Awal Mula Teater Seni Pertunjukan Memakai Pemain Langsung – Teater atau teater adalah bentuk kolaborasi seni pertunjukan yang menggunakan pemain langsung, biasanya aktor atau aktris, untuk menyajikan pengalaman peristiwa nyata atau khayalan di hadapan penonton langsung di tempat tertentu, sering kali di panggung.

Awal Mula Teater Seni Pertunjukan Memakai Pemain LangsungAwal Mula Teater Seni Pertunjukan Memakai Pemain Langsung

Teater Barat Modern sebagian besar berasal dari teater Yunani kuno, yang darinya ia meminjam terminologi teknis, klasifikasi ke dalam genre, dan banyak tema, karakter stok, dan elemen plotnya. Seniman teater Patrice Pavis mendefinisikan teater, bahasa teater, penulisan panggung, dan kekhususan teater sebagai ekspresi sinonim yang membedakan teater dari seni pertunjukan lainnya, sastra, dan seni pada umumnya.

Baca Juga : 8 Makanan Khas Cianjur yang Wajib Anda Coba

Dilansir kompas.com, Teater modern mencakup pertunjukan drama dan teater musikal. Bentuk seni balet dan opera juga teater dan menggunakan banyak konvensi seperti akting, kostum dan pementasan. Mereka berpengaruh pada perkembangan teater musikal; lihat artikel tersebut untuk informasi lebih lanjut.

Yunani Klasik dan Helenistik

Kota-negara bagian Athena adalah tempat asal teater barat. Itu adalah bagian dari budaya teater dan pertunjukan yang lebih luas di Yunani klasik yang mencakup festival, ritual keagamaan, politik, hukum, atletik dan senam, musik, puisi, pernikahan, pemakaman, dan simposium.

Partisipasi dalam banyak festival negara kota itu — dan Kehadiran wajib di Dionysia Kota sebagai penonton (atau bahkan sebagai peserta dalam produksi teater) pada khususnya – adalah bagian penting dari kewarganegaraan.

Partisipasi sipil juga melibatkan evaluasi retorika orator yang dibuktikan dalam pertunjukan di pengadilan hukum atau pertemuan politik, keduanya dipahami sebagai analogi dengan teater dan semakin menyerap kosakata dramatisnya. Orang Yunani juga mengembangkan konsep kritik dramatis dan arsitektur teater. Yunani kuno terdiri dari tiga jenis drama: tragedi, komedi, dan drama satir.

Asal usul teater di Yunani kuno, menurut Aristoteles (384-322 SM), ahli teori teater pertama, dapat ditemukan dalam festival yang menghormati Dionysus. Pertunjukan diberikan dalam auditoria setengah lingkaran yang dipotong menjadi lereng bukit, mampu menampung 10.000-20.000 orang.

Panggung terdiri dari lantai dansa (orkestra), ruang ganti dan area bangunan panggung (skene). Karena kata-kata adalah bagian terpenting, akustik yang baik dan penyampaian yang jelas adalah yang terpenting. Para aktor (selalu laki-laki) mengenakan topeng yang sesuai dengan karakter yang mereka wakili, dan masing-masing mungkin memainkan beberapa bagian. Tragedi Athena — bentuk tragedi tertua yang masih ada — adalah jenis drama tari yang merupakan bagian penting dari budaya teater kota-negara.

Setelah muncul sekitar abad ke-6 SM, itu berbunga selama abad ke-5 SM (dari akhirnya mulai menyebar ke seluruh dunia Yunani), dan terus menjadi populer sampai awal periode Helenistik. tragedi dari abad ke-6 SM dan hanya 32 dari lebih dari seribu yang dilakukan selama abad ke-5 SM yang masih ada. Kami memiliki teks lengkap yang masih ada oleh Aeschylus, Sophocles, dan Euripides. Asal-usul tragedi tetap tidak jelas, meskipun oleh Abad ke-5 SM itu dilembagakan dalam kompetisi (agon) yang diadakan sebagai bagian dari perayaan merayakan Dionysus (dewa anggur dan kesuburan).

