dalam pertunjukan

Dimulai dengan pertunjukan teater yang pertama di Roma pada tahun 240 SM, drama-drama sering dipentaskan selama festival-festival publik. Karena drama ini kurang populer dibandingkan beberapa jenis acara lainnya (pertandingan gladiator, acara sirkus, dll.) yang diadakan dalam ruang yang sama, acara teater dilakukan menggunakan struktur kayu sementara, yang harus dipindahkan dan dibongkar selama berhari-hari. setiap kali acara tontonan lainnya dijadwalkan berlangsung.

Lambatnya proses penciptaan ruang pertunjukan permanen disebabkan oleh penolakan keras dari pejabat tinggi: anggota senat berpendapat bahwa warga negara menghabiskan terlalu banyak waktu di acara teater, dan memaafkan perilaku ini akan menyebabkan korupsi publik Romawi.

Hasil dari, Untuk menunjukkan kemurahan hati mereka, patung atau prasasti (kadang-kadang dalam jumlah uang) didirikan atau ditorehkan untuk dilihat semua orang di depan tribunalia, di proscaenium atau scaenae frons , bagian-bagian bangunan yang dimaksudkan untuk dilihat publik. Membangun teater membutuhkan usaha besar dan waktu yang lama, seringkali berlangsung beberapa generasi.

Teater Romawi, khususnya yang dibangun di barat-Romawi , sebagian besar dimodelkan dari yang Yunani. Mereka sering diatur dalam setengah lingkaran di sekitar orkestra, tetapi baik panggung dan gedung adegan bergabung bersama dengan auditorium dan diangkat ke ketinggian yang sama, menciptakan kandang yang sangat mirip dalam struktur dan penampilan dengan teater modern. Hal ini dilanjutkan dengan odea atau teater kecil yang memiliki atap atau teater yang lebih besar memiliki vela, memungkinkan penonton untuk memiliki naungan.

Selama masa struktur sementara ini, pertunjukan teater menampilkan suasana yang sangat minimalis. Ini termasuk ruang bagi penonton untuk berdiri atau duduk menonton pertunjukan, yang dikenal sebagai cavea , dan panggung, atau scaena.

Latar untuk setiap lakon digambarkan menggunakan latar belakang (scaenae frons) yang rumit, dan para aktor tampil di atas panggung, di ruang bermain di depan scaenae frons, yang disebut proscaenium. Struktur ini didirikan di beberapa tempat yang berbeda, termasuk kuil, arena, dan kadang-kadang, drama diadakan di alun-alun pusat Roma ( forum ).

Pembagian masyarakat dalam teater menjadi jelas dalam bagaimana auditorium dibagi, biasanya oleh koridor yang luas atau praecinctiones, menjadi salah satu dari tiga zona, ima, media, dan summa cavea. Zona-zona ini berfungsi untuk memisahkan kelompok-kelompok tertentu dalam populasi. Dari tiga divisi ini, summa cavea atau galeri adalah tempat duduk pria (tanpa toga atau pullati (miskin), wanita, dan terkadang budak (dengan izin masuk).

Pengaturan tempat duduk teater menyoroti perbedaan gender dalam masyarakat Romawi, karena wanita duduk di antara para budak. Sur mencatat bahwa baru pada Augustus segregasi di teater diberlakukan, di mana perempuan harus duduk di belakang atau di dekat bagian belakang.

Teater dibayar oleh dermawan tertentu dan dilihat sebagai target untuk kebaikan, terutama karena kebutuhan untuk menjaga ketertiban sipil dan sebagai konsekuensi dari keinginan warga untuk pertunjukan teater. Teater dibangun hampir selalu melalui kepentingan mereka yang memegang pangkat dan posisi tertinggi di Republik Romawi.

Untuk mempertahankan pemisahan kekuasaan, mereka yang berpangkat tinggi sering kali duduk di depan atau di depan umum (tribunalia). Orang-orang yang memberikan sumbangan untuk pembangunan teater sering melakukannya untuk alasan propaganda. Apakah itu di tangan seorang dermawan kekaisaran atau individu kaya, biaya pembangunan teater yang tinggi biasanya membutuhkan lebih dari sumbangan satu individu.

Pada 55 SM, teater permanen pertama dibangun. Dibangun oleh Pompey the Great, tujuan utama dari struktur ini sebenarnya bukan untuk pertunjukan drama, melainkan untuk memungkinkan penguasa saat ini dan masa depan sebuah tempat di mana mereka dapat mengumpulkan publik dan menunjukkan kemegahan dan otoritas mereka atas massa.

Dengan tempat duduk untuk 20.000 penonton, struktur megah ini memiliki panggung selebar 300 kaki, dan memiliki panggung panggung tiga lantai yang diapit dengan patung-patung yang rumit. Theatre of Pompey tetap digunakan sampai awal abad ke-6, tetapi dibongkar untuk dijadikan batu pada Abad Pertengahan. Hampir tidak ada struktur besar yang terlihat di atas tanah saat ini.

Aktor Teater

Aktor pertama yang muncul dalam pertunjukan Romawi berasal dari Etruria . Tradisi aktor asing ini akan berlanjut dalam pertunjukan dramatis Romawi. Dimulai dengan pertunjukan awal, aktor ditolak hak politik dan sipil yang sama yang diberikan kepada warga negara Romawi biasa karena status sosial aktor yang rendah.

Selain itu, para aktor dibebaskan dari dinas militer, yang selanjutnya menghambat hak-hak mereka dalam masyarakat Romawi karena tidak mungkin seseorang memiliki karir politik tanpa memiliki beberapa bentuk pengalaman militer. Sementara aktor tidak memiliki banyak hak, budak memang memiliki kesempatan untuk memenangkan kebebasan mereka jika mereka mampu membuktikan diri sebagai aktor yang sukses.

Membahas Tentang Teater Renaissance di Italia
Theater

Membahas Tentang Teater Renaissance di Italia

Membahas Tentang Teater Renaissance di Italia – Di Italia, humanisme adalah gerakan intelektual yang dominan pada abad keempat belas dan kelima belas, dan metodenya memengaruhi sebagian besar bidang kehidupan budaya.

Membahas Tentang Teater Renaissance di Italia

toscanaspettacolo – Humanis awal Francesco Petrarch (1304–1374) dan Giovanni Boccaccio(1313–1375) telah terpesona oleh genre dan gaya sastra Latin Antiquity.

Mereka membayangkan kebangkitan budaya berdasarkan model sastra kuno. Ketika gerakan humanis berkembang, ia memperoleh kecanggihan baru tentang peran dan penggunaan bahasa.

Kecanggihan ini melahirkan filologi pada abad kelima belas, sebuah disiplin baru yang mempelajari penggunaan bahasa secara historis dan kontekstual dalam dokumen kuno. Filologi mengembangkan metode ilmiah yang ketat sehingga pada paruh kedua abad kelima belas memungkinkan para sarjana untuk menetapkan keaslian teks-teks kuno. Pada waktu yang hampir bersamaan, humanisme juga mendukung kebangkitan studi retorika kuno serta bahasa Yunani. Seperti yang ditunjukkan oleh potret ini, humanisme dari awalnya adalah gerakan sastra, bukan filosofis.

Baca Juga : Membahas Tentang Teater Dan Stagecraft Di Italia

Tidak ada manifesto atau kredo humanis, tetapi keyakinan umum bahwa perkembangan pria dan wanita yang merupakan pembaca dan pemikir kritis serta penulis yang elegan dapat memuliakan masyarakat. Keyakinan yang sama ini mendorong kaum humanis untuk mempelajari bentuk-bentuk drama kuno. Upaya mereka menghasilkan kebangkitan klasik dari mahakarya Antiquity, bahkan ketika mereka akhirnya mengilhami penulis naskah Renaisans untuk meniru genre kuno. Dalam tragedi, bagaimanapun, dramawan Italia lama tetap budak model kuno.

Meskipun banyak orang Italia Renaisans menulis tragedi bergaya Yunani dan Romawi, tidak ada mahakarya dalam genre ini yang muncul hingga abad kedelapan belas. Beasiswa Italia klasik kuno memunculkan karya-karya yang hari ini hanya kepentingan sejarah. Pada saat yang sama, sarjana humanis Italia melakukan perjalanan ke seluruh Eropa, dan di Inggris Renaisans, Prancis, dan Spanyol, drama tragis besar memang muncul. Sebaliknya, dalam komedi, orang Italia Renaisans membuktikan kesuksesan yang lebih besar, menghasilkan serangkaian komedi terpelajar atau terpelajar yang juga mengilhami penulis naskah di seluruh Eropa.

Kebangkitan Purbakala

Penemuan kembali komedi dan tragedi dunia kuno melahirkan edisi baru karya Sophocles, Euripides, dan dramawan Romawi Seneca, Terence, dan Plautus. Seneca, penulis kuno tragedi terbesar Roma, adalah penulis naskah kuno pertama yang menarik perhatian kaum humanis. Sudah di abad keempat belas para sarjana telah berpaling untuk mempelajari tragedi-tragedinya.

Penulis drama komik Plautus adalah tokoh klasik hebat berikutnya yang mengalami kebangkitan. Pada 1429, humanis Nicholas dari Cusamenemukan kembali dua belas drama oleh Plautus, dan pada tahun-tahun berikutnya, jajaran sarjana sastra Italia yang terus bertambah meneliti dokumen-dokumen ini. Pada paruh kedua abad kelima belas, mesin cetak mengizinkan para sarjana untuk mencetak edisi drama klasik.

Edisi kumpulan dari karya-karya Terence yang masih hidup muncul pada tahun 1470, diikuti dua tahun kemudian oleh karya-karya Plautus. Edisi cetak ini memungkinkan ratusan teks identik beredar di antara para sarjana dan penulis secara bersamaan, sehingga mengilhami pembaca untuk mencoba meniru bentuk-bentuk kuno. Edisi-edisi baru ini juga mendorong para pelindung dan bangsawan kaya Italia untuk menugaskan terjemahan karya-karya tersebut ke dalam bahasa Italia dan untuk melakukan produksi drama-drama tersebut.

Sebaliknya, studi Sophocles, Euripides, dan Aristophanes berjalan lebih lambat karena, pada abad kelima belas, drama Yunani hanya bisa dibaca oleh para sarjana yang paling terpelajar. Pada tahun 1525, situasi ini mulai berubah ketika tiga tragedi Yunani yang paling terkenal, Euripides’Iphigenia dalam Tauris dan Cyclops -nya serta Oedipus Rex karya Sophocles , memiliki terjemahan dalam bahasa Italia. Terjemahan drama Yunani utama muncul sepanjang abad keenam belas, menghasilkan seruan untuk kebangkitan teater Yunani, serta minat yang lebih umum pada konvensi drama klasik.

Tragedi

Minat humanis pada tragedi kuno berkembang lebih awal, ketika para sarjana Italia meneliti tragedi kuno Seneca. Sekitar tahun 1300, humanis awal Lovati Lovato dan Nicholas di Trevet menghasilkan komentar tentang tragedi Seneca. Minat kritis di Seneca bukan kebetulan. Seneca adalah seorang Stoa, anggota sekte filosofis kuno yang mengajarkan bahwa nafsu manusia adalah sumber kejahatan.

Stoicisme menganut kredo yang menolak dunia yang tidak berbeda dengan filosofi Kristen dari banyak tokoh abad pertengahan, juga tidak menarik bagi para humanis awal. Petrarch melihat dalam ajaran Stoicisme cara yang efektif untuk mengelola hubungan seseorang dengan dunia. Pada keseimbangan, popularitas baru tragedi Senecan, bagaimanapun, memiliki efek peredam pada kebangkitan bentuk sebagai drama teater.

Seneca memperlakukan tragedi sebagian besar sebagai genre sastra, dan saat ini sebagian besar sarjana percaya bahwa dia, bahkan di Zaman Kuno, seorang penulis “drama lemari”, yaitu drama yang dimaksudkan untuk dibaca daripada dipertunjukkan. Dalam upaya mereka untuk memahami karya penulis ini, para humanis Renaisans awal juga mengandalkan ahli teori abad pertengahan seperti filsuf abad keenam Isidore dari Seville atau penyair abad ketiga belas.

Dante Alighieri keduanya telah memperlakukan tragedi kuno sebagian besar sebagai semacam puisi yang membahas perbuatan keji dan membenarkan kejatuhan penguasa yang tidak bermoral. Sikap Isidore dan Dante terhadap bentuk dengan demikian meremehkan unsur-unsur filosofis, psikologis, dan visual yang beraneka ragam yang ada dalam bentuk-bentuk tragis kuno. Pada abad keempat belas dan kelima belas kaum humanis Italia sebagian besar setuju dengan penilaian tradisional ini. Para penulis tragedi Renaisans paling awal meniru gaya sastra Seneca bahkan ketika mereka mengabaikan potensi teatrikal genre tersebut.

Pada tahun 1315, Albertino Mussato termasuk orang pertama yang menulis tragedi dalam gaya kuno. Dalam bukunya EcerinisMussato menarik plotnya dari peristiwa sejarah baru-baru ini, menceritakan perbuatan jahat dan kejatuhan Ezzelino da Romano, seorang lalim Italia abad ketiga belas.

Seperti semua penulis tragedi Italia hingga pertengahan abad keenam belas, Mussato mengecilkan elemen teatrikal dari ceritanya, dan malah mengembangkan potensi sastra yang besar dari karya tersebut. Dia menulis dramanya bukan untuk panggung tetapi untuk sekelompok kecil pembaca yang membacakan drama itu.

Gagasan ini bahwa tragedi paling baik dikonsumsi oleh sekelompok kecil pembaca yang terlatih daripada di atas panggungbertahan selama beberapa generasi. Itu bertahan bahkan di abad keenam belas ketika edisi cetak tragedi menggantikan versi naskah drama ini.

Bahkan meningkatnya popularitas tragedi Yunani pada abad keenam belas tidak banyak mengurangi antusiasme untuk “drama lemari” membaca secara pribadi atau dalam lingkaran membaca kecil. Pada tahun 1515, misalnya, humanis Gian Giorgio Trissino menjadi orang Italia pertama yang menulis drama menggunakan konvensi tragedi Yunani kuno. MiliknyaSofonisha menggunakan unsur-unsur Yunani kuno dari paduan suara, lagu, dan tontonan, dan dia mengandalkan kesatuan yang khusyuk yang menjadi ciri karya-karya kuno ini.

Tetapi seperti kebanyakan tragedi Renaisans Italia, Sofonisha dibacakan dalam kelompok-kelompok kecil jauh sebelum dipentaskan di atas panggung. Drama itu melewati enam cetakansebuah tanda popularitasnyatetapi baru dipentaskan pada tahun 1562. Drama tragis populer lainnya pada waktu itu, Rosmunda karya Giovanni Rucellai juga mengklaim jumlah pembaca yang besar, tetapi baru dimainkan pada abad kedelapan belas.

Tragedi Bertahap

Terlepas dari cara yang relatif kering di mana tragedi dikonsumsi selama sebagian besar Renaisans, bentuknya tetap populer sebagai hiburan sastra. Namun, pada abad keenam belas, pemahaman yang berkembang tentang konvensi teater kuno mengilhami realisasi baru dari potensi dramatis yang ada di dalam genre. Di sini penemuan kembali versi Poetics Aristoteles yang tidak rusak merupakan perkembangan yang sangat menentukan. Dalam risalah kuno tentang puisi dan bentuk-bentuk dramatis ini, Aristoteles menunjukkan bagaimana tragedi memiliki kekuatan besar untuk menarik hasrat manusia.

Sebagai pengetahuan tentang Puisimenyebarkannya menghasilkan perubahan dalam cara penulis drama menulis tragedi. Para penulis semakin banyak menyampaikan karya mereka kepada penonton untuk drama-drama ini, dan mereka menekankan elemen visual dari drama mereka. Dalam bukunya Poetics yang ditulis pada tahun 1529, penulis drama Trissino mencatat bahwa elemen pertama, dan akibatnya salah satu yang paling penting, dari sebuah tragedi adalah pemandangannya karena hal ini dapat membangkitkan kesenangan penonton.

Keingintahuan baru, terbukti dalam pernyataan Trissino serta upaya berkelanjutan untuk melacak drama kuno, mengilhami pertunjukan pertama tragedi Renaisans pada tahun 1541, Orbecche karya Giambattista Cinzio Giraldi.Keberhasilan besar produksi ini mengilhami para pelindung bangsawan di seluruh Italia untuk menugaskan penulis untuk menulis tragedi baru yang dimaksudkan dari yang pertama untuk dipentaskan daripada hanya dibaca. Ini termasuk Orazia karya Pietro Aretino (1546), Marianna karya Gugliemo Dolce (1565), dan Edipo karya Orsatto Giustiniani.

Sementara tragedi tidak pernah menjadi sepopuler bentuk dramatis Renaisans lainnya terutama komedi itu masih berhasil memperoleh pengikut yang signifikan. Tema-temanya, yang serius dan seringkali firasat, berarti bahwa tragedi adalah bentuk teater yang menarik bagi segelintir orang yang relatif berpendidikan. Dan karena tragedi biasanya memperlakukan kehidupan tokoh-tokoh bangsawan, persyaratan pementasan mereka mahal dan rumit.

Dengan tidak adanya teater profesional yang didedikasikan untuk produksi tragis, biaya ini hanya dapat ditanggung oleh pelindung mulia sesekali yang menugaskan karya-karya seperti itu. Sementara faktor-faktor ini membatasi daya tarik tragedi, produksi yang signifikan tetap dilakukan menjelang akhir abad keenam belas. Pada waktu bersamaan, pengetahuan yang telah dikumpulkan oleh para sarjana Italia tentang standar kinerja dan struktur tragedi kuno disebarkan ke seluruh Eropa; dan di akhir Renaisans Spanyol, Inggris, dan Prancis, teater tragis menemukan rumah yang lebih menyenangkan.

Komedi Terpelajar

Studi tentang komedi kuno dan konvensi-konvensinya pertama kali dikembangkan pada abad kelima belas, agak lebih lambat dari kebangkitan awal tragedi. Namun, sejak pertama, minat baru pada komedi kuno menghasilkan produksi teater, dan pada gilirannya, pementasan drama kuno mengilhami genre baru Italia Erudite Comedy. Komedi terpelajar ini memengaruhi drama yang ditulis di tempat lain di Eropa abad keenam belas.

Kebangkitan kembali pengetahuan tentang komedi kuno dimulai pada 1429 ketika humanis Nicholas dari Cusa menemukan kembali selusin karya yang sebelumnya tidak diketahui oleh penulis drama Romawi kuno Plautus. Sirkulasi komedi ini segera menghasilkan tiruan Italia seperti Chrysisdari sarjana humanis Aeneas Sylvius Piccolomini, yang ditulis pada tahun 1444. Pada saat yang sama mode dikembangkan untuk karya-karya Plautus. Di Ferrara, misalnya, para adipati mementaskan terjemahan Latin dan Italia dari karya-karya penulis naskah kuno dari tahun 1570-an dan seterusnya.

Pertunjukan ini mengilhami penyair besar Lodovico Ariosto (1474-1533) untuk mengarang beberapa komedi Italia yang dikagumi secara luas pada dekade pertama abad keenam belas. Di Florence, perkembangan genre komedi teater mengambil jalan yang agak berbeda. Di sana, humanis besar Angelo Poliziano (1454–1494) menghidupkan kembali karya-karya penulis drama komik kuno Terence dengan mengedit drama ulung penulis Andria.

Penulis Florentine pada akhir abad ke-15 dan awal abad ke-16 juga mempelajari komedi Yunani kuno, dan mendiskusikannya di semacam salon yang dilindungi oleh keluarga Rucellai pada saat itu. Setelah pengasingannya dari dunia politik Florentine, Niccolò Machiavelli (1469–1527) mulai menulis teori dan sejarah politik serta komedi untuk mendukung dirinya sendiri.

Dari ketiga jenis tulisan yang dilakukan oleh negarawan, komedi terbukti paling menguntungkan. Dalam drama-dramanya, ia menerapkan pengetahuan sastra teoretis dan praktis yang diperolehnya dari tinggal di Florence selama masa kejayaan kebangkitan komik. Dia menghasilkan beberapa drama, di mana The Mandrake Root (1517) adalah yang paling populer dan berpengaruh. Dengan cara yang mengingatkan pada beberapa kisah Decameron, itu menceritakan kembali kisah seorang pembual tua yang diselingkuhi oleh seorang pemuda yang pintar.

Menyiapkan Panggung

pengantar: Niccolò Machiavelli, penulis buku terkenal, The Prince , juga seorang penulis dari beberapa komedi Renaisans yang populer. Mandrake Root adalah permainannya yang paling sukses.

Aktor sering bekerja di panggung kecil dengan pemandangan sempit yang tidak cukup menggambarkan ruang di mana drama mereka berlangsung. The Prologue to the Mandrake , menunjukkan bagaimana penulis naskah terkadang membantu dalam proses setting adegan.

Karakteristik

Drama baru yang meniru contoh Terence dan Plautus disebut erudita, yang berarti terpelajar atau terpelajar, karena strukturnya meniru struktur Roma kuno.

Meskipun kontur drama ini bergantung pada beberapa konvensi kuno, komedi ilmiah tumbuh menjadi jauh lebih dari sekadar bentuk tiruan. Dalam beberapa kasus, dramawan menulis komedi ini dalam bentuk syair. Tetapi paling sering mereka mengandalkan prosa yang ditulis dalam dialek Tuscan yang kuat yang digunakan di seluruh Italia utara dan tengah pada saat itu.

Drama-drama tersebut sering menggunakan dialek lokal atau kata-kata yang berasal dari bahasa asing untuk menggarisbawahi sifat karakter sebagai orang bodoh atau orang asing. Sebagian besar komedi mengikuti format lima babak model Romawi kuno.

Mereka terjadi di adegan jalanan Italia yang dihuni oleh bangsawan kaya, pelayan mereka, dan klien mereka. Pelacur, mucikari, pemilik penginapan, penjaja, dan tentara juga sering menjadi karakter dalam drama, menunjukkan selera situasi kehidupan nyata daripada pengaturan fantasi yang sering digunakan dalam bentuk komedi abad pertengahan sebelumnya. Salah satu perkembangan penting dalam sejarah komedi ilmiah adalah fondasi dariIntronati di Siena sekitar tahun 1531.

Sekelompok intelektual dan kecerdasan berpendidikan universitas, Intronati memperluas batas-batas komedi dengan membawa plot roman ke dalam genre. Akhirnya, inovasi mereka menarik pembaca yang luas di seluruh Eropa, dan mengilhami banyak karya serupa, termasuk Malam Kedua Belas karya Shakespeare .

Di luar banyak plot yang mereka kembangkan dari roman abad pertengahan, Intronati juga memanfaatkan cerita dari Decameron karya Boccaccio , lebih menyukai kisah-kisah di mana wanita yang sangat cerdas dan heroik mendapatkan yang lebih baik dari karakter pria yang lebih lemah. Berita tentang inovasi mereka menyebar dengan cepat ke seluruh Italia, dan kelompok-kelompok baru di Florence, Padua, Roma, dan kota-kota lain segera meniru mereka.

Membahas Tentang Teater Dan Stagecraft Di Italia
Theater

Membahas Tentang Teater Dan Stagecraft Di Italia

Membahas Tentang Teater Dan Stagecraft Di ItaliaTradisi teater Italia telah lama berperan dalam membentuk perkembangan teater jauh melampaui batas negara. Selama abad kelima belas dan keenam belas, humanis Italia telah mempelajari sastra dramatis dan teater Kuno. Pada waktunya, upaya mereka menghasilkan perkembangan besar penulisan drama kontemporer di Italia, sebagai penulis yang beragam seperti Niccolò Machiavelli dan Torquato Tassomengandalkan kanon dramatis kuno untuk membentuk drama abad keenam belas mereka.

