Teater Kontemporer Italia Berjalan Antara Fiksi dan Realitas – Beberapa bulan yang lalu, ketika teater masih buka dan pertemuan diizinkan, saya pergi ke Piccolo Teatro di Milano bahasa Italia untuk “Teater Kecil Kota Milan” untuk melihat pertunjukan bersama Toni Servillo, aktor utama film Paolo Sorrentino. Film 2013 The Great Beauty .

Teater Kontemporer Italia Berjalan Antara Fiksi dan Realitas

toscanaspettacolo – Lima belas menit setelah pertunjukan dimulai, nada dering ponsel mengganggu penampilan Servillo. Alih-alih mengabaikan suara seperti yang saya harapkan, aktor menghentikan semuanya. Servillo mengatakan dia akan memulai aktingnya dari awal, dengan cermat mengulangi semua yang telah dia lakukan sampai interupsi.

Baca juga : Mengenal Teater Renaissance di Italia

Melansir italicsmag, Di akhir pertunjukan, dia mengambil mikrofon dan berkata: “Saya tidak melakukan ini untuk megalomania. Ada aktor di atas panggung: mereka adalah orang-orang yang telah bekerja selama berbulan-bulan di setiap kalimat dan setiap gerakan. Di Netflix, kami dapat menjeda acara untuk mengirim pesan teks, tetapi di teater, Anda tidak dapat: lihat kami, kami adalah orang-orang nyata dan kami bekerja untuk Anda, kami pantas dihormati.”

Kata-katanya mengejutkan saya dan membuat saya menyadari nilai sebenarnya dari teater. Tidak seperti sinema, bentuk pertunjukan ini sepenuhnya ada dalam momen yang segera menghilang. Ini adalah seni cepat berlalu dr ingatan dan karena itu setiap momen penting.

Ketika saya mewawancarai Francesca Merli, seorang sutradara teater kontemporer muda Italia, saya senang melihat dia juga mengulangi konsep ini.

Merli adalah pendiri perusahaan teater Domesticalchemia . Kembali pada tahun 2016, drama Santa Estasi disutradarai oleh Antonio Latella , di mana ia menulis dramaturgi dari bab pertama , memenangkan penghargaan Ubu — Oscar Italia untuk teater.

Dalam karya teatrikalnya, ia sangat memperhatikan fenomena yang paling mempengaruhi masyarakat kita. Itu sebabnya saya pikir dia adalah orang yang tepat untuk memberi tahu pembaca kami sesuatu yang menarik tentang teater kontemporer Italia.

Apakah menurut Anda teater Italia kontemporer tidak terikat dengan tradisi seperti yang mungkin dipikirkan orang-orang di luar negeri?

Teater kontemporer Italia mencoba membebaskan diri dari tradisi tetapi tidak menyangkalnya. Mungkin salah satu inovasi terbesar dalam hal arahan teater: sosok sutradara relatif baru, tetapi teater kontemporer sekarang mempertanyakan pentingnya hal itu.

Pada abad ke-19, ada perusahaan di mana aktor utama — yang disebut capocomico — juga berperan sebagai sutradara. Ini berubah dalam tiga dekade pertama abad ke-20 ketika para pendiri mulai memahami pentingnya visi terpadu, pandangan tunggal yang melampaui akting, dan yang mengarah pada kelahiran arah.

Salah satu inovasi teater kontemporer Italia adalah mengatasi penyutradaraan, peran yang sedang diturunkan karena perusahaan teater baru memiliki peran yang lebih cair, dan karena itu ada lebih banyak kepala yang memutuskan.

Meskipun sebagian besar karya Anda kontemporer, Anda juga telah mengadaptasi Iphigenia karya Euripides di Aulis . Bagaimana rasanya menafsirkan kembali teks klasik semacam itu menjadi gaya kontemporer?

Hal pertama yang ingin saya tunjukkan adalah teater Yunani sudah memiliki kekhasan kontemporer: kisah Iphigenia di Aulis, misalnya, menceritakan kisah seorang perawan yang dikorbankan oleh seorang raja demi Perang Troya.

Meskipun mikrokosmos yang melingkupi cerita itu sangat jauh dari kita, peristiwa-peristiwa itu menyentuh tema-tema universal: cinta, kekuatan, kematian, naluri. Klasik berbicara kepada umat manusia menyentuh saraf terbuka dari setiap orang. Saya tidak akan pernah menempatkan Iphigenia di Milan hari ini, justru karena teksnya tidak memerlukannya — itu sangat kuat seperti apa adanya.

Klasik dapat diadaptasi tanpa diperbarui. Definisi klasik itu sendiri mengacu pada sesuatu yang menolak berlalunya waktu: kita masih menarik dari mitos dan cerita itu sendiri: mereka adalah model abadi.

Bagaimana minat Anda pada teater berkembang?

Ketertarikan saya datang ketika saya masih sangat muda. Ketika saya berusia sepuluh tahun, saya sudah tahu bahwa saya ingin mengarahkan, tetapi saya tidak begitu mengerti apa artinya itu. Saya tidak memiliki kontak dengan dunia teater sampai saya berusia 18 tahun.