Sebagai kontestan dalam kompetisi City Dionysia (yang paling bergengsi dari festival tersebut) Juga untuk drama panggung) penulis drama diharuskan untuk menyajikan tetralogi drama (meskipun karya individu tidak selalu terhubung dengan cerita atau tema), yang biasanya terdiri dari tiga tragedi dan satu drama satir.Penampilan tragedi di Kota Dionysia mungkin memiliki mulai sedini 534 SM; catatan resmi (didaskaliai) dimulai dari 501 SM, ketika permainan satir diperkenalkan.

Kebanyakan tragedi Athena mendramatisasi peristiwa dari mitologi Yunani, meskipun The Persians — yang mementaskan tanggapan Persia terhadap berita kekalahan militer mereka di Pertempuran Salamis pada 480 SM — adalah pengecualian penting dalam drama yang masih ada.

Ketika Aeschylus memenangkan hadiah pertama untuk itu di Kota Dionysia pada 472 SM, dia telah menulis tragedi selama lebih dari 25 tahun, namun perlakuan tragis dari sejarah baru-baru ini adalah contoh drama paling awal untuk bertahan hidup. Lebih dari 130 tahun kemudian, filsuf Aristoteles menganalisis tragedi Athena abad ke-5 dalam karya teori dramatis tertua yang masih ada — puisi miliknya (c. 335 SM).

Komedi Athena secara konvensional dibagi menjadi tiga periode, “Komedi Lama”, “Komedi Tengah”, dan “Komedi Baru”. Komedi Lama bertahan hari ini sebagian besar dalam bentuk sebelas drama Aristophanes yang masih ada, sementara Komedi Tengah sebagian besar hilang (disimpan hanya dalam fragmen yang relatif singkat dalam penulis seperti Athenaeus dari Naucratis).

Komedi Baru dikenal terutama dari fragmen papirus substansial Menander. Aristoteles mendefinisikan komedi sebagai representasi dari orang-orang yang menggelikan yang melibatkan semacam kesalahan atau keburukan yang tidak menimbulkan rasa sakit atau bencana.

Selain kategori komedi dan tragedi di Kota Dionysia, festival tersebut juga menyertakan Satyr Play. Menemukan asal-usulnya di pedesaan, ritual pertanian yang didedikasikan untuk Dionysus, drama satir akhirnya menemukan jalannya ke Athena dalam bentuknya yang paling terkenal.

Satyr sendiri terikat pada dewa Dionysus sebagai teman setia hutannya, sering terlibat dalam pesta pora mabuk dan kenakalan di sisinya. Drama satir itu sendiri diklasifikasikan sebagai tragikomedi, yang melanggar tradisi olok-olok yang lebih modern di awal abad ke-20.

Alur plot drama biasanya berkaitan dengan urusan jajaran Dewa dan keterlibatan mereka dalam urusan manusia, didukung oleh paduan suara Satyrs. Namun, menurut Webster, aktor satir tidak selalu melakukan tindakan satir yang khas dan akan keluar dari tradisi akting yang ditetapkan pada tipe karakter makhluk hutan mitos.

Teater Romawi

Teater Barat berkembang dan berkembang pesat di bawah pemerintahan Romawi. Sejarawan Romawi, Livy, menulis bahwa orang Romawi pertama kali mengalami teater pada abad ke-4 SM, dengan penampilan para aktor Etruria.

Beacham berpendapat bahwa mereka telah akrab dengan “praktik pra-teater” untuk beberapa waktu sebelum kontak yang direkam itu. Teater Roma kuno adalah bentuk seni yang berkembang dan beragam, mulai dari pertunjukan festival teater jalanan, tarian telanjang, dan akrobat, hingga pementasan komedi situasi Plautus yang sangat menarik, hingga tragedi Seneca yang rumit secara verbal dan rumit.