Membahas Tentang Teater Dan Stagecraft Di Italia

toscanaspettacolo – Selera akan komedi yang ditulis dalam gaya penulis Romawi kuno Plautus dan Terence berkembang di istana yang canggih di semenanjung, sehingga memunculkan upaya baru untuk memahami teater kuno dengan segala kerumitannya. Ketika abad keenam belas berkembang, para sarjana dan penulis naskah beralih ke tragedi dan mempelajari pernyataan Aristoteles dan filsuf lain tentang estetika.

Ada beberapa nilai produksi dalam banyak upaya pertama untuk menghidupkan kembali teater kuno ini, dan para aktor sering tampil di depan latar paling sederhana yang hanya menyarankan sebuah tempat. Seiring waktu, pemandangan yang dilukis dan dirancang oleh seniman-seniman ulung menggantikan elemen-elemen dasar ini, dan seiring dengan perkembangan abad keenam belas, arsitek dan cendekiawan menjadi lebih peduli dengan menciptakan tampilan dan nuansa teater kuno.

Baca Juga :Teater Tertua Yang Ada Di Italia

Yang paling terkenal dari upaya ini adalahAndrea Palladio’s untuk Teatro Olimpico di Vicenza di Italia utara, sebuah teater yang masih berdiri sampai sekarang. Palladio dan muridnya, Vincenzo Scamozzi yang akhirnya menyelesaikan proyek tersebut, menciptakan struktur yang dalam banyak hal tampak akrab bagi pemirsa modern, meskipun pemandangan yang dilengkapi dengan panggung bersifat permanen dan tidak dapat dipindahkan. Itu terdiri dari galeri dua lantai, diselingi dengan pintu dan lengkungan.

Di bagian belakang struktur ini, pemandangan jalanan diciptakan kembali dalam perspektif sehingga seluruh struktur tampak surut ke titik hilang di cakrawala. Kecerdasan konsep ini berlanjut di seluruh desain auditorium, di mana Palladio mengatur bangku-bangku melengkung berbentuk elips di sekitar panggung, sehingga memungkinkan semua penonton untuk memiliki setidaknya sebagian pandangan tentang tindakan yang terjadi di hadapan mereka.

Teater Palladio dan Scamozzi selesai dibangun pada tahun 1585, dan segera memicu sejumlah eksperimen lain untuk menemukan tempat yang sempurna untuk menampilkan tontonan, drama, opera, dan balet yang merupakan hiburan umum di istana Italia. Dari sekian banyak teater yang dibangun saat ini, salah satu yang memiliki pengaruh paling luas di seluruh Eropa adalah Teatro Farnese, sebuah teater pribadi yang dibangun untuk keluarga Farnese yang berpengaruh di sebuah istana di luar kota Parma di Italia utara selama 1618–1619.

Seperti Teatro Olimpico, Farnese memiliki panggung lengkung proscenium, tetapi yang sekarang memungkinkan untuk perubahan adegan. Auditorium juga luar biasa serbaguna, sebagian karena arena besar memisahkan panggung dari bangku tempat penonton duduk. Arena ini, yang mirip dengan tingkat orkestra di banyak teater modern, dapat dibanjiri setinggi dua kaki atau, ketika kering, berfungsi sebagai panggung besar untuk balet, pertunjukan berkuda, bola, dan resepsi diplomatik.

Karena kemampuannya untuk digunakan dalam berbagai cara, banyak elemen desain Farnese diduplikasi di teater istana yang dibangun oleh raja dan pangeran di seluruh Eropa pada abad ketujuh belas. Berbagai penggunaan lantai tingkat orkestra adalah salah satu fitur yang sangat menarik dari desain Farnese, karena selama abad ketujuh belas dan kedelapan belas teater pengadilan terus digunakan untuk balet, bola, dan produksi artistik lainnya selain peran mereka sebagai tempat untuk drama. dan opera.

Sebuah Rasa untuk Tontonan.

Budaya istana yang sopan dan canggih pada akhir Renaisans dan periode Barok awal termasuk kegemaran akan tontonan rumit yang memuliakan pangeran lokal dan dinasti mereka. Sepanjang abad keenam belas, kemegahan peristiwa-peristiwa ini terus berkembang, ketika rumah-rumah bangsawan Italia bersaing satu sama lain untuk meningkatkan kesaksian yang semakin mengesankan tentang kekayaan dan prestise mereka.

Sekitar tahun 1500, arsitek dan seniman besar seperti Leonardo da Vinci, Raphael Sanzio, Donato Bramante, dan Michelangelo Buonarrotisudah ditugaskan untuk merancang pemandangan, kostum, dan mesin panggung untuk digunakan dalam perayaan ini.

Italia terus memberi Eropa banyak inovasi dalam seni panggung selama periode Barok, dan desainer yang telah mempelajari keahlian mereka di teater istana semenanjung menjadi komoditas berharga di teater di seluruh Eropa hingga akhir abad kedelapan belas.

Giacomo Torelli dan anggota keluarga Bibiena adalah di antara yang paling menonjol dari banyak desainer produksi yang diproduksi Italia, dan desain figur-figur ini membentuk selera dari Paris hingga Moskow. Giacomo Torelli (1608–1678) adalah seorang Venesia yang memulai karirnya sebagai perancang teater di kota itu sebelum ia mengabdikan dirinya untuk memecahkan masalah perubahan pemandangan. Perancang memelopori mekanisme di mana pemandangan dapat diubah dalam satu operasi.

Dia menempelkan latar belakang produksinya ke rel yang membentang di bawah panggung dengan satu set tali dan menggantung tetesan ini dari tiang yang berjalan di atas panggung. Dengan pergantian mekanisme di belakang panggung, seluruh set dengan cepat diambil dan digantikan oleh yang lain.

Sampai inovasi ini, latar belakang yang digunakan dalam teater hanya menunjukkan waktu dan tempat di mana aksi itu akan terjadi. Dengan metode baru, adegan dapat diubah dengan cepat dan relatif mudah, dan dalam produksi yang dirancang Torelli setelah inovasinya, ia mendefinisikan dengan lebih tepat tempat di mana aksi drama itu terjadi.

Keluarga Bibiena.

Kelompok seniman yang luar biasa subur ini menjadi dinasti perancang panggung yang memengaruhi selera produksi teater di mana-mana di Eropa abad kedelapan belas. Kebangkitan keluarga menjadi terkenal dimulai dengan Fernando Bibiena (1657-1743), yang merupakan putra seorang pelukis dari kota Bologna.

Fernando dilatih sebagai arsitek dan pelukis sebelum diangkat sebagai seniman istana di pengadilan bangsawan di Parma. Di sana ia berkembang menjadi seorang desainer teater, mengandalkan pengetahuannya tentang lukisan ilusionis untuk membuat set yang tampak lebih nyata daripada yang sebelumnya populer. Sampai saat ini, latar belakang yang digunakan di sebagian besar produksi panggung memiliki garis pandang yang menyatu ke satu titik hilang untuk mensimulasikan resesi cakrawala.

Mereka yang merancang latar belakang yang indah untuk teater istana ini diharapkan untuk mempertimbangkan tempat yang tepat di mana pangeran yang memerintah duduk di auditorium, sehingga dari sudut pandangnya, pemandangan itu tampak menyenangkan dan tepat di matanya. Teknik seperti itu biasanya digunakan dalam desain tidak hanya untuk teater, tetapi juga di taman Barok dan arsitektur istana.

Fernando Bibiena, bagaimanapun, menyingkirkan konvensi semacam itu, dan sebaliknya mengandalkan keterampilannya sebagai pelukis ilusionis untuk menciptakan ruang yang tampak nyata bagi penonton di kedua sisi teater, bukan hanya dari pusat. Inovasi ini dikenal sebagai “adegan dari sudut” ( Teknik seperti itu biasanya digunakan dalam desain tidak hanya untuk teater, tetapi juga di taman Barok dan arsitektur istana. Fernando Bibiena, bagaimanapun, menyingkirkan konvensi semacam itu, dan sebaliknya mengandalkan keterampilannya sebagai pelukis ilusionis untuk menciptakan ruang yang tampak nyata bagi penonton di kedua sisi teater, bukan hanya dari pusat.

Inovasi ini dikenal sebagai “adegan dari sudut” ( Teknik seperti itu biasanya digunakan dalam desain tidak hanya untuk teater, tetapi juga di taman Barok dan arsitektur istana. Fernando Bibiena, bagaimanapun, menyingkirkan konvensi semacam itu, dan sebaliknya mengandalkan keterampilannya sebagai pelukis ilusionis untuk menciptakan ruang yang tampak nyata bagi penonton di kedua sisi teater, bukan hanya dari pusat.

Inovasi ini dikenal sebagai “adegan dari sudut” (scena per angola ) memanfaatkan dua titik hilang horizontal di kedua sisi latar belakang panggung daripada di tengah seperti yang dilakukan desainer sebelumnya. Fernando menerima bantuan dalam usahanya dari beberapa saudara laki-lakinya, dan sejumlah putranya meneruskan tradisi ini hingga abad kedelapan belas di teater istana di seluruh benua.

Anak-anak Bibiena, khususnya, mengembangkan nilai-nilai produksi yang mewah, sangat sering mementaskan sejumlah opera. Saat ketenaran mereka menyebar dan mereka menerima komisi dan penunjukan terhormat di seluruh Eropa, desain mereka banyak ditiru bahkan di tempat-tempat di mana mereka tidak pernah bekerja.

Commedia dell’Arte.

Selama abad ketujuh belas kebangkitan opera yang tiba-tiba dan meroket di banyak pengadilan dan kota Italia mengancam untuk menutupi popularitas semua bentuk teater lainnya. Sementara drama lisan terus ditulis dan dipertunjukkan, itu adalah drama musikal baru, dengan balet akrobatik yang kompleks dan selingan lainnya, yang menarik patronase bangsawan terbesar di seluruh Italia.

Di beberapa pusat, terutama Roma, drama terus dilakukan di samping opera baru. Namun di pusat-pusat perkembangan besar opera kota-kota seperti Venesia, Milan, dan Napoli opera mendominasi teater. Salah satu bentuk komedi lama yang diwarisi dari akhir Renaisans, commedia dell’arte, masih berhasil mempertahankan popularitasnya melawan kebangkitan opera yang tiba-tiba. Bentuk-bentuk commedia sebagian besar telah diperbaiki pada akhir abad keenam belas.

Produksi ini memanfaatkan pemeran karakter yang mencakup pedagang Venesia, pengacara Bolognese, dua pria tua, satu atau beberapa pasang kekasih, rombongan pelayan, dan empat karakter bertopeng. Konvensi lain mengatur kinerja komedian. Para kekasih, misalnya, selalu berbicara dalam dialek Tuscan yang terkenal bahasa yang digunakan di dalam dan di sekitar kota Florence sementara para pelayan berbicara dengan dialek Italia sehari-hari yang lebih kasar yang diambil dari daerah-daerah yang kurang terkenal.

Kommedia awalnya berkembang dari kelompok jalanan dan perjalanan yang umum di akhir Renaisans Italia, tetapi bahkan pada akhir abad keenam belas bentuk seni telah memperoleh khalayak yang luas.

Rombongan commedia, misalnya, tampil di pesta pernikahan bangsawan, dan mereka sering memberikan hiburan di istana. Selama abad ketujuh belas lebih dari 35 rombongan tampil di seluruh semenanjung, dan jumlah ini terus meningkat pada awal abad kedelapan belas.

Kommedia juga menyebar jauh ke luar Italia, dan pengaruhnya sangat kuat di Prancis abad ketujuh belas, di mana konvensinya memengaruhi penulisan komik Molière dan melahirkan Comèdie-Italienne, sekelompok seniman komik yang mementaskan karya dalam tradisinya.

Komedi pada umumnya merupakan bentuk seni improvisasi yang tetap memiliki karakter khusus yang perlu diciptakan kembali di setiap pertunjukan. Pada pertengahan abad kedelapan belas komentator seni mengkritik penurunan commedia menjadi humor slapstick belaka dan fisik yang terbuka dan kekerasan sebagai penyimpangan dari niat awal media.

Pada tahun 1750, dramawan dan librettist ItaliaCarlo Goldoni (1707-1793) mengumumkan niatnya untuk mereformasi commedia dell’arte ketika ia menerbitkan koleksi komedi abad keenam belas di Venesia. Goldoni mengandalkan banyak konvensi seni yang sudah mapan, tetapi pada saat yang sama ia berusaha membentuk komedinya menjadi bentuk baru yang lebih kredibel dan realistis.

Namun, menggantikan bentuk seni yang sebelumnya lebih baik, genre baru yang ia bentuk adalah bentuk seni sastra, dengan drama-dramanya ditulis dan ditampilkan dari sebuah teks. Contoh teater komiknya yang didasarkan pada situasi kehidupan nyata segera populer dan menghasilkan serentetan komedi serupa di Venesia dan akhirnya di seluruh Italia pada pertengahan dan kemudian abad kedelapan belas.

Teater Renaissance di Italia Humanisme.

Di Italia, humanisme adalah gerakan intelektual yang dominan pada abad keempat belas dan kelima belas, dan metodenya memengaruhi sebagian besar bidang kehidupan budaya. Humanis awal Francesco Petrarch (1304–1374) dan Giovanni Boccaccio(1313–1375) telah terpesona oleh genre dan gaya sastra Latin Antiquity.

Mereka membayangkan kebangkitan budaya berdasarkan model sastra kuno. Ketika gerakan humanis berkembang, ia memperoleh kecanggihan baru tentang peran dan penggunaan bahasa. Kecanggihan ini melahirkan filologi pada abad kelima belas, sebuah disiplin baru yang mempelajari penggunaan bahasa secara historis dan kontekstual dalam dokumen kuno. Filologi mengembangkan metode ilmiah yang ketat sehingga pada paruh kedua abad kelima belas memungkinkan para sarjana untuk menetapkan keaslian teks-teks kuno.

Pada waktu yang hampir bersamaan, humanisme juga mendukung kebangkitan studi retorika kuno serta bahasa Yunani. Seperti yang ditunjukkan oleh potret ini, humanisme dari awalnya adalah gerakan sastra, bukan filosofis. Tidak ada manifesto atau kredo humanis, tetapi keyakinan umum bahwa perkembangan pria dan wanita yang merupakan pembaca dan pemikir kritis serta penulis yang elegan dapat memuliakan masyarakat. Keyakinan yang sama ini mendorong kaum humanis untuk mempelajari bentuk-bentuk drama kuno.

Upaya mereka menghasilkan kebangkitan klasik dari mahakarya Antiquity, bahkan ketika mereka akhirnya mengilhami penulis naskah Renaisans untuk meniru genre kuno. Dalam tragedi, bagaimanapun, dramawan Italia lama tetap budak model kuno. Meskipun banyak orang Italia Renaisans menulis tragedi bergaya Yunani dan Romawi, tidak ada mahakarya dalam genre ini yang muncul hingga abad kedelapan belas.

Beasiswa Italia klasik kuno memunculkan karya-karya yang hari ini hanya kepentingan sejarah. Pada saat yang sama, sarjana humanis Italia melakukan perjalanan ke seluruh Eropa, dan di Inggris Renaisans, Prancis, dan Spanyol, drama tragis besar memang muncul. Sebaliknya, dalam komedi, orang Italia Renaisans membuktikan kesuksesan yang lebih besar, menghasilkan serangkaian komedi terpelajar atau terpelajar yang juga mengilhami penulis naskah di seluruh Eropa.

5 Teater Terbaik di Italia
Theater

5 Teater Terbaik di Italia

5 Teater Terbaik di Italia – Kami ingin memperkenalkan Anda pada keindahan dan seni melalui penemuan lima teater paling terkenal dan menarik di Italia: Teatro Massimo di Palermo, Teatro San Carlo di Naples, Teatro dell’Opera di Roma, Teatro La Fenice di Venesia dan Teatro La Scala di Milan. Semua teater ini menunjukkan betapa pentingnya musik dan seni di Italia.

5 Teater Terbaik di Italia

Teater Massimo di Palermo

toscanaspettacolo – Theatre Massimo merupakan gedung teater terbesar di Italia. Dibuka pada tahun 1897 oleh Falstaff Giuseppe Verdi di bawah kepemimpinan Leopoldo Munone. Arsitekturnya yang megah bergaya Yunani-Romawi dan merupakan karya arsitek Giovan Battista Filippo Basile dan putranya Ernesto, yang menggantikannya pada saat kematiannya. Pintu masuk, melalui tangga monumental, memiliki dua singa perunggu di kedua sisinya.

Di ujung tangga, sebuah pronaos dengan enam kolom Korintus menyambut penonton, dengan kata-kata “Seni memperbaharui masyarakat dan mengungkapkan hidup mereka. Kenikmatan adegan sia-sia di mana tidak bertujuan untuk mempersiapkan masa depan”.Teatro Massimo tidak hanya merupakan pusat produksi penting tetapi juga sebuah karya monumental yang dapat dikunjungi.

Baca Juga : Sejarah Teater Massimo Dan Tujuan Utama Teater Itu Dibuat

Kunjungan ini memungkinkan Anda untuk menemukan Ruang Pompeian dan Ruang Lambang serta Foyer. Anda dapat mengagumi dan melihat bahwa setiap dekorasi tepat dan konstan adalah pengulangan kolom, jendela, dan lengkungan.

Bangunan ini diatapi oleh kubah hemispherical besar dengan diameter 28,73 meter. Pada proyek awal, aula, termasuk boks dan galeri, mampu menampung hingga 3.000 penonton, kemudian menjadi 1.247 sesuai aturan selanjutnya. Aula berbentuk seperti tapal kuda dan memiliki akustik yang sempurna.

Fitur khusus adalah langit-langit bergerak yang terbuat dari panel kayu berlukisan, yang, dengan bukaan ke atas yang dapat disesuaikan, memungkinkan ventilasi aula. ‘Roda Simbolik’menggambarkan Triumph of Music diciptakan oleh Luigi Di Giovanni dengan desain oleh Rocco Lentini.

Teater San Carlo di Naples

Teater San Carlo di Naples didirikan pada tahun 1737 dan karenanya merupakan gedung opera tertua di dunia. Itu berdiri di sebelah Piazza del Plebiscito, jantung kota Napoli yang berdetak. Raja Charles III dari Bourbon memerintahkan pembangunannya dan diresmikan pada tahun 1737.

Pengerjaan teater megah ini dipercayakan kepada arsitek Giovanni Antonio Medrano. Pada tahun 1809 arsitek Antonio Niccolini melakukan renovasi, pertama-tama mengubah fasad menjadi gaya neoklasik dan memberi teater konotasi khas kuil. Pada tahun 1816 kebakaran menghancurkan teater, hanya menyisakan dinding perimeter utuh.

Hanya dalam waktu sembilan bulan, Antonio Niccolini membangun kembali teater tersebut, yang tetap setia pada desain sebelumnya dengan tata letaknya yang berbentuk tapal kuda, lima tingkat kotak dan sebuah galeri, serta sebuah kotak kerajaan yang besar.

Di tengah langit-langit adalah lukisan Apollo yang menghadirkan penyair terhebat di dunia kepada Minerva, yang dilukis oleh Cammarano bersaudara. Musisi dan konduktor terhebat telah tampil di teater besar ini, yang juga menjadi tuan rumah banyak balet.

Pada tahun 1812, sekolah balet tertua di Italia didirikan di San Carlo. Setelah Perang Dunia Kedua, Teater San Carlo adalah teater pertama di Italia yang dibuka kembali, sekali lagi memegang rekor. Teater San Carlo juga telah dimasukkan oleh Unesco dalam daftar monumen Warisan Dunia.

Setelah Perang Dunia Kedua, Teater San Carlo adalah teater pertama di Italia yang dibuka kembali, sekali lagi memegang rekor. Teater San Carlo juga telah dimasukkan oleh Unesco dalam daftar monumen Warisan Dunia. Setelah Perang Dunia Kedua, Teater San Carlo adalah teater pertama di Italia yang dibuka kembali, sekali lagi memegang rekor. Teater San Carlo juga telah dimasukkan oleh Unesco dalam daftar monumen Warisan Dunia.

Teater Opera di Roma

Teater Opera di Roma mungkin merupakan teater yang mengalami modernisasi terbesar di abad ke-20, terutama pada fasadnya. Domenico Costanzi-lah yang menginginkan teater ini dan ternyata teater itu memakai namanya sampai dibeli oleh Gubernur Roma.

Costanzi mempercayakan pekerjaan itu kepada arsitek Achille Sfondrini, yang membangunnya antara tahun 1874 dan 1880 dengan gaya neo-Renaissance, dengan perhatian besar pada akustik. Itu diresmikan pada 27 November 1980 dengan opera Rossini Semiramide.

Awalnya teater ini memiliki tiga tingkat kotak, amfiteater dan galeri, semua dikelilingi oleh kubah fresco oleh Annibale Brugnoli. Pada tahun 1926 Pemerintah Kota Roma membelinya dan pekerjaan renovasi dipercayakan kepada arsitek Marcello Piacentini, yang menambah tiga tingkat kotak menjadi satu dan memasang lampu kristal yang luar biasa,terbesar di Eropa.

Ketika Republik berkuasa, Piacentini kembali dipercayakan dengan restorasi fasad, khususnya, dalam gaya abad ke-20. Selama bertahun-tahun, Gedung Opera telah memperoleh prestise internasional dengan suksesi pemain terkenal di dunia seperti Caruso, Gigli, Maria Callas, Domingo dan Pavarotti. Saat ini Gedung Opera Roma memiliki kapasitas 1650 kursi.

Venezia: Teater La Fenice

Teater La Fenice berada di Venesia dan telah benar-benar bangkit dari abu beberapa kali. Ini pertama kali diresmikan pada 16 Mei 1972 pada kesempatan Festa della Sensa. La Fenice adalah salah satu teater paling terkenal di dunia karena telah dan masih merupakan tempat pemutaran perdana artis-artis seperti Rossini, Bellini, Verdi, Stravinsky, Kagel, Guarnieri, Perocco.

Seperti disebutkan di atas, teater ini telah mengalami dua kali kebakaran besar, tetapi pada kedua kesempatan itu dibangun kembali dengan lebih indah dari sebelumnya. Teater ini dirancang oleh Gian Antonio Selva, tetapi setelah kebakaran tahun 1836, arsitek Tommaso dan Gian Battista Meduna memulihkannya, mengadaptasi proyek aslinya.

La Fenice mengalami kebakaran bencana lainnya pada tahun 1996,namun sekali lagi dibangun kembali seperti semula dan pada tahun 2003 diresmikan untuk ketiga kalinya secara live di televisi di hadapan Presiden Republik dan dipimpin oleh Maestro Riccardo Muti.

Fasad neoklasik menampilkan pronaos dengan empat kolom Korintus di atasnya yang merupakan langkan. Di relung dipahat Tari dan Musik dan di tengahnya Phoenix. Aula teater berkapasitas 1500 penonton ini dihiasi dengan plesteran, lukisan, dan ukiran emas. Di dalam teater ada pameran permanen yang didedikasikan untuk Maria Callas dan tahun-tahun dia tinggal di Venesia.