Berasal dari keluarga yang jelas tidak kaya, saya dididik melalui bioskop dan TV: mereka adalah pendekatan pertama saya terhadap produk artistik. Saya ingat menulis ulasan di buku catatan saya tentang apa yang baru saja saya lihat di tv. Saya benar-benar terpesona.

Orang pada umumnya memiliki lebih banyak kontak dengan bioskop daripada dengan teater. Menurut Anda apa fitur utama yang membuat sinema dapat membuat iri teater dan sebaliknya?

Bioskop memiliki hak istimewa untuk dapat memilih pengambilan terbaik, yang berarti selalu dapat menjadi versi terbaik dari dirinya sendiri. Ketika datang ke teater, ada satu lapisan fiksi yang lebih sedikit karena apa yang dibacakan di atas panggung tidak lagi dapat diedit.

Menurut André Bazin, seorang sejarawan film, kekuatan sinema adalah keabadian. Teater memiliki kekuatan dan kelemahan sebagai seni yang rapuh dan fana. Pertunjukan semacam ini dikonsumsi oleh penonton dan berbeda setiap kali dibawakan ke atas panggung. Teater mementaskan sesuatu yang kekuatannya ada sepenuhnya pada saat itu dan kelemahannya segera menghilang setelahnya.

Mari kita bicara tentang produksi Anda: dalam drama Anda, seringkali ada komponen psikologis yang kuat. Menurut Anda apa neurosis terbesar di zaman kita?

Neurosis zaman kita yang telah terlepas pada saat krisis ini adalah obsesi terhadap produktivitas. Kewajiban untuk berhenti karena virus corona telah menciptakan kehancuran, dan seperti yang mungkin Anda ketahui, kita tidak benar-benar terbiasa meluangkan waktu untuk memikirkan apa yang sedang kita lakukan dengan hidup kita.

Saya percaya bahwa wanita, selain terobsesi dengan produktivitas, harus menghadapi tekanan alam. Di satu sisi ada perjuangan untuk mencapai karir dan kepuasan kerja tertentu, di sisi lain ada pertanyaan tentang keibuan, dan dua aspek ini sayangnya masih sulit untuk disatukan.

Kehidupan seorang wanita diselingi oleh langkah-langkah fokus — datangnya menstruasi, kemampuan untuk berkembang biak, ketidakmampuan untuk melakukannya lagi (mungkin juga dimotivasi oleh tidak ingin) — yang berada di luar kendalinya dan yang harus dia perhitungkan lebih dalam. cara yang mendesak daripada seorang pria.

Anda seorang sutradara wanita muda. Bisakah kita mengatakan bahwa lingkungan teater Italia kontemporer masih didominasi oleh laki-laki?

Tujuh tahun yang lalu saya akan mengatakan bahwa gender sangat penting. Saya yakin wanita memiliki ruang yang sama dengan pria. Hari ini saya harus mengoreksi diri saya sendiri.

Pertama-tama, ada data konkret: di bioskop dan teater, sutradara wanita lebih sedikit daripada sutradara pria dan itu tak terbantahkan. Situasi ini menciptakan lingkaran setan: fakta bahwa peran kekuasaan dipegang oleh laki-laki menyebabkan kesulitan yang lebih besar bagi perempuan.

Mengapa saya dulu berpikir ada kesetaraan dan sekarang tidak? Karena saya masih muda dan naif, dilindungi oleh akademi, dan tidak menyadari apa yang terjadi di luar.

Seorang wanita yang harus memberi tahu teknisi teater cara menggantung lampu tidak akan pernah memiliki suara yang sama dengan rekan pria. Ketika wanita memegang kekuasaan — karena tentu saja peran sutradara adalah sebagai pemimpin — ada orang yang menghormati Anda tetapi masih banyak yang mungkin menganggap Anda kelucuan tetapi tidak benar-benar menghormati.

Kita hidup dalam situasi baru yang membahayakan kontak sosial dan pasar seni. Menurut Anda bagaimana cara teater akan berkembang?

Apa yang saya tahu pasti adalah bahwa entah bagaimana itu harus berkembang. Selalu ada evolusi dalam seni yang didikte oleh kehidupan nyata. [Penulis drama Jerman Bertolt] Brecht mengatakan bahwa kita tidak dapat mengabaikan apa yang terjadi di sekitar kita: kita harus memperhitungkan pasar yang berubah, kita harus mengamati siapa yang baru tertindas dan seterusnya. Dengan kata lain, kita harus melihat realitas di sekitar kita, mengambil apa yang penting tentangnya, dan membuat seni darinya.

Dari sudut pandang formal, lebih sulit untuk menanggapi pertunjukan teater. Drama teater tidak dapat direkam dalam video, karena mereka akan kehilangan evanescence mereka yang membuat mereka berbeda dari bioskop. Bukan berarti tidak bisa dilakukan di tempat lain.