Meskipun Roma memiliki tradisi pertunjukan asli, Hellenisasi budaya Romawi pada abad ke-3 SM memiliki efek yang mendalam dan memberi energi pada teater Romawi dan mendorong perkembangan sastra Latin dengan kualitas terbaik untuk panggung. Satu-satunya drama yang masih hidup dari Kekaisaran Romawi adalah sepuluh drama yang dikaitkan dengan Lucius Annaeus Seneca (4 SM – 65 M), filsuf Stoa kelahiran Corduba dan guru Nero.

Teater India

Fragmen paling awal dari drama Sanskerta berasal dari abad ke-1 Masehi. Kekayaan bukti arkeologis dari periode sebelumnya tidak memberikan indikasi adanya tradisi teater. Weda kuno (himne dari antara 1500 dan 1000 SM yang merupakan salah satu contoh literatur paling awal di dunia) tidak mengandung petunjuk tentang itu (meskipun sejumlah kecil disusun dalam bentuk dialog) dan ritual periode Weda tidak tampaknya telah berkembang menjadi teater.

Mahābhāṣya oleh Patañjali berisi referensi paling awal tentang apa yang mungkin merupakan benih dari drama Sanskerta. Risalah tentang tata bahasa dari 140 SM ini memberikan tanggal yang layak untuk dimulainya teater di India.

Sumber utama bukti untuk teater Sansekerta adalah A Treatise on Theatre (Nātyaśāstra), sebuah ringkasan yang tanggal pembuatannya tidak pasti (perkiraan berkisar dari 200 SM hingga 200 M) dan yang kepenulisannya dikaitkan dengan Bharata Muni.

The Treatise adalah karya dramaturgi terlengkap di dunia kuno. Ini membahas akting, tari, musik, konstruksi dramatis, arsitektur, kostum, make-up, alat peraga, organisasi perusahaan, penonton, kompetisi, dan menawarkan kisah mitologis tentang asal usul teater.

Dengan demikian, ini memberikan indikasi tentang sifat praktik teater yang sebenarnya. Teater Sansekerta dipentaskan di tanah suci oleh para pendeta yang telah dilatih dalam keterampilan yang diperlukan (menari, musik, dan pelafalan) dalam [proses turun-temurun]. Tujuannya adalah untuk mendidik dan menghibur.

Di bawah perlindungan istana kerajaan, para pemain menjadi milik perusahaan profesional yang diarahkan oleh seorang manajer panggung (sutradhara), yang mungkin juga bertindak. Tugas ini dianggap analog dengan tugas seorang dalang — arti harfiah dari “sutradhara” adalah “pemegang benang atau benang”. Para pemain dilatih secara ketat dalam teknik vokal dan fisik. Tidak ada larangan terhadap artis wanita; perusahaan semuanya laki-laki, perempuan, dan jenis kelamin campuran.

Namun, sentimen tertentu dianggap tidak pantas bagi pria, dan dianggap lebih cocok untuk wanita. Beberapa pemain memainkan karakter seusianya, sementara yang lain memainkan karakter yang berbeda dengan usia mereka (baik lebih muda atau lebih tua). Dari semua unsur teater, Risalah memberikan perhatian paling besar pada akting (abhinaya), yang terdiri dari dua gaya: realistik (lokadharmi) dan konvensional (natyadharmi), meskipun fokus utamanya adalah pada gaya yang terakhir.

Dramanya dianggap sebagai pencapaian tertinggi sastra Sanskerta. Ini menggunakan karakter stok, seperti pahlawan (nayaka), pahlawan wanita (nayika), atau badut (vidusaka). Aktor mungkin memiliki spesialisasi dalam tipe tertentu. Kālidāsa pada abad ke-1 SM, bisa dibilang dianggap sebagai dramawan Sansekerta terhebat di India kuno.

Tiga drama romantis terkenal yang ditulis oleh Kālidāsa adalah Mālavikāgnimitram (Mālavikā dan Agnimitra), Vikramuurvashiiya (Mengenai Vikrama dan Urvashi), dan Abhijñānaśākuntala (Pengakuan Shakuntala). Yang terakhir terinspirasi oleh sebuah cerita dalam Mahabharata dan merupakan yang paling terkenal. Itu adalah yang pertama diterjemahkan ke dalam bahasa Inggris dan Jerman. Śakuntalā (dalam terjemahan bahasa Inggris) mempengaruhi Faust Goethe (1808–1832).