Aula teater berkapasitas 1500 penonton ini dihiasi dengan plesteran, lukisan, dan ukiran emas. Di dalam teater ada pameran permanen yang didedikasikan untuk Maria Callas dan tahun-tahun dia tinggal di Venesia.Aula teater berkapasitas 1500 penonton ini dihiasi dengan plesteran, lukisan, dan ukiran emas. Di dalam teater ada pameran permanen yang didedikasikan untuk Maria Callas dan tahun-tahun dia tinggal di Venesia.

Teater Alla Scala di Milan

Alla Scala Theater Milan adalah salah satu yang terbesar dan paling bergengsi di Italia. Itu diresmikan pada 3 Agustus 1778 dengan opera “L’Europa” oleh Antonio Salieri. Itu dibangun atas perintah Permaisuri Maria Theresa dari Austria oleh arsitek neoklasik Giuseppe Piermarini di reruntuhan Teater Ducal dan Gereja Santa Maria alla Scala, dihancurkan untuk pembangunan teater.

Aula berbentuk seperti tapal kuda dan dihiasi dengan dekorasi neoklasik. Untuk memastikan akustik yang lebih baik, lemari besi kayu dipilih, hampir seperti papan suara alami. Di atas proscenium adalah jam yang menunjukkan jam dan menit yang didukung oleh dua sosok wanita di relief. Sejak 1812, dengan Rossini dan banyak nama bergengsi lainnya menyusul, teater Alla Scala telah menjadi rumah melodrama dan kemudian juga balet.

Pada 16 Agustus 1943, serangan bom menghantam Milan, menghancurkan atap, lemari besi, dan area teater lainnya. Rekonstruksi segera diikuti, termasuk pemasangan salinan lampu gantung megah abad ke-19 yang dihancurkan, yang tergantung di lemari besi dan memiliki 383 bola lampu. Saat ini warna yang dominan adalah emas dan gading.

Sebuah sistem kompleks tangga dengan beberapa penerbangan, yang dikenal sebagai “tangga menjepit”, menghubungkan foyer dengan koridor yang mengarah ke kotak. Pada tahun 2000, desain asli Piermarini diperluas oleh arsitek Swiss Mario Botta dan saat ini memiliki 6 tingkat kotak dan galeri dengan 2030 penonton.

Dia juga menambahkan menara panggung yang lebih besar dan insinyur Franco Malgrande membangun mesin panggung yang mampu membawa adegan hingga 4 meter di atas level panggung normal. Sejak tahun 1951,atas perintah direktur artistik saat itu, Victor de Sabata, hari pembukaan La Scala bertepatan dengan 7 Desember, St Ambrogio, santo pelindung Milan.

Sejarah Teater Massimo Dan Tujuan Utama Teater Itu Dibuat
Theater

Sejarah Teater Massimo Dan Tujuan Utama Teater Itu Dibuat

Teater Massimo Palermo

Sejarah Teater Massimo Dan Tujuan Utama Teater Itu Dibuat – Teater Massimo adalah gedung opera dan perusahaan yang terletak di Verdi Square. Ini adalah gedung opera terbesar di Italia dan terbesar ketiga di Eropa.

toscanaspettacolo

Sejarah Teater Massimo Dan Tujuan Utama Teater Itu Dibuat

toscanaspettacolo – Dewan Palermo memprakarsai kompetisi internasional untuk merancang dan membangun gedung opera pada tahun 1864. Idenya adalah untuk mempromosikan status Italia bersatu yang baru. Giovan Basile merancang teater. Setelah dia meninggal pada tahun 1891, pekerjaan itu diambil alih oleh putranya, Ernesto Basile.

Basile adalah penggemar arsitektur Sisilia klasik. Dia menggunakan tema neoklasik yang dipinjam dari kuil Yunani kuno di Agrigento. Dia juga menggunakan gaya Renaisans akhir. Auditorium menampung hampir 1.400 orang. Ini memiliki tujuh tingkat kotak tempat duduk. Panggung miring dan tempat duduk naik dari panggung dalam bentuk tapal kuda umum.

Pada tahun 1974 teater ditutup untuk renovasi. Biaya, korupsi dan politik membuatnya tertutup selama 23 tahun. Musim opera dibuka lagi pada tahun 1998. Korupsi dan politik terus mengganggu fungsi rumah tetapi manajemen baru berjanji untuk menjaganya tetap pada jalurnya.

Ruang mewah untuk opera dan drama, Teatro Massimo adalah teater cantik dengan beberapa kejutan di dalamnya. Secara resmi didedikasikan untuk Vittorio Emanuele, raja pertama Italia namanya Teatro Massimo Vittorio Emmanuele itu hanya disebut sebagai Massimo. Dan massimo (atau terbaik) itu! Tempat ini terkenal dengan akustiknya yang sempurna, membuat pertunjukan di sini menjadi pengalaman yang benar-benar spektakuler dan tak terlupakan.

Baca Juga : Sejarah Teater Italia Yang Sudah Banyak Transformasi Didalamnya

Teater dibuka pada Mei 1897, setelah 20 tahun pembangunan dan pertengkaran. Auditorium adalah kotak perhiasan berbentuk tapal kuda yang mewah, disepuh dan dilapisi beludru merah, dengan enam tingkat kotak ditambah tempat duduk lantai galeri. Langit-langit seperti kubah berisi 11 segmen yang dicat, digariskan dengan cetakan berlapis emas, yang menggambarkan The Triumph of Music, dilukis oleh Luigi di Giovanni.

Sejarah teater

Simbol keindahan dan keagungan Palermo, dibangun pada tahun 1875 oleh arsitektur palermitan Giovan Battista Filippo Basile dalam gaya neoklasik. Pekerjaan pembangunan Teater Massimo Vittorio Emanuele dimulai pada tahun 1875 , dengan proyek yang tidak diragukan lagi, mengingat tujuannya adalah untuk menyumbangkan ke kota Palermo salah satu teater paling megah di Italia, sedemikian rupa sehingga berita peresmian memiliki eksposur media yang besar melalui surat kabar saat itu.

Di tempat yang sama di mana Teater Massimo Vittorio Emanuele berada hari ini, ada bangunan lain, seperti Gereja Stigmata dan Biara San Giuliano , yang sebagian besar ditembak jatuh hanya untuk memberi ruang baginya. Pertunjukan pertama berlangsung pada tahun 1903 , dengan representasi Barberino yang luar biasa oleh Gino Marinuzzi, memulai serangkaian pameran di mana keunggulan terbesar dari perusahaan Opera Italia .

Arsitektur Teater Massimo Vittorio Emanuele di Palermo

Sudah dari luar dimungkinkan untuk mengagumi satu karya arsitektur skenografis dengan nilai artistik yang tidak diragukan, karena dapat menemukan gaya berbeda yang sudah bercampur di fasadnya. Yang paling menonjol adalah kubah yang menghadap ke bangunan, terdiri dari struktur logam yang ditempatkan pada serangkaian rol yang memungkinkan perpindahan kecil. Interior Teater Massimo Vittorio Emanuele dicirikan oleh simetri yang sempurna, dengan figur geometris yang diulang baik dalam struktur maupun dalam dekorasi di dinding dan atap. Gaya yang paling mencirikan interior struktur yang indah ini adalah Liberty the Art Nouveau, dibuat dari sebuah proyek oleh arsitekErnesto Basile, salah satu eksponen utama gaya arsitektur ini.

Aula utama Teater Massimo Vittorio Emanuele dicirikan oleh lukisan – lukisan skenografis dan dengan bentuk tapal kuda yang khas. Langit-langit terdiri dari jenis panel bergerak tertentu, yang membentuk bukaan ke arah luar yang mendukung ventilasi, tanpa mempengaruhi akustik sedikit pun.

Sejarah Teater Italia Yang Sudah Banyak Transformasi Didalamnya
Theater

Sejarah Teater Italia Yang Sudah Banyak Transformasi Didalamnya

Sejarah Teater Italia Yang Sudah Banyak Transformasi Didalamnya – Italia adalah negara 1.000 kilometer. Ini adalah jarak yang memisahkan teater kota di kota dwibahasa Bolzano dari teater Yunani Syracuse, di selatan Sisilia, yang paling indah di Magna Graeci .

toscanaspettacolo

Sejarah Teater Italia Yang Sudah Banyak Transformasi Didalamnya

toscanaspettacolo – Tetapi Italia juga merupakan negara dengan 1.000 bahasa. Sejarah Italia berarti bahwa setiap wilayah, bahkan setiap kota, mengembangkan cara bicaranya sendiri. Hanya televisi, sejak 1950-an dan seterusnya, yang berhasil memperkuat bahasa lisan yang umum, standar nasional. Tetapi dialek dan bahasa lokal bertahan di mana-mana dan dipraktikkan dengan cepat.

Jadi, tidak mengherankan bahwa Italia juga dapat mengandalkan 1.000 teater yang berbeda dan 1.000 cara berteater yang berbeda dan terus berkembang. Jauh dari sebuah sistem, adegan Italia adalah aglomerasi di mana peristiwa sejarah, variasi bahasa, tempat penciptaan, ketentuan legislatif kecil dan besar, dan seniman terkemuka mengguncang teater dan penonton mereka dalam kekacauan animasi. Tidak selalu mudah untuk menganalisis fisiognomi adegan teater ini atau mengamati aliran internalnya.

Cakrawala di mana makalah ini akan disebarkan pendek; kurang dari sepuluh tahun. Dalam periode terbatas seperti itu, kekuatan transformasi mungkin tampak cepat dan mengejutkan, tetapi kemungkinan besar mereka akan terbukti kurang tajam pada waktunya. Makalah ini akan memberikan penjelasan tentang apa yang terjadi di musim-musim terakhir, tetapi juga perlu merujuk pada fenomena jangka panjang. Tindakan komponen ekonomi, yuridis (perundang-undangan) dan sosiologis (meningkatkan segmentasi penonton) turut menentukan transformasi bahasa artistik dan hanya dapat diapresiasi dalam jangka waktu yang lebih lama. Hanya analisis jangka panjang seperti itu yang dapat memperhitungkan adaptasi seniman dan publik terhadap inovasi. [1]

Dari Negara Bagian ke Teater

Titik awal kami bukanlah acara artistik, tetapi tindakan legislatif. Ditandatangani pada 1 Juli 2014, dan kemudian diterbitkan di Gazzetta Ufficiale (jurnal resmi Republik Italia), sebuah dekrit utama memberikan bentuk baru pada kriteria penugasan FUS ( Fondo Unico per lo Spettacolo , sumber ekonomi utama dengan mana Negara Italia mendukung teater, musik, tari, kegiatan sirkus, dan pertunjukan keliling).

Baca Juga : Genoa Menjadi Ikon Kota Teater di Italia

Ini adalah tindakan institusional dan legislatif, tetapi dengan konsekuensi artistik juga. Faktanya:

  • memberikan aturan yang langgeng untuk kegiatan teater, yang di Italia tidak pernah memiliki kerangka hukum ( legge-quadro ) tetapi hanya tindakan sementara ( circolari ), dan
    berdasarkan algoritma matematika (banyak dibahas, untuk mengatakan yang sebenarnya), ia menciptakan kriteria baru, kualitatif dan kuantitatif, dalam pembiayaan komparatif yang disediakan administrasi publik untuk teater tunggal: kriteria tersebut berlaku sejak 1985 (tahun kelahiran dari FUS; lebih dari 30 tahun yang lalu) dan berdasarkan kebijaksanaan artistik komisi.
  • Dengan cara ini, dekrit 1 Juli 2014 cenderung mengarahkan dan mempengaruhi model baru penciptaan, produksi dan distribusi, mengingat fakta penting bahwa kegiatan teater Italia (bahkan yang disebut “teater independen”) bergantung pada FUS dan/ atau alokasi publik paralel lainnya dari pemerintah daerah, yang dimodelkan pada kriteria FUS.

Keputusan tersebut diterapkan dalam periode tiga tahun 2015–17, dan saat ini berlaku untuk periode tiga tahun 2018–20. Tidak sulit untuk membayangkan bagaimana beberapa tekadnya (penekanan pada pertunjukan multidisiplin, dukungan untuk seniman di bawah 35 tahun, aturan baru untuk teater nasional dan untuk kepentingan budaya yang relevan, perhatian pada pengembangan penonton dan pendidikan pemain muda) adalah kekuatan pendorong untuk pilihan yang dibuat oleh perusahaan dan teater.

Baru pada tahun 2020, pada akhir periode tiga tahun kedua, akan mungkin untuk memahami apakah dekrit tersebut memberikan karakter sistemik pada fluiditas adegan teater Italia. Namun, jelas bahwa kekuatan lain bekerja pada saat yang sama; kekuatan yang sangat artistik dan memiliki energi yang terakumulasi dari waktu ke waktu.

Evolusi Arah Panggung

Akhir abad kedua puluh ditandai di teater Italia dengan model regìa kritika (arah kritis). Sutradara seperti Giorgio Strehler (1921–97), Luca Ronconi (1933–2015) dan Massimo Castri (1943-2013) mendefinisikan model pementasan khas Italia. The regista criticotidak hanya menjadi penjamin terakhir dari berbagai komponen yang terlibat dalam pembangunan sebuah pertunjukan. Sutradara-sutradara ini juga berperan sebagai dramaturg (mereka menerapkan diri mereka pada aplikasi teks yang dramatis), pendidik (untuk para aktor) dan manajer artistik (mereka mengarahkan teater-teater nasional yang paling penting, program-program yang mereka bentuk dengan pilihan mereka) . Bahkan, mereka juga menjadi semacam rekan penulis, bersama dengan penulis naskah, dari karya yang dihasilkan. Kadang-kadang mereka naik di atas penulis dalam visibilitas.

Inilah yang terjadi dalam beberapa karya terakhir Luca Ronconi, sebelum kematiannya, La kesederhanaan ( Modesty , 2011) dan Il panico ( Panic , 2013), di mana kepribadian sutradara lebih menarik perhatian publik daripada dramawan Argentina Rafael Spregelburd (yang saat itu belum begitu terkenal di Italia). Saat ini, model regìa kritika kurang meresap, tetapi karisma artistik Ronconi dan minatnya pada teks non-dramatis (novel, esai ilmiah dan ekonomi) telah meninggalkan bekas yang mendalam bagi mereka yang mewarisi warisannya.

Mario Martone dan Antonio Latella adalah dua direktur yang bekerja hari ini dalam nada ini; meskipun ini dimodulasi, dalam kasus Martone, oleh banyak pengalaman paralel di bidang sinema dan opera. Martone mengarahkan teater permanen publik di Roma dan Turin. Dia membedakan dirinya dengan menghadirkan produksi berdasarkan judul non-kanonik, seperti karya berdasarkan tulisan filosofis penyair abad kesembilan belas Giacomo Leopardi ( Operette morali , 2011), dan dengan menggelar rekreasi sastra radikal, seperti Carmen yang sangat populer ( produksi 2015, setelah novel pendek Prosper Mérimée, tetapi seluruhnya berlatar Napoli setelah Perang Dunia Kedua).

Latella telah menyutradarai Bagian teater Venice Biennale sejak 2017 dan telah menerima banyak pujian dengan karyanya mengkode ulang film-film kultus, dari Gone with the Wind ( Francamente me ne infischio , 2011) hingga Die Sehnsucht von Veronika Voss ( Ti regalo la mia morte, Veronika, 2015) atau novel yang sangat populer untuk anak-anak ( Pinocchio, 2017).

Di sebelah mereka, perlu disebutkan juga direktur generasi sebelumnya, seperti Giorgio Barberio Corsetti (yang diangkat sebagai direktur artistik Teatro di Roma permanen pada 2019), Federico Tiezzi dan Cesare Lievi . Kami juga harus mencatat sutradara lain dari generasi yang sama dengan Martone dan Latella, seperti: Valerio Binasco (sekarang kepala Teater Turin), Arturo Cirillo, dan, sebagai bagian dari penegasan progresif sutradara perempuan dalam teater Italia, seperti tokoh sebagai Cristina Pezzoli, Veronica Cruciani dan Serena Sinigaglia.

Ada tokoh lain yang hari ini menerima label sutradara di Italia. Namun, modus operandi mereka agak berbeda dari yang dijelaskan di atas. Romeo Castellucci, Emma Dante dan Pippo Delbono tidak cenderung menampilkan teks yang masih ada; melainkan, mereka berkonsentrasi pada penciptaan dramaturgi yang sangat individual dan orisinal.

Pippo Delbono yang selama ini sering berurusan dengan masalah marjinalitas sosialnya sendiri , baru-baru ini mengangkat hubungannya dengan iman Katolik. Dalam karya terbarunya La gioia ( Joy , 2018), penyakit depresinya sendiri adalah kekuatan pendorong artistik. Karya ini mencapai hubungan emosional yang kuat dengan penonton.

Romeo Castellucci membangun skenografi dramatis yang halus, hampir padanan teatrikal dari seni konseptual, di mana aksinya sering diatur dalam lanskap mimpi buruk. Karya-karya seperti itu cenderung sangat mengganggu pemirsa. Produksinya antara lain Sul concetto di volto nel figlio di Dio.

Emma Dante bekerja terutama dengan ansambel pemain yang dipilih dengan cermat. Dari karya improvisasi kelompok-kelompok inilah pertunjukannya menarik kekuatan mereka. Bestie di scena ( Stage Beasts , 2017) dan Eracle baru-baru ini (2018) ditingkatkan oleh iklim Mediterania, yang mencerminkan kemampuannya untuk membaca tanah asalnya sendiri, Sisilia, terutama Palermo.

Dengan karya-karya mereka, yang lebih didasarkan pada prosedur pemandangan daripada ekspresi verbal, Delbono, Castellucci dan Dante adalah nama-nama Italia yang paling dikenal secara internasional saat ini. Mereka juga sangat dihargai sebagai sutradara opera.

Penyutradaraan: Tren Terbaru

Dengan percepatan tren ini, perbedaan antara sutradara, penulis, dan pemain mulai semakin berkurang. Seniman yang tampil memadukan fungsi berbeda ini antara lain Roberto Latini dan Licia Lanera.

Dalam lima tahun terakhir, harmoni yang intens telah diciptakan antara penonton muda dan solusi pop dari duo Stefano Ricci dan Gianni Forte (alias Ricci/Forte), berkat pertunjukan di mana soundtrack menjadi benang dramaturgi.

Kita juga harus mencatat karya regeneratif yang dilakukan pada mahakarya dunia oleh Massimiliano Civica ( Alcestis karya Euripides , 2014), Alessandro Serra ( Macbeth karya Shakespeare , 2017) dan Leonardo Lidi ( Hantu Ibsen , 2018), yang menjadi dasar bagi teater baru yang benar-benar kontemporer. bekerja.

Evolusi Akting di Panggung

Selama abad kedua puluh, tradisi grande attore Italia mempertahankan peran utamanya di atas panggung. Dalam beberapa tahun terakhir, beberapa aktor tua telah mengkonsolidasikan tradisi ini, menjadi diri mereka sendiri di pusat daya tarik. Yang paling menonjol adalah aktor pria Umberto Orsini dan Carlo Cecchi, dan aktor wanita Giulia Lazzarini dan Anna Maria Guarnieri. Masing-masing aktor ini berusia lebih dari 80 tahun. Namun, daya tarik mereka masih sangat kuat. Gabriele Laviahas menggabungkan neurosisnya sebagai aktor dengan budaya luas sebagai sutradara dan suka turun ke karakter Krisis Besar antara abad kesembilan belas dan kedua puluh. Alessandro Gassmanjuga beroperasi antara akting dan penyutradaraan. Selain itu, Massimo De Francovich, Isa Danieli dan Piera Degli Esposti dihargai karena kualitas interpretasi mereka.

Ada aktor-aktor muda, berusia lima puluhan atau enam puluhan, yang sudah bisa membagi aktivitasnya antara teater, bioskop, dan televisi. Memang, satu media sering mampu menerangi yang lain dalam karir mereka. Ini termasuk Luca Zingaretti, Alessandro Haber, Ottavia Piccolo, Anna Bonaiuto, Angela Finocchiaro, Giuseppe Battiston, Paolo Pierobon dan Lino Guanciale yang lebih muda.

Sebaliknya, penerjemah lain lebih suka memfokuskan karir mereka hampir secara eksklusif pada teater, mencapai hasil yang sangat berkualitas tinggi. Ini adalah kasus Massimo Popolizio dan Maria Paiato. Tekad, kebijaksanaan dan ambiguitas adalah ciri-ciri yang masing-masing mendefinisikan karya aktris Maddalena Crippa, Sonia Bergamasco dan Silvia Calderoni.

Akting: Tren Terbaru dan Angka Luar Biasa

Untuk alasan yang sama yang ditunjukkan dalam 2.2., banyak seniman dengan keterampilan kinerja yang kuat memilih untuk membuat jalur penulisan mereka sendiri. Gaya ekspresionis yang kuat, terkait dengan tempat asalnya (pinggiran kota Napoli) dan vitalitas tubuhnya sendiri, membuat Mimmo Borrelli menjadi terkenal. His La Cupa (2018) adalah kisah kekerasan yang mencakup lagu, mitos, dan penistaan.

Marta Cuscunà mendasarkan kreasinya pada pertarungan politik gender dan perlawanan perempuan. Karyanya menggunakan teknik animatronik (boneka animasi mekanis, bukan alat peraga panggung digital atau elektronik). Dengan Sorry, Boys (2016) dan Il canto della caduta, dia telah mencapai hasil yang diakui secara kritis.

Aktor Italia sering menjadi korban kebiasaan over-acting. Di antara mereka yang baru-baru ini memantapkan diri, suatu bentuk décalage interpretatif berhasil menghilangkan kecurigaan “akting” yang sadar diri. Daria Deflorian dan Antonio Tagliarini mengutamakan kedekatan dialog dan suara, disertai dengan pembongkaran linearitas tekstual, juga berdasarkan cakrawala penulisan baru ( Ce ne andiamo per non darvi altre preoccupazioni / Kami pergi, menghindari Anda lebih lanjut Kekhawatiran , 2013) dan Il cielo non fonddale / The Sky is not a Backdrop , 2016). Deflorian dan Tagliarini baru saja memenangkan Penghargaan Riccione untuk inovasi dramaturgi (lihat juga 5).

Kecenderungan yang sama hadir dalam teks-teks yang ditulis untuk dirinya sendiri oleh Oscar De Summa. Bahasa populer sehari-hari, dengan klise dan vulgarnya, telah menjadi ciri khas karya Babilonia Teatri (mulai dari Made in Italy, 2007, hingga Calcinculo / Kicks in the Ass , 2018 yang lebih baru).

Evolusi Format Produksi

Terlepas dari basis sutradara dan aktor yang besar ini, teater menempati tempat yang semakin tidak penting dalam sistem budaya dan hiburan Italia. Persaingan kreasi yang direproduksi dan digital tetap tak terkalahkan. Salah satu jawaban atas krisis ini, dan terhadap berkurangnya dana yang tersedia untuk produksi karya teater, adalah munculnya monodrama.

Di Italia, fenomena ini sering dikaitkan dengan tumbuhnya minat pada teater komitmen sipil, yang bertujuan untuk menganalisis sejarah terkini, seringkali dalam bentuk penyelidikan jurnalistik. Jenis teater ini, sama sekali berbeda dari karya-karya para komedian stand-up, terutama mengeksploitasi bentuk-bentuk non-dramatis. Ini dimulai pada tahun 1990-an dengan seniman yang dapat kita anggap sebagai pendiri teatro civile ini : Marco Paolini, Marco Baliani, Laura Curino dan Ascanio Celestini. Genre ini telah diperkaya oleh pemain lain, yang saat ini adalah penyanyi bermasalah Italia kontemporer; pembuat teater seperti: Davide Enia, Giuliana Musso dan Mario Perrotta. Seniman seperti itu sering mengolah berbagai macam bahasa yang menjadi ciri khas Italia. Saverio La Ruina, misalnya, adalah juru bicara teater Selatan.