[Sutradara teater dan film Inggris] Peter Brooke pernah berkata bahwa sebuah kotak buah dan sebuah kotak sudah cukup untuk membuat teater. Jadi, bagaimana seseorang mengadaptasi subjek tanpa mendistorsinya? Menurut saya, alangkah baiknya untuk membuat bentuk teater lain yang belum tentu dibuat di dalam teater yang dimaksudkan sebagai tempat.

Belum tentu akting harus terikat dengan tirai merah dan panggung kayu. Ini sebenarnya hanya membutuhkan aktor dan penonton dan hanya itu. Jadi mungkin bermain di alun-alun dan jalanan? Saya ingin itu.

Baru-baru ini, apa yang disebut teater sosial atau teater dokumenter menjadi populer. Dalam karya terakhir Anda Bank impian , aktor non-profesional naik panggung untuk “bermain sendiri.” Apakah menurut Anda cara teater yang baru ini menanggapi kebutuhan pribadi ataukah masyarakat kita yang meminta kenyataan daripada fiksi?

Menurut saya teater tidak bisa menjadi seni yang hanya berbicara pada dirinya sendiri, ia harus mengandung ilmu-ilmu lain: psikologi, antropologi, sosiologi. Sutradara juga seorang peneliti dan memiliki kesempatan untuk memasukkan hasil penelitiannya ke dalam dramanya.

Saya percaya bahwa tren teater baru ini menanggapi urgensi untuk berbicara tentang nilai tambah artistik yang sebenarnya. Fiksi jelas masih ada: ada kostum, ada musik, ada naskah. Namun ada juga realitas jalanan, kealamian ekspresi mereka yang tidak pernah belajar akting dan dipilih dari jalanan.

Italia memiliki, di satu sisi, tradisi aktor-aktor hebat, sangat serius dan terbentuk dengan baik, yang merupakan sesuatu yang kita kenal di luar negeri; tetapi di sisi lain, ada sandiwara besar dari cara kita mengekspresikan diri: kemerduan bahasa kita, spontanitas kita. Jika jiwa Italia ada, saya pikir itu mengandung dua hal ini.

Apakah menurut Anda cara berteater ini dipengaruhi oleh sinema neo-realis?

Ya, matriks neorealis kuat. Sebuah model hebat adalah bioskop yang dibuat oleh sutradara Pier Paolo Pasolini , yang lebih memilih aktor yang diambil dari jalanan daripada yang berasal dari akademi.

Sebenarnya, saat Anda menyalakan kamera atau membawa seseorang ke atas panggung, kenyataan tentu saja dinodai oleh fiksi. Vittorio “Accattone” Cataldi, misalnya, tokoh utama dari drama homonim Pasolini tahun 1961 Accattone , adalah seorang anak dari proletariat Romawi. Penampilannya sangat vital dan alami, karena Accattone mewakili dirinya sendiri, tetapi pada saat yang sama, ada tingkat fiksi, representasi sadar, dan tidak lagi hanya ketidaksadaran dan spontan.

Bagi saya, ini adalah salah satu aspek yang paling menarik dari menjadi seorang sutradara: mampu berayun antara fiksi dan kenyataan. Jelas bahwa teater tidak dapat dibuat hanya dari improvisasi dan spontanitas — akting adalah sebuah profesi. Mari kita pikirkan Carmelo Bene, aktor intelektual, eklektik, berbudi luhur par excellence .

Namun di sisi lain kita sebagai seniman tidak bisa mengabaikan keberadaan Franco Citti, pria yang memainkan Accattone Pasolini : dia jalanan, perut, lapar. Siapa yang Anda pilih sebagai model? Anda tidak harus. Keduanya diperlukan untuk manifestasi seni yang jujur.

Menurut Anda, apakah campuran budaya tinggi dan budaya rendah ini, antara fiksi dan realitas, berguna untuk menyanggah mitos teater sebagai seni untuk segelintir orang, sombong, dan mementingkan diri sendiri?

Ya, saya pikir teater harus kembali ke rakyat. Siapa yang merindukannya sejak coronavirus menghentikannya? Mereka yang bekerja di dalamnya tentu saja, tapi siapa lagi? Beberapa pemirsa, tetapi tidak pernah menyukai film atau serial TV, akan terlewatkan jika mereka menghilang.

Menurut saya, kembalinya teater kepada rakyat bukan berarti kehilangan kualitas. Saya selalu mengatakan bahwa kita tidak boleh meremehkan penonton. Anda tidak harus menjadi seorang intelektual untuk memahami pertunjukan teater: ada perasaan yang dipahami pada tingkat primordial, bahkan sebelum pemrosesan intelektual, hampir secara emosional. Teater Yunani, misalnya, tidak mudah tetapi untuk semua orang.

Jika Anda melihat Medea, tragedi Yunani lain yang ditulis oleh Euripides, Anda mungkin tidak tahu persis fenomena psikologis yang mendasarinya, tetapi pembunuhan anak-anaknya masih menghancurkan Anda. Jika saya perlu membaca catatan sutradara sebelum memahami drama, maka, menurut saya, karya seni itu telah gagal. Jika seni memiliki efek membuat orang merasa bodoh, maka ia telah gagal.