Dramawan besar India berikutnya adalah Bhavabhuti (sekitar abad ke-7 M). Dia dikatakan telah menulis tiga drama berikut: Malati-Madhava, Mahaviracharita dan Uttar Ramacharita. Di antara ketiganya, dua terakhir menutupi seluruh epik Ramayana. Kaisar India yang kuat Harsha (606–648) dikreditkan karena telah menulis tiga drama: komedi Ratnavali, Priyadarsika, dan drama Buddha Nagananda.

Teater Tiongkok

Dinasti Tang terkadang dikenal sebagai “The Age of 1000 Entertainments”. Selama era ini, Ming Huang membentuk sekolah akting yang dikenal sebagai The Pear Garden untuk menghasilkan suatu bentuk drama yang utamanya musik. Itulah mengapa para aktor biasa disebut “Children of the Pear Garden”.

Selama dinasti Permaisuri Ling, wayang kulit pertama kali muncul sebagai bentuk teater yang diakui di Tiongkok. Ada dua bentuk wayang kulit yang berbeda, Peking (utara) dan Kanton (selatan). Kedua gaya tersebut dibedakan dengan metode pembuatan wayang dan penempatan tongkat pada wayang, berbeda dengan jenis permainan yang dilakukan oleh wayang.

Kedua gaya tersebut umumnya menampilkan lakon yang menggambarkan petualangan dan fantasi yang hebat, jarang sekali bentuk teater yang sangat bergaya ini digunakan untuk propaganda politik.

Wayang kulit Kanton lebih besar dari keduanya. Mereka dibuat menggunakan kulit tebal yang menciptakan bayangan yang lebih kuat. Warna simbolis juga sangat umum; wajah hitam melambangkan kejujuran, keberanian merah. Tongkat yang digunakan untuk mengontrol wayang Kanton dipasang tegak lurus dengan kepala wayang. Sehingga, mereka tidak terlihat oleh penonton saat bayangan itu dibuat. Boneka peking lebih halus dan lebih kecil.

Mereka dibuat dari kulit yang tipis dan tembus cahaya (biasanya diambil dari perut keledai). Mereka dicat dengan cat yang cerah, sehingga menghasilkan bayangan yang sangat berwarna. Batang tipis yang mengontrol gerakan mereka diikatkan pada kerah kulit di leher boneka. Batangnya sejajar dengan badan boneka kemudian diputar pada sudut sembilan puluh derajat untuk menyambung ke leher.

Sementara tongkat ini terlihat saat bayangan dilemparkan, mereka diletakkan di luar bayangan boneka; dengan demikian mereka tidak mengganggu penampilan sosok tersebut. Batang dipasang di bagian leher untuk memudahkan penggunaan banyak kepala dengan satu tubuh. Jika tidak digunakan, kepala disimpan dalam buku muslin atau kotak berlapis kain. Kepala selalu dilepas pada malam hari. Ini sesuai dengan takhayul lama bahwa jika dibiarkan utuh, boneka akan hidup pada malam hari.

Baca Juga : Awal Mula Sejarah Dari Kebudayaan Musik Iran

Beberapa dalang melangkah lebih jauh dengan menyimpan kepala di satu buku dan tubuh di buku lain, untuk lebih mengurangi kemungkinan menghidupkan kembali boneka. Wayang kulit dikatakan telah mencapai titik tertinggi perkembangan seni pada abad kesebelas sebelum menjadi alat pemerintah.

Di Dinasti Song, ada banyak drama populer yang melibatkan akrobat dan musik. Ini berkembang di Dinasti Yuan menjadi bentuk yang lebih canggih yang dikenal sebagai zaju, dengan struktur empat atau lima babak. Drama Yuan tersebar di seluruh China dan beragam ke dalam berbagai bentuk regional, salah satunya yang paling terkenal adalah Opera Peking yang masih populer hingga saat ini.

Xiangsheng adalah pertunjukan komedi tradisional Tiongkok dalam bentuk monolog atau dialog.