Tanggapan terbalik terhadap penyebaran pertunjukan solo ini adalah pertumbuhan perusahaan muda profesional. Pada 1970-an, teater Italia mengalami periode penemuan kolektif yang hebat. Beberapa kelompok sejarah dari periode itu tetap aktif. Ini termasuk Teatro dell’Elfo dan Le Albe (perusahaan yang didirikan oleh Marco Martinelli dan Ermanna Montanari), yang kemudian ditambahkan pertunjukan transgresif Motus.

Selain perusahaan-perusahaan ini, dekade terakhir telah terlihat munculnya perusahaan-perusahaan muda, yang lahir dari pengalaman pelatihan umum, biasanya di akademi dan sekolah teater, terkadang juga di pusat-pusat sosial dan ruang-ruang yang ditempati oleh gerakan-gerakan politik-budaya yang agresif. Produksi penting oleh salah satu perusahaan ini adalah Virgilio brucia dan Socrate il sopravvissuto, di mana perusahaan Anagoor, menjelajahi cinta mereka untuk dunia kuno, membuka cakrawala aneh pertukaran antara budaya klasik dan kontemporer, keahlian dan teknologi.

Hal Penting Dan Sejarah Sebelum Kalian Mengunjungi Massimo Theater di Italia
Theater

Hal Penting Dan Sejarah Sebelum Kalian Mengunjungi Massimo Theater di Italia

Hal Penting Dan Sejarah Sebelum Kalian Mengunjungi Massimo Theater di Italia – Artikel ini dimaksudkan untuk mengajari Anda semua tentang teater opera terbesar ketiga di seluruh Eropa, Teatro Massimo. Situs ini tidak boleh dilewatkan saat Anda berkunjung ke Palermo.

toscanaspettacolo

Hal Penting Dan Sejarah Sebelum Kalian Mengunjungi Massimo Theater di Italia

toscanaspettacolo – Hari ini adalah pelajaran tentang salah satu simbol Sisilia, Teatro Massimo . Struktur yang indah ini tidak seperti gedung opera mana pun yang mungkin Anda lihat, karena ini adalah yang terbesar di Italia dan salah satu yang terbesar di seluruh Eropa . (Hanya 2 yang lebih besar adalah Opera National de Paris dan KK Hof-Opernhaus di Austria).

Teater ini telah menjadi tuan rumah beberapa penyanyi dan pemain paling produktif yang pernah dilihat dunia, termasuk Luciano Pavarotti , yang merupakan salah satu penyanyi tenor paling terkenal yang pernah menghiasi panggung opera. Saya ingat melihatnya di tahun 60-an Butterfly bernyanyi di teater ini, juga penampilan yang tak terlupakan dari ” Rigoletto ” yang dipimpin oleh maestro ikonik Tullio Serafin.

Jika kebetulan Anda tidak tahu siapa Pavarotti, Anda harus menoleh ke arah Surga dan meminta pengampunan kepada Tuhan, karena ini hampir merupakan dosa yang tidak dapat diampuni. Namun, Anda dapat menebus diri Anda sendiri dengan membaca seluruh bagian tentang teater Massimo ini dan juga memeriksanya sendiri secara langsung.

Tapi itu semua waktu kita akan mengambil subjek itu. Sekarang, Anda perlu mengetahui beberapa hal tentang Teatro Massimo sebelum berkunjung.

Baca Juga : Sejarah Gedung Opera Garnier Teater Yang Menjadi Tempat Romantis Paris

Pelajaran Sejarah Singkat

Belajar sedikit tentang sejarah itu penting disini, jadi jangan merengek karena mungkin akan sedikit bertele-tele. Ada sedikit hal bagus yang harus Anda ketahui sebelumnya untuk mendapatkan hasil maksimal dari pengalaman Anda.

Struktur ini dibangun kembali pada akhir abad ke-19 dan dirancang oleh Giovan Battista Basile , tetapi ia tidak dapat menyelesaikannya di masa hidupnya. Pembangunannya diselesaikan oleh putranya, Ernesto Basile , yang berdiri sebagai salah satu pelopor Art Nouveau warisan Italia .

Gayanya yang unik membuatnya terkenal di seluruh dunia, karena terinspirasi oleh kuil-kuil Yunani dan seni klasik . Struktur besar selalu berusaha untuk menjadi salah satu yang terbesar di seluruh Eropa, tetapi interiornya yang didekorasi dengan ahli dan eksterior yang mendetail menjadikannya salah satu kuil musik Italia terbesar.

Namun, Ernesto Basile tidak dapat menyelesaikan proyek itu sendirian. Dia meminta bantuan pelukis terkenal seperti Ducrot (wainscoting) dan Ettore De Maria Bergler (lukisan). Bangunan itu sendiri adalah ekspresi hebat Neo-klasisisme di abad ke-19, yang merupakan kontras dari gaya Barok yang absolut.

Gaya abad ke-19 dapat dengan mudah dilihat di seluruh bagian luar bangunan, karena dekorasinya secara langsung menunjukkan fokus pada monumen antik melalui berbagai motif Pompeian yang dinamai oleh ornamen Yunani Klasik.

Palermo, saat ini dalam sejarah, dipandu dan disusun berdasarkan nasib keluarga Florio. Palermo adalah ibu kota resmi kerajaan Florio dan diyakini bahwa gedung opera ini dibangun sebagai sarana hiburan bagi keluarga dan penduduk setempat, tetapi juga tempat bagi keluarga Florio untuk mendiskusikan bisnis dan politik.

Teatro Massimo diresmikan pada tahun 1897 dengan opera Falstaff oleh Giuseppe Verdi , dan saat ini memantapkan dirinya sebagai teater Italia yang paling penting dalam hal kualitas dan kuantitas opera yang akan menghiasi panggungnya.

Bagi yang penasaran (versi film) tentang mafia, auditorium Teatro Massimo ini digunakan untuk beberapa adegan dalam The Godfather – Part III yang dibintangi oleh Al Pacino, Andy Garcia dan Sofia Coppola dan disutradarai oleh Francis Ford Coppola.

Mengunjungi Teater

Anda mungkin tidak ingin mendengar ini, tetapi satu-satunya cara Anda bahkan dapat melihat ke dalam Teatro Massimo , kecuali jika Anda berada di sana untuk melihat pertunjukan atau produksi, adalah dengan tur berpemandu . Anda tidak bisa begitu saja membayar biaya masuk dan berkeliaran dengan bebas di seluruh gedung.

Anda akan menemukan bahwa kunjungan berpemandu ini tersedia dalam bahasa Italia dan Inggris, dan untuk beberapa alasan, tur Italia lebih sering dilakukan. Kira – kira setiap 50 menit atau lebih, tur berbahasa Inggris baru dimulai, dan ada sekitar tujuh tur sepanjang hari mulai pukul 9:30 pagi dan berakhir pukul 6 sore hari Selasa sampai Minggu .

Panduan ini pada dasarnya akan merinci informasi yang sama yang saya berikan kepada Anda di artikel ini, jadi jika Anda tidak memiliki sarana untuk menyinkronkan jadwal Anda dengan tur berbahasa Inggris , Anda dapat mencetak artikel ini dan mengikuti tur Italia dan dapatkan pengalaman serupa.

Setelah Anda sampai di gerbang, Anda belok kiri dan menuju ke kantor tiket. Tiket untuk tur berpemandu hanya 8€ , dan masing-masing berlangsung sekitar 30 menit. Sementara saya pikir mereka bisa sedikit lebih murah hati dengan waktu, saya tidak membuat aturan jadi kita harus berurusan dengan siapa pun yang melakukannya.

Serambi

Kunjungan ke teater ini dimulai di serambi gedung yang berbentuk persegi panjang dengan ukuran 11,75 meter kali 31,7 meter. Secara keseluruhan, bangunan ini memiliki luas 7.730 meter persegi, dan memiliki hampir 1.400 kursi.

Di bagian bangunan ini, Anda akan melihat model skala Teatro Massimo yang dibuat dengan indah dan juga patung karya Salvatore Valenti . Anda juga akan melihat dua tempat lilin perunggu yang dihias dengan putti yang anggun dan juga patung perunggu Filippo Basile oleh pematung terkenal Antonio Ugo. Ruangan ini dibalut dengan warna merah yang tenang, juga disebut “ ottobrino ”, yang secara kasar diterjemahkan ke bulan Oktober karena kemiripannya dengan dedaunan musim gugur. Ada lemari di dalam dengan dua pintu samping yang mengarah ke Ruang Kopi struktur.

Setelah Anda mengambil semua gambar yang Anda minati di area ini, pemandu akan membawa Anda ke Auditorium dan Royal Box.

Auditorium dan Royal Box

Turis yang beruntung dapat menyaksikan seniman melatih kerajinan mereka di atas panggung, tetapi jika tidak, Anda setidaknya dapat menikmati kemegahan auditorium. Bertahun-tahun yang lalu, ruangan ini dirancang untuk menampung hingga 3.000 penonton tetapi hari ini, peraturan telah membatasi ini hanya di bawah 1.400 (tepatnya 1.381).

Auditorium ini paling dikenal dengan akustiknya yang luar biasa, karena memiliki bentuk tapal kuda yang berbeda pada kemiringan 4% yang kontras dengan kemiringan panggung yaitu 6,5%. Ada lima lantai kotak dan galeri. Ruangan itu disusul oleh “Roda Simbolik” yang membentuk langit-langit ruangan. Ini dirancang menyerupai bunga dengan sebelas kelopak, yang masing-masing merupakan bagian dari sistem pendingin yang awalnya dipasang dengan konstruksi teater, karena masing-masing dapat dibuka secara terpisah untuk memungkinkan udara panas keluar.

Di antara pusat kotak tingkat kedua adalah kotak Royal. Ini memiliki total 27 kursi dan serambi pribadi yang dikenal sebagai ruang duduk Kerajaan. Sementara kita tidak lagi memiliki raja yang gagah berani untuk mengisi kursi ini, kursi tersebut sekarang disediakan untuk anggota DPRD dan Walikota Palermo.

Orang “normal” juga dapat duduk di kursi ini, yang harganya sama dengan kursi di lingkaran parket, tetapi Anda harus memesan jauh sebelumnya karena ini adalah kursi yang paling dicari di seluruh teater.

Mendapatkan tiket pertunjukan di sini berkisar dari € 20 hingga € 100 tergantung di mana Anda ingin duduk.

Sedangkan untuk Ruang Duduk Kerajaan, area ini hampir seluruhnya dilapisi kayu mahoni yang cantik dan dilengkapi dengan sofa dan kursi nyaman yang dihiasi dengan brokat merah. Di tengah ruangan ada lampu gantung Murano dan total 9 cermin ditempatkan di dinding di sekitar ruangan. Pintu masuk adalah lambang Casa Savoia (House of Savoy [Casa Sovoia] adalah keluarga kerajaan Italia), yang merupakan salib putih di bidang merah. Desain kamar ini semata-mata dikreditkan ke Ernesto Basile. Tur Anda kemudian membawa Anda ke Pompeian Hall.

Aula Pompeian

Kamar unik ini berbentuk lingkaran dan pada awalnya diyakini sebagai ruang merokok dan area khusus untuk kaum bangsawan . Ini juga secara informal dikenal sebagai Ruang Gema karena akustiknya yang luar biasa, memungkinkan suara semakin meningkat saat Anda berada di dekat bagian tengah ruangan.

Ruangan itu dimaksudkan untuk pria untuk mendiskusikan bisnis, dan gema di ruangan itu sempurna untuk pengaturan ini karena suara lain akan bercampur aduk, menyebabkan Anda hanya mendengar percakapan yang Anda ikuti. Ini memberikan privasi, namun desain ruangan ruangan memungkinkan Anda untuk berbicara dengan semua orang sekaligus jika Anda berdiri di tengah.

Pemandu wisata akan mendorong Anda untuk bermain dengan akustik ruangan dari tengah, jadi bersenang-senanglah dan jangan terlalu malu untuk mencobanya sendiri.

Ruang paduan suara

Ini adalah perhentian terakhir tur di seluruh gedung. Ini memiliki tampilan salon dari pesta abad ke-19, dicat di dinding fresco dan jendela besar yang menghadap ke pusat kota Palermo.

Meskipun kelihatannya mengecilkan hati, tidak ada seorang pun yang diizinkan masuk ke ruang paduan suara kecuali para penari yang berlatih dan tampil di sana. Lantai tidak boleh rusak. Sebaliknya, satu per satu, Anda diperbolehkan di ambang pintu untuk mengambil gambar dan melihat keindahannya. Sayangnya, ini bisa ditutup jika penari sedang berlatih , dan tidak banyak yang bisa dilakukan tentang itu.

Meskipun saya telah mencoba memberi Anda semua informasi terkait yang Anda perlukan tentang Teatro Massimo, Anda mungkin masih memiliki pertanyaan atau kekhawatiran sebelum kunjungan Anda. Jika ya, luangkan waktu sebentar dan berikan komentar di bawah agar saya dapat membantu Anda.

Sejarah Gedung Opera Garnier Teater Yang Menjadi Tempat Romantis Paris
Theater

Sejarah Gedung Opera Garnier Teater Yang Menjadi Tempat Romantis Paris

Sejarah Gedung Opera Garnier Teater Yang Menjadi Tempat Romantis Paris – Opera Garnier adalah struktur yang luar biasa bahkan dari kejauhan. Pada tahun 1860, Napoleon III mengadakan kompetisi untuk membangun Opera House di Paris dan arsitek muda Jean Louis Charles Garnier, yang saat itu berusia 35 tahun, memenangkan kompetisi tersebut. Sebuah proyek besar terjadi dan setelah 15 tahun bangunan yang indah dan menarik ini dibuat. Dalam gaya era Napoleon III, tidak ada satu ruangan pun yang dibiarkan tanpa hiasan.

toscanaspettacolo

Sejarah Gedung Opera Garnier Teater Yang Menjadi Tempat Romantis Paris

toscanaspettacolo – Karena Charles Garnier telah belajar secara intensif di Roma dan melakukan perjalanan secara ekstensif ke seluruh Eropa, ia bermaksud untuk menggabungkan banyak gaya arsitektur yang berbeda dalam satu bangunan. Beberapa ahli menyebut bangunan ini “kue pengantin besar” karena bentuk dan gayanya yang unik. Opera Garnier juga dianggap sebagai salah satu dari 5 gedung opera terbaik di dunia.

Opera Garnier: Konstruksi

Untuk sepenuhnya memenuhi preferensi dan persyaratan Presiden Republik Prancis, kompetisi antar arsitek diadakan untuk menemukan desain terbaik dari istana baru. Perhatikan bahwa gedung opera dan balet masa depan akan menjadi teater ketiga belas berturut-turut di Paris. Secara mengejutkan Charles Garnier memenangkan kompetisi ini di mana para profesional terbaik berpartisipasi. Arsitek yang belum mapan itu baru berusia 35 tahun saat itu.

Seperti yang dikatakan, batu pertama untuk pembangunan gedung itu diletakkan pada tahun 1860. Dokumen itu berisi fakta yang agak menarik, di mana dikatakan bahwa istri Napoleon III tertarik pada pembangunan istana. Dia, merasa sangat tertarik, pernah bertanya kepada suaminya: “Dengan gaya apa bangunan itu harus dibangun: Yunani atau Romawi?” Untuk pertanyaan ini, ia menerima jawaban yang agak mengejutkan: “Gedung baru untuk opera dan balet, Bu, akan dibangun dengan gaya baru, dengan cara Napoleon III!”

Rencananya, seperti biasa, muluk-muluk. Namun, pembangunan Opéra Garnier memakan waktu 15 tahun! Alasan pertama untuk konstruksi yang begitu panjang adalah kekhasan tanah, dalam komposisinya terlihat seperti rawa yang tebal.

Baca Juga : Theater Terbesar Broadway Dibuka Kembali

Charles Garnier, terlepas dari usianya, ternyata adalah orang yang sangat pemarah dan tidak sabaran. Karena kegagalan berulang dalam meletakkan fondasi, ia berulang kali memutuskan untuk berhenti mengerjakan proyeknya. Ketika rawa dikeringkan, arsitek menghadapi masalah lain – ternyata ada danau bawah tanah besar di lokasi konstruksi. Dan bahkan kemudian, pekerjaan tidak berhenti: selama delapan bulan, sebuah pompa raksasa memompa air sampai kapasitas danau memungkinkan, bahkan sebelum pekerjaan dimulai.

Tampaknya semua masalah telah dikesampingkan ketika perang Prancis-Prusia pecah, di mana semua uang dari anggaran kota digunakan untuk tentara. Selain itu, tak lama setelah perang berakhir, Kekaisaran runtuh dan Komune Prancis muncul sebagai gantinya. Kaum revolusioner tidak punya waktu untuk seni yang hebat: oleh karena itu konstruksi jarang dilakukan, dan Garnier lebih dari satu kali mendengar bahwa pembangunan istana akan dihentikan sama sekali.

Tidak dapat dibayangkan bahwa emosi arsitek melonjak selama masa-masa sulit ini, yang meletakkan dasar untuk prestasi dan merevolusi arsitektur dan konstruksi pada waktu itu. Berkat pemeliharaan bangunan dari atas, di tanggal 29 Oktober tahun 1873, para ahli serta tim konstruksi mendapatkan perintah yang tak terduga: agar menyelesaikan pembangunan istana secepat mungkin.

Penyebab curah hujan yang tinggi menyebabkan kebakaran dan menghancurkan bangunan Opera Paris, yang menjadi tuan rumah pertunjukan paling penting. Juga, di Prancis, seperti di seluruh Eropa, ada mode yang disebut balet romantis.

Pada bulan Desember 1874, Charles Garnier melaporkan bahwa opera baru dan teater balet di Paris hampir selesai. Hanya satu ruang merokok dan beberapa bangunan luar yang tersisa. Omong-omong, ruang merokok tidak pernah berakhir; Hari ini, itu tidak lagi ditemukan di gedung opera Paris Garnier yang legendaris.

Pembangunan istana yang megah, dilengkapi dengan opera dan balet house, dimulai atas perintah Napoleon III, yang masih menolak untuk mengunjungi Le Peletier yang terkenal setelah serangannya yang gagal

GRAND ESCALIER

adalah salah satu hal pertama yang Anda temui ketika kamu masuk. Terinspirasi oleh Grand Théâtre de Bordeaux dan dibangun dengan marmer putih dari Italia, marmer hijau dari Swedia dan marmer merah antik, lantai dua menampilkan kesan gaya dan keanggunan yang luar biasa. , menjadikannya salah satu ruang yang paling mengesankan. oleh Opera Garnier. Charles Nuitter, komposer opera, menyebut tangga ini “arsitektur dalam arsitektur”.

SHOWROOM

Pada malam hari ada beberapa pertunjukan seperti orkestra, opera dan balet. Hari ini ada lebih banyak pertunjukan balet. Di dalam teater, dekorasi emas dan kursi merah sangat indah dan mengesankan. Ketika Charles Garnier membangun teater ini, dia ingin penonton tidak hanya datang untuk melihat pertunjukan, tetapi melihat seluruh teater.

GAMBAR MARC CHAGALL TENTANG LANGIT

Opera Garnier terkenal karena penampilannya “Panthom of the Opera“. Tapi yang membuatnya paling terkenal adalah lukisan Chagall di langit-langit teater. Lahir di Rusia, Chagall telah tinggal di Paris sejak usia dua puluhan dan mengatakan bahwa “seni saya membutuhkan Paris seperti tanaman membutuhkan air”.

Ketika diminta untuk melukis gambar di langit-langit Opera Garnier, dia setuju untuk melakukannya secara gratis dengan cinta dan terima kasih kepada Paris. Pada tahun 1965, 2 tahun setelah diminta untuk bekerja di sana, ia menyelesaikan karya ini dengan penari opera dan balet serta kehidupan Paris. Lukisan multi-warna ini cocok dengan latar belakang teater dan mengundang Anda ke dunia maya.

GRAND FOYER

Bagian paling indah dari Opéra Garnier. Ruangan ini berukuran besar dengan panjang 154 meter, tinggi 18 meter dan lebar 13 meter. Dirancang untuk elit untuk beristirahat atau bersosialisasi. Untuk melengkapi ruang ini, Charles Garnier berkolaborasi dengan pelukis Paul Baudry.

Gambar di atas adalah bagian dari lukisan langit-langit oleh Paul Baudry dan masing-masing mewakili sejarah musik. Ruangan ini berisi patung Carlotta Grisi, seorang balerina Italia dari Kroasia. Dia memainkan ‘Giselle’ dalam penampilan pertamanya tahun di Opera Garnier. Dia dianggap sebagai balerina representatif dari era balet romantis.

PERPUSTAKAAN

Di galeri dan perpustakaan mereka menyimpan lukisan karya Opéra Garnier dan beberapa buku. Anda dapat melihat lukisan pelajaran balet, potret Charles Garnier, dan banyak lagi.

PAMERAN KHUSUS

Setiap kali, pameran khusus yang berbeda. Hingga 16 September 2018 mereka menggelar pameran khusus. Salah satu seniman terbesar abad ke-20, Picasso menjelajahi banyak bidang untuk mengekspresikan alam semesta artistiknya. Sejak 1910, ia telah terlibat dalam produksi kostum dan set balet dan telah meninggalkan kesan yang kuat pada sejarah balet.

CATATAN O`BON PARIS

Di dalam Opéra Garnier ada banyak hal untuk dilihat dan ruangannya besar, jadi kami sarankan untuk tiba di sana dengan waktu yang cukup. Sebelum masuk, Anda dapat memilih antara tur berpemandu dan tur mandiri. Dengan tur berpemandu, Anda bisa mendapatkan informasi lebih detail dengan mengikuti panduan tertentu. Dengan tur mandiri, Anda masih dapat menyewa pemandu audio dalam bahasa Prancis, Inggris, Spanyol, Jerman, Italia, Portugis, Rusia, Cina, Cina, Jepang, dan Korea. Kostumnya benar-benar digunakan untuk pertunjukan opera, dekorasi emas dan interior yang indah menjadikan ini tempat foto yang ada di mana-mana.

Theater Terbesar Broadway Dibuka Kembali
Theater

Theater Terbesar Broadway Dibuka Kembali

Theater Terbesar Broadway Dibuka Kembali – Beberapa pertunjukan terbesar di teater musikal, termasuk ” The Lion King ,” ” Wicked ” dan ” Hamilton ,” kembali tampil pada Selasa malam, 18 bulan setelah pandemi virus corona memaksa mereka untuk tutup.

toscanaspettacolo

Theater Terbesar Broadway Dibuka Kembali

toscanaspettacolo – Mereka bukan pertunjukan pertama yang dimulai kembali, atau satu-satunya, tetapi mereka adalah pembangkit tenaga teater besar yang datang untuk melambangkan kekuatan dan jangkauan industri, dan kembalinya mereka ke panggung adalah sinyal bahwa teater kembali. “Orang-orang sudah siap,” kata Julie Taymor, direktur “The Lion King,” “dan inilah saatnya.”

Tentu saja, momen ini datang dengan tanda bintang yang substansial. Pandemi belum berakhir. Turis tidak kembali. Dan tidak ada yang tahu berapa lama tanpa teater langsung dapat mempengaruhi perilaku konsumen.

Tetapi pemilik teater, produser, organisasi nirlaba, dan serikat pekerja secara kolektif telah memutuskan bahwa inilah saatnya untuk bergerak maju. Dan orang banyak yang memadati pertunjukan di seluruh Broadway Selasa malam bersyukur berada di sana. Ada tepuk tangan meriah dan, kadang-kadang, air mata.

“Kami terbuka untuk apa pun,” kata Erica Chalmers, yang diwawancarai di stan TKTS yang baru dibuka Selasa sore, “agar saya bisa memiliki pengalaman pertunjukan Broadway itu.” Dia memilih drama, “Lackawanna Blues,” yang memiliki pertunjukan Broadway pertamanya Selasa malam.

Pembukaan kembali Broadway terjadi saat berbagai tempat pertunjukan seni lainnya, di New York dan di seluruh negeri, juga melanjutkan pertunjukan langsung di dalam ruangan: Di hari-hari dan minggu-minggu mendatang Metropolitan Opera, New York Philharmonic, New York City Ballet, Carnegie Hall, dan Brooklyn Academy of Music semuanya akan memulai musim baru mereka.

“Broadway, dan semua seni dan budaya kota, mengekspresikan kehidupan, energi, keragaman, semangat Kota New York,” kata Wali Kota Bill de Blasio pada konferensi pers Selasa . “Itu ada di hati dan jiwa kami. Itu juga banyak hal yang dilakukan orang untuk mencari nafkah di kota ini. Dan itu membuat kita hebat. Jadi, ini adalah malam besar untuk kembalinya New York City.”

Baca Juga : Aturan yang Harus Dipatuhi Setiap Orang Teater

Mereka yang menghadiri pertunjukan di Broadway mendapati pengalamannya berubah: setiap pertunjukan memerlukan bukti vaksinasi (pelanggan di bawah 12 tahun dapat memberikan tes virus corona negatif) dan setiap pengunjung harus bermasker.

Bahkan sebelum malam ini, empat pertunjukan telah dimulai: ” Springsteen on Broadway ,” yang memiliki 30 pertunjukan antara Juni dan September, serta sebuah drama baru, ” Pass Over ,” dan dua musikal yang kembali, ” Hadestown ” dan ” Pelayan ,” semuanya diantaranya masih berjalan. Tidak ada yang melewatkan pertunjukan; “Pelayan” berhasil melanjutkan bahkan setelah anggota pemeran dinyatakan positif dengan mengerahkan pengganti.

Pembukaan blockbuster kembali malam ini diikuti oleh “Chicago,” musikal tercinta yang tahun ini menandai 25 tahun di Broadway, dan produksi baru “Lackawanna Blues,” sebuah drama otobiografi oleh Ruben Santiago-Hudson. Dan lebih banyak lagi sedang dalam perjalanan lebih dari dua lusin lagi sebelum akhir tahun.

Yang dipertaruhkan adalah kesehatan industri yang, sebelum pandemi, telah menikmati ledakan yang berkelanjutan. Selama musim Broadway penuh terakhir sebelum wabah, dari 2018 hingga 2019, 14,8 juta orang menghadiri pertunjukan — itu lebih banyak orang daripada gabungan kehadiran untuk Mets, Yankees, Rangers, Islanders, Knicks, Liberty, Giants, Jets, Devils, dan Nets , menurut Liga Broadway. Dan kehadiran itu diterjemahkan menjadi uang sungguhan industri ini meraup $ 1,83 miliar musim itu.

Musim ini pasti berbeda. Liga cukup khawatir tentang pendapatan yang telah memutuskan untuk tidak mengungkapkan pendapatan box office musim ini.

Tiga jam sebelum pertunjukan, Lin-Manuel Miranda — pencipta “ Hamilton ” yang menulis musik, buku, dan lirik untuk musikal hit itu keluar dari pintu depan Teater Richard Rodgers dengan pengeras suara dan disambut dengan teriakan dan tepuk tangan. kerumunan berkumpul di West 46th Street.

Dia ada di sana untuk memimpin sekelompok pemain Broadway dalam membawakan lagu “Tema Dari ‘New York, New York,'” lagu yang dipopulerkan oleh Frank Sinatra, menciptakan semacam pembukaan pengaturan suasana hati untuk malam mendatang.

“Dapatkan masker, dapatkan vaksinasi dan datang menonton teater langsung!” kata Miranda, yang juga memerankan Alexander Hamilton dalam pemeran asli Broadway.

Penampilan itu tidak dipublikasikan sampai sekitar jam 4 sore, ketika Miranda men-tweet foto dari dalam teater dan mengumumkan apa yang disebut Ham4Ham, yang, sebelum pandemi, adalah pertunjukan oleh anggota pemeran “Hamilton” di luar teater yang disertai dengan undian untuk tiket untuk melihat pertunjukan. (Tidak akan ada tiket gratis hari ini, kata Miranda.)

Superfans yang lewat dan Broadway bergegas ke tempat kejadian segera setelah mereka melihat pengumuman media sosial.

Eva Ferreira, seorang penggemar “Hamilton” berusia 10 tahun yang telah menghafal hampir setiap kata musikal itu, menonton bersama orang tuanya, yang telah membawanya ke New York City untuk ulang tahunnya.

Empat remaja — semua calon pemain Broadway yang menghabiskan hari di kelas di Steps Conservatory berlari ke teater dari kereta bawah tanah setelah mereka melihat tweet Miranda. Mereka berdiri di tengah kerumunan dengan kagum pada sekelompok pemain jenis yang mereka harapkan suatu hari nanti.

Jessica Payne dan suaminya lari dari kamar hotel mereka untuk mengejar Miranda dan para penampil lainnya. Perjalanan musim semi 2020 mereka dibatalkan karena pandemi, jadi mereka terbang dari Colorado baru-baru ini untuk melihat delapan pertunjukan Broadway dalam enam hari setelah “satu setengah tahun patah hati” ketika industri sedang berhenti.

“Kami berdua menangis ketika pesawat mendarat,” kata Jessica Payne, mendaftar acara yang direncanakan pasangan itu (“Jahat” ada di jadwal malam ini).

Lindiwe Dlamini telah menghabiskan 24 tahun hidupnya dengan “The Lion King.” Dia bersama pertunjukan itu ketika dicoba di Minneapolis, dan telah berada di produksi Broadway untuk seluruh pertunjukannya.

Tak perlu dikatakan, 18 bulan terakhir telah menggelegar, dan dia senang bisa kembali.

“Ya Tuhan – malam ini sangat besar,” katanya. “Saya senang dan cemas dan setiap emosi yang dapat Anda pikirkan. Sebagian besar sangat menarik untuk kembali. Kami sudah lama pergi.”

Dalam industri yang mencintai superlatif, “The Lion King” memiliki lebih dari bagiannya. Ini adalah pertunjukan terlaris dalam sejarah Broadway (hampir $1,7 miliar) dan pendapatan kotornya di seluruh dunia (lebih dari $9,3 miliar) melebihi film, pertunjukan Broadway, atau judul hiburan lainnya dalam sejarah.

Pada hari Selasa, itu dibuka kembali, ke rumah yang meriah dan penuh sesak, dengan penonton yang termasuk alumni acara Disney, banyak penggemar, ditambah Gloria Steinem, Salman Rushdie dan Kristin Chenoweth (yang memiliki malam yang sibuk, berbicara sebelumnya pada pembukaan kembali “Wicked,” di mana dia memulai peran Glinda).

“Ini seperti air di padang pasir,” kata Chenoweth dalam sebuah wawancara saat istirahat di “The Lion King,” topengnya berkilauan dan matanya lembab. “Jika ini bukan argumen bahwa seni dapat mengubah hidup, maka saya tidak tahu apa itu.”

Penonton sangat gembira, memberikan tepuk tangan meriah kepada sutradara Julie Taymor di awal pertunjukan, dan menyapa setiap karakter, manusia atau boneka, dengan tepuk tangan lagi. “Ini adalah keajaiban pertama kali – saya pikir saya melihatnya setidaknya tiga kali,” Steinem, yang hidupnya menjadi subjek film yang disutradarai Taymor, mengatakan dalam sebuah wawancara. “Dan saya pikir Julie Taymor bisa melakukan apa saja.”

Taymor, dalam pidatonya kepada penonton sebelum pertunjukan dimulai, mengatakan bahwa dia menghargai mereka yang telah berani menghadapi momen menegangkan untuk kembali ke teater.

“Saya ingin memuji penonton ini, malam ini, pembukaan kembali kami, karena Anda semua memiliki keinginan, antusiasme, keberanian untuk memimpin,” katanya. “Karena seperti yang kita ketahui teater di New York adalah urat nadi dan jiwa kota.”

Banyak di antara hadirin yang hadir berulang kali (Taymor meminta mengacungkan tangan), tetapi ada juga banyak pendatang baru. Heather Teta membawa kedua putrinya, usia 9 dan 6 tahun, untuk melihatnya untuk pertama kalinya; pada hari Minggu mereka diuji untuk virus corona karena mereka terlalu muda untuk divaksinasi.

“Kami akan melakukan apa pun yang kami butuhkan untuk kembali,” kata Teta. “Ini malam pembukaan kembali mengapa kita tidak berada di sini? Dan untuk datang dan mendukung komunitas Broadway juga.”

Musikal, yang dibuka pada tahun 1997 (dan memenangkan enam Tony Awards, termasuk musik terbaik), adalah pertunjukan Broadway terlama ketiga (setelah “The Phantom of the Opera” dan “Chicago”) dan Dlamini adalah satu-satunya anggota asli cast masih tampil di acara itu. Dia menjadi warga negara Amerika melalui pertunjukan (dia berasal dari Afrika Selatan), menikah dengan anggota pemeran lain dan mencari nafkah di sekitar pekerjaannya di sini dia ada di ansambel, dan pada pembukaan memainkan hyena, singa betina, sekawanan burung dan sabana persegi.

Bagaimana rasanya keluar dari pertunjukan untuk pertama kalinya? “Itu aneh,” katanya. “Saya telah melakukan ini selama 24 tahun sekarang, dan berhenti begitu saja! Saya sedang berada di bus, dalam perjalanan ke tempat kerja, ketika saya mendapat telepon, dan saya harus turun di halte berikutnya.”

Penutupan itu juga traumatis. Suami, anak perempuan, anak laki-laki dan saudara perempuannya semuanya terkena Covid (mereka sembuh), dan di Afrika Selatan, seorang sepupu dan suaminya meninggal karena penyakit tersebut.

“Saya sangat khawatir dengan orang-orang di rumah, dan saya tidak bisa pulang dan berkumpul dengan keluarga saya,” katanya. “Itu sulit, dan itu sangat emosional.”

Dan bagaimana rasanya kembali? “Sungguh, sangat emosional,” katanya. “Ini adalah bagian besar dari hidup saya.”

“The Lion King” selama bertahun-tahun memiliki 25 produksi di seluruh dunia yang telah diputar untuk hampir 110 juta orang; telah dilakukan di setiap benua (kecuali Antartika) dan dalam sembilan bahasa (Inggris, Jepang, Jerman, Korea, Prancis, Belanda, Mandarin, Spanyol, dan Portugis).

Sembilan produksi yang berjalan saat pandemi ditutup. Dengan pembukaan kembali Broadway malam ini, sekarang ada lima produksi “The Lion King” yang berjalan, dan pada Januari seharusnya sudah ada 10, di New York, London, Paris, Hamburg, Tokyo dan Madrid

Aturan yang Harus Dipatuhi Setiap Orang Teater
Theater

Aturan yang Harus Dipatuhi Setiap Orang Teater

Aturan yang Harus Dipatuhi Setiap Orang Teater – Teater penuh dengan tradisi, ritual, dan takhayul yang menambah mistisisme dan magisnya. Selama berabad-abad, banyak kebiasaan telah menjadi bagian yang tidak diragukan lagi dari bisnis yang kami sebut pertunjukan.

toscanaspettacolo

Aturan yang Harus Dipatuhi Setiap Orang Teater

toscanaspettacolo – Sementara sebagian besar tahu itu “nasib buruk untuk mengatakan keberuntungan pada malam pembukaan” (atau pernah), kami menggali sejarah teater untuk menggali asal-usul aturan ini.

Mengapa nasib buruk untuk mengatakan “keberuntungan” kepada seorang aktor? Beberapa thespians percaya ada hantu teater atau peri yang suka membuat kerusakan dengan membuat kebalikan dari apa yang Anda inginkan terjadi.

Frasa seperti “patahkan kaki” dan “merde” dimaksudkan untuk membingungkan peri teater ini dan mengalahkan cara mereka yang keras kepala. Keinginan untuk sesuatu yang buruk akan menghasilkan sesuatu yang baik dari mereka.

Tapi mengapa secara khusus ingin “mematahkan kaki?” Penjelasan yang diterima secara luas adalah bahwa “kaki” yang dimaksud bukanlah embel-embel manusia, melainkan tirai yang menggantung di sayap, menutupi bagian belakang panggung.

Patah kaki berarti Anda telah menembus penghalang ini dan berhasil mencapainya di atas panggung! Beberapa bukti menunjukkan frasa ini lahir dengan vaudeville awal ketika para pemain menunggu di belakang panggung dan diputuskan pada saat itu apakah tindakan mereka akan dilanjutkan pada pertunjukan itu. Jika mereka dikirim, kaki mereka patah. (Kemudian mereka hanya harus berhati-hati terhadap kailnya.)

Baca Juga : Panduan Utama Tempat Duduk Teater Untuk Acara

Teori lain mendukung bahwa “patah kaki” berjalan lebih jauh ke belakang, mungkin ke Elizabethan Inggris, di mana penonton membuang uang ketika mereka menikmati pertunjukan (buah dan sayuran untuk yang buruk). Aktor harus membungkuk untuk mengumpulkan hadiah mereka, sehingga mematahkan garis kaki mereka. Uang = Patah kaki = Sukses.

Jangan bersiul di teater

Pada 1600-an, teater mulai menggunakan mekanisme untuk menerbangkan pemandangan, alat peraga, dan terkadang aktor. Rigging sistem terbang teater sangat mirip dengan banyak kapal layar. Jadi hanya masalah waktu sebelum pelaut menemukan pekerjaan di kru teater.

Di laut, pelaut berkomunikasi satu sama lain melalui kode bersiul. Ketika mereka mulai bekerja di teater, alat komunikasi ini mengikuti. Kombinasi peluit tertentu bisa berarti instruksi untuk menaikkan atau menurunkan pemandangan.

Jika seorang aktor kebetulan melintasi panggung bersiul, operator sistem fly mungkin dengan mudah mengacaukan lagu mereka untuk isyarat jelas berbahaya bagi siapa pun di bawahnya yang mungkin dihancurkan oleh perubahan adegan yang dieksekusi secara salah. Terlepas dari munculnya headset (dan fakta bahwa kita tidak lagi bersiul) tradisi adalahtradisi.

Jangan pernah menyebut ” Macbeth” di teater.

Bahkan membisikkan nama salah satu drama paling berdarah William Shakespeare di dalam teater adalah hal yang paling tabu. Bahkan, untuk melakukannya akan meningkatkan kemarahan sebagian besar teater rakyat menjadi panik.

Ada berbagai spekulasi mengapa penyebutan nama lakon di teater dianggap membawa sial. Satu kemungkinan asal usul takhayul ini berasal dari mantra tiga penyihir di Macbeth. Diyakini bahwa Shakespeare mengadaptasi mantra-mantra ini dari buku-buku ilmu hitam yang sebenarnya. Hal ini membuka drama tersebut untuk kekuatan kegelapan yang seharusnya mengganggu produksi dari apa yang sekarang disebut sebagai “The Scottish Play.”

Teori lain mengklaim bahwa aktor yang memerankan Macbeth dalam produksi aslinya meninggal dalam kecelakaan, dan Shakespeare sendiri harus menggantikannya. Diyakini bahwa semua produksi berikutnya sekarang dihantui oleh aktor ini dan nasibnya yang menyedihkan.

Jika Anda membuat kesalahan dengan mengatakan “Macbeth ” di teater, ada beberapa kutukan untuk menangkal malapetaka. Pergi ke luar teater, berputar dalam lingkaran tiga kali dan meludah.

Penangkal lain: Ucapkan baris apa pun dari Two Gentlemen of Verona (dianggap sebagai permainan keberuntungan) atau baris ini dari A Midsummer Night’s Dream : “Jika kita bayangan telah tersinggung, pikirkan tetapi ini dan semua ini diperbaiki, bahwa Anda hanya tertidur di sini, sementara ini penglihatan memang muncul.”

Hindari menempatkan bulu merak di atas panggung.

Mengapa sedikit bulu hias yang indah membawa sial dalam produksi teater? Pola pada bulu merak menciptakan mata, atau (menurut legenda) mata jahat, yang membawa juju buruk ke produksi. Gagasan tentang mata jahat yang tersembunyi di dalam benda-benda meluas hingga ke Yunani Kuno.

Bulu merak juga ditakuti oleh orang Eropa awal karena merupakan bagian dari ornamen gerombolan Mongol yang menyerbu bagian benua selama Abad Pertengahan. Untuk waktu yang lama, bulu merak dipandang oleh orang Eropa sebagai bagian dari sejarah yang kelam dan berdarah. Sama seperti kutukan Macbeth , Anda tidak ingin kebiadaban dan kejahatan seperti itu terkait dengan produksi.

Nyalakan lampu

Jangan pernah meninggalkan panggung yang sepenuhnya gelap. Jangan lakukan itu. Kepraktisan mungkin menjadi bagian dari itu, karena selalu ada banyak rintangan (perabotan, pintu jebakan, dan lubang orkestra) yang dapat menyebabkan kecelakaan dalam kegelapan.

Tapi ada penjelasan akal sehat kedua. Ketika teater pertama kali dinyalakan pada awal 1800-an sebelum listrik lampunya ditenagai oleh gas. Gas, tentu saja, mudah terbakar dan dapat meningkatkan tekanan di dalam saluran gas.

Menjalankan nyala lampu hantu di teater selama waktu non-pertunjukan membakar kelebihan gas dan menghilangkan tekanan yang mungkin mengakibatkan ledakan. Meskipun kami tidak lagi menggunakan gas untuk menyalakan teater kami, tradisi ini tetap utuh. Orang teater yang lebih percaya takhayul juga percaya bahwa lampu hantu membantu menjaga roh, termasuk hantu Thespis (aktor pertama), mencegah mereka dari bermain pranks nakal. Ambil Thespis itu!

Jangan memberikan hadiah bunga sebelum pertunjukan

Hadiah bunga hanya boleh diberikan kepada pemain, sutradara dan penulis drama setelah pertunjukan diputar di depan penonton dan artis telah mendapatkan penghargaan mereka. Untuk melakukannya sebelumnya menggoda nasib untuk menengahi dan memastikan pertunjukan yang tidak bersemangat.

Ada juga tradisi yang agak suram yang telah memudar dari waktu ke waktu, yang melibatkan pemberian karangan bunga kepada wanita terkemuka dan sutradara yang dicuri dari kuburan pada penutupan pertunjukan melambangkan kematian pertunjukan.

Larangan biru di atas panggung

Meskipun keberhasilan The Blue Man Group tampaknya telah meniadakan takhayul ini, itu masih tetap menjadi hal yang umum. Beberapa abad yang lalu, pewarna biru mahal dan sulit dibuat. Keberhasilan rombongan teater sering dinilai dari kemampuannya untuk membeli kostum biru.

Dalam upaya untuk menipu penonton agar percaya bahwa mereka lebih sukses daripada yang sebenarnya, rombongan yang gagal akan menghabiskan uang yang mereka miliki untuk mendapatkan kostum biru. Untuk membuat perbedaan, rombongan yang sukses mulai memasangkan kostum biru dengan perhiasan perak, karena hanya rombongan yang berkembang yang mampu membeli kemewahan seperti itu. Hari ini, biru masih dianggap sebagai tanda kegagalan dan warna kostum sial dan hanya dapat diterima jika dipasangkan dengan perak.

Latihan gaun yang buruk berarti malam pembukaan yang hebat

Siapa pun yang pernah bermain atau bermain musik tahu takhayul bahwa gladi bersih yang buruk seharusnya menjamin pembukaan yang sukses. Pemikiran yang penuh angan-angan, harapan, dan sentuhan penyangkalan tampaknya menjadi dasar dari garis pemikiran ini.

Teater jelas merupakan pengalaman ajaib bagi banyak orang, tetapi keberhasilannya tumbuh dari perencanaan yang cermat dan kerja keras. Latihan berpakaian yang buruk bisa jadi merupakan hasil dari kelelahan para pemain dan kru yang bekerja keras melalui pertunjukan terakhir dari sebuah pertunjukan yang telah berlatih selama beberapa minggu. Penonton malam pembukaan, ditambah sedikit adrenalin, menyemangati para pengisi acara sehingga perencanaan yang matang dan kerja keras tiba-tiba menyatu. Bagaimana itu untuk beberapa logika pintar?

Panduan Utama Tempat Duduk Teater Untuk Acara
Theater

Panduan Utama Tempat Duduk Teater Untuk Acara

Panduan Utama Tempat Duduk Teater Untuk Acara – Tempat duduk teater adalah gaya tata letak acara yang umum digunakan, terdiri dari kursi yang disejajarkan dalam barisan lurus yang berurutan, umumnya menghadap ke satu arah. Kadang-kadang disebut tempat duduk stadion atau tempat duduk auditorium.

toscanaspettacolo

Panduan Utama Tempat Duduk Teater Untuk Acara

toscanaspettacolo – Di sini kami mengeksplorasi jenis acara di mana tempat duduk teater paling baik digunakan, format pengaturan standar, berbagai penyesuaian yang dapat Anda terapkan untuk mencapai tujuan acara Anda, dan beberapa keuntungan dan kerugian dari pengaturan tempat duduk yang unik ini. Plus, cara mengaturnya! Baca terus untuk melihat apakah gaya teater adalah tata letak bagan tempat duduk yang sempurna untuk acara Anda berikutnya.

Apa itu tempat duduk teater?

Tempat duduk bergaya teater adalah susunan kursi dalam barisan, busur atau lingkaran yang semuanya menghadap ke arah yang sama di ruang venue. Tidak ada meja, meja, atau furnitur tambahan yang digunakan dalam tempat duduk bergaya teater.

Banyak acara menggunakan gaya ini karena paling sederhana untuk diterapkan, karena umumnya mencerminkan tempat duduk default yang sudah ada di tempat yang dipilih, seperti teater, stadion, atau bioskop.

Temukan jenis tempat duduk teater untuk acara:

Tata letak tempat duduk auditorium dapat diatur sebagai lorong ganda atau kontinental. Pengaturan lorong ganda akan memiliki maksimum 14–16 kursi per baris dengan akses ke lorong di kedua ujungnya.

Baca Juga : Hal Yang Belum Kalian Ketahui Peran Penting Dalam Penampilan Seni Teater

Jika sebuah lorong hanya dapat dicapai dari satu ujung baris saja, maka jumlah kursi dapat dibatasi hingga 7 atau 8. Jumlah maksimum selalu ditentukan oleh peraturan bangunan yang mengatur, yang merupakan sesuatu yang akan diketahui oleh venue.

Dalam pengaturan kontinental, semua kursi terletak di bagian tengah. Dalam gaya kontinental, Anda dapat memuat lebih banyak kursi per baris daripada pengaturan beberapa lorong. Untuk mengimbangi panjang baris yang lebih besar yang diizinkan, kode bangunan umumnya memerlukan jarak baris yang lebih lebar, lorong yang lebih lebar, dan pintu keluar yang berlokasi strategis.

Untuk perencanaan awal, rata-rata 7,5 kaki persegi per orang dapat digunakan. Mungkin mengejutkan, pengaturan kontinental seringkali dapat menampung lebih banyak tempat duduk dalam ruang yang sama.

Terlepas dari pengaturan yang Anda pilih, saat menyiapkan gaya teater, Anda dapat lebih lanjut memposisikan kursi dengan berbagai cara seperti dalam baris lurus, baris melingkar, baris setengah lingkaran, dan baris sudut menuju titik fokus acara. Dan kustomisasi tidak harus berhenti di situ. Ada beberapa cara Anda dapat menyesuaikan tempat duduk teater Anda:

  • Berikan tamu pandangan yang jelas bahkan jika seseorang yang lebih tinggi duduk di depan mereka, dengan mengimbangi barisan satu sama lain.
  • Pastikan tamu memiliki tempat duduk yang nyaman dengan menyisakan ruang di antara setiap kursi perjamuan karena kursi tersebut biasanya lebih sempit dari tubuh rata-rata orang.
  • Permudah tamu untuk masuk dan keluar dari barisan mereka untuk pergi ke kamar mandi, pergi lebih awal, dll dengan membuat jarak minimal 24 inci di antara barisan.
  • Pertimbangkan di mana presenter akan berada. Ini akan membantu menentukan garis pandang dan membantu penempatan kursi pertama kursi terjauh ke kiri saat berdiri di antara penonton.

Berikut adalah jenis acara yang menggunakan tempat duduk bergaya teater:

Tempat duduk teater adalah gaya pengaturan praktis untuk banyak acara. Tata letak gaya teater sangat ideal untuk acara di mana para tamu hadir untuk menjadi penonton dan mengamati, bukan berpartisipasi. Ini juga sangat cocok untuk acara di mana peserta Anda tidak membutuhkan banyak ruang untuk melakukan hal-hal seperti makan, membuat catatan, atau berbaur satu sama lain.

Tempat duduk bergaya teater sangat cocok untuk:

  • Konferensi
  • Kuliah
  • Presentasi
  • Upacara pernikahan
  • Peluncuran produk

Misalnya, Cvent baru-baru ini mengadakan pertemuan di seluruh perusahaan di Warner Theater Washington DC . Ini adalah acara setengah hari di mana karyawan mempelajari semua tentang rencana perusahaan untuk tahun depan. Karena tujuan acara ini adalah pembelajaran dan perayaan, tempat duduk bergaya teater membantu semua orang tetap fokus pada presentasi di tengah ruangan.

TEDTalks adalah contoh bagus lainnya karena fokusnya adalah pada penyaji, bukan pada mendorong diskusi dari anggota audiens. Dan akhirnya, ini juga sangat cocok untuk peluncuran produk seperti peluncuran iPhone Apple, dan konferensi seperti Cvent CONNECT dan INBOUND Hubspot .

Tempat duduk bergaya teater tidak cocok untuk:

  • Klub buku
  • Pesta ulang tahun
  • Pertemuan curah pendapat

Cara membuat tempat duduk baris teater dengan Tabel Sosial:

Menggunakan tabel tempat duduk cerdas Tabel Sosial , tempat duduk baris teater mudah dibuat dalam beberapa menit. Tempat duduk bergaya melengkung dan Chevron cepat dan mudah saat menggunakan fitur template kami. Anda akan berada di jalan menuju sukses dalam waktu singkat jika Anda mengikuti langkah-langkah berikut:

Berikut cara membuat tempat duduk bergaya teater melengkung:

  • Dari panel kiri, klik pada tab Template dan pilih Theater sebagai jenis template Anda
  • Dari panel kanan, edit jumlah kursi per baris, arah yang Anda inginkan untuk menghadap kursi, serta jarak kursi, baris, dan kolom
  • Klik ke denah lantai, sambil menahan penunjuk kiri mouse Anda dan seret keluar kotak, karena templat akan terisi di dalam area itu
  • Terakhir, dari panel kanan, gerakkan penggeser Curve untuk menerapkan kurva ke template Anda

Anda bahkan dapat mengatur pengukuran default untuk menghemat waktu!

Dengan default template baris teater, Anda bahkan dapat membuat standar dan mengatur pengukuran untuk baris teater, yang akan menghemat waktu Anda di setiap penyiapan. Default template Theatre Row dapat ditemukan sebagai opsi di dropdown Template di dalam tab Default di Pengaturan Administrator. Setelah Anda membuat beberapa perubahan di sini, Anda akan menemukan default baru Anda sebagai opsi di menu Jenis Template setiap kali Anda menambahkan default template baris teater.

Hal Yang Belum Kalian Ketahui Peran Penting Dalam Penampilan Seni Teater
Theater

Hal Yang Belum Kalian Ketahui Peran Penting Dalam Penampilan Seni Teater

Hal Yang Belum Kalian Ketahui Peran Penting Dalam Penampilan Seni Teater – Apa saja jenis-jenis seni teater? Jenis. Seni teater dapat mencakup tari, musik, opera, teater dan teater musikal, sihir, ilusi, pantomim, kata-kata yang diucapkan, boneka, seni sirkus, seni teater. Ada juga bentuk khusus seni rupa, di mana para seniman melakukan pekerjaan mereka secara langsung kepada penonton.

toscanaspettacolo

Hal Yang Belum Kalian Ketahui Peran Penting Dalam Penampilan Seni Teater

toscanaspettacolo – Jelaskan apa yang dimaksud dengan seni teater beserta contohnya? Seni teater pada dasarnya adalah seni atau keterampilan yang membutuhkan teater di depan khalayak umum. Contohnya adalah akting, menyanyi dan menari. Bentuk lain dari Seni teater termasuk opera, teater, teater sulap atau ilusi, pantomim, kata-kata yang diucapkan, pembacaan dan berbicara di depan umum.

Apa itu seni teater? Seni teater adalah bentuk kegiatan kreatif yang dilakukan di depan penonton, yang meliputi drama, musik, dan tari. Gelar yang berpusat pada seni pentas amat efisien, serta dengan cara aktif membenamkan Kamu dalam aplikasi interdisipliner canggih yang menyiapkan Kamu buat merambah pabrik yang bersaing.

Apa nama yang berbeda untuk seni teater? Seni Rupa, Seni Konseptual, dan Teater adalah beberapa nama yang berbeda untuk Seni teater.

  • APA SAJA JENIS-JENIS SENI teater?
  • Apa 3 kategori utama seni teater?

Jenis utama seni teater termasuk musik, opera, tari, drama, dan kata-kata yang diucapkan.

Apa pentingnya seni teater?

Selain mengajarkan ekspresi diri, seni teater membantu masyarakat secara keseluruhan dalam pengetahuan dan pemahaman diri. Teater dan seni teater mengajarkan masyarakat tentang dirinya sendiri, dengan harapan dapat menunjukkan sikap dan pola pikir masyarakat saat ini. Ini bisa menjadi alat yang digunakan untuk mengedukasi masyarakat tentang kondisi mereka saat ini.

Baca Juga : Mengenal Pentingnya Sejarah Seni Teater dan Skenografi

Apa saja 7 bentuk seni yang berbeda?

Jawabannya sangat subjektif dan selalu berubah. Namun, tujuh bentuk seni yang paling jelas menunjukkan kepada kita bagaimana sejarah dan masyarakat telah berubah dari waktu ke waktu tidak diragukan lagi adalah sinema, lukisan, arsitektur, patung, sastra, teater, dan musik.

Apa itu teater seni langsung?

Istilah seni hidup mengacu pada teater atau acara yang dilakukan atau dipentaskan oleh seorang seniman atau sekelompok seniman sebagai sebuah karya seni, biasanya inovatif dan eksploratif.

Apa saja komponen seni teater?

Ini bisa berupa situasi apa pun yang melibatkan empat elemen dasar: waktu, ruang, tubuh pemain, atau kehadiran dalam media, dan hubungan antara pemain dan penonton. Seni teater dapat terjadi di mana saja, di semua jenis tempat atau latar dan untuk waktu yang lama.

Apa itu seni teater di sekolah menengah?

Sekolah menengah seni teater memungkinkan aktor muda untuk berlatih dan mengembangkan kerajinan mereka dalam suasana yang dinamis dan kreatif.

Apa pentingnya seni teater dalam pendidikan?

Seni teater menjadi bagian integral dari pendidikan memberikan siswa kesempatan untuk melibatkan pikiran, tubuh, dan emosi. Siswa dapat mengeksplorasi dan mengekspresikan tema dan ide hebat melalui penampilan mereka. Hal ini memungkinkan anak-anak untuk mengembangkan kepercayaan diri dan kepercayaan diri mereka.

Apa saja 9 bagian dari sebuah panggung?

Sebuah panggung dibagi menjadi sembilan bagian: kiri atas panggung, kanan atas panggung, tengah atas panggung, tengah, kiri tengah, kanan tengah, kiri bawah panggung, kanan bawah panggung, dan tengah bawah panggung.

Apa itu akhir di atas panggung?

Pementasan akhir sangat mirip dengan lengkungan proscenium, tetapi tanpa bingkai lengkungan di sekitar ruang panggung. Banyak studio kotak hitam didirikan dengan pementasan end-on, artinya ruang panggung berada di satu sisi ruangan dan penonton duduk di sisi yang berlawanan.

Apa jenis panggung yang paling umum?

Bentuk yang paling umum ditemukan di Barat adalah panggung proscenium. Pada tipe ini, penonton ditempatkan di satu sisi panggung dengan sisi-sisi lainnya disembunyikan dan digunakan oleh para pemain dan teknisi.

Apa yang bisa disebut seni?

Seni, disebut juga (untuk membedakannya dari bentuk seni lainnya) seni rupa, suatu objek visual atau pengalaman yang secara sadar diciptakan melalui ekspresi keterampilan atau imajinasi. Istilah seni mencakup beragam media seperti lukisan, patung, seni grafis, menggambar, seni dekoratif, fotografi, dan instalasi.

Apa saja 10 jenis seni tersebut?

Mayoritas “seni”, tergantung pada bagaimana Anda mendefinisikannya, dapat secara luas diurutkan ke dalam 10 kategori ini: lukisan, desain grafis, ilustrasi, patung, sastra, arsitektur, film, musik, teater, dan mode.

  • Apa bentuk seni tertinggi?
  • Sastra Tetap Bentuk Seni Tertinggi
  • Apa yang disebut teater pertama?
  • Definisi pemutaran perdana
  • teater publik pertama dari sebuah drama atau film.
  • Bagaimana ruang menjadi sebuah seni?

Ruang memberikan referensi kepada pemirsa untuk menafsirkan sebuah karya seni. Misalnya, Anda dapat menggambar satu objek lebih besar dari yang lain untuk menyiratkan bahwa itu lebih dekat ke pemirsa. Demikian pula, sebuah karya seni lingkungan dapat dipasang dengan cara yang mengarahkan pemirsa melalui ruang.

Apa perbedaan antara seni instalasi dan seni teater?

Sementara seni instalasi adalah kerabat dekat seni teater, keduanya sedikit berbeda. Performance art terkadang menyertakan elemen suara atau video, tetapi yang membedakan performance art dari seni instalasi adalah bahwa artis hadir dan merupakan bagian integral dari menciptakan teater langsung untuk penonton.

Apakah akting itu keterampilan atau bakat?

Akting adalah keterampilan. Seperti kebanyakan keterampilan itu dibantu oleh bakat alami, tapi itu tidak cukup. Buat kamu yang merasa tidak bisa berakting setiap hari, begini caranya. Saya akan membahas semua bidang utama pekerjaan akting termasuk: suara, gerakan, pengetahuan, pekerjaan teks, dan akting.

Apa yang membuat drama sukses?

Dalam karyanya, “Poetics,” ia mengatakan bahwa drama yang baik memiliki enam karakteristik: plot, karakter, tema, bahasa, musik, dan tontonan. Elemen-elemen ini telah membentuk tulang punggung drama yang sukses selama berabad-abad dan terus menjadi penting bagi penulis drama hari ini.

Apa saja kualitas dan unsur seni teater?

kualitas kinerja. unsur-unsur mon dan sifat-sifat tari, musik, teater, dan seni rupa. Unsur-unsur seni ini, seperti warna, garis, bentuk, ritme, ruang, waktu, gerakan, suasana hati, dll., adalah bahan dari mana karya seni dibuat.

Apa sekolah menengah nomor 1 di Amerika?

Thomas Jefferson High School for Science and Technology di Virginia adalah No. 1 di peringkat nasional Best High Schools, serta di antara sekolah magnet.

Kenapa Menjadi Artis Bukan Pekerjaan?

Pertama, ini memberi tekanan pada seniman untuk tetap menggunakan sistem yang lebih mirip dengan bermain lotre, yang juga bukan pekerjaan – meskipun orang menghasilkan uang darinya. Mereka mungkin menghasilkan uang, atau mereka mungkin kehilangan uang. Mereka mungkin memiliki beberapa keterampilan, tetapi mereka mengakui bahwa mereka memainkan permainan kebetulan.

Mengenal Pentingnya Sejarah Seni Teater dan Skenografi
Theater

Mengenal Pentingnya Sejarah Seni Teater dan Skenografi

Mengenal Pentingnya Sejarah Seni Teater dan Skenografi – Perlu dicatat bahwa konsep skenografi yang sudah lama dan kompleks tidak hanya berkaitan dengan studi teater dan pertunjukan, tetapi juga dengan desain, arsitektur, teknologi, dan yang tak kalah pentingnya sejarah seni.

toscanaspettacolo

Mengenal Pentingnya Sejarah Seni Teater dan Skenografi

toscanaspettacolo – Misalnya, di Swedia tempat saya tinggal dan bekerja, studi skenografi telah menjadi sub-bidang sejarah seni yang terpinggirkan sejak tahun 1960-an. 1 Edisi khusus Jurnal Sejarah Senimengeksplorasi relevansi skenografi saat ini dengan sejarah seni secara lebih luas dan melihat cara di mana sejarah seni dan skenografi dapat berinteraksi dan sebaliknya.

Sesi “Skenografi dan Sejarah Seni” yang memunculkan edisi khusus ini diadakan pada konferensi NORDIK 2018 di Kopenhagen, dan diselenggarakan bersama oleh saya, dan rekan saya Viveka Kjellmer, keduanya sejarawan seni di Universitas Gothenburg di Swedia.

Sementara kontribusi individu dalam edisi khusus ini berasal dari sesi NORDIK, saya di sini akan membahas perkembangan terbaru dalam teori skenografi, dan mengusulkan pendekatan yang diharapkan dapat menjadi inspirasi dan berguna bagi sejarawan seni serta sarjana dari disiplin terkait seperti studi visual. .

Baca Juga : Teater Dunia Kontroversial Huang Yong Ping

Dalam dialog dengan skenografi

Kata Yunani skenographia menggabungkan skēnē (bangunan kecil, gubuk atau tenda di atas panggung) dan graphia (menulis, atau mungkin menggambar atau melukis) menjadi sebuah kata yang biasanya diterjemahkan sebagai “tulisan pemandangan”.

Namun, seperti yang ditunjukkan oleh misalnya sejarawan teater Arnold Aronson dan sarjana skenografi Rachel Hann, terjemahan ini tetap tidak jelas dan tidak memahami kompleksitas dan potensi kritis skenografi. Alih-alih terganggu oleh etimologi yang tidak jelas, saya menyarankan agar skenografi lebih baik dianut sebagai konsep yang bergerak, dalam wujud. Memang, seperti yang diungkapkan oleh sejarawan seni dan ahli teori Marsha Meskimmon:

Etimologi yang menyenangkan terkadang membantu kita bekerja menuju bentuk pemikiran baru tentang fenomena yang sudah dikenal. Pemahaman konvensional tentang skenografi cocok untuk revisi kritis semacam itu, dan menjadikan skenografi latar depan sebagai aktif, daripada membiarkannya di latar belakang, pasif.

Menggambar skenografi ke tahap penulisan untuk mengeksplorasi agensinya menimbulkan pertanyaan signifikan seputar metodologi dan disiplin. Ini adalah pertanyaan yang sama yang telah ditanyakan tentang seni dan sejarah seni, teori dan praktik, dan implikasinya mendalam dalam kedua kasus tersebut.

Yang muncul di sini adalah ruang produktif yang mendesak para sejarawan seni dan lainnya untuk berkontribusi lebih jauh dalam mengembangkan skenografi sebagai konsep akademik dan ranah keilmuan. Harus ditekankan bahwa ini tidak ada hubungannya dengan merampas atau mengklaim skenografi semata-mata untuk sejarah seni rupa.

Alih-alih, terlibat dalam pertemuan dialogis lintas disiplin yang mengenali dan memanfaatkan perbedaan, kita dapat membuka terminologi, memobilisasi parameter teoretis, dan mengembangkan metode dan model penyelidikan baru yang memungkinkan kita merangkul serta meneliti peran seni dan kreativitas. dalam masyarakat.

Pendekatan dialogis ini meliputi peninjauan kembali topik sejarah seni rupa konvensional, pendekatan dan objek kajian, yang selaras dengan teori skenografi baru. Bentuk seni berkebun memberikan contoh yang tepat tentang apa yang dapat disumbangkan oleh pendekatan skenografis multiindrawi dan holistik terhadap sejarah seni.

Karena taman adalah peristiwa yang penting, kejadian yang berlangsung lama, dirasakan dan dialami dengan semua indera, dapat dikatakan bahwa metode dan teori multiindrawi yang diberikan oleh pendekatan skenografi akan membantu melawan marginalisasi topik dalam sejarah seni.

Contoh lain dari sejarah seni adalah setting seperti ruang perkotaan (memang kejadian multisensorik termasuk orang, tindakan dan arsitektur), gereja (di mana bau, tubuh, gambar dan arsitektur menciptakan suasana afektif), atau seni instalasi yang mendorong pengalaman ko-kreatif yang bersifat durasi dan holistik ( seperti pameran termasuk bau).

Dalam artikelnya “Scented scenographics and olfactory art”, Kjellmer yang disebutkan di atas, memobilisasi pemahaman skenografi yang diperluas dan multisensor sebagai alat untuk mengeksplorasi peristiwa penciuman.

Meninggalkan pendekatan visual tradisional untuk pameran, ia bergerak ke sebuah lanskap bau, menggunakan seluruh tubuhnya sebagai instrumen ilmiah. Ketika udara menjadi media estetika dan temporal, tubuh Kjellmer, khususnya hidungnya, mengamati, mempengaruhi, dan dipengaruhi oleh kejadian skenografis.

Pendekatannya masuk ke dalam perdebatan lama dan berkelanjutan tentang sensorial dalam sejarah seni, studi visual dan domain ilmiah terkait. Ketika membayangkan kembali karya seni penciuman sebagai peristiwa skenografi holistik, artikel Kjellmer melambangkan salah satu tujuan utama dari edisi khusus ini: untuk memberikan contoh manfaat meninggalkan sikap pengamatan visual jarak jauh dan alih-alih terlibat dalam multisensori, merasa, pertemuan dengan seni atau lainnya acara.

Dari representasi ke materialisasi

Untuk sejarah seni rupa, sikap multiindrawi, menyiratkan bahwa skenografi, yang telah lama menderita karena dipahami sebagai objek, latar belakang teater, atau bentuk seni yang lebih rendah, sekarang dapat dimajukan sebagai agen aktif dari segala macam peristiwa dan sebagai cara berpikir yang berguna untuk menganalisis kejadian seni multisensor, durasi, dan holistik.

Menurut sejarawan seni dan pemain Amelia Jones, kita perlu mengembangkan pendekatan yang cukup dapat menjelaskan perasaan, dan seringkali “perwujudan berantakan yang membentuk hubungan kita dengan ruang dan benda.” Edisi khusus ini menunjukkan bahwa teori skenografi multisensor dan holistik memberikan model yang berguna untuk mengeksplorasi keterkaitan antara tubuh, objek, dan pengaturan.

Meninggalkan pemahaman tentang skenografi sebagai “hal” representasional statis dengan demikian membuka eksplorasi ke dalam apa yang dilakukannya , bagaimana hal itu penting secara aktif, bagaimana sumber daya dimobilisasi dan makna ditempa dan dirasakan. Dalam studi skenografi baru-baru ini serta dalam sejarah seni, kita menemukan peralihan dari representasi ke materialisasi, pembuatan makna , dan artikulasi. Meskimmon merangkum pergeseran ini sebagai berikut:

Seni tentu saja dapat mewakili subjek dan objek, konsep dan dunia. Namun lebih dari itu, seni dapat membuat subjek dan objek, konsep dan dunia. Agensi visual, spasial, dan materialnya melampaui logika representasi, di mana itu menyiratkan bahwa seni adalah cermin bisu ke dunia. Sebaliknya, seni adalah salah satu bentuk di mana dunia muncul, menjadi bermakna, dalam arus intra-aktivitas di celah waktu, ruang, dan tubuh.

Sebagai pengakuan atas pola pikir yang dialogis, terletak, diwujudkan dan multiindrawi ini, saya akan menyajikan pilihan cara memahami dan menggunakan konsep skenografi yang baru-baru ini muncul.

Memperluas konsep skenografi

Secara khusus, penelitian artistik dan berbasis praktik telah berkontribusi untuk memindahkan skenografi keluar dari teater untuk mencakup pada dasarnya setiap kejadian dalam pengaturan apa pun yang dibangun atau alami. Mari kita lihat dulu sisi positif dari ekspansi. Dua pendukung perintis pendirian ini, dramaturg Sodja Zupank Lotker dan pakar pertunjukan Richard Gough, mengungkapkan kekuatan pembebasan dari pemahaman skenografi yang diperluas sebagai berikut:

Kami melakukan skenografi dan mereka melakukan kami. Peran kami berubah dengan skenario ini. Lingkungan bersekongkol dan berkolusi untuk membangun skenario untuk tindakan kita, dan situs, tempat dan lokasi ditumbangkan, dikooptasi, diduduki, diterjemahkan dan dimutasi untuk kebutuhan pertunjukan kita. Semua yang kami lakukan dan hampir semuanya memahami formasi pemandangan lanskap, situs, dan latar tetapi juga cara membangun lingkungan fisik, persepsi, dan emosional dari/untuk acara tersebut.

Apa yang mendasari penjelasan ini adalah mobilisasi teori-teori yang berusaha untuk bergerak melampaui pemikiran biner, untuk mengatasi pemisahan antara “objektif” seperti dalam pengamatan visual yang jauh dan tanpa tubuh, dan “subyektif” seperti dalam partisipasi dan pengalaman seni dan kreativitas bersama segala macam acara.

Seseorang dapat berbicara tentang generasi baru seniman dan akademisi yang bergabung untuk mencari dan mengembangkan cara baru dan alternatif untuk memperhitungkan perbedaan, posisi, dan kekakuan ilmiah. Sikap ini diwujudkan dalam karya kunci baru-baru ini, Scenography Expanded: An Introduction to Contemporary Performance Design (2017), sebuah antologi yang diedit oleh pakar skenografi Joslin McKinney dan Scott Palmer.

Di antara pendekatan teoretis yang ditemukan di dalamnya dapat disebutkan pengaruh, teori materialis dan pasca-manusia baru, semua digunakan untuk menekankan materi, pertemuan multi-lipat dan pengalaman seperti dalam dimensi kejadian skenografis yang dirasakan dan diproduksi bersama.

Untuk sejarah seni, saya menyarankan akan sangat menarik untuk terlibat dengan pendekatan McKinney dan Palmer terhadap pengalaman peristiwa seni yang terletak dan diwujudkan. Mereka menekankan bahwa

cara-cara di mana skenografi menarik perhatian penonton melalui organisasi dan transformasi ruang, melalui pemilihan dan manipulasi gambar dan melalui aksi bahan skenografi itu sendiri – seringkali tidak langsung dan miring; pengalaman atau serangkaian potensi daripada pesan tunggal.

Scenography Expanded tidak hanya menyediakan aplikasi yang berguna dari teori non-representasional, tetapi juga membuka untuk menerapkan pendekatan skenografi pada objek studi sejarah seni, seperti intervensi artistik dalam pengaturan perkotaan atau seni instalasi imersif.

Penerapan pendekatan ini dicontohkan dalam artikel seniman dan ahli studi warisan kritis Alda Terracciano “Seni Instalasi dan Masalah Gentrifikasi: Menjelajahi skenografi yang diperluas dari Pintu Zelige di Jalan Golborne” termasuk dalam edisi khusus ini.

Sementara instalasi imersif membahas masalah gentrifikasi di London, Terracciano melihat ke dalam dramaturgi skenografinya, dengan fokus khusus pada keterlibatan peserta dalam proses desain. Hal ini menunjukkan bagaimana desain skenografi partisipatif tidak hanya berhasil memberdayakan peserta masyarakat lokal di masa sulit, tetapi juga dapat mengekspos dan membantu operasi kontra gentrifikasi.

Dengan memobilisasi teori skenografi, Terracciano secara konstruktif berkontribusi untuk mengatasi ortodoksi akademis yang membagi perspektif orang dalam dan orang luar, untuk memperdebatkan pentingnya seni dalam masyarakat yang diperebutkan. Penempatan Terracciano tentang dirinya sebagai seorang sarjana dan seniman, dalam konteks skenografi, bukan bias yang mendiskualifikasi,

Penting untuk dicatat bahwa gagasan skenografi yang diperluas telah disambut dengan kritik (sangat sejalan dengan apa yang terjadi pada konsep performativitas) bahwa jika suatu konsep dapat diterapkan pada segala hal, ia akan kehilangan kejelasan akademisnya. Masalah ini sebenarnya sudah diatasi pada tahun 2005, oleh sejarawan seni Magdalena Holdar, ketika dia menunjukkan “jika seluruh dunia adalah panggung, yang kita lihat hanyalah skenografi.”

Pada bagian berikutnya, saya akan memperkenalkan teori skenografi yang dikembangkan baru-baru ini oleh sarjana skenografi Rachel Hann, yang menanggapi masalah konseptual dengan skenografi yang diperluas.

Teater Dunia Kontroversial Huang Yong Ping
Theater

Teater Dunia Kontroversial Huang Yong Ping

Teater Dunia Kontroversial Huang Yong Ping – Huang Yong Ping adalah seorang seniman kontemporer, lahir dan besar di Xiamen, China . Dalam beberapa dekade terakhir, ia telah menciptakan banyak karya seni yang kontroversial dan konfrontatif. Huang dikenal sebagai salah satu seniman kontemporer Tiongkok yang paling berpengaruh.

toscanaspettacolo

Teater Dunia Kontroversial Huang Yong Ping

toscanaspettacolo – Karya-karyanya meliputi patung, instalasi, dan lukisan. Ia menjadi ikon di dunia seni rupa karena karya-karyanya yang provokatif, surealis, dan kebinatangan yang dibuatnya sejak tahun 1980-an. Karyanya dapat dikategorikan ke dalam empat periode: anti-artistik afeksi, anti-ekspresi diri, semut-seni, dan anti-sejarah.

Huang bersekolah di Sekolah Seni di Hangzhou dan lulus pada tahun 1982. Beberapa karya seninya yang paling awal terinspirasi oleh orang-orang seperti John Cage, Marcel Duchamp, dan Joseph Beuys1 . Beberapa tahun setelah kelulusannya, ia membentukXiamen Dada2 .

Pada tahun 1989, ia menjadi terkenal secara internasional pada usia 35 tahun ketika ia melakukan perjalanan ke Paris untuk berpartisipasi dalam pameran berpengaruh yang dikenal sebagai Magiciens de la Terre (The Magicians of the Earth) . Pada saat ini, dia telah menerima banyak pujian di kancah seni Tiongkok.

Baca Juga : Sejarah Teater Dokumenter AS dalam Tiga Tahap

Pindah ke Prancis & Penghargaan

Beberapa tahun setelah ini, Huang bermigrasi ke Prancis dan telah tinggal di sana sejak itu. Pada tahun 1999, ia adalah seniman tepercaya Prancis untuk mewakili negara itu di Venice Biennale. Empires karya 2016-nya yang mengesankan3 dipilih untuk pameran Monumenta Biennial di Grand Palais di Paris.

Teater Dunia

The Theatre of the World memiliki dua kandang-seperti struktur yang reptil tuan rumah, amfibi, dan serangga, termasuk kumbang, kecoa, kadal, kodok, ular, dan kura-kura.

Inspirasi dibaliknya

Karya ini dinamai menurut salah satu kreasi seniman lainnya. Struktur kandang seperti ular yang dikenal sebagai The Bridge (1995) melengkung di atas struktur kandang seperti kura-kura yang juga dikenal sebagai Theatre of the World .

Dalam karya seni aslinya, kura-kura hidup dan ular hidup bersama. Pada saat yang sama, beberapa tokek, ular, dan kodok berinteraksi dengan banyak serangga di struktur di bawah Jembatan . Hal ini menyebabkan beberapa dari mereka memakan yang lain.

Kritik & Tekanan Publik

Karya Huang Theatre of the World menghadapi kritik internasional. Sebuah petisi online mengumpulkan hampir 800.000 tanda tangan, dan aktivis hak-hak hewan setempat memprotes sebelum debutnya di New York . Para aktivis berpendapat bahwa ada beberapa contoh kekejaman terhadap hewan, dan karenanya, mereka membutuhkan pameran yang bebas dari kekejaman.

Huang dan Guggenheim menyerah pada tekanan sengit4 untuk menghapus instalasi, yang menampilkan reptil dan serangga hidup. Mereka juga harus meninggalkan pameran lain yang menampilkandua anjing berkelahi satu sama lain5 .

Pameran Guggenheim

Theatre of the World dipamerkan di Museum Solomon R. Guggenheim di New York antara Oktober 2017 dan Januari 2018. Di samping karya ini, Huang menunjukkan karya-karya lain yang juga berasal dari tahun-tahun Dadaisnya.

Pameran besar ini, yang terbesar dari jenisnya di Amerika Utara, mencakup karya dari tahun 1989 hingga 2008, periode yang dikenal sebagai periode paling transformatif seni kontemporer Tiongkok. Karya-karya tersebut menawarkan survei interpretatif tentang pengaruh perang dingin, kebangkitan China, dan penyebaran globalisasi, singkatnya, semua transformasi sosial yang membawa China ke peta global.

Guggenheim Bilbao

Terlepas dari tantangan yang dihadapi karya seni saat ini, Bilbao Guggenheim mengatakan bahwa mereka perlu menampilkan karya tersebut, dengan alasan untuk berekspresi. Manajemen museum tahu bahwa beberapa orang akan menentang pameran tersebut, dan mereka menghormati protes mereka. Namun, mereka menyatakan bahwa museum memiliki tanggung jawab untuk melindungi karya seniman.

Analisis

Pekerjaan itu tampaknya berbicara tentang sejarah panjang China yang mencakup segala hal mulai dari perang hingga kerukunan, jangkauan global hingga keterisolasian pikiran sempit, kekayaan dan kelangkaan, dan banyak hal lainnya.

Huang menerobos perbedaan antara Peradaban Tiongkok dan sejarah Tiongkok modern dan, lebih luas lagi, kehidupan modern secara umum. Banyak seniman Cina mencampuradukkan temporalitas dengan cara yang tepat untuk mempertanyakan kembalinya dunia seni dari masa lalu.

Karya seni tersebut mengkaji bagaimana seniman China telah menskalakan kedatangan China sebagai manifestasi global sebagai proksi dan sinis. Karyanya membuat penonton menghadapi kekerasan dan sandiwara kekuasaan.

Teater Dunia merupakan titik balik dalam karya seni pasca-sosialis. Ini juga menunjukkan penampilan suara artistik yang tiada tara. Ini memikirkan kembali dan mentranspos karya seni Tiongkok kontemporer. Ini menjadi karya seni yang penting, membuktikan bahwa pemisahan antara timur dan barat hanya menjadi pertanyaan bagaimana memunculkan era novel yang berani.

Sejarah Teater Dokumenter AS dalam Tiga Tahap
Theater

Sejarah Teater Dokumenter AS dalam Tiga Tahap

Sejarah Teater Dokumenter AS dalam Tiga Tahap – Secara umum, teater dokumenter Amerika (juga kadang-kadang disebut dokudrama, etnodrama, teater verbatim, teater pengadilan, teater saksi, atau teater fakta) adalah pertunjukan yang biasanya dibangun oleh individu atau kolektif seniman dari bahan sejarah dan/atau arsip.

toscanaspettacolo

Sejarah Teater Dokumenter AS dalam Tiga Tahap

toscanaspettacolo – Seperti transkrip persidangan, wawancara tertulis atau rekaman, pelaporan surat kabar, gambar visual atau rekaman video pribadi atau ikonik, dokumen pemerintah, biografi dan otobiografi, bahkan makalah akademis dan penelitian ilmiah.

Saya menemukan tiga momen penting inovasi dalam bentuk, isi, dan tujuan pertunjukan dokumenter selama 100 tahun terakhir sejarah dan praktik teater Amerika. Yang pertama ditandai dengan karya yang dihasilkan di bawah naungan Proyek Teater Federal (1935-1939), khususnya “koran hidup”, sebuah bentuk yang dipinjam dari agitprop dan teater pekerja di Eropa Barat dan Rusia.

Sementara isi dari drama dokumenter Amerika awal ini diambil dari kehidupan sehari-hari, khususnya pengalaman imigran kelas pekerja generasi pertama dan kedua, bentuknya jelas modernis, merangkul kolase, montase, ekspresionisme, dan minimalisme dalam hubungan simbiosis dengan bentuk baru seni visual, sinema awal, dan komposisi musik atonal.

Baca Juga : Teater Monroe Dibuka Kembali Untuk Acara Publik Setelah Renovasi

Drama-drama ini terkadang dibangun dengan masukan dari komunitas di mana seniman-pekerja ditempatkan sebagai bagian dari FTP dan Administrasi Kemajuan Pekerjaan. Tetapi sebagian besar seniman membuat dan menampilkannya sebagai layanan edukatif atau budaya, menggunakan teknik yang mungkin atau mungkin tidak beresonansi dengan penonton yang mencerminkan cerita atau karakter yang digambarkan. Ketegangan antara konten etnografi dan bentuk artistik modern atau postmodern ini tetap menjadi ciri khas pertunjukan dokumenter, baik yang ditentukan oleh fitur atau praktik.

Jika kita menandai dimulainya sejarah pertunjukan dokumenter Amerika di awal 1930-an, mudah untuk melihat sentralitas krisis sosial dan politik pada fokus konten dan properti estetikanya.

Pada garis waktu ini, momen kunci kedua perkembangan terjadi pada akhir 1960-an, ketika gerakan Hak Sipil, Perang Vietnam, pergolakan ekonomi global, dan media massa televisual yang baru dominan mengundang atau memaksa generasi baru kolektif teater untuk mengeksplorasi, menggunakan , dan meledakkan sifat formal dan estetika dokumenter.

Perusahaan seperti Teater Hidup , Teater Terbuka , Teater Roti dan Boneka , Teatro Campesino , dan San Francisco Mime Troupemempertanyakan media dominan dan narasi negara seputar penindasan ekonomi dan sosial, demokrasi, kesetaraan, dan supremasi hukum.

Mata pelajaran ini tidak sepenuhnya baru bagi pembuat teater. Pada abad ke-19, seniman dalam genre naturalisme dan realisme yang muncul juga merupakan reformis sosial dan mengambil inspirasi baik dalam isi maupun bentuk dari pengalaman hidup dan perjuangan sosial/politik orang-orang “biasa”, sejarah pribadi mereka, dan lingkungan mereka.

Tetapi pada tahun 1960-an dan 70-an, ketika definisi tradisional tentang rumah, keluarga, bangsa, dan ciptaan diperebutkan dengan semangat baru, energi bergeser dari drama dan ruang teater yang terstruktur dan diproduksi secara konvensional menuju peristiwa yang tidak terbatas dan tidak tertulis (“kejadian”) juga sebagai instalasi multimedia yang sangat terkontrol dan karya berdurasi panjang yang menguji kemampuan fisik seniman dan penonton. Pada saat yang sama dorongan untuk membuat dunia teater dari kehidupan nyata, pengalaman, dan tempat berkembang menjadi lebih mentah,

Peralihan ke artis sebagai bahan sumber ini menandai perkembangan sejarah ketiga dalam teater dokumenter Amerika, khususnya dalam karya Anna Deavere Smith. Dalam karya Smith, keunggulan tertulis, dokumen arsip mengambil kursi belakang untuk bahan-bahan berbasis wawancara yang dikumpulkan seniman.

Smith juga berfungsi sebagai performer, menghadirkan tubuh dan suara yang dipelajari dengan susah payah dan setia (lintas ras, etnis, dan gender) menggunakan tubuhnya sendiri sebagai tabula rasa, mengaktifkan pertanyaan baru tentang kebenaran dan keaslian.

Seniman lain pada akhir 1980-an, awal 1990-an, termasuk Tim Miller, Holly Hughes , Spalding Gray, Karen Finley, dan kolektif Pomo Afro Homos, menceritakan lebih banyak kisah pribadi tentang pembentukan identitas, perjuangan melawan ideologi agama yang menindas, hierarki sosial yang diskriminatif, dan sistem politik yang tidak adil.

Dramaturgi dari dokumenter monolog ini sering menggemakan organisasi kolase dan elemen ekspresionistis dari surat kabar hidup tahun 1930-an, menghindari pendekatan realistis terhadap waktu dan tempat. Sebaliknya, realitas emosional pemain membentuk alur cerita dan pengalaman penonton tentang sejarah sosial saat bertemu dengan kehidupan individu.

Mungkin naskah yang paling menonjol dari era ketiga ini adalah The Laramie Project (2000), sebuah drama tiga babak yang mengambil pembunuhan mahasiswa Matthew Shepard sebagai peristiwa katalisnya.

Kami melihat sejarah konstruksi drama pada saat pembukaannya, ketika anggota perusahaan menggambarkan bagaimana mereka melakukan perjalanan dengan sutradara/penulis Moises Kaufman dari New York City ke Laramie, Wyo., di mana mereka melakukan wawancara dengan anggota masyarakat setelah adanya anti- kejahatan kebencian gay yang membawa perhatian internasional ke kota AS Barat yang relatif kecil dan terisolasi ini. Menggunakan teknik “moment work” Kaufman, wawancara Tectonic menjadi inti dari naskah mereka.

Kaufman telah mengembangkan “kerja momen” untuk karya teater verbatim sebelumnya, Ketidaksenonohan Bruto: Tiga Percobaan Oscar Wilde , yang menggelar tiga persidangan yang akhirnya membawa tuntutan hukuman Wilde atas ketidaksenonohan (diturunkan dari sodomi).

Sementara drama itu, diinformasikan oleh investasi dalam mengungkap homofobia dalam domain hukum dan sosial, meneruskan gagasan bahwa penuntutan Wilde adalah kegagalan keadilan, itu juga mendramatisasi bagaimana kesombongan Wilde, hak rasial dan kelas, dan selera berkontribusi pada kejatuhannya dari publik. anggun dan selebriti. Drama itu bahkan menjadi tuan rumah debat di atas panggung tentang peran artis dan sejarawan untuk memerangi, mengungkapkan, atau mengabaikan ketidakadilan sosial.

Sementara kepenulisan Kaufman adalah tunggal di Gross Indecency , ia menempatkan ansambel akting, yang ia sebut “narator,” sebagai negosiator sentral dari gagasan kompleks drama itu tentang seksualitas, estetika, dan otoritas.

Namun dalam The Laramie Project , para aktor menjadi rekan penulis yang bekerja sebagai pemain dan lawan bicara, dan struktur dramaturgi sentral drama itu adalah tiga kali lipat tindakan menyaksikan, mengingat, dan bersaksi.

Meta-teater semacam itu—mengungkapkan mekanisme proses pengumpulan, penciptaan, dan pertunjukan teater—bukanlah fitur baru atau tunggal dari drama dokumenter. Dengan kesuksesan dan pengaruh The Laramie Project, bagaimanapun, itu telah menjadi kesombongan estetika sentral dari karya yang dibangun dari wawancara, terutama jika wawancara tersebut dilakukan oleh seniman yang sama yang kemudian membangun dan menampilkan naskah dokumenter.

Namun, seperti yang dicatat oleh Carol Martin, seorang profesor di NYU, dalam beberapa buku dan esai tentang apa yang dia sebut sebagai “teater nyata”, teater dokumenter Amerika memperoleh lebih banyak perhatian publik untuk subjek yang disajikannya daripada inovasi estetika atau kritiknya kompleksitas.

Sementara banyak seniman yang bekerja di domain ini berharap untuk mempertanyakan pemahaman bersama tentang istilah-istilah seperti “nyata” dan “fakta,” untuk Martin dan kritikus dan sejarawan lainnya, interogasi semacam itu ada pada tingkat yang berbeda berdasarkan sejauh mana pembuat teater dokumenter menghubungkan mereka politik pertunjukan hingga estetikanya.

Dalam bukunya Dramaturgy of the Real on the World Stage tahun 2014 , Martin berpendapat seniman yang bekerja di “teater yang nyata,” sering kali di luar AS, melakukan pemeriksaan yang luas dan sadar diri tentang bagaimana teater “berpartisipasi dalam obsesi budaya yang lebih besar dengan menangkap ‘nyata’ untuk konsumsi, bahkan sebagai apa yang kita memahami sebagai nyata terus direvisi dan diciptakan kembali.

Martin meninggalkan kita dengan pertanyaan kunci tentang kapan dan bagaimana, bahkan jika kita, sebagai seniman atau penonton, dapat “secara pasti menentukan di mana realitas berhenti dan representasi dimulai.”

Pada saat kontemporer, ketika kekaburan antara yang nyata dan yang terwakili terjadi setiap hari, sistemik, dan menyeluruh, perusahaan seperti Civilians, yang menyebut karyanya sebagai “teater investigasi,” sengaja menghindari label “dokumenter,” dengan alasan teater mereka mengajukan lebih banyak pertanyaan daripada menjawab, tidak menekan agenda politik atau aksi penonton tertentu, dan merangkul perangkat teater seperti musik dan tarian untuk mengungkap dimensi absurditas, hiperbola, dan non-linearitas—alat penting untuk memahami kekuatan sosial, politik, dan budaya kompleks yang membentuk kehidupan kita sehari-hari.

Momen baru dalam perkembangan teater dokumenter ini ditandai dengan perpaduan antara urgensi, intensitas, dan hibriditas. The Civilians, misalnya, menyampaikan konten mereka di berbagai platform media, termasuk namun tidak terbatas pada teater dan konser, termasuk melalui podcast.

Yang terakhir menerangi dimensi aural komunikasi yang teater dokumenter lebih luas mengeksplorasi (atau kembali ke). Dalam lima tahun terakhir, platform cerita berbasis audio dan acara khusus situs (seperti tur jalan kaki bernarasi, podcast dan drama smartphone, bahkan permainan mobil), telah memperluas dimensi sehari-hari dari “panggung” teater dan kinerja serta resepsinya.

Dengan latar belakang ini, kita dapat melihat mengapa perdebatan tentang apakah kategori “dokumenter” adalah genre formal atau serangkaian praktik dan politik telah bergejolak di antara pembuat film selama beberapa dekade.

Kebangkitan dan proliferasi reality TV, teater yang dirancang, dan sekarang podcasting atau cerita audio serial telah mengintensifkan diskusi ini di berbagai bidang dan industri. Ditawarkan sebagai penangkal drama naskah yang tenang di mana kontrol naratif ada di tangan penulis atau tim penulis, reality TV telah dipasarkan sebagai tanpa filter dan murni, mengungkap aliran emosi yang tersedia dalam aliran kehidupan sehari-hari yang berisiko dan tidak terkendali.

Sejak awal 2000-an, teater yang dirancang, yang mencakup praktik-praktik yang memiliki banyak nama di era sebelumnya, telah disebut-sebut membawa (atau mengembalikan) demokrasi ke ruang latihan, menyetarakan teks tertulis dalam proses pembuatan teater dan memungkinkan seniman dari semua latar belakang dan keterampilan untuk menjadi penulis naskah pertunjukan, mengubah konvensi naratif untuk menceritakan kisah ide, individu, atau peristiwa apa pun.

Pertunjukan semacam ini dapat dibangun oleh kolektif seniman, tetapi juga dapat diakses oleh komunitas non-seniman, sehingga menggeser otoritas estetika kepada mereka yang memiliki pengalaman langsung atas pelatihan artistik.

Desakan dua kali lipat untuk mempertanyakan dan membentuk realitas memberi teater dokumenter karakternya yang unik, apakah seseorang memprioritaskan konten atau bentuknya.

Pertama, dengan mendramatisasi aspek-aspek yang kurang dikenal atau kontra-narasi dari pengalaman yang diperebutkan atau dianggap stabil, teater dokumenter meresahkan apa yang kami pikir kami ketahui dalam upaya untuk menjungkirbalikkan hak istimewa, membalikkan margin dan pusat, dan menginterogasi struktur otoritas.

Kedua, teater menawarkan kesempatan unik untuk pengalaman tubuh-ke-tubuh di ruang materi bersama, yang menjadikannya seni yang rumit dan berbahaya apa pun bentuknya.

Sementara teater hanya bisa menjadi faksimili dari yang nyata, untuk menciptakan dunia dan menghuninya adalah tindakan imajinasi dan perlawanan yang kuat. Akibatnya, seniman dokumenter mendapat sorotan dan kritik publik tertentu karena pengaruh mereka terhadap pemilihan, bentuk, dan penerimaan karya mereka.

Paradoks teater dokumenter sebagai nyata dan representasional, multivokal namun jelas, langsung, dan koheren, kritis terhadap kebenaran terpadu namun dapat dipercaya dan menarik, adalah bagian dari sejarahnya yang kompleks, inovatif, dan terus berkembang.

Teater Monroe Dibuka Kembali Untuk Acara Publik Setelah Renovasi
Theater

Teater Monroe Dibuka Kembali Untuk Acara Publik Setelah Renovasi

Teater Monroe Dibuka Kembali Untuk Acara Publik Setelah Renovasi – Sebuah teater tua di jantung pusat kota Monroe memiliki kehidupan baru. Dowd Center Theatre yang sekarang bernama telah menjadi penyewa lama di 100 blok South Main Street, duduk di sebelah toko sandwich dan di seberang restoran lain.

toscanaspettacolo

Teater Monroe Dibuka Kembali Untuk Acara Publik Setelah Renovasi

toscanaspettacolo – Awalnya dibuka sebagai bioskop pada tahun 1940, ditutup pada tahun 1991 dan belum dibuka kembali sejak itu, mengubah pemilik dan rencana renovasi di sepanjang jalan, menurut Kota Monroe.

Pada tahun 2013, kota membeli bangunan tersebut dan memutuskan kombinasi dana swasta dan publik dapat membantu mengembalikannya.

“Mengapa kita harus pergi ke kota yang berbeda dan kota yang berbeda untuk mendapatkan hal-hal yang baik? Kami adalah kota yang hebat, kami memiliki banyak hal untuk ditawarkan,” kata Peter Hovanec, direktur komunikasi dan pariwisata kota tersebut.

Baca Juga : 7 Keterampilan Yang Anda Butuhkan Untuk Berhasil Dalam Seni Teater

Hovanec membantu dewan kota untuk membeli gedung dan menyelamatkannya setelah upaya lain gagal membuat kemajuan. Setelah suntikan dana publik dan swasta sebesar $7 juta dolar ke dalam renovasi, mimpi kota itu berubah menjadi kenyataan.

“Kami memiliki banyak sekali bangunan yang bagus, kami memiliki banyak sejarah. Kami membutuhkan orang-orang, kami membutuhkan orang-orang setelah jam kerja. Anda membawa orang-orang masuk setelah jam kerja, Anda mendapatkan lebih banyak restoran, Anda mendapatkan lebih banyak kehidupan malam, ”kata Hovanec di ruang teater baru.

Menampilkan kursi baru, ruang interior, ruang ganti, kamar mandi yang lebih bagus, dan fasilitas lain yang ditingkatkan, teater perlahan kembali ke acara publik. Pada 15 Oktober, Sierra Hull, seorang penyanyi, penulis lagu dan instrumentalis akan naik ke atas panggung.

Dalam beberapa minggu terakhir, teater telah dibuka kembali untuk pameran seni, acara donor pribadi dan Union Symphony Orchestra.

Kota membeli teater dan gedung di sebelahnya, menggunakan ruang tambahan untuk membuka lobi samping, yang dapat digunakan untuk acara khusus, galeri seni, dan kebutuhan lainnya. Dua tahun konstruksi, dengan beberapa penundaan terkait pandemi, mendorong kembali pembukaan publik resmi ke tahun ini.

Hovanec mengatakan ruang itu akan digunakan untuk musisi, konser, komedian, teater dan ya, film sesekali. Saat penonton tiba di Dowd Center Theatre, mereka harus berjalan melewati meja Lynn Price untuk mendapatkan tempat duduk mereka.

Harga tidak asing dengan teater Monroe.

“Jenis teater terlihat sama bagi saya sedikit, tetapi semuanya sangat baru dan terlihat sangat bagus,” kata Price dari mejanya.

Price adalah salah satu karyawan baru teater dengan gelar resmi asisten layanan pelindung. Dia juga penduduk Monroe seumur hidup dan ingat datang ke teater pada tahun 1960-an.

“Saya ingat, khususnya, ibu saya akan memasukkan kami ke dalam mobil, dan ayah saya akan mengantar saya dan saudara laki-laki saya ke sini pada jam 11, dan dia akan menjemput kami kembali pada jam 5 karena itu adalah hari bebas. Tapi itu bagus, karena ada banyak teman dan anggota keluarga di sini. Dan, kami baru saja menghabiskan waktu bersama,” Price merenungkan ruang lama.

Pada saat itu, teaternya terpisah, jadi dia berjalan menaiki tangga untuk melihat pertunjukan dari balkon. Sekarang, di gedung yang telah direnovasi, tangga terbuka dan sebuah plakat di dekatnya menyambut semua orang untuk menikmati seni dan hiburan.

“Gerbang Perubahan: Pintu masuk ini dulunya diperlukan untuk orang kulit berwarna. Sekarang, ini adalah ruang terpadu dan inklusif untuk semua. Untuk mengenang masa lalu dan dengan pandangan optimis tentang masa depan, Kota Monroe menyambut semua orang untuk menikmati seni dan hiburan di Teater Dowd Center,” demikian bunyi plakat tersebut. Sebuah kutipan dari Dr. Martin Luther King, Jr. ditranskripsikan di sepanjang bagian bawah plakat.

Kenangan lama harapan baru

Di luar teater, pemilik ikon Monroe lainnya, Oasis Sandwich Shop, juga memiliki kenangan teaternya. “Kami biasa pergi ke bioskop di sana, pada hari Sabtu, ketika kami masih kecil,” kata Tim Ratliff. Ratliff mengatakan setelah menonton film, dia ingat sering pergi ke toko barang baru di dekatnya.

Ratliff hanyalah pemilik Oasis ketiga sejak 1933. Yang lain? Bibinya, dan sebelum dia, teman keluarga dekat. Mereka telah berada di sebelah teater tua selama hampir 50 tahun dan senang melihatnya kembali.

“Saya pikir itu akan membuat perubahan bisnis yang luar biasa di pusat kota, saya pikir itu akan menarik bisnis, banyak fungsi di sana, kami sudah menunggu ini untuk waktu yang lama,” tambah Ratliff.

Oasis berencana untuk berada di sebelah teater selama beberapa dekade lagi setelah pindah ke lokasi saat ini beberapa dekade yang lalu.

Kombinasi perbaikan baru dan kenangan lama memberikan harapan bahwa semua itu memicu revitalisasi ke pusat kota.

“Sungguh luar biasa memilikinya kembali dan berjalan dan jauh lebih baik dari sebelumnya,” kata Price. “Saya pikir itu akan mengubah pusat kota Monroe,” tambah Ratliff.

Di dalam Oasis, Libby Helms, kerabat pemilik asli Oasis, mengatakan teater yang direnovasi akan sangat membantu pusat kota.

“Sungguh luar biasa bahwa Center Theatre dibuka kembali, berkat sumbangan dari yayasan Dowd dan kota Monroe. Itu akan membawa begitu banyak peluang bagus untuk pertumbuhan di pusat kota. Oasis pasti akan berkembang dengan tambahan baru di kota itu, ”kata Helms.

Helms mengatakan ketika teater ditutup pada tahun 1991, staf dan pendukung Oasis tidak terlalu khawatir. “Pusat kota berkembang pesat pada saat itu, kami masih memiliki Belk di sini di pusat kota dan banyak toko-toko kecil dan bisnis. Saya tidak berpikir ada banyak kekhawatiran, ”kata Helms melihat ke belakang.

Sekarang, dia mengatakan teater yang telah direnovasi akan membantu pusat kota bergerak ke arah yang benar.

“Oasis adalah sebuah institusi di Monroe. Dibuka pada 4 Juli 1933 oleh pemilik yang sama, paman kami,” lanjut Helms, “Saya pikir dengan tambahan pembukaan teater kembali, itu hanya akan memiliki dampak yang luar biasa di pusat kota.”

7 Keterampilan Yang Anda Butuhkan Untuk Berhasil Dalam Seni Teater
Theater

7 Keterampilan Yang Anda Butuhkan Untuk Berhasil Dalam Seni Teater

7 Keterampilan Yang Anda Butuhkan Untuk Berhasil Dalam Seni Teater – Seni pertunjukan terutama berfokus pada tari, drama, musik dan teater. Ini berarti sering terjadi tumpang tindih dengan industri film dan media.

toscanaspettacolo

7 Keterampilan Yang Anda Butuhkan Untuk Berhasil Dalam Seni Teater

toscanaspettacolo – Peran desain dan produksi juga berada di bawah payung ini, dengan banyak institusi dan sekolah seni pertunjukan menyediakan kursus dalam pencahayaan produksi, desain panggung dan penyangga, konstruksi kostum, dan manajemen panggung. Dengan pengalaman dan kualifikasi yang tepat, pindah ke pengajaran dan bimbingan belajar adalah sebuah pilihan.

Pekerjaan di lapangan antara lain:

  • aktor
  • pembawa acara siaran
  • koreografer
  • penari
  • pemusik
  • sutradara teater
  • manajer teater

Bakat hanya dapat membawa Anda sejauh ini ketika mencoba membuat nama Anda di industri ini. Anda juga memerlukan atribut berikut.

Baca Juga : Hal yang Perlu Anda Ketahui Tentang Teater Abad 20 Di Italia

Kepercayaan diri

Berakting, menari, bermain atau bernyanyi di depan orang lain bisa menjadi pengalaman yang sangat menegangkan. Melangkah ke atas panggung dan tampil di depan penonton membutuhkan kepercayaan diri dan harga diri yang besar, karena Anda menunjukkan bakat Anda dan mengundang penilaian.

Dalam situasi ini, wajar untuk merasakan tingkat tertentu dari saraf, tetapi sebagai pemain profesional Anda perlu memanfaatkan dan menggunakan saraf ini untuk meningkatkan kinerja Anda.

Mereka yang bercita-cita untuk bekerja di industri yang lebih luas, mungkin dalam peran teknis atau manajemen, akan menghadapi persaingan yang ketat. Sikap percaya diri dan bisa melakukan akan membantu Anda menonjol dalam wawancara kerja dan dapat membantu mengamankan pengalaman kerja.

Jika rasa percaya diri Anda membutuhkan sedikit dorongan, ada banyak hal yang dapat Anda lakukan. Bergabunglah dengan klub atau perkumpulan universitas , atau kelompok lokal seperti paduan suara, orkestra, tari atau kelompok drama amatir. Anda juga dapat mempertimbangkan untuk mengikuti kompetisi lokal atau regional atau kontes bakat untuk membangun kepercayaan diri Anda. Pekerjaan paruh waktu dalam peran menghadapi pelanggan benar-benar dapat membantu keterampilan komunikasi dan harga diri Anda.

Kemampuan untuk berjejaring dan memasarkan diri sendiri

Banyak orang yang bekerja di seni pertunjukan adalah wiraswasta , dan aktor, penari, penyanyi, dan musisi semuanya perlu mengikuti audisi untuk mendapatkan pekerjaan, jadi penting bagi Anda untuk dapat menjual dan memasarkan kemampuan Anda kepada calon pemberi kerja.

Agar nama Anda dikenali dan untuk membantu mengamankan pekerjaan di masa depan , Anda harus menggunakan keterampilan jaringan Anda untuk membuat koneksi industri sebanyak mungkin. Bergabunglah dengan asosiasi profesional dan hadiri acara industri, daftar untuk kelas, lokakarya, dan kursus singkat untuk bertemu orang-orang yang berpikiran sama dan ikuti direktur casting yang relevan, perusahaan tari, koreografer, direktur musik dan perbendaharaan serta teater komersial di media sosial. Banyak pekerjaan terbaik dicapai melalui koneksi dan mengetahui orang yang tepat pada waktu yang tepat dapat membayar dividen.

Ketangguhan, disiplin diri, dan stamina

Karena sifat industri yang kompetitif dan sangat terampil, kemungkinan mereka yang bekerja dalam seni pertunjukan – bahkan mereka yang memiliki peran teknis atau manajerial – akan mengalami penolakan di beberapa titik dalam karir mereka. Demikian pula, mereka juga akan menerima kritik dalam beberapa bentuk, pada tahap tertentu juga.

Untuk mengatasi tantangan ini, ketahanan dan keuletan sangat penting. Anda harus dapat menggunakan pengalaman ini untuk mengasah dan mengembangkan keahlian Anda dan bangkit kembali lebih baik dari sebelumnya.

Di sinilah disiplin diri dan stamina berguna. Pelaku diharuskan bekerja berjam-jam selama latihan dan menjelang pertunjukan dan diharapkan memberikan 100% untuk setiap pertunjukan. Sebagian besar waktu Anda akan dihabiskan untuk berlatih dan meningkatkan, dan pekerjaan itu dapat memakan korban baik secara mental maupun fisik – terutama pada pemain yang melakukan pekerjaan tambahan untuk membayar tagihan.

Pikiran analitis dan kemampuan untuk merefleksikan diri

Mungkin bukan keterampilan yang paling jelas, tetapi mereka yang bekerja di industri membutuhkan pikiran analitis. Jika Anda terlibat dalam drama, Anda harus mampu meneliti dan menginterpretasikan sebuah peran dan naskah, sementara penari harus mampu menguraikan dan menganalisis koreografi, dan musisi harus mampu membedah dan menginterpretasikan sebuah karya. musik. Anda juga harus dapat menerapkan keterampilan ini pada pekerjaan Anda sendiri saat menganalisis kinerja Anda secara kritis.

Anda dapat mengembangkan keterampilan ini dengan meninjau produksi universitas atau profesional, konser dan resital untuk publikasi akademik, media lokal atau majalah industri.

Fleksibilitas

Pelaku perlu beradaptasi dan menerapkan keterampilan dan bakat mereka ke berbagai peran, genre, teknik, dan gaya. Misalnya, aktor dapat berperan sebagai pahlawan dalam satu peran dan penjahat di peran berikutnya, sementara penari mungkin diminta untuk melakukan balet klasik untuk satu pekerjaan dan tarian jalanan minggu berikutnya.

Fleksibilitas pada dasarnya adalah tentang mampu melakukan banyak tugas, dan bekerja paruh waktu selama studi Anda akan memberi Anda banyak latihan saat Anda bekerja untuk menangani komitmen universitas, pekerjaan, dan pribadi.

Memang, sebagian besar dari mereka yang bekerja di seni pertunjukan juga memiliki karir portofolio, sering kali mensubsidi gaji mereka dengan mengambil pekerjaan kedua atau ketiga, biasanya dalam mengajar, administrasi seni atau peran teknis lainnya, sehingga kemampuan beradaptasi dan fleksibilitas berguna ketika mempertahankan banyak pekerjaan dan beralih antar peran.

Pandemi COVID-19 hanya menyoroti kebutuhan untuk memiliki pekerjaan lain, terutama karena banyak acara dibatalkan sepanjang 2020 dan hingga 2021.

Kerja tim

Seni pertunjukan adalah upaya kolaboratif antara banyak orang yang berbeda yang datang bersama untuk menciptakan pertunjukan, drama, siaran, konser atau resital yang sukses sehingga kemampuan untuk bekerja dengan baik dengan orang lain sangat penting. Lihat tips kami untuk kerja kelompok yang sukses di universitas.

Organisasi dan manajemen waktu

Pelaku yang sukses sering diminta untuk mengerjakan lebih dari satu proyek sekaligus dan jadwal kerja bisa menjadi padat. Oleh karena itu, keterampilan organisasi dan manajemen waktu yang kuat adalah suatu keharusan. Peran Anda sehari-hari mungkin melibatkan menghadiri beberapa audisi, melacak jadwal latihan, pengaturan perjalanan, keterlibatan promosi, dan waktu pertunjukan. Anda mungkin juga perlu menyulap pekerjaan kedua atau ketiga.

Hal yang Perlu Anda Ketahui Tentang Teater Abad 20 Di Italia
Theater

Hal yang Perlu Anda Ketahui Tentang Teater Abad 20 Di Italia

Hal yang Perlu Anda Ketahui Tentang Teater Abad 20 Di Italia – Pada tanggal 10 November 2015, lelang Post War & Contemporary Art Evening Sale berlangsung di Christie’s New York , dan hanya terlihat sedikit penjualan yang luar biasa. Lelang ini akan dikenang untuk penjualan Concetto Spazialle Lucio Fontana, La Fine di Dio dari tahun 1964.

toscanaspettacolo

Hal yang Perlu Anda Ketahui Tentang Teater Abad 20 Di Italia

toscanaspettacolo – Penjualan ini memecahkan rekor artis dalam lelang, karena terjual lebih dari $29 Juta. Selain itu, menurut Artnet, lima dari 10 besar penjualan lelang Fontana sepanjang masa terjadi pada tahun 2015. Tapi, kami tidak ingin fokus pada Lucio Fontana.dalam artikel ini, tetapi di pasar seni Italia abad ke-20.

Apa yang kita saksikan dalam beberapa tahun terakhir (dan apa yang merupakan fakta terkenal di kalangan spesialis pasar seni) adalah ledakan seni Italia Pasca-Perang di pasar. Mari kita lihat secara singkat apa yang harus Anda ketahui tentang posisi pasar seni Italia.

Arte Povera sebagai salah satu Gerakan Terpopuler?

Gerakan Arte Povera aktif selama 1967-1972 dan berlangsung di kota-kota di seluruh Italia. Istilah ini diciptakan oleh kritikus seni Italia Germano Celant dan diperkenalkan di Italia selama periode pergolakan pada akhir 1960-an, ketika seniman mengambil sikap radikal.

Baca Juga : Seni Theater Yang Mengembangkan 6 Keterampilan

Beberapa tokoh gerakan yang paling menonjol adalah Luciano Fabro, Jannis Kounellis , Giulio Paolini , Pino Pascali, Giuseppe Penone dan Michelangelo Pistoletto. Eksponen awal lainnya dari perubahan radikal dalam seni visual Italia termasuk seniman proto Arte Povera: Alberto Burri , Piero Manzoni, dan Lucio Fontana dan Spasialisme.

Menurut laporan dan analisis pada bulan Oktober, penjualan di London yang didedikasikan khusus untuk seni Italia abad ke-20 di Christie’s dan Sotheby’s berhasil dengan sangat baik sehingga ada sedikit keraguan tentang pengaruh gerakan tersebut. Selama bertahun-tahun terpinggirkan, gerakan-gerakan Eropa ini (yang sangat kuat di Italia) telah berkembang pesat selama hampir satu dekade sekarang.

Bukan Hanya Tentang Renaisans, Booming Pasar Seni Italia

Berpikir tentang seni Italia, hal pertama yang terlintas dalam pikiran adalah Renaissance dan Old Masters. Sepertinya sejumlah seniman Italia yang luar biasa dari abad ke-20 telah benar-benar diabaikan.

Namun, waktu ini telah berlalu, ketika pasar seni global mulai “menemukan” seni Italia abad ke-20. Mustahil untuk membayangkan bahwa seorang seniman Italia, Fontana misalnya, akan berada di tingkat tertinggi dunia seni pascaperang dan penjualan malam kontemporer yang bergengsi, tetapi hari ini kita melihat gambaran yang sama sekali berbeda.

Namun, ini bukan hanya tentang Fontana. Seperti Daniella Luxembourg, salah satu pemilik galeri Luxembourg & Dayan menjelaskan kepada The Bloomberg Sebuah karya berskala besar oleh Alberto Burri sekarang dapat dijual secara pribadi seharga lebih dari $10 juta, jika itu monumental dan salah satu yang terbaik.

Dalam lima tahun terakhir, tidak ada Burri yang monumental di lelang kebanyakan dari mereka dijual secara pribadi…Itu terjadi begitu saja, dengan cara yang sama juga terjadi bahwa Fontana terakhir yang dijual di pelelangan adalah besar. Karya-karya itu dijual secara pribadi sebelumnya.

Data dan Gerakan Seni Italia Lainnya

Hari ini, adalah normal untuk mengharapkan penjualan jutaan dolar dari karya-karya seniman Italia abad ke-20. Tapi, penjualan ini biasanya terkait dengan artis-artis yang tergabung dalam gerakan Arte Povera (Pintoretto, Fontana, Kounellis).

Bagaimana dengan gerakan seni penting lainnya di Italia, seperti Futurisme Italia, Abstraksi Italia? Galeri Sperone Westwater dari New York saat ini menampilkan pertunjukan kelompok besar seni Italia abad pertengahan, Lukisan di Italia 1910-an-1950-an Futurisme, Abstraksi, Seni Beton(dilihat hingga 23 Januari 2016).

Potongan seniman dari gerakan ini jauh lebih terjangkau. Hampir semua dari 120 karya seni yang dipamerkan di Galeri Sperone Westwater berkisar dari $20.000 hingga $110.000. Dua pengecualian adalah untuk karya Enrico Prampolini, yang harganya dalam pertunjukan berkisar dari $80.000 hingga $140.000, dan oleh Giacomo Balla , salah satu pendukung paling terkenal gerakan Futurisme Italia.

Mengapa seni Italia abad ke-20 menjadi begitu populer di kalangan kolektor seni “besar” sekarang? Ada beberapa kemungkinan jawaban, tetapi mari kita coba dengan dua. Ini adalah fakta yang diketahui bahwa harga naik tinggi dalam 15 tahun terakhir bahkan “kolektor besar” tidak mampu membeli karya terkenal Jackson Pollock atau Andy Warhol, misalnya.

Sederhananya semuanya terlalu mahal; oleh karena itu, banyak kolektor akhirnya mulai membeli karya seniman Italia (akibatnya menaikkan harga). Hal penting kedua adalah bahwa kolektor besar AS mengabaikan (dalam arti tertentu) seniman dan gerakan Eropa selama beberapa dekade. Dengan globalisasi pasar seni, dan dengan lebih banyak karya orang Eropa yang dibeli oleh kolektor AS, seniman Italia menjadi “terlihat”. Akhirnya, popularitas artis Italia abad ke-20 mungkin akan meningkat,

Jika kami membuat peringkat tujuan perjalanan impian penguncian kami, Italia pasti akan menjadi yang teratas dalam daftar. Dengan pemandangannya yang terkenal bervariasi dan selalu menakjubkan—belum lagi makanan, mode, sedikit sejarah seni yang adil—berlibur di semenanjung berbentuk sepatu bot ini sama baiknya dengan yang didapat.

Untungnya, satu setengah tahun setelah ditutup, Bel Paese sedang reboot. Antara seni dan desain kontemporer Milan yang semarak, dan tarikan selatan Puglia, beberapa orang bahkan akan mengatakan bahwa negara itu sedang mengalami Renaisans baru. Dan NetJets—pemimpin global dalam penerbangan swasta—siap membawa Anda ke sana dari atas hingga ujung kaki (atau tumit, dalam hal ini).

Untuk pelancong cerdas yang ingin menemukan kembali la dolce vita dan kegembiraan bertamasya cepat ke Italia (dengan pemberitahuan sesedikit 10 jam, tidak kurang), NetJets menawarkan layanan yang dipersonalisasi dengan perhatian tinggi terhadap detail yang diperoleh dari pengalaman lebih dari 55 tahun, standar industri terkemuka, dan tim multibahasa yang berdedikasi untuk mengantisipasi setiap kebutuhan Anda.

Setelah hiatus selama 18 bulan, Salone del Mobile (5–10 September) kembali dalam bentuk “phygital” yang baru. Bertajuk “Supersalone”, edisi ke-58 dari pameran desain internasional terkemuka ini dikuratori oleh arsitek lokal Stefano Boeri (kekuatan di balik “hutan vertikal” seperti menara Bosco Verticale di Milan) dengan mempertimbangkan keberlanjutan.

Anda akan masuk melalui 200 pohon ash, lime, oak, dan plum berbunga yang akan ditanam di Milan setelah akhir pekan raya. Dan merek akan memajang produk mereka di sepanjang dinding empat paviliun kayu daur ulang di dalam area pameran, yang dibuka untuk umum untuk pertama kalinya.

Pameran ini meluas dari pinggiran kota dan ke pusat kota dengan pameran sejarahnya di Triennale Design Museum , yang dikembangkan Boeri sebagai pusat budaya di dalam Palazzo dell’Arte yang bersejarah di Parco Sempione. Salah satu pertunjukan museum terbaru, “Enzo Mari yang dikuratori oleh Hans Ulrich Obrist dengan Francesca Giacomelli” (sampai 12 September), patut dikunjungi: Virgil Abloh, Rirkrit Tiravanija, dan lainnya diundang untuk memberi penghormatan kepada artis Italia yang baru saja meninggal. dan desainer, yang dikenal dengan kursi Delfina yang dapat ditumpuk.